실용음악 보컬 실기교육에 관한 연구

배연희 동덕여자대학교 2006 국내석사

이 논문에서는 실용음악 보컬 분야의 실기 지도 현황에 대해 고찰해 보고자 한다. 현재 급속하게 증가 추세를 보이고 있는 대학에서의 실용음악계열 학과의 개설에 따라 실용음악 교육도 대중화가 되어가고 있는 상황이다. 대학에 실용음악 학과가 많이 개설됨에 따라 대학 입시를 목표로 하는 입시 학원들도 많이 증가했으며, 실용음악과를 졸업한 학생들이 이런 입시 학원에 취업을 하기 시작하면서 대학에서의 실용음악 교육이 다시 입시생들의 지도에 영향을 미치게 되었다. 특히 실용음악 보컬 분야에 있어서는 대중음악 시장의 성장과 함께 더 많은 가수 지망생 및 보컬 전공 학생들을 양산하게 되었는데, 대학에서도 다른 실용음악 기악 분야보다 보컬 정원을 더 많이 모집하는 경향이 생기고 있다. 이제 보컬전공 학생들 중에는 막연히 가수가 되고 싶어하는 학생들 이외에 체계적으로 실용음악 보컬에 대해 배우고 졸업한 후 강사가 되어 자신들도 잘 가르칠 수 있기를 바라고 있는 경우도 많이 늘어나고 있어 대학에서의 체계적 교육의 필요성이 많이 늘어난 상황이다. 이에 따라 실용음악 보컬 분야의 양적 증가에 맞춰 실기 지도 교육의 질적인 측면이 균형있게 ?

수도권 지역 실용음악 학원의 보컬 교육 운영 실태에 관한 연구

장현지 동덕여자대학교 미래전략융합대학원 2026 국내석사

<국문초록> 수도권 지역 실용음악 학원의 보컬 교육 운영 실태에 관한 연구 지도교수 방 현 승 실용음악전공 장 현 지 본 논문은 수도권 지역 실용음악 학원의 보컬 교육 운영 현황을 분석하고, 변화하는 학습 수요에 대응할 수 있는 교육 체계와 개선 방안을 제시하는 데 목적이 있다. 최근 방송·경연 프로그램의 대중화와 온라인 콘텐츠 소비 증가로 보컬 교육에 대한 관심이 높아지고 있으며, 취미, 콘텐츠 제작, 발성 교정, 축가 준비 등 학습 목적 및 수요 또한 다양해지고 있다. 이에 실용음악 학원이 새로운 학습 수요를 수용할 수 있는지 확인하고자, 보컬 교육 운영 체계를 중심으로 조사하였다. 본 연구는 수도권 내 실용음악학원 강사와 수강생을 대상으로 심층 면담과 설문 조사를 실시하여 질적·양적 자료를 수집하였다. 이를 토대로 학원·강사·학생의 세 관점에서 교육 운영 실태를 조사 및 분석한 결과, 실용음악학원 보컬 교육은 여전히 입시 중심 구조에 머무르고 있어 다양해진 학습 수요를 충분히 수용하지 못하는 것으로 나타났다. 주요 문제점은 다음과 같다. 첫째, 분반 체계의 문제점 둘째, 강사 배정의 문제점 셋째, 수업 시간 운영의 문제점 넷째, 전공 실기 운영과 기타 교육 과정의 문제점 다섯째, 교육 시설·기자재·청결 관리의 문제점 이러한 문제점을 기반으로 교육 시스템·교육 프로그램·교육 환경의 세 유형으로 분류한 후, 개선 방안을 제시하였다. 첫째, 학습 목적과 수준을 반영한 분반의 세분화 둘째, 강사의 전문성 기반 배정과 역량 강화 셋째, 수업 시간 운영 및 구성의 다양화 넷째, 전공 실기 재구성과 기타 프로그램 확대 다섯째, 교육 시설과 기자재·청결의 체계적 관리 및 수요 기반 공간 운영 실용음악학원 보컬 교육의 질적 향상을 위해서는 학원·강사·학생의 세 주체가 각자의 책임과 역할을 공유하는 협력적 운영 구조가 필요함을 확인하였다. 이러한 상호 협력이 이루어질 때 실용음악학원 보컬 교육은 변화하는 시대적 요구에 대응하며 지속 가능한 방향으로 발전할 수 있을 것으로 기대된다. <Abstract> A Study on the Operational Status of Vocal Education in Practical Music Academies in the Seoul Metropolitan Area Advisor Professor Hyunseung Bang Major in Practical Music Hyunji Jang This study aims to analyze the current operational status of vocal education in practical music academies located in the Seoul metropolitan area and to propose educational systems and improvement strategies that can effectively respond to changing learning demands. In recent years, public interest in vocal education has increased due to the popularization of broadcast audition programs and the expansion of online content consumption. Accordingly, learning purposes and demands have diversified, encompassing hobbies, content creation, vocal technique correction, and preparation for ceremonial performances such as wedding songs. In this context, the present study examines whether practical music academies are adequately accommodating these emerging learning needs, with a particular focus on the operational structure of vocal education. To this end, qualitative and quantitative data were collected through in-depth interviews and surveys conducted with instructors and students at practical music academies in the metropolitan area. Based on analyses from the perspectives of academies, instructors, and students, the findings indicate that vocal education in practical music academies remains largely centered on entrance examination-oriented structures, thereby failing to sufficiently address the increasingly diverse learning demands. The key issues identified are as follows. First, problems related to the class grouping system Second, issues concerning instructor assignment Third, limitations in class time management Fourth, challenges in the operation of major practical training and supplementary educational programs Fifth, deficiencies in educational facilities, equipment, and cleanliness management. Based on these issues, improvement strategies are proposed across three dimensions: the educational system, educational programs, and the educational environment. Specifically, the recommendations include: First, the refinement of class groupings that reflect learners’ objectives and proficiency levels; Second, instructor assignment based on professional expertise and the strengthening of instructional competencies; Third, diversification of class time management and instructional formats; Fourth, the reorganization of major practical training and the expansion of supplementary programs; Fifth, systematic management of educational facilities, equipment, and cleanliness, along with demand-based space utilization. The study confirms that improving the quality of vocal education in practical music academies requires a collaborative operational structure in which academies, instructors, and students share responsibilities and roles. Such cooperation is expected to enable vocal education in practical music academies to respond effectively to evolving societal demands and to develop in a sustainable manner.

실용음악교육기관의 현황과 중등전문교사 육성을 위한 제언 : 중등교사 자격증 취득을 중심으로

조지훈 청운대학교 대학원 2022 국내석사

1980년대 밀리언셀러 가수들이 등장하면서 국내 음악 시장은 폭발적으로 성장하게 된다. 이후 1992년 서태지와 아이들의 등장으로 국내 대중음악 시장은 새로운 국면을 맞이하게 되고, 지금의 1세대 아이돌이라 불리는 아이돌 그룹들이 등장했다. 이러한 아이돌 가수들의 활동은 국내에 국한되지 않고 일본, 중국, 태국 등의 아시아 시장을 공략하여 큰 성과를 이루었다. 이러한 활동들을 바탕으로 2~3세대 아이돌이라 불리는 그룹들이 유럽과 미국 시장에서 큰 성공을 거두며 세계에 K-POP이라는 문화를 만들어냈다. 문화에 가장 큰 영향을 받는 청소년들은 K-POP 문화가 유행되자 자신들의 꿈과 진로를 음악으로 정하고 진학을 희망하는 학과 역시 실용음악과로 정하게 된다. 이러한 현상에 대학교 관련학과의 경쟁률은 치솟게 되며, 많은 대학교에서 학과를 개설하게 된다. 음악학과의 입시는 주로 관련 실기와 이론으로 치러지기 때문에 대부분의 학생들은 학원 또는 개인레슨으로 입시 준비를 하게 된다. 하지만 같은 방법으로 입시 준비를 하는 학생들이 많아지자 학생들과 학부모들은 차별화된 방법을 고민하게된다. 이때 실용음악 고등학교가 이들의 눈에 띄기 시작한다. 이 고등학교는 필수 수업을 제외한 나머지 대부분의 수업을 해당 전공에 관련된 수업으로 구성을 하면서 많 은 시간을 관련 전공의 공부에 투자할 수 있었다. 하지만 이러한 고등학교도 해결하지 못한 문제점이 있었다. 바로 실용음악을 전공한 정교사를 찾기 어려운 점이다. 이러한 문제는 해당 분야의 전공자들이 고등학교 정교사 임용 자격인 중등학교 정교사 자격을 취득하기가 매우 어려운 상황에서 발생이 되었다. 이에 따라 본 논문에서는 위 문제점에 대해 자세히 알아보기 위해 네 가지로 나누어 조사를 해보았다. 첫 번째 실용음악을 교육하는 고등학교 현황에 대해 살펴보았다. 분류를 학교 구분에 따라 나누어 자세하게 조사해 보았다. 두 번째로 실용음악대학교에 대하여 조사를 해보았다. 학교 구분에 따라 현황을 조사하였고 최근 3년간 경쟁률을 조사해 보았다. 세 번째 관련 음악 전공자가 취득할 수 있는 자격증에 대하여 알아보았다. 자격증은 국가자격증과 민간자격증으로 나누어 조사하였고 정교사 임용 자격에 꼭 필요한 정교사 자격증에 대해 알아보았다. 네 번째 실질적으로 중등교사 자격증을 취득할 수 있는 음악교육대학원에 관하여 알아보았다. 교육대학원의 배경과 음악교육전공을 조사하였다. 그리고 위 전공의 지원자격과 전형방법, 교육목표, 교육과정, 교과목개요를 조사함으로써 어떠한 방법으로 음악교육자가 양성되는지 조사하였다. 위 문제들을 조사한 결과 실용음악 고등학교와 관련 대학교 학과의 수, 그리고 경쟁률은 늘어났다. 하지만 현재 관련 음악 전공자들이 현실적으로 취득 가능한 자격증으로는 고등학교 정교사에 임용될 수 없다는 결과가 나왔다. 정교사에 임용되기 위해서는 정교사 자격증을 취득해야 하지만, 해당 음악 전공자들이 취득 할 수 있는 방법이 녹록지 않다. 현실적으로 가능한 방법은 교육대학원 음악교육전공에 진학하여 졸업하는 방법이다. 이마저도 진학요건이나 필기고사, 실기고사 그리고 진학하여 수강하는 교과목까지 대부분 클래식과 국악 위주로 구성이 되어있어 어려운 실정이다. 시간이 흐를수록 K-POP의 위상이 높아지면서 자연스레 대중음악으로 진로를 정하는 학생들의 수도 늘어나고 있다. 이러한 현상에 실용음악 고등학교가 많이 생겨났고, 지원율도 상승하고 있지만, 전문 교사를 찾기 어려운 상황이라 전문 교육기관으로서 책임을 다하지 못하고 있다고 사료된다. 끝으로 본 연구를 통해 국내 실용음악 교육기관의 미래가 한 걸음 더 나아갈 수 있기를 기대하며 본 논문을 마친다. When million-seller singers appeared in the 1980s, the domestic music market exploded. After that, with the appearance of Seo Taiji and Boys in 1992, the domestic popular music market entered a new phase, and first-generation idol groups emerged. The activities of these idol singers were not limited to Korea. Instead, they have achieved great results by targeting markets in Asia such as Japan, China, and Thailand. Based on these activities, idol groups called second- and third-generation idols accomplished great success in the European and American markets, creating a culture called K-Pop across the world. As K-pop culture became popular, the youth who were most affected by the culture decided their dream and career path on music, and the area they wished to study in university was the department of practical music. Due to this fevor, the competition to enter one of these university departments has increased, and many universities which had hitherto no practical music department started newly offering the area of specialization. Since the university entrance exam for the Department of Music was mainly conducted with tests of related practical skills and the knowledge of theories, most students prepared for the entrance exam through private music conservatories or private tutoring. However, as more and more students prepared for the entrance exam in this way, students and their parents came up with a different strategy. Practical music high schools began to emerge. Most of the classes at these high schools, except for the required classes, consisted of classes related to their major, allowing a lot of time to be invested in the study related to their music specialties. However, there were problems that these high schools could not address: It was difficult to find teachers who specialized in practical music. This problem occurred because it had been very difficult for the graduates in the practical music field to acquire secondary school teacher qualifications, which are the requirements for applying for high school teaching positions. Accordingly, this paper is divided into four categories to investigate the above problems in detail. First, the current status of high schools that teach practical music is examined. Categorization is carried out in detail according to the classification of schools. Second, a survey is conducted on practical music colleges. The current status is investigated based on school classification and the degree of competition for the past three years. Third, qualifications that related music graduates can obtain are examined. The qualifications are divided into national qualifications and private qualifications while at the same time examining teachers' certifications required to apply for full-time teaching positions in school. Fourth, graduate schools of music education that can actually help students acquire secondary school teachers' certification is examined. The background and music education majors of graduate schools of education are investigated. In addition, how music educators are trained has been investigated by examining the qualifications, screening methods, educational goals, curriculum, and subject outline of the specialties mentioned above. As a result of examining the problems mentioned above, the number of practical music high schools and related university departments and the competition has intensified. However, the results showed that current music study graduates cannot be hired as high school teachers with the qualifications that they can obtain. In order to be hired as a full-time teacher, it is necessary to obtain a full-time teachers' certification, but it is not easy for music students to obtain. A more realistic way is to enter the music education department at a graduate school of education and spend four years until graduation. Since most of the subjects, such as entrance requirements, written exams, practical exams, and courses taken after entering the university, are mainly composed of classical music and Korean traditional music, it is difficult for the practical music study graduates to enter graduate school. As the status of K-Pop rises rapidly as time goes by, the number of students who choose to pursue a career in popular music is also on the rise. Many practical music high schools have been created, and the application is increasing, but it is widely considered that they are not fulfilling their responsibilities as professional educational institutions because it is difficult to find professionally trained teachers. In conclusion, it is hope that in the future practical music education schools in Korea can go one step further through this study.

피아노 연탄(Piano Four Hands) 편곡 기법 연구- 실용음악 양식의 적용을 중심으로-

박지선 동덕여자대학교 미래전략융합대학원 2024 국내석사

<국문 초록> 피아노 연탄(Piano Four Hands) 편곡 기법 연구 - 실용음악 양식의 적용을 중심으로 지도교수 마 도 원 실용음악전공 박 지 선 음악을 포함한 모든 예술은 창작된 당시의 시간을 넘어 오랜 기간의 역사 와 발전해 온 과정을 담고 있으며 미래의 전망을 투영하는 내용을 포함하기 도 한다. 음악 양식 중의 하나인 피아노 연탄은 클래식 음악을 거쳐 현대에 이르기까지 다양한 형태로 발전되어 온 연주 양식이라 할 수 있지만, 다른 음악에 비해 음악적 분석이나 편곡 기법에 관한 체계적인 연구는 찾아보기 어렵다. 본 논문은 피아노 연탄을 작곡 또는 편곡하는 데 필요한 편곡 기법을 연구 하기 위해 몇 가지의 관점으로 접근하였다. 먼저, 피아노 연탄의 편곡을 위 해 사용되어 온 전통적인 방식들을 이해하기 위해 기존의 클래식 음악 중 잘 알려진 피아노 연탄의 작품을 골라 편곡의 특징을 분석하였다. 이후, 현대의 작품 중 새롭게 시도된 편곡 기법들과 이들이 적용된 음악적 사례를 조사하였으나, 피아노 연탄을 체계적으로 정리한 자료와 음악적 사 례를 찾기 어려웠고 이에 선택한 방법은 최근 필자가 관심을 두고 꾸준히 작업해 오던 피아노 연탄 편곡 작업 안에서 분석 대상을 찾는 것이었다. 마지막으로 기존 피아노 연탄의 기술적 특징과 현시대에 존재하는 다양한 음악 양식은 물론, 현대적인 편곡 방식에 실용음악 양식을 반영하는 실험을 진행하였고, 이를 통해 연구된 결과는 다음과 같다. 첫째, 전통적인 피아노 연탄 작품에 사용된 편곡적 특징을 4가지 작품을 통해 분석한 결과, 아래와 같이 9가지의 영역으로 분류할 수 있었다. 가. 넓은 음역을 활용한 두터워진 성부와 리듬적 요소 나. 코랄 풍의 스타일로 풍성해진 화성 다. 대위법적 진행 및 자유대위법 라. 모방대위법의 악곡 전개 마. 4중주를 연상시키는 실내악적 표현 바. 다수의 악기 편성 구조의 관현악적 표현 사. 주제 선율의 교환으로 인한 주선율과 화성의 발전 아. 서로 호응하는 연주자 간의 대화 자. 연탄 특유의 연주자 사이에 교차 연주 둘째, 연구를 위한 자료가 한정적이었으나 앞서 분류한 9가지 특징을 현대 음악에 적용한 예시를 통해 실제로 사용된 변화를 관찰하던 중 클래식 음악 기법이지만 연탄 작품에 사용된 새로운 예시로, 대위법 진행에서 주선율을 조금씩 다른 방식으로 변형하여 연주하는 헤테로포니(Heterophony) 양식과 기존 선율을 짧게 분절하여 대체하는 동기의 축소(Motive Diminution) 2가지의 새로운 특징을 발견할 수 있었다. 셋째, 연구 대상에 포함된 필자의 연탄곡을 분석한 결과 전통적인 피아노 연탄 편곡 특징 이외의 7가지의 음악적 요소들을 발견할 수 있었다. 가. 서로 다른 테마가 동시 연주되는 타 작품의 주제 차용(Theme Parody) 나. 박자의 단위(Pulse) 변화로 같은 템포 안에 다른 박자(Meter) 다. 대조적인 폴리리듬이 특징인 폴리메트릭(Polymetric) 라. 재즈의 즉흥연주(Improvisation) 요소 마. 협주곡(Concerto) 제시부 형식 반영 바. 주제의 변형을 이용한 변주곡 형식 사. 타악기적 효과와 동작 효과 넷째, 피아노 연탄에 실용음악 양식을 반영하는 과정에서 리듬, 화성이 주 된 역할을 하고 있었음을 발견할 수 있었고, 이는 다음과 같이 분류할 수 있었다. 가. 리듬 양식의 재구성 1 라틴 재즈(Latin Jazz)의 초기 형태 아프로 쿠반(Afro-Cuban) 2 브라질의 민족 음악 삼바(Samba) 3 삼바(Samba)에서 파생되어 모던 재즈와 결합한 보사노바(Bossa Nova) 4 초기 재즈의 발판이 된 래그타임(Ragtime) 5 역동적인 리듬의 스윙(Swing) 6 리듬 앤드 블루스(R&B), 소울(Soul) 등이 결합한 펑크(Funk) 7 펑크에서 파생된 리듬 디스코(Disco) 나. 화성의 재구성(Reharmonization) 1 Modal Interchange 2 Hybrid Chord 3 Upper Structure Triad 4 Pedal Point 5 Line Cliche 6 Approach Chord Progression 본 논문의 연구는 피아노 연탄에 대해 분석 및 구체적인 연구 자료를 찾기 어려운 실정에서, 작은 초석이 되고자 하는 바람에 시작하였고 본 논문을 계기로 차후 피아노 연탄에 관한 연구가 활발히 진행되기를 기대한다. ABSTRACT A Study of Arrangement Technique for Piano Four Hands - Focusing on the Application of Jazz & Pop Styles Supervised by Professor Ma, Do Won Department of Applied Music Park, Ji Sun All forms of art, including music, encapsulate a rich history and development that extends beyond the time of their creation, often incorporating reflections of the future. One specific musical form, piano improvisation, can be considered an evolving performance style that has developed in various forms from classical music to contemporary times. However, in comparison to other genres of music, it is challenging to find comprehensive studies on musical analysis or arrangement techniques for piano improvisation. This paper approached the study of arranging techniques necessary for composing or arranging piano improvisations from several perspectives. Firstly, to understand the traditional methods employed in the arrangement of piano improvisations, the paper analyzed the arranging characteristics of well-known piano improvisation works from classical music. Subsequently, the paper investigated newly attempted arranging techniques in contemporary works and examined musical cases where these techniques were applied. However, it was challenging to find systematically organized resources and musical examples for piano improvisation. Therefore, the chosen approach involved analyzing subjects within the realm of piano improvisation that the author had consistently worked on and found intriguing. Finally, the paper conducted experiments reflecting practical musical forms in contemporary arranging methods, considering both the technical features of existing piano improvisations and various contemporary musical forms. The research yielded the following results. Firstly, through the analysis of four traditional piano improvisation works, four organizing characteristics for arranging were identified and classified into nine areas as follows. A. Thickened texture and rhythmic elements using a wide range of pitches B. Harmonic richness in a chorale-like style C. Counterpoint progression and free counterpoint D. Development of imitative counterpoint E. Chamber music expression evoking four-part harmony F. Orchestral expression with a structure of multiple instruments G. Development of theme melody and harmony through the exchange of thematic material H. Dialogue between responsive performers I. Cross-playing among performers unique to improvisation Secondly, despite limited research materials, the paper observed actual variations by applying the identified nine characteristics to contemporary music example, new instances were found in charcoal works where classical music techniques were utilized. Two new features, heterophony in transforming harmonic progressions with slight variations in melodic lines and motive diminution in shortening existing melodies, were discovered. Thirdly, the analysis of the author's included piano improvisation pieces revealed seven additional musical elements beyond traditional piano improvisation characteristics. A. Theme parody from different themes played simultaneously in other works B. Pulse unit variation for different meter within the same tempo C. Polymetric feature with contrasting polyrhythms D. Elements of jazz improvisation E. Reflection of concerto exposition form Variation of themes in variation form using Variation of themes in variation form using transformation. F. Percussive effects and action effects Lastly, in the process of reflecting practical musical forms in piano improvisation, rhythm and harmony played a predominant role. This was classified as follows. A. Reconstruction of rhythm forms 1 Early forms of Latin jazz(Afro-Cuban) 2 Brazilian national music Samba 3 Bossa Nova derived from Samba and combined with modern jazz 4 Ragtime, a precursor to early jazz 5 Swing with dynamic rhythmic elements 6 Funk combining R&B, Soul, etc. 7 Rhythm Disco derived from funk B. Reconstruction of harmony 1 Modal Interchange 2 Hybrid Chord 3 Upper Structure Triad 4 Pedal Point 5 Line Cliche 6 Approach Chord Progression This research, initiated due to the difficulty in finding specific research data for piano improvisation, hopes to serve as a small foundation. The paper anticipates that this study will encourage further active research on piano improvisation in the future.

후두 위치 변화가 발성에 미치는 영향 연구 : 실용음악 가창자를 대상으로

김승언 동덕여자대학교 미래전략융합대학원 2026 국내석사

성악과 뮤지컬에서는 오래전부터 후두의 중요성이 인지되어 왔으며, 이에 관한 연구와 발성법 또한 지속적으로 발전해 왔다. 그러나 실용음악에서는 마이크 사용과 다양한 장르적 특성 등으로 인해 후두 조절의 중요성이 상대적으로 낮게 인식되어 왔고, 후두와 관련된 교육 역시 부족한 실정이다. 이에 본 논문에서는 실용음악 가창자를 대상으로 후두 위치 변화가 발성에 미치는 영향을 연구하고자 하였다. 본 연구에서는 자연 후두, 하강 후두, 상승 후두의 세 조건에서 실험을 진행하였으며, 자연 후두를 기준으로 하강 후두, 상승 후두 간의 발성 차이를 비교 분석하였다. 공명 특성은 Praat 프로그램을 활용하여 포먼트(F1-F5), 2.4-3.2kHz 대역의 최대 배음 에너지 및 음성 강도 증폭 여부를 관찰하였으며, 성대 접촉률(CQ)은 EGG-D200을 사용하여 측정하였다. 또한 실험자들의 인터뷰 및 설문 조사를 통해 실험자들의 주관적 평가를 보완적으로 수집하였다. 분석 결과 후두 위치 변화는 공명과 성대 접촉률에 유의미한 영향을 미쳤다. 공명 분석 결과에서는 하강 후두 시 음성 강도와 2.4-3.2kHz 대역의 최대 배음 에너지가 증가하는 경향을 보였다. 이러한 결과는 기존 연구에서 보고된 음성 강도 및 배음 에너지 증가와 유사한 결과이나, 성악가 음형대(Singer’s Formant)와 같은 고차 포먼트의 결집 현상보다는 저주파 대역 이동에 따른 공명 강화 효과로 관찰되었다. 상승 후두 조건에서도 기존 성악 분야의 연구 결과와는 다른 다양한 결과가 나타났다. 모든 실험자에서 F2 평균값이 가장 크게 증가하였으며, 대부분 참가자들의 음성 강도와 배음 에너지가 유지 또는 증가하는 특징을 보였다. 실용음악에서는 정확한 가사 전달과 명료한 음색을 위해 F2를 상승시키는 발성 전략이 본 실험에서 나타난 결과에 영향을 미쳤을 가능성이 있다. 이러한 특성은 성대 접촉 실험에서도 유사하게 나타났다. 성대 접촉률 분석을 살펴보면 일부 실험자들은 기존 성악 중심 연구에서 보고된 바와 같이 하강 후두 조건에서 성대 접촉률 증가가 관찰되었으나 대부분의 실험자들은 상승 후두 조건에서 성대 접촉률이 가장 크게 증가하는 경향이 나타났다. 이는 위와 같이 고음 처리, 명료한 가사 전달을 위해 보다 강한 성대 접촉을 이용하는 발성 전략과 관련된 것으로 해석된다. 본 연구를 통해 후두 위치 변화가 실용음악 가창자의 발성에도 유의미한 영향을 미친다는 점이 관찰되었으며, 차후 실용음악 분야에서도 후두 위치에 대한 보다 활발한 연구가 이루어지길 기대한다. In classical vocal performance and musical theatre, the importance of the larynx has long been recognized, and extensive research as well as vocal techniques related to laryngeal control have been continuously developed. In contrast, within the field of contemporary music, the significance of laryngeal adjustment has been relatively underestimated due to factors such as microphone use and the stylistic diversity of genres. As a result, systematic education related to the larynx remains insufficient. Accordingly, this study aims to examine the effects of changes in laryngeal position on phonation, with a particular focus on contemporary singers. In this study, experiments were conducted under three conditions: neutral laryngeal position, lowered laryngeal position, and raised laryngeal position. Based on the neutral laryngeal position, differences in phonation between the lowered and raised laryngeal conditions were comparatively analyzed. Resonance characteristics were examined using the Praat software by analyzing formant frequencies (F1–F5), maximum harmonic energy within the 2.4–3.2 kHz frequency band, and the presence of vocal intensity amplification. Vocal fold contact quotient (CQ) was measured using the EGG-D200. In addition, participants’ subjective evaluations were collected through interviews and questionnaires to complement the objective data. The analysis revealed that changes in laryngeal position had significant effects on both resonance characteristics and vocal fold contact. Resonance analysis showed that under the lowered laryngeal condition, vocal intensity and maximum harmonic energy within the 2.4–3.2 kHz frequency band tended to increase. While these findings are consistent with previous studies reporting increases in vocal intensity and harmonic energy, the observed effects were attributed more to resonance enhancement resulting from a shift toward lower frequency regions rather than to the clustering of higher formants, such as the singer’s formant typically observed in classical singers. Under the raised laryngeal condition, results differed from those commonly reported in traditional vocal studies. Across all participants, the mean value of the second formant (F2) showed the greatest increase, and most participants exhibited maintained or increased vocal intensity and harmonic energy. In contemporary singing, phonation strategies that raise F2 to enhance lyrical intelligibility and tonal clarity may have influenced the outcomes observed in this experiment. Similar tendencies were also observed in the vocal fold contact measurements. Analysis of the vocal fold contact quotient indicated that while some participants exhibited increased vocal fold contact under the lowered laryngeal condition, consistent with findings reported in previous studies focused on classical singing, the majority of participants showed the greatest increase in vocal fold contact under the raised laryngeal condition. This tendency may be interpreted as being associated with phonation strategies that employ stronger vocal fold contact to facilitate high-pitch production and enhance lyrical intelligibility, as discussed above. Through this study, it was observed that changes in laryngeal position exert significant effects on phonation in contemporary singers. It is therefore hoped that more active and systematic research on laryngeal positioning will be conducted within the field of contemporary music in the future.

자메이카 리듬과 한국의 소리 : 국경을 넘어선 새로운 음악 패러다임

고경미 청운대학교 대학원 2025 국내석사

본 연구의 목적은 자메이카 음악과 한국의 전통 음악 및 현대 음악과 결합을 시도함으로써 국경을 넘어선 새로운 패러다임(인식의 체계)으로 대중음악 발전에 큰 기여를 할 수 있다는 발상에서 시도하였다. 한국 사회는 급속한 글로벌화와 다문화적 환경 속에서 전통 예술의 보존과 재창조를 시도하고 있다. 한국의 국악이 단순한 보존을 넘어 새로운 실험을 통해 세계 무대에 설 수 있게 되었다. 자메이카의 음악 장르인 멘토, 스카, 락스테디, 레게, 덥, 댄스홀 등과 한국의 전통 음악을 접목하여 한국적이면서 세계적인 음악을 지향하는 흐름을 보여주고 있다. 음악 장르의 경계를 허무는 두 음악과의 조합은 새로운 글로벌 음악 패러다임으로 부상할 수 있는 잠재력을 지닌다. 자메이카 음악과 전통 국악과의 경계를 넘어 현대적 재구성과 양상을 분석해 보았다. 자메이카 음악의 리듬과 정신이 한국 대중음악에 미친 영향을 살펴 보고, 한국 전통 음악인 국악이 융합되어 형성된 새로운 퓨전 음악이 세계 음악계에 제시할 수 있는 가능성과 의미를 알아보고자 한다. 본 논문의 연구 결과를 바탕으로 자메이카 음악과 한국의 전통 음악과의 융합이 단순한 장르의 실험적 결합이 아닌, 한국적이면서, 세계적인 음악으로 발전할 가능성이 무한함과 한국 대중음악에 많은 영향을 주었음을 확인할 수 있었고, 자메이카 음악이 한국화되어 재창작되는 계기가 되었음을 알 수 있었다. K-POP과 더불어 K-SKA, K-레게, K-덥, K-락스테디 등 글로벌 시장에서 새로운 흐름으로 만들어 가고 발전 가능성이 무한함과 동시에 자메이카 음악과 한국의 전통 음악이 K-Music으로 발전 가능성이 있는지를 알아보고, 공연예술 및 교육적 측면에서 볼 때 어떤 유익한 방향과 형태로 전개되면서 발전할지를 알아보았으며 자메이카 리듬과 한국의 소리가 어떻게 융합되어 새로운 음악적 패러다임을 형성하는지를 알아보는데 목적을 두었다. The purpose of this study was to attempt to combine Jamaican music with traditional Korean music and contemporary music, thereby contributing greatly to the development of popular music with a new paradigm (system of recognition) across borders. Korean society is attempting to preserve and recreate traditional art in a rapid globalization and multicutural environment. Korean traditional music went beyond simple preservation and was able to stand on the world stage through new experiments. Jamaica’s music genres, such as mentor, ska, rock steady, reggae, dub, and dance hall, are combined with Korean traditional music to show the trend toward Korean to show the trend toward Korean to show the trend toward Korean and global music. The combination of two music that breaks the boundaries of the music genre has the potential to emerge as a new global music paradigm. The modern reconstruction and pattern were analyzed beyond the boundaries between Jamaican music and traditional Korean music. The purpose of this study is to examine the impact of Jamaican music’s rhythm and spirit on Korean popular music, and to find out the possibility and meaning of new fusion music formed by fusion of Korean traditional music, Korean traditional music, to the world music world. We looked into how Jamaican music and Korean traditional music will develop beyond the experimental combination of simple genres and develop into a new trend in global markets such as K-Ska, K-Reggae, K-dub, and K-rocksteady, along with K-Pop, which aims for Korean and global music, and at the same time have infinite development potential. The purpose of this study was to find out how Jamaican rhythm and Korean sound converge to form a new musical paradigm. Based on the research results of this paper, it was confirmed that Jamaican music had infinite development potential through convergence with Korean music and had a great influence on Korean popular music, and it was found that Jamaican music was Koreanized and recreated. We looked into what beneficial directions and forms Jamaican music and Korean pop music will develop in the future in terms of popular performing arts and education. The purpose of this study was to investigate whether Korean popular music has the potential to develop into K-Music along with K-Pop

바흐 작품의 재즈 연주에 관한 연구

이희승 동덕여자대학교 2006 국내석사

Jazz musicians have transcribed classical music into Jazz. Such Jazz musicians' music possesses unique charm that delivers deep emotion for the audience's pleasure. As an earnest fan of this genre, my personal curiosity brought me into the main theme of this paper; how Jazz musicians have merged classical music into Jazz music as well as how musicians have overcome the difference in time period and transformed classical music into contemporary fusion. Among the classical music, I will focus on Baroque Music, in particularly Johann Sebastian Bach's music. To identify the interrelationship between Bach's music and newly created Jazz, I will analyze the Jazz song <Fugue No. 9 in E Major in Book I> and <Italian Concerto> and compare them with the original versions of these songs. I believe these two pieces of Jazz music are based upon a good understanding of the original creations of Bach's music as well these two songs are creating new Jazz structures. Before I go on to discuss the case study, I want to clarify the reason why I narrow down my study into Johann Sebastian Bach's music and its transcriptions into Jazz. First, the Baroque period music is fairly generous in improvisatory practice, melody and harmony, which are all one of the main characteristics of modern Jazz. Besides the musical similarity, Johann Sebastian Bach's music has been arranged by numerous artists and especially Jazz musicians. They have transcribed Bach into Jazz and have integrated his music into their work, creating a new musical style: Bach Jazz. Since Bach takes a great part of musical history and modern Jazz time as well, it is worthy to take a closer look at the comparison between the Bach's music and its transcriptions into Jazz to pursue my study. The biggest difference between the original version of classical music and transcriptions into Jazz is the rhythmic construction. <Fugue No. 9 in E Major in Book I> and <Italian Concerto> use 4/4 beats, which is an important rhythmic element in 'Swing Jazz'. Also, syncopated rhythms create swing beats and the beats of Jazz. Syncopation is rarely used in Bach's original music. Syncopation is a distinguishing feature which gives swing beats and make the music more like Jazz and vary from the original two beats. Also, the new Jazz style <Italian Concerto> has an intro at the beginning of the song, which is not in the original Bach version. In addition to the new intro, adding a solo part for the piano, this new jazzy <Italian Concerto> has the main element of Jazz: improvisation. While listening to <Fugue>, you will notice 32 bars that are not in the original version of <Fugue>. By adding 32 bars, jazz style <Fugue> gets more improvisatory and plays the main theme of the original as well. In terms of harmony, using tensions (b9, #9, #11, b13), harmonic progression II->V->I, diminished chords, and substitute dominant chords make the music not only richer but also more jazz-like. In addition, a unique form of composition, using modulation helps to build music toward the climax with ease. We have narrowed our points to find the differences, however, with the broader view, there are important similarities. Sequences and pedal points, Bach's favorite musical techniques are still in Jazz style <Fugue No. 9 in E Major in Book I> and <Italian Concerto>. Also, the basic chords are sophisticated in the Jazzy version, yet the overall movement is almost identical. Again, Bach's transcriptions into Jazz have followed Bach's original harmony structures and articulation. Since the advent of Jazz, Jazz musicians actively adopt and change classical music. In the time of Jazz, classical music is recreated by the hand of Jazz musician and interpreted with more "swings". Passion for new arts, open-mindedness toward the essence, expression of music is some of the main elements that bridge the contemporary Jazz musicians over such a long period of time. Through these, Bach in 18th century dwells in the Modern Jazz Music. 재즈로 해석된 클래식 곡들은 그들만이 가지는 독특한 느낌과 감정으로 음악적 감동을 전해주고 있으며, 이 때문에 적지 않은 애호가들의 관심과 사랑을 받고 있다. 그렇다면 본래 클래식 음악으로 창작되었던 자연스러움과 이를 재즈 버전으로 다르게 편곡한 새로움이라는 양립하기 어려운 두 과제를 재즈의 재해석화를 통해 어떻게 달성하고 있는지 본 연구를 통해 알아보고자 했다. 그러기 위해서 바흐 작품의 음악적 특성, 그리고 재즈와 클래식의 상호관계를 살펴보았다. 이러한 과정을 통해 재즈 연주자들이 의도하지 않았음에도 불구하고 재즈 속에 바로크 음악적 특성이 존재하고 있음을 확인하였고 또한 현대음악과 재즈가 끊임없는 상호작용을 통해 서로에게 중요한 음악적 영향력을 행사하고 있음을 알 수 있었다. 연구 방법으로는 바흐의 원작에 충실하면서도 성공적으로 재즈 양식으로의 전환을 이루었다고 판단되는 재즈 두 곡 <평균율 Fugue No. 9 in E Major in Book I>과 <Italian Concerto>를 선택하여 원곡과 비교 분석하여 보았다. 클래식 음악 사조 중 바로크 시대는 즉흥성, 멜로디 그리고 화성에 대한 관점이 비교적 자유스러웠기 때문에 이런 점에서 유사한 점이 많은 재즈와 접목 되었을 때 변화 과정과 결과물의 의미가 높을 거라 여겨졌다. 특히 바로크의 음악 중에서도 바흐의 음악은 재즈로의 번안 연주가 가장 활발히 이루어지는 소재이기도 하고 더 나아가 바흐 작품의 재해석은 시대와

어택이 성구 전환에 미치는 영향 연구 : 실용음악 남성 보컬 전공자 중심으로

이석우 동덕여자대학교 미래전략융합대학원 2026 국내석사

본 논문은 어택이 성구 전환에 미치는 영향을 연구하기 위해 실용음악 남성 보컬 전공자를 대상으로 EGG-D200, 전기성문파형검사 도구를 활용하여 실험을 진행하였으며, 어택 유형에 따른 성대의 진동 특성과 변화를 비교 분석하였다. 연구는 4개의 어택 유형을 6개의 상하행 스케일을 사용하여 총 6개의 성구 전환에 대입하는 방식으로 진행하였으며, 성대 접촉률과 성대 진동 패턴의 변화 값을 측정하여 어택이 성구 전환에 미치는 영향을 고찰하였다. 실험의 결과는 다음과 같다. 첫째, H attack은 성구 전환 과정 전반에서 불안정한 양상을 나타냈다. 이는 성대 접촉률이 낮고 성문 폐쇄가 잘 이루어지지 않는 H attack의 발성 특성으로 인한 것으로 해석된다. 둘째, Soft attack은 성대 접촉이 약하고 성문 폐쇄가 충분히 이루어지지 않는 특성으로 인해 전환 전반에서 불안정한 경향을 보였으나, 두성구에서 시작되는 전환에서는 안정적인 양상을 보였다. 셋째, Normal glottal attack은 모든 성구 전환에서 전반적으로 안정적인 양상을 나타냈다. 이는 성구 전환 과정에서 성대 진동이 각 성구의 발성적 특성에 부합하는 형태로 변환되었기 때문으로 해석된다. 넷째, Hard glottal attack은 흉성구 발성에서 요구되는 성대 진동 특성이 반영되어 흉성구가 포함된 성구 전환에서 상대적으로 가장 안정적인 양상을 보였으며, 두성구에서 시작되는 전환에서는 상대적으로 불안정한 양상을 나타냈다. 본 연구 결과, 특정 성구에서 유리한 어택의 특성이 성구 전환 과정에서도 일부 유지되어 전환 과정에 영향을 미칠 수 있음이 확인되었다. 그러나 이러한 경향은 성구 유형이나 전환 방향에 따라 다르게 관찰되기도 하였으며, 일부 어택은 발성 특성과 무관하게 전환 전반에서 일관된 양상을 보이기도 하였고, 발성 특성이 유사한 어택이라 하더라도 성구 전환 과정에서는 상이한 결과가 관찰되는 등 다양한 양상을 확인할 수 있었다. 본 논문은 어택이 발성의 시작뿐 아니라 발성의 지속과 성구 전환 과정에서도 영향을 미칠 수 있는 요소임을 확인하였다. 향후 보다 다양한 음역대와 성별을 포함한 후속 연구를 통해 실용음악 발성 연구의 기초 자료로 활용될 수 있기를 기대한다. This study investigated the effects of vocal attack on vocal register transitions in male vocal majors in contemporary music. Experiments were conducted using the EGG-D200 electroglottographic analysis system to examine and compare the vibratory characteristics and changes of the vocal folds according to different types of vocal attack. The study was conducted by applying four types of vocal attack to six vocal register transitions using six ascending and descending scale patterns. The effects of vocal attack on vocal register transitions were examined by measuring changes in the vocal fold contact quotient and vocal fold vibratory patterns. The experimental results are as follows. First, the H attack exhibited unstable patterns throughout the vocal register transition process. This instability may be attributed to the phonatory characteristics of the H attack, which include a low vocal fold contact quotient and insufficient glottal closure. Second, the soft attack showed a general tendency toward instability across most transitions due to weak vocal fold contact and incomplete glottal closure. However, transitions initiated in the head register demonstrated relatively stable patterns. Third, the normal glottal attack exhibited overall stability across all vocal register transitions. This stability may be explained by the fact that vocal fold vibration was adjusted in a manner consistent with the phonatory characteristics of each register during the transition process. Fourth, the hard glottal attack showed the greatest relative stability in register transitions involving the chest register, reflecting vocal fold vibratory characteristics required for chest register phonation. In contrast, transitions initiated in the head register displayed relatively unstable patterns. The results of this study confirmed that the characteristics of vocal attacks that are advantageous in specific registers may be partially maintained during vocal register transitions, thereby influencing the transition process. However, these tendencies were observed to vary depending on the type of register and the direction of the transition. In some cases, certain vocal attacks exhibited consistent patterns across transitions regardless of their phonatory characteristics, while in other cases, attacks with similar phonatory properties produced differing outcomes during register transitions. These findings indicate the presence of diverse and complex patterns in the interaction between vocal attack and vocal register transitions. This study confirmed that vocal attack is a factor that can influence not only the onset of phonation but also its continuation and the process of vocal register transitions. It is hoped that future studies incorporating a wider range of vocal ranges and both sexes will further contribute to the development of foundational research in contemporary vocal pedagogy.

Rock음악의 하이브리드화를 이끈 Nu-Metal음악의 특징연구 : 빌보드 차트 중심으로

유세권 청운대학교 대학원 2025 국내석사

본 연구는 록음악의 장르적 확장, 그리고 하이브리드화에 엄청난 영향을 준 Nu-Metal 음악의 특징을 분석하고 미친 영향에 대해 연구하는것에 목적이 있다고 볼 수 있다. Nu-Metal은 하드록과 헤비메탈의 강렬한 사운드를 기반으로 힙합음악 특유의 유니크한 리듬과 랩 보컬등이 결합되어 새로운 음악적 표현 양식을 만들어낸 장르이다. Nu-Metal이 기존의 록, 메탈음악을 어떻게 확장을 하고 표현하였는지를 이해하기 위해 하드록부터 헤비메탈의 발전과정 및 Nu-Metal 이전의 힙합음악까지 발전과정과 의미를 분석함으로써, 이 장르의 음악적 성격과 시대적 역할에 대해 조명하였다. Nu-Metal의 대표적인 밴드인 Korn, Limp Bizkit등 빌보드차트에 랭크된 밴드들의 주요 곡을 통해 구조적으로 분석하고 이들이 만들어 낸 음악 스타일과 특징을 세부적으로 설명하고. 각 악기파트별로 기존의 록, 메탈음악과의 차이와 특징을 세부적으로 분석하였다. 리듬의 차별성, 변칙튜닝, 슬랩 연주 및 힙합 리듬의 차용, 특히 보컬의 경우 클린과 언클린보컬, 랩 보컬 등으로 드라마틱한 보컬 표현 등을 Nu-Metal음악에 어떻게 표현하고 적용하였는지에 대해 확인 할 수 있었다. 그리고 Nu-Metal이 록음악 시장에서 어떠한 장르보다 단기간에 폭발적인 인기를 누리다가 급격하게 쇠퇴한 이유 및 과정을 분석하였다. Nu-Metal은 잠깐의 유행을 지나 사라진 장르가 아니다. 그 후 Nu-Metal의 상징인 융합의 특징을 계승한 Post-Nu-Metal, 그리고 현대 대중음악에서 흔하게 나타나는 경계 없는 장르융합등은 Nu-Metal음악의 음악적 유산이라고 할 수 있다. Nu-Metal을 하나의 유행했던 음악으로 치부된 경향이 많았지만 본 연구를 통하여 현대 록음악의 다양화에 중요한 역할을 했음을 다시 한번 확인할 수 있었다. 결론적으로 Nu-Metal은 단순한 장르적 혼합을 넘어 록 음악의 표현 범위를 확장시키고, 장르 간 경계를 허물며 록의 새로운 가능성을 제시한 중요한 의미가 있는 장르였다. 관련 연구가 많지 않아 참고자료 확보에 어려움이 있었지만 앞으로 Nu-Metal에 대한 더 많은 연구가 이루어지길 바라며 본 논문이 Nu-Metal의 음악적 특징과 록 음악의 하이브리드화의 흐름을 이해하는 데 역할이 되길 바란다. This study aims to analyze the musical characteristics of Nu-Metal, a genre that significantly influenced the expansion and hybridization of rock music, and to examine its cultural and musical impact. Nu-Metal emerged as a new expressive form by combining the heavy and aggressive sound of hard rock and heavy metal with the unique rhythms and rap vocals of hip-hop. By tracing the musical evolution from hard rock and heavy metal to pre-Nu-Metal hip-hop, this research explores how Nu-Metal expanded the boundaries of existing rock and metal music. Through structural analysis of major tracks by representative bands such as Korn and Limp Bizkit—groups that ranked high on the Billboard charts—this study delves into the distinctive musical styles and elements they introduced. The analysis examines differences in instrumental performance, including rhythm variations, the use of altered tunings, slap bass techniques, and the incorporation of hip-hop grooves. In particular, vocal techniques such as the interplay between clean and unclean vocals and the use of rap vocals are identified as key features that shaped the genre's dramatic and emotional expression. The study also investigates the reasons behind Nu-Metal’s explosive but short-lived popularity and its rapid decline in the rock music market. However, rather than a fleeting trend, Nu-Metal can be seen as a genre whose legacy continues through Post-Nu-Metal and today’s widespread genre-blending practices. The hybridity once considered unconventional in Nu-Metal has now become a norm in contemporary music. Although often dismissed as a temporary fad, this research reaffirms Nu-Metal’s critical role in the diversification of modern rock. Despite challenges in sourcing academic references due to the lack of prior studies, this paper contributes to a deeper understanding of Nu-Metal’s musical traits, its role in the hybridization of rock, and its lasting cultural significance. Ultimately, Nu-Metal was not merely a fusion of genres but a transformative force that expanded the expressive potential of rock music and challenged its traditional boundaries.

라경진의 졸업작품 <Hommage>의 해설

라경진 동덕여자대학교 2017 국내석사

현대의 실용음악은 비교적 정형화된 서양음계와 이것을 기반으로 이루어진 코드(Chord), 그리고 또 그것들을 연구한 화성학을 중심으로 만들어지고 있다. 비록 이런 음악에서 벗어나려는, 혹은 벗어난, 새로운 시도와 다양한 장르 또한 매우 빠르게 발전했으나 오랜 기간 축적되어온 음악적 지식과 결과물에 비교하면 매우 적은 부분임은 확실하다. 비록 현대는 인터넷과 위성통신망의 등장으로 정보가 다양화되며, 대량으로 공유되고, 개방되어졌다. 매우 빠르게 변화하는 세상의 흐름에 걸맞게 음원 차트에는 짧은 시간에도 강렬하게 감성 혹은 메시지를 전달하려는 대중음악, 실용음악의 스타일이 주를 이루고 있다. 그러나 이러한 음악들 사이에서도 오래도록 기억되고 들려지는 음악들이 존재한다. 예를 들어 매우 오래전부터는 바로크(Baroque)시대의 고전주의 음악부터 혹은 낭만파 음악을 잇는 대표적인 예로 베토벤과 같은 소위 클래식(Classic)음악이라던가, 조금 더 가까이로는 영화 <The Wizard of Oz> (1936) 에 수록된 ‘Somewhere over the Rainbow' 와 같은 영화음악이라던가, 더 가까이로는 프랭크 시나트라(Frank Sinatra)의 ‘My way' (1969) 와 같은 팝송처럼 이러한 명곡들은 시대에 상관없이 많은 이들에게 사랑받고 또 연주되어져 왔다. 또한 아름다운 명곡과 더불어 위대한 아티스트들을 기리는 마음에서 수많은 편곡과 리메이크가 존재하며 또 다른 경의의 표현으로 오마쥬(Hommage) 의 형태가 존재한다. 존경하는 예술 작품에 대한 마음이자 또 하나의 작품으로 원작에 대한 기억을 오래도록 간직하는 것이다. 그래서 좋은 작품이 갖추어야 할 요소들을 배우기도 하고 또 그것들을 가지고 현대음악의 발전에 이바지하는 것이다. 따라서 음악을 하고자 하는 아티스트들은 옛것임에도 불구하고 여전히 훌륭한 작품들을 듣고 오랫동안 쌓여온 음악적 지식을 연구하며 한편으로는 현대사회를 사는 대중의 호소력을 끌만한 신선하고, 혁신적인 감각을 제시해야만 한다. 뿐만 아니라 본인의 작품 또한 독립된 훌륭한 작품으로 성장시키기 위해 부단한 노력을 기울여야 할 것이다. 본 논문에서는 본인이 음악적 세계관을 넓히고 보다 좋은 음악을 만들기 위한 방법으로 오마쥬(Hommage)를 택하여 졸업작품을 발표하였으며, 본인이 존경하는 아티스트들 중 클로드 아실 드뷔시(Claude Achille Debussy), 요한 세바스티안 바흐(Johann Sebastian Bach), 브래드 멜다우(Brad Mehldau), 팻 메스니(Pat Metheny, Patrick Bruce Metheny) 이렇게 4명의 작품들을 연구하여 오마쥬하고 그것을 다시 작곡기법을 중심으로 분석하였다. 드뷔시는 이른바 인상주의 음악의 시조로써 후기 낭만파 음악에의 가장 용감한 도전자였다. 본 논문에서는 특히 동양적인 음감의 적극적인 구사와 아르페지오 기법에 주목하였다. 또 J. S. 바흐는 <푸가의 기법(실내악곡)>에서 볼 수 있듯이 전통적인 음악의 완성자였다. 그러나 한편으로는 평균율을 적극적으로 사용하였고 <인벤션(Invention)>이라는 대위법을 사용한 정교한 작품을 만들어 지금도 피아노학습에서는 없어서는 안 될 작품으로 꼽힌다.편집부, <최신명곡해설 & 클래식명곡해설 - 작곡가편>, 삼호ETM, 2012 그리고 두 아티스트와는 비교적 현대의 두 아티스트로써 브래드 멜다우는 즉흥 연주에 가장 중점을 둔 연주 스타일과 록은 물론 재즈 안에 머무르며 거장의 반열에 올랐고 팻 메스니또한 이 시대 가장 영향력 있는 재즈뮤지션이자 기타리스트, 밴드리더로써 재즈를 중심으로 컨트리와 포크를 넘어 보사노바와 프리재즈까지 아우르고 있으며 영화 음악 작업까지 다양한 활동을 해오고 있다. 본 연구의 목적은 첫째, 4명의 아티스트의 작품세계를 연구하여 그들의 작곡기법과 독창적인 감성을 인식한다. 둘째, 가요 혹은 팝 위주의 실용음악이라는 보편적인 관점에서 벗어나 다양한 설정을 배경으로 작품을 창작하고자 한다. 셋째, 이러한 작업을 통해 오마쥬(Hommage) 함으로써, 위대한 작품들을 더 오래 남기고자 한다. 연구 방법으로 드뷔시의 “Arabesque no.1 in E major" 와 바흐의 “Invention no.1 in C major", 멜다우의 ”Airport Sadness", 팻 메스니의 “First Circle" 이렇게 4곡에 대해 문헌을 통한 자료 수집과 악보분석 바탕으로 고찰하였으며, 발견된 요소들을 바탕으로 새로 작품을 창작하며 작곡기법을 연구하였다. 결과적으로는 대위법(Counterpoint)같은 기존의 이론적으로 접근할 수 있는 클래식 작곡기법과 텐션 노트(Tension Note)의 적극적인 활용 등 이와같은 화성적인 요소와 또 한편으로는 코드의 아르페지오(Arpeggio)활용, 폴리 리듬(Poly Rhythm)이나 스윙(Swing), 변박자(Odd meter)와 같은 다양한 리듬적 요소를 발견할 수 있었고 이를 응용한 작품을 창작할 수 있었다.