Francesco Paolo Tosti의 가곡에 대한 연구 : 표현 연주법을 중심으로

이원섭 안동대학교 대학원 2005 국내석사

A. Schönberg의 <공중정원의 책, Op.15>에 나타난 성악 멜로디 표현에 관한 연구 : 제 1, 3, 7, 14번을 중심으로

김은 서울대학교 대학원 2020 국내석사

This study investigates the relationship between the lyrics and the melody of The Book of the Hanging Gardens (Das Buch der hängenden Gärten), Op. 15, a song for the piano and voice out of the songs by Arnold Schönberg (1874-1951), to identify the major characteristics the vocalist should understand to sing the melody of the atonal music more comfortably. Arnold Schönberg is one of the most important composers in the history of Western Music of the 20th century, and his works range from the tonal music compositions to atonal music compositions from the end of the19th century to the 20th century. The Book of the Hanging Gardens of this study is an atonal composition, and is a song cycle composed of relatively shorter pieces, which is efficient to compare and analyze the relationship between the melody and accompaniment, as well as the music tendencies. Part 1 of the study investigates the musical trends of Schönberg based on his life and his vocal pieces. The musical trends of Schönberg are generally divided into four periods : The first period shows the characteristics of post-Romanticism; the second period shows the characteristics of Expressionism with atonality; the third period generally uses dodecaphony (twelve-tone technique); and the fourth period comprehensively uses various methods, encompassing the overall periods. In terms of the musical trends by the periods, during the first and second periods, which are the early to middle stages, Schönberg generally composed not only vocal music but also independent vocal works that include instrumental music centered on song cycles, during the third period, composed vocal works for choruses and operas, and during the fourth period, composed oratorios with great religious characters. As time passes, he enlarges the scales of the works and directly shows his philosophical views. Part 2 of the study analyzes the poetry and harmony of The Book of the Hanging Gardens (Das Buch der hängenden Gärten), Op. 15, No. 1, 3, 7 and 14, which is the main topic of this study. To emphasize certain poetic diction, Schönberg applies dissonances with relative differences within the atonal melody to have different densities within a single song. In addition, the horizontal musical aspects that arise from the melody of the vocal part or the piano motifs with the vertical aspects form an organized structure by the compositions of the poetry and the poetic diction. Therefore, in this piece, both the vocal part and the piano part exist as a single independent part, and if needed, the piano part plays not only the role of an accompaniment but also the counterpoint of the vocal part. This study investigated the relationship between the harmonic structure and the melody to allow the vocalist to comfortably perform the vocal part of The Book of the Hanging Gardens (Das Buch der hängenden Gärten), Op. 15 by Arnold Schönberg, and identified that the piece has melodies with structurally different densities by the characteristics of the poetic diction by analyzing the relationship from various dimensions of the vocal part and the piano part. Therefore it is expected that the vocalist can express the vocal lines with a clearer standard by identifying the densities of the piano part, in other words, whether the distance between the tones of the notes is relatively narrow, or if the harmonic progress has a more complex structure, and so on. 본 논문은 아놀트 쇤베르크(Arnold Schönberg, 1874-1951)의 성악과 피아노를 위한 작품 “공중정원의 책, (Das Buch der hängenden Gärten) Op.15”에 나타나는 텍스트와 음악의 관계를 살펴봄으로써, 성악파트를 더욱 효과적으로 연주하기 위해 이해해야 할 주요한 특징들을 연구한 것이다. 아놀트 쇤베르크는 20세기 서양 음악사에서 가장 중요한 인물 중 하나로 손꼽히는 작곡가로서, 그의 작품경향은 조성양식의 작품에서부터 무조양식의 작품까지 다양하다. 본 논문에서 다루고 있는 “공중정원의 책”은 제 2기에 작곡된 무조양식의 작품이면서 비교적 짧은 길이의 연가곡으로 구성되어있어 성악과 피아노의 관계 및 텍스트의 적용 사례 등을 비교 분석하기에 매우 유용하다. 이에 본론 1에서는 쇤베르크의 생애와 성악 작품을 중심으로 하는 작품 경향에 대해 연구하였다. 쇤베르크의 작품 경향은 대체로 4개시기로 구분되는데 후기 낭만주의적 특징을 띄는 제 1기, 무조성을 통한 표현주의적 성향이 드러나는 제 2기, 12음 기법을 주로 사용하는 제 3기와 전체를 아우르며 자유롭게 여러 기법을 포괄적으로 운용하는 제 4기로 나뉜다. 시기별 작품 경향을 보면 초반부터 중반에 이르는 제 1기부터 2기에는 주로 연가곡을 중심으로 성악뿐 아니라 기악을 포함하는 독립된 성악 작품들을 작곡하였고, 제3기에 이르러 성악 작품으로는 합창곡과 오페라, 제4기에는 종교적 색채를 보여주는 오라토리오를 작곡하였는데, 후기의 작품으로 갈수록 작품의 규모가 확대되고 철학적인 부분이 보다 직접적으로 드러나는 것으로 보인다. 본론 2에서는 공중정원의 책의 시인인 슈테판 게오르게(Stefan George, 1868-1933)의 생애과 작품 경향을 살펴보았다. 게오르게는 19세기 상징주의에 영향을 받은 시인으로, 현실을 비판적으로 수용하되 아름답고 형식적이며 예술지향적인 언어로 된 시들을 남겼다. 그 중 “공중정원의 책”은 비현실적인 풍경을 통해 사랑의 여러 성질을 묘사하고 있다. 본론 3에서는 본 연구의 주요 분석 작품인 “공중정원의 책, (Das Buch der hängenden Gärten) op.15”의 제 1번, 3번, 7번, 14번을 분석하였다. 쇤베르크는 특정한 시어를 강조하기 위하여 무조로 작곡된 악곡 안에서 상대적인 차이를 가지는 불협화음들을 각기 다른 밀도를 갖도록 하여 여러 가지 방법을 통해 운용하고 있다. 또한 화음의 기능을 수직적 측면 뿐 아니라 수평적 측면에서 성악과 피아노의 음형들을 통해 변화시킴으로써, 시의 구조가 보다 조직적으로 음악에 적용되도록 하였다. 또한 이 작품은 성악 성부뿐만 아니라 피아노 성부도 하나의 독립된 성부로 존재하며 필요에 따라 반주의 역할과 함께 성악 성부의 대위적 성부 역할을 수행하기도 한다. 본 논문에서는 아놀트 쇤베르크의 “공중정원의 책, Op15”의 성악 파트의 연주를 효과적으로 연주하기 위한 음 소재 및 화음소재의 구조와 텍스트의 연관성을 연구하였으며, 성악가가 이 작품을 연주 할 때 참고하면 좋을 성악 멜로디 표현에 관한 연구를 하였다. 성악 파트와 피아노 파트에 대한 다양한 각도의 연관성 분석의 결과로써 시어의 성격에 따라 다른 불협화적 밀도를 가진 화음소재를 사용하고 있음을 확인하였다. 이에 따라 피아노 파트의 밀도 즉, 음 간격이 상대적으로 좁다든지, 화성의 진행이 보다 복잡한 구조를 갖는 등의 감지를 통해 성악 파트의 연주 표현에 있어 더욱 명확한 기준을 가지고 연주할 수 있을 것으로 보인다.

20세기 중반 성악에 나타난 실험적 기법연구 : 베리오(L. Berio), 리게티(G. Ligeti), 크럼(G. Crumb)을 중심으로

변정윤 서울대학교 대학원 2012 국내박사

20세기에 이르러 많은 작곡가들은 이전의 음악적 틀을 깨는 다양한 작곡기법을 사용하기 시작했다. 그들은 그들만의 독특한 연주 기법을 작품 속에 도입하고자 노력하였고, 이는 성악음악에서도 다양한 실험적 요소들이 나타나는 계기가 되었다. 특히 사람이 가진 소리를 사용하는 인성기법은 그 대표적인 예로써 이 기법의 혁신성은 사람의 목소리에 대한 새로운 가능성과 인식을 심어주는데 기여했다. 20세기 이전의 성악음악이 주로 벨칸토 창법을 사용하여 전통적인 아름다움을 추구하였다면, 20세기 이후에는 전통적인 틀에서 탈피해 다채로운 소리의 영역을 확장하기 시작한다. 쇤베르크(Arnold Schönberg, 1874-1951)의 <달에 홀린 피에로>(Pierrot Lunaire, 1912)에서 사용된 ‘말하는 선율’(Sprechstimme) 기법을 기점으로, 많은 현대 작곡가들은 인성으로 표현할 수 있는 수많은 소리들을 탐구하였다. 가령 악기에서 나타난 실험적인 테크닉을 성악음악에도 적용한 것은, 인성이 가진 한계를 소멸시킨 것으로 볼 수 있다. 기악에서만 사용될 수 있는 것으로 간주되던 타악기적인 소리를 비롯하여 소음적인 음향까지, 그 범위와 내용은 매우 다양하다. 이는 전통적인 성악곡에서 나타난 음악과 언어의 관계를 상실시키고, 의미 있는 언어로는 인식될 수 없는 음향적 매체로써 인성을 사용한 것이다. 이렇듯 실험적 인성기법의 사용은 현재까지도 나타나고 있는 것으로, 새로운 음향학적인 가능성과 풍요로운 음악언어의 발달에 많은 영향을 주고 있다. 본 논문에서는 20세기 성악음악에 나타난 새로운 인성기법의 전반적 흐름과 20세기 중반의 대표적 작곡가 루치아노 베리오(Luciano Berio, 1925-2003)와 죄르지 리게티(György Ligeti, 1923-2006), 죠지 크럼(George Crumb, 1929-)의 성악 작품에 나타난 실험적 인성기법을 고찰하였다. 즉 이 세 작곡가들의 작품에서 나타나는 인성기법의 주요한 특성들을 정리하고 그것이 작품 속에서 가지고 있는 의미를 찾아, 궁극적으로 새로운 현대적 성악 음악이 가지는 미적 가치를 재발견 하는 것이 본 연구의 목적이자 의의이다. By 20th century, many composers started to use various composing methods which broke the musical style. Those composers tried to introduce unique performing techniques, and this led vocal musics to possess different experimental elements. Especially the vocal technique which uses the human voice can be thought as an example. The experimental vocal technique is innovative attempt made in the field of vocal music, which resulted in providing novel recognition about human voice. Before 20th century, vocal music mainly used the Bel canto for pursuing traditional lyrical beauty. However, since the start of 20th century, it has escaped from the old structure and started to expand the field of sound to various parts. For example, the experimental technique which has been shown in the field of instrument started to be applied to vocal music, and this broke the limitation of haman voice. The start from the use of Sprechstimme in Pierro Lunaire(1912) by Arnold Schönberg(1874-1951), many modern composers has studied variety of sounds that can be expressed by human voice. From the percussional sounds which thought to be only available for instrumental music to noise sounds, the subjects were massive. These approaches disconnected the relation between music and language which was shown in traditional vocal music. And vocal music as acoustic media which cannot be recognized as meaningful language was originated. The Expended Vocal Techniques are still ongoing in the 21st century, which are affecting the development of affluent musical language and the possibility of novel acoustics. In the thesis, overall process of development of vocal techniques during 20th century and the experimental methods which were shown in the works of experimental composers in the mid 20th century such as Luciano Berio(1925-2003), György Ligeti(1923-2006), and George Crumb(1929-) will be handled. Hereby, main features will be organized and the new method in vocal music can be studied. By doing this, we can find the meaning of it in the actual works, which will be invaluable in rediscovering the value and beauty of the modern vocal music.

‘아리랑’을 소재로 한 20세기 성악작품 연구

백나윤 서울대학교 대학원 2019 국내박사

국문 초록 ‘아리랑’을 소재로 한 20세기 성악작품 연구 본 논문은 한국의 대표적인 전통 민요인 아리랑을 소재로 한 20세기 성악 작품들을 수집, 분류하고, 각 악곡들의 형식과 특징, 가사와 음악과의 연관성에 대해 고찰한 논문이다. 민요 아리랑은 우리 민족의 정서를 대표하는 민요로, 국내는 물론이고 해외에서도 유네스코 인류무형유산에 등재되면서 영향력 있는 음악으로 자리 잡았다. 이러한 아리랑은 서양음악 작곡가들에게도 중요한 창작의 소재로 사용되어 왔음에도 불구하고, 민요 아리랑을 주제로 한 성악작품에 대한 연구는 그리 활발하지 못한 실정이다. 이에 본 논문에서는, 20세기 이후 등장한 민요 아리랑을 주제로 한 성악 작품 73곡을 수집하고, 작품에 사용된 아리랑의 종류에 따라 분류하여 각 악곡의 주요 형식과 구조, 음악적 특징, 그리고 가사와 음악과의 연관성 등을 분석하여 정리하였다. 그 결과, 이러한 연구를 통해 다음과 같은 결론을 이끌어낼 수 있었다. 첫째, 아리랑을 소재로 한 성악 작품을 사용된 민요의 종류에 따라 분류했을 때, 본조 아리랑을 차용한 곡이 54곡으로 가장 많은 것으로 나타났다. 둘째, 창작 시기별로 구분했을 때, 2000년 이후 창작된 작품이 56 퍼센트 이상을 차지했음을 알 수 있었으며 특히 유네스코 인류무형유산에 등재된 이후에만 31곡이 작곡되어 최근 들어 아리랑에 대한 관심이 더욱 높아지고 있음을 알 수 있었다. 셋째, 악기의 편성 면에서는 피아노 반주가 붙은 곡이 64곡으로 가장 많았으며, 국악기를 동반한 편성도 9곡 가량 나타났다. 넷째, 가사와 음악과의 연관성에서 살펴보면, 주요 가사와 주제를 표현하기 위해 가사 그리기 기법을 주로 사용했는데, 이러한 가사의 표현은 민요 사설을 차용할 때보다 작곡가가 새로 쓴 창작 가사에서 더욱 두드러지게 나타남을 알 수 있었다. 주요어: 아리랑, 아리랑 성악 작품, 민요, 예술 가곡 학번: 2007-30476 Abstract Vocal Music Composed in the Twentieth and Twenty-First Centuries Based on Arirang Na Yoon Baek Department of Vocal Music The Graduate School Seoul National University This study focuses on the vocal works of the twentieth and twenty-first centuries, which were composed based on arirang. The works are categorized by the type of arirang songs used in the compositions and analyzed in terms of their forms, distinct characteristics, and the relationships between the lyrics and the music. Arirang is a genre of Korean folk music in which the quintessential Korean sentiment is expressed. It is inscribed on UNESCO’s Representative List of the Intangible Cultural Heritage of Humanity, and known worldwide as an important genre representing Korean culture and traditional music. Arirang has given inspirations to numerous Western music composers and has been used as an important material for a large number of musical works. However, there has been very few scholarly researches on the vocal works based on arirang songs. In this study, seventy-four vocal music, composed since the twentieth century based on arirang songs, are categorized according to the type of arirang song used in each work, the date of composition, and instrumentation, and analyzed with regard to the form and structure, distinct characteristics, and the relationship between lyrics and music of each work. Through this categorization and analysis, it was found that when the seventy-four vocal works are categorized by the type of arirang song used in each composition, the largest group consists of fifty-four works which borrowed its elements from Bonjo Arirang. When the works are categorized by the date of composition, the works composed in the twenty-first century form the largest group, which amounts to seventy percent of the works listed in this study. Thirty-one out of seventy-four works were composed after the point arirang was inscribed on the Representative List of the Intangible Cultural Heritage of Humanity. This indicates that there has been a growing interest in arirang in recent years. In terms of instrumentation, sixty-four songs were written for a solo voice with piano accompaniment and nine works included Korean traditional instruments. Finally, through analyzing the relationship between the lyrics and the music, it was found that word-painting is often used to express the keywords and the main theme of the lyrics. The use of word-painting technique was more obvious in the works that use newly written lyrics rather than borrowing the lyrics of the original arirang song. keywords : arirang, vocal music based on arirang, folksong, art song Student Number : 2007-30476

Samuel Barber의 연가곡 ≪Hermit Songs Op. 29≫ 음악분석 및 성악적 적용 연구

최은 서울대학교 대학원 2023 국내석사

This Study is a researcher's master's degree thesis, an analysis of the song cycle ≪Hermit Songs Op.29≫, a vocal work of Samuel Barber (1910-1981), a composer representing the United States in the 20th century. ≪Hermit Songs Op.29≫ is Samuel Barber's representative vocal work that harmonizes the modern techniques of the 20th century on top of the traditional 19th century expression of lyrical music, and occupies an important position in the history of contemporary American art songs. The work included modern English translations of unidentified poems written in the margins by Irish monks and scholars in the 8th and 13th centuries, especially by applying 20th century techniques such as semi-tone progression, dissonance, and ambiguous composition on top of traditional 19th century Romantic techniques such as mode, counterpoint, fuga, and canon techniques. Particularly unique compared to other vocal works, the lyrics of the work are poems of unknown authors that deviate from the formal framework of general literary works, and are free in terms of form. Among these poems, the composer adopted the key-word to create musical themes and motivations, and accordingly, he composed and developed music by combining poetry, songs, and accompaniments. Prior to the analysis of Samuel Barber's ≪Hermit Songs Op.29≫, this paper focused on the analysis of the interpretation of the poem, its hidden meaning, and the musical theme of expressing the central keyword, starting with the investigation of the composer's life and tendency by period. 본 논문은 연구자의 석사 과정 학위 논문으로서, 20세기 미국을 대표하는 작곡가 사무엘 바버(Samuel Barber, 1910-1981)의 성악 작품인 연가곡 ≪Hermit Songs Op.29≫에 대한 분석 연구이다. ≪Hermit Songs Op.29≫는 서정적인 음악의 표현을 담은 19세기의 전통 기법 위에, 20세기의 현대 기법이 조화를 이루는 사무엘 바버의 대표적인 성악 작품으로서, 현대 미국 예술 가곡사에 중요한 위치를 차지한다. 이 작품은 8-13세기의 아일랜드 수도승과 학자들이 필사본을 제작하는 과정에서 여백에 써놓은 작자 미상의 시를 현대 영어로 번역한 가사에 곡을 붙였으며, 특히 선법, 대위법, 푸가, 캐논 기법과 같은 19세기 낭만주의 전통적인 기법 위에 반음계 진행, 불협화음, 모호한 조성과 같은 20세기의 기법들을 적용함으로써, 작곡자의 독창적인 음악 스타일을 나타내었다. 특별히 다른 성악 작품에 비해 독특한 점은, 작품의 가사가 일반적인 문학 작품의 형식적인 틀에서 벗어난 작자 미상의 시로, 형식 면에서 매우 자유롭다. 작곡자는 이러한 시어들 중에서, 중심적인 주제어(Key-word)를 채택하여 음악적인 주제와 동기를 만들고, 이를 따라 시와 노래, 반주 등을 조합하여, 음악을 구성하고 전개하였다. 본 논문은 사무엘 바버의 ≪Hermit Songs Op.29≫ 작품 분석에 앞서, 작곡가의 생애와 시기별 성향 및 성악 작품의 음악적 특징과 작곡 배경에 대한 조사연구로 시작하여, 작품에 나타난 시어의 해석과 그 숨은 의미, 그리고 중심 키워드를 표현하는 음악적인 주제가 어떻게 효과적으로 형성되고 전개되어 나타났는지에 대한 분석에 중점을 두었다.

G. Faure와 C. Debussy의 가곡 비교 연구 : Paul Verlaine의 <Mandoline>과 <En Sourdine>을 중심으로

박성경 목포대학교 대학원 2013 국내석사

포레는 많은 예술 가곡을 작곡하여 낭만주의에서 근대 및 현대음악으로 발전하는 다리 역할을 한 중요한 작곡가이며, 드뷔시는 20세기의 음악에 있어 가장 큰 영향을 준 작곡가이다. 그는 낭만주의에서 근대 음악으로 이어지는 과도적 혁신기에 있어 인상주의 음악으로 근대 음악의 문을 열었으며, 앞 시대의 음악적 전통을 그대로 독자적인 음악 개념을 작품 속에 삽입시켜 새 예술 사조를 만들어 내었고, 상징적인 의미가 담긴 암시적인 예술을 창조했다. 이들 작곡가들은 동시대의 문학 흐름인 상징주의 시인들의 시를 소재로 하여 많은 곡을 썼는데, 그 대표적인 시인으로는 폴 베를레느가 있다. 이는 예술 가곡의 발전에 중요한 역할을 담당하였으며 프랑스의 예술 가곡을 더욱 발전시켰다. 곡을 연주할 때 음정과 리듬의 연습만으로는 표현할 수 없는 그 무엇이 있는데, 그것은 가사인 시가 노래의 중요한 부분이며 시와 음악은 밀접한 연관성과 교감을 맺는다는 것이다. 본 논문에서는 포레와 드뷔시의 생애와 두 작곡가의 가곡의 특징을 살펴보고, 상징주의의 대표적인 시인 베를레느의 <화려한 연회(Fêtes Gala ntes)>중 '만돌린(Mandoline)'과 '살며시(En Sourdine)'의 시에 붙인 두 작곡가의 가곡을 비교, 연구하였다. 베를레느의 시가 갖고있는 음악적인 운율이 포레와 드뷔시 음악과 만남으로 선율과 조성 및 화성, 리듬, 음색 등의 개념이 새로운 방식으로 혼합되었다. 감각적이고 음악성이 풍부한 두 작곡가의 음악적 개성을 위의 두 개의 가곡을 통해 비교한 연구는 다음과 같다. 첫째, 포레가 서정적이고 부드러운 성악선율을 특징으로 가곡을 작곡하고 음악적인 정서의 범위를 더욱 확장 시켰다면, 드뷔시는 서정적인 선율에는 완전히 벗어나 감각적이고 암시적이며 말하는 것에 가까운 읊조리는 듯한 낭송조의 표현이 나타나는 과감한 모습을 가곡에서 보여주고 있다. 둘째, 포레가 반음계적 선율의 진행과 교회선법을 도입하고 풍부한 화성을 사용하여 자신만의 감각적인 성격을 드러냈다면, 드뷔시는 반음계와 전음음계, 5음음계, 병행화음 등을 사용하여 흐릿하고 애매한 분위기를 자아내었고, 획기적이고 아주 절묘한 화성의 변화를 이룩하였다. 셋째, 포레가 각기 다른 성악선율의 리듬을 같은 느낌으로 자유롭게 나타내고 있다면, 드뷔시는 선율에서 느껴지는 단조로움을 피하기 위해 불규칙하지만 흐르는 듯한 리듬형태를 순차 진행하였고 3연음과 연속음을 사용해 부드러운 느낌을 주어 그만의 독특한 인상주의 음악기법으로 음악세계를 구축하였다. 넷째, 포레가 피아노 전주에 시의 분위기를 반영하여 가곡전체를 파악할 수 있게 작곡 하고, 반주부에 아르페지오를 많이 사용하여 곡의 분위기를 하나로 이끌어 갔다면, 드뷔시의 피아노 반주부는 성악선율에 비해 훨씬 더 자유롭고 풍부하게 작곡되었고, 성악 성부의 음악적인 바탕을 마련해 성악선율이 표현하지 못하는 가사의 여러 이야기들을 뒷받침해 주었다. G. Fauré is an important composer who acted as a bridge in developing into modern and contemporary music from romanticism by composing many art songs and C. Debussy is a composer who influenced most the music of the 20th century. Debussy opened the doors of modern music with impressionistic music in transitional innovation age leading to modern music from romanticism. He also made new trend of art by inserting independent concept of music of musical tradition of the previous age into his works and created implicit art having symbolic meanings. These composers wrote various songs based on the poems of symbolism, literature flow of the same age and its representative poet is Paul Verlaine. This played an important role in the development of art songs and more developed art songs of France. When playing songs, there is something that cannot be expressed only with practice of pitch and rhythm and it means that poems, the lyrics, are the important part of the songs and the poems and music interrelate and commune with each other. In this thesis, we examined the lives of G. Fauré and C. Debussy and the characteristics of their songs and made a comparative study on the two composers’ music set to the poems of 'Mandoline' and 'En Sourdine' of <Fêtes Gala ntes> by Paul Verlaine. The concept of melody, tonality, harmony, rhythm, tone, etc. was mixed in new ways by meeting musical rhythm of Paul Verlaine’s poems with the songs of G. Fauré and C. Debussy. The musical personalities of the two composers with outstanding sensibility and musicality were studied through the above two songs and the results are as follows: First, G. Fauré composed songs characterized by lyrical and soft vocal melody and more expanded musical emotions, while C. Debussy showed boldness with the expression of reciting note having sensibility and implicit in his songs, completely breaking away from lyrical melody. Second, G. Fauré showed his own sensuous character by introducing chromatic scale and church mode and using rich harmony, while C. Debussy made the change in harmony innovatively and exquisitely, making dim and implicit atmosphere through the use of chromatic scale, whole tone scale, pentatonic scale, parallel chord, etc. Third, G. Fauré expressed freely different rhythms of vocal melody with the same feelings, while in the case of C. Debussy, irregular and flowing types of rhythm was proceeded in conjunct motion to break away from the monotony felt by the melody. Debussy also built the music world with his own unique technique of impressionistic music by giving soft feelings through the use of 3 connected speech and continuous speech. Fourth, G. Fauré’s composed so that the entire songs were understood by reflecting the atmosphere of the poems in piano preludes and led the atmosphere of the songs into one by using arpeggio in the accompaniment part. On the other hand, C. Debussy’s piano accompaniment parts were composed far more freely compared with vocal melodies and supported various stories of the lyrics that vocal melody could not express by preparing musical basis of vocal part.

W. A. Mozart의 오페라 "코지 판 투테"(Cosi fan Tutte)의 성악 앙상블 분석 연구

DAI LIJUN 한세대학교 일반대학원 음악대학 2018 국내석사

국문초록 오페라란 ‘음악을 위한 극’으로, 인간의 근본적인 감정인 희노애락을 표현하기 위하여 음악, 문학, 미술, 무용적인 요소 등이 합쳐진 종합예술 작품이다. 이와 같은 오페라는 1650년 바로크 시대에 고대 그리스 비극을 재현하고자 만들이진 이후 지역별로 독특한 특징을 가지면서 지속적으로 발전하던 장르이다. 18세기 고전주의를 대표하는 작곡가 모차르트 역시 오페라 작곡에 열의를 보이며 22편 정도의 오페라 작품을 남겼는데, 오페라 세리아, 오페라 부파와 징슈필에 이르기까지 다양한 성격의 오페라를 선보인다. 그리고 모차르트는 당시 거론되었던 극과 음악의 불균형 문제를 해결하기 위해여 대본과 음악의 긴밀성뿐만 아니라 연기자들의 가창력과 연기력, 춤 솜씨 등의 재능도 요구하였으며 무엇보다도 극의 생동감 있는 전개를 위하여 단독 아리아보다 중창과 합창에 비중을 높여 등장인물들을 개성 있는 캐릭터로 만들었다. 모차르트의 오페라는 내용의 보편성과 탁월한 음악으로 현재까지도 공연과 연구가 활발하게 이루어지고 있지만 모차르트 오페라의 주요 특징이라 할 수 있는 성악 앙상블에 관한 연구는 미미한 실정이다. 이에 본 논문은 그의 생애와 시기별 오페라의 작품 경향과 함께 성악 앙상블의 비중이 어느 작품보다 높은《코지 판 투테》에 등장하는 유형별 성악 앙상블 세 곡을 분석 연구하였다.

성악학습을 위한 음악감상방안 : 리하르트 슈트라우스의 생애별 곡들을 중심으로-Allerseelen.Morgen.Ach lieb, ich muss nun scheiden.-

성원준 가톨릭대학교 대학원 2011 국내석사

음악 감상은 음악적으로 지식과 정보가 없는 사람의 음악적 감각을 끌어올릴 수 있는 가장 근본적인 방법이다. 음악을 연주하기에 앞서 곡에 대한 철저한 이해는 연주자가 갖추어야 할 필수요소이다. 작품의 시대적 배경, 작곡가의 고유한 작곡양식, 작곡가의 의도, 그 밖에 장르의 정체성, 가사내용, 가사의 딕션 공부 등에 대한 정보를 파악해야 한다. 그리고 연습 방법 중의 하나로서 연주하고자 하는 곡에 대한 감상은 빼놓을 수 없는 과정이다. 예술가곡은 시와 음악이 결합한 예술장르로서 특히 예술가곡을 아름답게 연주하기 위해서는 시의 내용과 언어적인 부분, 역사와 사상적인 부분에 대한 이해가 필요하다. 예술가곡의 연주는 목소리를 통해 정확한 발성과 딕션 그리고 음악적인 표현을 구사해내야 한다. 이러한 표현을 해낼 수 있는 가장 빠르고 효율적인 방법으로 고안해 낸 것이 음악 감상이다. 연주자가 발성과 표현적인 부분에 도움을 얻기 위해서는 음악 감상에 대한 명확한 정의와 방법을 알고 음악 감상의 매체들을 경험해볼 필요가 있다. 그래서 본 논문에서는 음악을 감상할 수 있는 방법과 매체, 적용방법 등을 다루었다. 음악 감상을 통해 뛰어난 연주자들의 발성, 딕션과 표현방법 등을 듣고 재해석하여 정확하고 아름다운 연주에 도움을 주고자 한다. 이러한 방법을 바탕으로 독일의 후기 낭만주의 시대에 활동한 음악가로 예술가곡에 있어서 중요한 위치를 차지하고 있는 후기 낭만주의 독일 작곡자인 R. Strauss의 전기 가곡을 접하면서 그 음악을 바람직하게 감상하는데 적용하였다. R. Strauss의 음악적 표현을 극대화하기 위해 성악전공자에게는 그에 따르는 배경지식에 대한 깊이 있는 연구가 필요하다. 그리고 올바르고 지속적인 음악 감상을 통하여 한 작곡자의 작품을 정확하고 아름답게 연주해낼 수 있을 것이다. 본 논문을 통하여 올바른 음악 감상과 곡에 대한 바른 이해와 해석을 통해 깊이 있고 창조적인 연주가 되게 하고자 한다. The appreciation of music is one fundamental way of enhancing the sensation of music in the people who do not have knowledge or information about music. The necessary requisite that the musician should have is that he should fully understand the piece before playing it. He should comprehend such elements as the epoch’s background of the piece, the peculiar composition mode of the music composer, intention of the composer, and identity of the genre, content of lyric lines, dictionary study of the lyric lines etc. And as one of the exercising methods, the appreciation method of the music that is to be played can not be excluded. German Lied (an art song) is the art genre that combines poem and music, and in order to beautifully play German Lied(an art song), the comprehension about the content of the poem and the language part of it, and the historical and conceptual part will be necessary. In the play of German Lied (an art song), one should compose exact vocalization and diction and musical expressions. The method that can present these elements that are invented is the appreciation of the music. In order for a player to get assistance in the part of his vocalization and the presenting part, he should understand the clear definition and method about the music appreciation and experience that media, appreciation of music. Thus, in this thesis, we dealt with the method of an appreciation, the media and the application method that can let the player appreciate music. By listening to famous musician’s music, the player can understand and re-translate the vocalization, diction and the representing method of the musician and be aided in a sense of the correct and beautiful play. On the basis of these methods, we have applied the German’s composer, R. Strauss’ Lied during the former part of life in order for a desirable music appreciation who has an important place in German Lied (an art song) world. R. Strauss is the musician who worked during the latter Romantic era. We have surveyed on the historical background and the general characteristics of German Lied (an art song), and surveyed through the classification of the R. Strauss's life by the epoch. We have selected three pieces of R. Strauss’s Lied during the former part of life, Allerseelen(Op.10), Morgen(Op.27), and Ach Lieb, ich muss nun scheiden(Op.21) and tried to apply them to the music appreciation. The music of R. Strauss is based on the simple formula and through the magnification and modulation of the formula, it provides the brilliance and freshness and showed the composition strategy such as presenting the melody diction as if reading the melody and the poem words. German Lied (an art song), new and perfect music genre then has been formed that is called ‘19th century’s German Lied (an art song) with the perfect accordance between the poem and the music. In order to maximize the musical expression of R. Strauss, the vocal musician should study in depth the background knowledge accordingly. And through continuous and sound music appreciation, one can play the pieces of one composer both beautifully and correctly. Through this thesis, we intend to become a in-depth and creative player through the rightful music appreciation and the correct understanding about the pieces, and interpretation of them.

Gustav Mahler의 연가곡 「방황하는 젊은이의 노래」의 분석연구 : 시와 음악과의 관계를 중심으로

김주리 고신대학교 대학원 2003 국내석사

This study was based on analysis of musical characteristics and background of Gustav Mahler(1860-1911), Austrian composer, especially his song "Lieder eines fahrenden Gesellen". He was a real progressive in transitional period to convert to modern music of 20th century, influenced by R. Wagner(1813-1883). His work is progressed from Romanticism so melody, rhythm, tonality and harmony of his works were more free. He was a typical composer of post-romanticism, as like non traditional dissonance and chromatic scale. Several characteristics of his post-romanticism work "Lieder eines fahrenden Gesellen" were described below ; First, the words of a song was his own work , similar 「Des Knaben Wunderhorn」, very sensitive, folk and motivated by individual experience of disappointed love. Second, melody was conservative, expressed simplicity and naivety through Major 2nd by step and 4th progression, and made by new methods-abridgment and expansion of melodical rhythm, insertion of clauses and passages. Third, contrast to melody of diatonic scale, harmony was half scale and expressed progressive trends of dissonance and nonharmonic tones. Especially, prominent characteristics of his symphonies, progressive tonality was found in this song. Forth, rhythm was more free through intermittent alteration of time. Furthermore, detailed rhythm(augmentation, diminution, polyrhythm) and rhythm variation like march in 2nd and 4th tune were supposed to be modern tries of finding his own way out of classical methods. Fifth, form was more autonomous, expressing trend of valuing contrast than repetition, and characteristic of chromatic as like frequent modulation and ambiguous cadance. G. Mahler showed how to combine symphony, representative of classic music and lied from this song, and he expressed his own creativity with the words of a song, melody, harmony, rhythm, form well. In conclusion, G, Mahler newly presented progressive trends out of previous fixed idea and influenced Atonal music of Schonberg (1874-1951) and Twelve-tone technique. evermore, he was a real progressive of transitional period and a great composer of modern musics.

바로크 성악곡의 연주기법 소고 : J.S Bach를 중심으로

김순연 서울대학교 대학원 2007 국내석사