로잔느 - 베이징 국제 섬유비엔날레에 관한 연구

이해연 홍익대학교 일반대학원 2013 국내석사

The history of fiber art is based on the history of tapestry in the Middle Ages. At that time, multiple powers were given to weaving teachers since they personally made a design for the circumstances of the times or religious doctrines. However, it is not to be ignored that, during the medieval times, tapestry was not valued as a true art but a function of an artisan. The history of tapestry is not significant in constructing an independent formative world based on creativeness but it is meaningful only as a record. In this regard, the starting point of fiber art may be “Bauhaus Textiles” which is a produce of Arts and Crafts Movement which was developed from a practical viewpoint principally by William Morris. “Bauhaus Textiles” is not characterized as much by its ‘artistic function’ but by its ‘product trend’ as a design combined with the industry. The realization of an aesthetic value of ‘beauty in practicality’ has its limit to stress the original formativeness of fiber art. Yet, it is mostly believed that tapestry as a modern fiber art in its true meaning was started with “Biennale International De La Tapisserie, Lausanne” promoted by Jean Lurcat. Lausanne Biennale had established fiber art as an independent formative genre and led from the 1st fiber art revival in 1962 to the 14th revival, which was ended with the 16th in 1995 when its existence encountered the limits. Since Lausanne Biennale as the tow truck for fiber art revival disappeared from the stage, fiber art dwindled. And as an alternative for the resurrection of fiber art, “From Lausanne to Beijing" was begun in 2000 in Beijing. The 1st Beijing Biennale was held in 2000 and the 7th in 2012, always pursuing after the “revival and transcendence” of the Lausanne spirit. This thesis is aimed to investigate preceding researches into Lausanne Biennale and into the meanings, significance and current state of Beijing Biennale, with a view to understanding the background of the emergence of “From Lausanne to Beijing.” The methodologies used include an analysis of the 1st through 7th exhibitions, an investigation into prize-winning works in the past, and an additional analysis of trends in other works than the prize winners. The analysis of trends is applied with expression techniques, extension of materials, and 3-dimensional extensity. As for expression techniques and extension of materials, an analysis is primarily made of modern plane works, which break away from traditional materials or techniques, with a focus on 3-dimensional extensity based on the concept of installation and soft sculpture. This research is aimed to analyze the ‘resurrection and transcendence’ of Lausanne Biennale, the role of Beijing Biennale which reflects the spirit of Lausanne Biennale and serves as a scaffold for a new jump of fiber art, and also the trends of modern fiber art which are revealed in the works of artists participating in Beijing Biennale, with a view to reconfirm the position of Beijing Biennale which an extension of Lausanne Biennale. Experts clearly accept such substantial discourses as insist that Lausanne Biennale is the manifestation of the spirit of the times including the historical background after the 2nd World War and the Abstract Expressionism rising in America; and it is also true that Beijing Biennale has its limit and less remarkable results compared to Lausanne Biennale, because inclusive concepts unique to the pluralized modern society have an influence on modern art. Yet, such a phenomenon is recognized as a transient step of fiber art which has got out of stagnation and is braced for a jump. It is very encouraging that Lausanne Biennale occurred with the West including Europe and America as its setting while Beijing Biennale leads to the 2nd revival of fiber art centering in Asia. Lastly, it is expected that the position of ‘From Lausanne to Beijing’ will be strengthened as an international biennale true to its name, which will lead the resurrection and the 2nd revival period of fiber art. 섬유예술의 역사는 중세의 태피스트리 역사에 그 근원을 두고 있다. 시대적 상황이나 종교적 교리 등을 직접 도안하는 등, 직사(織師)에게 많은 권한이 부여되었음을 알 수 있다. 하지만 중세의 태피스트리 역사는, 예술로서의 진정한 의미 보다는 장인(匠人)으로서의 기능이 우선 시 되어 짐을 간과할 수 없다. 창의성을 기반으로 한 독자적인 조형세계의 구축보다는 기록적 의미에 제한됨을 발견할 수 있다. 따라서 섬유예술의 시발점은, ‘윌리엄 모리스(William Morris)’를 중심으로 한, ‘미술공예운동(Arts and Crafts Movement)’, ‘바우하우스의 직물’들에서 찾을 수 있다. 바우하우스 직물의 특징은 ‘예술적 기능’에서 벗어나 산업과의 결합에 의한 디자인으로서의 ‘제품적 경향’을 많이 띠고 있다. ‘실용성 안에서의 아름다움’이라는 미적 가치의 실현은 섬유예술만의 독자적 조형성을 강조하기에는 그 한계를 보이고 있다할 수 있다. 진정한 의미에서의 현대섬유예술로서의 태피스트리의 역사는, ‘장 뤼르사(Jean Lurcat)’에 의해 태동된 ‘로잔느 국제 태피스트리 비엔날레(Biennale International De La Tapisserie, Lausanne)’에 그 근원을 두는 시각이 지배적이라 할 수 있다. 섬유예술을 독자적인 조형의 장르로 이끌어 왔던 로잔느 비엔날레는, 1962년 제1회를 시작으로 1989년 제14회 까지 섬유예술의 부흥을 이끌어 왔지만, 존립에 대한 한계성에 직면하며 1995년 제16회로 막을 내리게 된다. 섬유예술 부흥의 견인차 역할을 수행했던 로잔느 비엔날레의 퇴장은 섬유예술의 침체를 가져왔고, 새로운 부활을 위한 대안으로 5년 후 2000년 베이징에서 ‘From Lausanne to Beijing’이 탄생하게 된다. 2000년 제1회를 시작으로 2012년 제7회에 이르기 까지 ‘베이징 비엔날레’는 로잔느 정신의 ‘부활과 초월’이라는 향상성을 동시 추구하고 있다. 본 논문에서는 ‘From Lausanne to Beijing’의 탄생배경에 대한 로잔느 비엔날레에 대한 선행 연구와 베이징 비엔날레의 의미와 의의, 현황을 살펴보고자 한다. 연구 방법으로는, 제1회부터 제7회까지의 전시를 분석하고, 작품의 고찰과정은 역대 수상작 위주로 제한하고, 수상작 외에 전시되어진 작품들의 경향에 따른 분석을 추가하였다. 경향분석의 방향성은, 표현기법 및 재료의 확장과 3차원적 공간성에 입각하여 살펴보았다. 표현기법 및 재료의 확장에서는 평면작품을 위주로, 전통적인 재료나 기법에서 탈피한 현대적 경향의 작품들 위주로 분석 하였으며, 설치 및 부드러운 조각(Soft Sculpture)의 개념을 기반으로, 3차원적 공간성을 다루었다. 연구의 목적은 로잔느 비엔날레의 연장선으로 ‘부활과 초월’ 그 정신성의 반영과 섬유예술의 새로운 도약의 발판으로서의 역할, 나아가 참여 작가의 작품을 통해 드러난 현대 섬유예술의 경향을 분석해 봄으로써 베이징 비엔날레의 위상을 재확인 하는 계기를 삼고자 한다. 로잔느 비엔날레의 태동의 배경에는 2차 세계대전 이후의 역사적 배경과 미국의 추상표현주의 운동 등 시대정신의 발현이라는 거대담론을 수용하는 현상이 뚜렷한 반면, 다원화된 현대사회의 특성상 포괄적 개념의 현대미술의 영향으로 인해, 베이징 비엔날레에서는 로잔느의 위상에 비해 괄목할만한 성과를 보여주지 못하는 한계를 보여주고 있는것 또한 사실이다. 이는 침체기를 벗어나 향상성을 위한 과도기적 상황으로 인식되어진다. 로잔느의 배경이 유럽과 미국 등 서구에서 발생한 것이라면 베이징 비엔날레는 아시아를 중심으로 제2의 섬유예술 부흥으로 도모되어짐은 매우 고무적인 현상이라 할 수 있다. 끝으로 ‘From Lausanne to Beijing’이 향후 섬유예술의 부활과 제2의 부흥기를 이끌어 내는 견인차 역할로 거듭나는 명실상부한 국제적 비엔날레로서의 위상강화를 기대해 본다.

도시이미지의 태피스트리 표현 연구

Yang Jia Jia 홍익대학교 대학원 2019 국내석사

섬유예술은 섬유의 역사와 함께 한다. 기능적 역할을 담당했던 인류 최초의 섬유를 시작으로 태피스트리는 다양한 실험과 발전을 통해 섬유 인식의 많은 변화를 이루어냈다. 섬유는 태피스트리의 형식을 시작으로 예술로서의 발전을 시작하였다. 이는 견사, 모사, 면사, 마사 등의 천연재료와 폴리에스테르사, 나일론사 등의 인공재료를 사용하여 편직, 바느질, 매듭 등의 다양한 표현기법으로 발현되어 왔으며, 예술 주체의 내적 표현을 위해 다양한 실험을 하며 역사 속에서 발전을 거듭해 왔다. ‘로잔느 국제 태피스트리 비엔날레(Lausanne International Fiber Art Biennale)’는 30여년간 섬유의 예술적 기능을 꾸준히 제시하여 섬유 개념을 새롭게 확장해 주는 이정표가 되어 주었으며, 연구자는 본 연구에서 전승되어온 베이징 국제 섬유 비엔날레를 분석하였고, 이 전시회가 섬유예술에서 새로운 확장의 역할을 하였다고 보았다. 이처럼 섬유 예술은 역사 속에서 여러 작가들의 수많은 도전과 노력으로 변화되어 왔으며, 현대 섬유예술은 다양한 형식으로까지 확장되어 현대미술이 추구하는 탈 장르의 한 축을 담당하며 시대의 문화를 포함하고 있다. 특히 ‘태피스트리’는 섬유예술이라는 범주 안에서 전통을 묵묵히 지키며 인간의 삶의 지혜와 가치를 표현하는 포괄적인 예술의 영역이 되었다. 연구자는 섬유미술의 태피스트리 기법을 통해 도시이미지를 표현하였다. ‘도시’는 인류의 생존과 발전은 물론 문화까지 내포하고 있기 때문에 예술가들에게 많은 영감을 주는 주제이다.또한‘도시’라는 공간속에서 느끼는 주체로서의 감정 혹은 그 공간을 바라보는 객체로서의 감정 등을 각각 건축물의 형태로 형상화하였으며 특정한 도시가 품고 있는 문화적 특징은 다양한 형태와 색채의 모습으로 감정을 표현하고 있는 것이라고 인식하고, 도시와 현대인들이 만들어 내는 상호작용을 태피스트리의 형식으로 표현하였다. 본 연구는 도시의 이미지를 해석하여 재구성 하는 과정을 통해 연구자의 감정으로 관점화 시키는 과정이라 할 수 있다. 연구자는 섬유의 역사와 섬유예술 작품들의 연구를 통해 다양한 색채와 기법, 심상의 표현들이 현대 섬유예술에 어떤 발전을 만들어 왔는지를 이해하며, 전통 태피스트리의 계승 속에서 진행되는 연구자의 다양한 실험이 섬유예술의 또 다른 긍정적 확장에 기여하기를 기대한다. Textile arts are accompanied by the history of textile. Starting with the first functional rayon, which is man-made, tapestry has made many changes in fiber identification through various experiments and developments. Textile has begun to develop into arts in the type of tapestry. It has been manifested in various representation techniques such as woven fabric, sewing, knotting using natural materials such as raw silk thread, woolen yarn, cotton yarn, hemp yarn, and artificial materials such as polyester yarn and nylon yarn; various experiments have been made to develop the internal expression of arts in history. The 'Lausanne International Fiber Art Biennale' has been constantly demonstrating the artistic function of the textile and a milestone for new extension in textile for 30 years. The researcher analyzed the Beijing International Fiber Biennale in this research, and this exposition showed a new expansion in textile art. Textile art has been changed in the way by the many challenges and efforts of various artists in the history. Modern textile arts are extended to various forms and are responsible for mask genre which contemporary arts pursue. Especially, 'tapestry' has kept the tradition silently in the context of textile arts and becomes a comprehensive artistic field, expressing the wisdom and value of human life. The researcher expressed the city image through tapestry technique of textile arts. 'City' is a theme that gives much inspiration to artists because it includes not only the survival and development of mankind but also the culture. In addition, emotions as a color felt in the space called 'city', or stared by object, embody the form of each building; and cultural characteristics possessed by particular cities express emotions in various shapes and colors; also formulate the interaction between city and modern people in tapestry form. This study can be regarded as the process of making perspective through the process of interpreting and reconstructing the image of the city with the emotion of the researcher. The researcher comprehends how various expressions of colors, techniques, and imagery have made progress in modern textile arts through researches on the history of textiles and textile arts; expects that various experiments done by the researcher in traditional tapestry can contribute to another positive expansion in textile arts.

그라니 스퀘어 크로셰 모티프를 활용한 모듈화 가구디자인 연구

신수정 홍익대학교 대학원 2025 국내석사

국문 초록 본 논문은 모티프 크로셰 기법으로 제작한 섬유 모듈과 그 물성을 단단하게 전환하여 모듈 가구디자인을 하는 것을 목적으로 한다. 이를 통해 섬유 기법을 입체적 조형 표현의 매개체로서 탐구하고자 한다. 본 연구를 통해 모티프 크로셰 기법을 새로운 입체 조형적 표현으로 적용하여 기법의 활용 범위 확장을 탐구하는 데 의의가 있다. 이러한 목적의 배경은 연구자 본인의 섬유 물성에 대한 지속적인 관심에서 출발하였다. 동시에 본인의 작품 세계 정립을 위해 내적이고 주관적인 정체성을 표현한 작품에 관한 분석으로 작품 세계의 지속성을 가늠하기 위함이다. 이를 위한 연구의 바탕으로 크로셰 모티프와 모듈화 가구디자인에 대한 이론적 고찰과 그를 바탕으로 제작한 가구 작품 분석이 논문의 주축을 이룬다. 본 연구는 편물의 물성에 관한 것으로 니트 작업을 하며 섬유의 부드러운 물성이 때로는 조형성에 제한으로 작용함을 느끼면서부터이다. 그러한 제한적 조형성에 대한 고민은 ‘과연 섬유의 부드러운 물성을 단단하게 전환해 섬유 자체로 서 있을 수 있는 형태를 만들면 어떨까?’하는 아이디어로 발전하였다. 섬유 소재 특유의 물성이 전환됨을 통해 형태에 어떠한 영향을 끼칠 것이며 그에 대한 형태적 가능성을 탐구하고자 함이 본 연구의 목적이다. 이를 위해 돌, 나무, 금속 등 단단한 물성의 재료를 요구하는 가구디자인에 섬유 소재를 주재료로 사용하여 편물 기법의 색다른 활용을 시도하였다. 또한 새로운 조형적 표현 시도로써 크기를 확대한 크로셰 모티프로 가구를 제작함으로 그라니 스퀘어 크로셰 기법의 활용 범위에 대한 확장 가능성을 가늠해 보고자 한다. 연구 첫 단계로 크로셰의 일반적인 특성에 대해 니트와 그 차이점을 중심으로 비교 분석하여 알아보았다. 다른 섬유 기법들과 비교해 크로셰는 그 역사가 그리 길지 않다. 19세기 레이스 크로셰를 중심으로 발전한 것이 본격적인 크로셰 역사의 시작임을 고려하면 그 역사에 비해 매우 다양한 유형들로 세분되며 20세기 급속도로 발전하였다. 수많은 크로셰 유형 중 연구에 적용한 모티프 크로셰 유형과 함께 현대 크로셰의 모태라고 할 수 있는 레이스 크로셰와 태피스트리, 튀니지안, 프리폼 크로셰 유형에 관해 고찰하여 기법의 확장성을 확인하였다. 유형의 확장뿐만 아니라 그 기법의 활용 범위 또한 급성장하였는데, 실생활 용품으로 장식성이 짙은 레이스부터 20세기의 섬유예술의 한 기법으로 자리 잡으며 활용 범위를 확장해 왔다. 특히 20세기부터 21세기의 현대적 디자인까지 이어지는 그라니 스퀘어 모티프 크로셰의 패션은 다양한 그라니 스퀘어 모티프의 활용 방식을 보여준다. 이에 대한 패션 브랜드의 사례를 들어 그 대중성을 분석하고, 대중성의 바탕에 관해 고찰하였다. 나아가 작품 제작에 핵심 기법으로 적용한 클래식 그라니 스퀘어를 중심으로 하는 고찰을 통해 그 모티프가 모티프 크로셰 유형의 기원으로 역사가 깊으며, 그만큼 대중적인 모티프임을 확인하였다. 그 바탕에는 다른 유형에 비해 비교적 쉬운 기본 스티치의 반복 구성임을 발견하고 그 구성을 최대한 그대로 드러나도록 표현하였다. 다음 단계로 크로셰 모듈을 사용하여 가구로써 입체 구조를 형성하기 위한 방식으로 모듈화 시스템에 관해 고찰하였다. 이를 위해 ‘모듈’, ‘모듈화’의 개념이 어떻게 가구 영역에서 발전되어 영향을 미쳤는지 사례를 들어 살펴보았다. 또한 모듈화의 기본 원리로 분할과 조합을 통해 형성되는 특성인 다양성, 확장성, 유연성을 파악하고 작품 표현에 강조하고자 하였다. Ⅱ장에서 고찰한 이론적 내용을 바탕으로 연구 작품을 제작하고 분석하였다. 제작 과정에서 섬유 모듈의 물성 전환과 이를 조합한 모듈화 구조의 구체적 입체화에 중점을 두었다. 실험적 표현의 측면으로 섬유 물성의 전환을 바라보고 실질적 실험을 통해 그 과정과 변수에 따르는 다른 결과를 통해 섬유 모듈 제작의 필요조건을 도출하였다. 이를 이어 제작된 단단한 섬유 모듈을 다양하게 변형 및 조합하여 구조적 실험을 진행하였다. 물성과 구조에 관한 실험을 통해 최종적 디자인을 확정하고 모듈성을 드러내고자 하였다. 결과적으로 크로셰 모티프와 모듈화를 접목한 실험적 표현으로 관람자로 하여 예상과 다른 물성과 구조로 유발되는 새로운 시지각적 감상을 전달하고자 하였다. ABSTRACT A Study on the Modular Furniture Design Based on Granny Square Crochet Motif Su Joung Shin Department of Fiber and Textile Art Graduate School of Hongik University Supervised by Professor Chul Yong Choi This paper explores the design of modular furniture by employing the motif crochet technique to create textile modules and transforming their inherent softness into a hardened state. The study investigates the potential of textile techniques as a medium for three-dimensional sculpture expression. By applying motif crochet as a new method of three-dimensional artistic representation, this research aims to expand the scope of it application. The motivation for this study arises from the researcher’s ongoing interest in the materiality of textiles and a desire to establish a sustainable artistic identity through works that express subjective and internal narratives. As its core, the study involves theoretical research on crochet motifs and modular furniture design, coupled with an analysis of furniture pieces crafted using these principles. This research originates from an exploration of textile properties. While working with knitted materials, the researcher observed that the softness of textiles often limits their sculptural potential. This limitation led to the question: What if the soft properties of textiles could be transformed into a hardened form, allowing them to stand independentlly as structures? The study seeks to examine how such a transformation affects the form and explores the new possibilities it creates. By using textiles as primary material in furniture design – traditionally dominated by rigid materials like stone, wood, or metal - and crafting pieces through knitting techniques, the study aims to introduce a sense of unfamiliarity in everyday objects, sparking curiosity and engagement from viewers. Furthermore, by scaling up crochet motifs to create furniture, the research investigates the potential for expanding the use of the granny square crochet technique into novel sculptural forms. In the first phase of the study, the general characteristics of crochet were analyzed, with a particular focus on its differences from knitting. Compared to other textile technique, crochet has a relatively short history. Emerging in the 19th century with lace crochet, the technique has since evolved into a wide variety of styles, achieving rapid development in the 20th century. This study specifically examines motif crochet while also exploring related styles such as lace crochet, tapestry crochet, Tunisian crochet, and freeform crochet to highlight their adaptability and expansion potential. Alongside this stylistic diversification, the scope of crochet’s application has expanded significantly, from decorative lace items to an established technique in fiber art. Notably, the granny square motif crochet, which has spanned from 20th century traditions to contemporary 21st century design, demonstrates a wide range of applications. By analyzing its use in fashion brands, the study delves into its popularity and underlying appeal. Through an in-depth investigation of the classic granny square motif – a central technique in this research – it was confirmed that this pattern is a foundation element of motif crochet, celebrated for its accessibility and repetitive structure. This simplicity is emphasized in the final expressions of the study’s work. The next phase involved exploring the modular system as a method for forming three-dimensional structures with crochet modules. To this end, the concepts of “module” and “modularization” were examined, focusing on their evolution and influence in furniture design through various examples. The study indentified the key principles of modulaity – diversity, scalablity, and flexibility derived from the processes of division and recombination – and integrated these characteristics into the artistic process. Building on the theoretical foundation, the study proceeded with the production and analysis of original works. The production process emphasized transforming the properties of textile modules and concretizing modular structures into three-dimensional forms. From an experimental perspective, the research focused on the material transformation of textiles, conducting practical tests to identify essential conditions for crafting textile modules and analyzing the variables influencing outcomes. The hardened textile modules were then modified and combined in various configurations to conduct structural experiments. Through these explorations of materiality and structure, the final design was determined, with a focus on showcasing modularity. The resulting work offers viewers an unexpected visual experience by presenting materials and structures that defy traditional expectations. By merging crochet motifs with modular system, the study achieved experimental expressions that feel both unfamiliar and strikingly impactful, resulting in a body of work that leaves a lasting impression.

트라우마 치유를 위한 섬유 표현 연구

서동희 홍익대학교 대학원 2021 국내석사

트라우마란 ‘외상’이란 뜻으로, 외부로부터 받은 상처를 의미한다. 이는 이상심리학에서 ‘정신적인 상처’를 뜻한다. 트라우마는 다양한 원인을 가지고 있으며, 전쟁에 대한 상처, 가정으로부터의 폭력 등 외상 사건에 대한 직간접적 영향에서 비롯된 다양한 이유가 있다. 연구자는 본인의 유년 시절로부터 온 외상 경험을 바탕으로 섬유 소재를 활용하여 작품을 제작했다. 본 논문을 통해서 연구자는 트라우마에 대한 심리학적 이론과 주디스 허먼(Judith Lewis Herman, 1942~)의 실험을 기반으로 다양한 외상 경험을 분석하여 섬유 미술 분야에서의 상처의 표현과 치유에 대해 논했다. 허먼은 상담과 실험을 통해 트라우마를 과각성(hyperarousai), 침투(intrusion), 억제(constriction) 등 3가지의 주요 증상으로 구분하였다. 관련된 다양한 사례를 살펴보면 이 증상들은 각각 세부적으로 다양한 형태로 발현된다는 것을 알 수 있다. 프리다 칼로(Frida Kahlo, 1907~1954)와 천경자(1924~2015)는 작품에서 자아 이미지의 표정과 함께 사용한 상징적 오브제를 통해 증상을 시각화하고 자신의 심상을 표현했다. 본 연구자는 치유가 외상 경험으로 인한 트라우마의 감정적 해소에서 온다고 보았고, 이와 관련된 다양한 심리 치료법 중 자연스럽게 피해자의 내면 표현이 가능한 미술 치료에 대해 분석했다. 미술 치료의 재료를 선택함에 있어 섬유는 부드러움이라는 특성과 인간을 보호하는 소재라는 점에서 치유를 목적으로 활용하기에 적합하다. 연구자는 섬유 미술을 통해 외상 경험에 대한 아픔과 고통의 소산을 표현한 루이스 부르주아(Louise Bourgeois, 1911~2010), 에바 헤세(Eva Hesse, 1936~1970), 알베르토 부리(Alberto Burri, 1915~1995)와 같은 다양한 작가의 작품을 연구했다. 본인의 작품과 몇몇 작가의 작품은 자아 이미지라는 오브제를 통해 자신의 고통을 표현했다는 점과 실의 올들이 정리되지 않은 채 섬유의 절단면이 찢겨 상처받은 내면을 강조한다는 점에서 유사함을 찾을 수 있었다. 본인은 작품에서 트라우마의 상징적인 오브제로서 자아 이미지를 사용하여 반상의 표정과 자세, 손의 형상을 통해 외상 경험에서 느낀 감정과 증상을 투영시켜 나타냈다. 또한, 스크린 날염과 섬유 콜라주를 주된 표현 기법으로 사용하고 연구하였다. 스크린 날염 기법을 활용하여 자아 이미지를 입체적이고 다양한 질감으로 표현했다. 인간과 가깝게 닿아있는 소재인 섬유를 활용한 콜라주 기법으로 얻은 질감을 통해 외상 경험에 대한 상처를 표현하여 좁게는 관람자와 넓은 의미로는 사회와 공감하길 원했다. 본인에게 이러한 과정은 트라우마의 표출을 통한 치유와 동시에 과거의 상처로부터 자유로워질 기회가 되었으며, 스스로 아픔을 정리할 수 있는 시간이 되었다. 본 연구자는 이 논문을 통해 트라우마에 대한 사회적 인식의 변화와 치유의 의미로서의 섬유 미술 분야의 발전을 기대한다. Trauma refers to the ‘psychological damage’ that occurs from the result of a distressing external event. Abnormal psychology defines it as a ‘psychological injury.’ Trauma can be caused by both direct and indirect influences of various types of events, including war and domestic violence. I incorporated fiber art in my work that encompasses the traumatic childhood experience. The study discusses the manifestation of trauma and its healing process through fiber art by analyzing diverse traumatic experiences based on the psychological theory of trauma and the research by Judith Lewis Herman (1942~). Herman organized trauma into three main symptoms as hyperarousal, intrusion, and constriction through consultation and experimentation. From various relevant cases, these symptoms were witnessed to reveal in different forms with specific details. Works by Frida Kahlo (1907~1954) and Kyungja Chun (1925~2015) embody symptoms and express inner-imagery through symbolic objects and self-image expressions. As I assumed that the healing process stems from emotional relief of traumatic experience, amongst several relevant psychological treatments, I analyzed a distinct art therapy capable of naturally expressing the victim’s inner consciousness. Due to the protective nature and softness of the fabric, it serves the purpose of healing in art therapy amongst various materials. I conducted profound research on the works by Louise Bourgeois (1911~2010), Eva Hesse (1936~1970), and Alberto Burri (1915~1995), who experienced trauma and portrayed the anguish and its aftermath through fiber art. The interpretation of painful emotion through the object of self-image, as well as the emphasis of the wounded heart through entangled threads on the ripped cut edge of the fabric, are similarly shown both in my work and the oeuvre of various artists. As a symbolic object for the trauma, my work employs self-image to reflect experienced emotions and symptoms through expressions, posture, and hand shapes. Also, as the primary expression techniques, screen printing and fabric collage were used and studied. The self-image was expressed with an escalated depth and various textures using the screen printing technique. By exposing traumatic experiences through the collage technique with traditional fabrics, I envisioned a genuine empathy with the audiences and connected to society in a broad sense. This process infuses an opportunity to emerge from past wounds by expressing traumatic experiences and embracing the pain for a better future. I anticipate that this study delivers the change of social perception of trauma and fiber art development concerning mind healing.

有機的 형태(Organic form)의 섬유조형 연구

신예선 弘益大學校 大學院 2003 국내석사

유기체는 생명력을 가짐과 동시에 주체적인 활동을 시작한다. 그러므로 유기체와 이것을 운행시키는 힘을 분리하여 별개의 것으로 설정하기는 힘들다. 자연은 생명이 성장하고 소멸하듯 지속적인 주체적 활동으로 그것을 순환시키며, 자연 속의 개체들은 서로 유기적으로 영향을 주고받으면서 자연 하나가 커다란 유기체로 존재한다. 이렇게 자연을 하나의 거대한 유기체로 보는 것은 생명력이 모든 만물에 깃들어 있어 서로 관계를 맺고 있음을 의미하며 인간의 삶 속에 내재된 생존을 위한 힘의 법칙이 자연의 법칙과 공통된다는 것을 뜻한다. 자연 가운데 자연현상이나 생물의 성장에 따라 형성된 형태를 유기적 형태(Organic form)라고 한다. 자연의 모든 유기체들은 스스로 조절되는 질서 있는 형태와 구조의 패턴을 지닌 고유한 모습을 하고 있으며, 각기의 유기체들이 보여주는 형태들은 무한정한 다양성(diversity)을 내포하고 있다. 다양한 시각에서 '유기적 생명'의 표현을 추구해 온 작가들은, 물질문명과 과학기술이나 이성 중심주의에 대해 노골적으로 비판하는 작품을 제작했으며, 다른 한편으로는 자연의 내적 구조를 탐구하거나 인간 무의식과 상상의 세계를 탐색함으로써 작품에 있어서 유기적 생명을 복원하는데 지대한 관심을 기울였다. 이들은 공통적으로 생명이 지니는 변화와 역동성 그리고 비정형성과 같은 속성들에 주목했으며 이를 작품으로 형상화하는 데 심혈을 기울여 왔다. 예술에 있어서 생명이 있는 형식은 그 안에 유기적으로 구성된 요소들이 독립적인 부분들이 아니라 상호 관련적, 상호 의존적인 관계에 들어서게 된다. 곧 예술작품은 살아있는 생물체처럼 변화와 발전, 성장 등 살아있는 형식과 인간감정을 전하는 데에 이르기까지 유기적인 구조와 형식 즉 유기적인 생명감을 갖게 되며, 이렇듯이 생명이라고 부르는 역동적 기능을 구성하는 총체적인 생명체의 모든 특성과 함께 인간이 만든 조형 이미지는 상호 유기적 질서를 가질 때에 유기적인 생명감이 표현된다. 유기적 형태를 모티브로 하는 본인의 작업은 생명체의 속성인 성장과 소멸의 변화와 역동성을 작품 안에서 표현하고자 역설적 표현을 사용하였다. 생성과 소멸, 삶과 죽음의 상반된 개념이 공존 할 때, 상반의 개념은 지양되고 새로운 또 하나의 의미 획득으로 형이상학적 진리를 경험하게 됨으로서 생명성의 의미는 더욱 증폭된다. 다다이스트들은 기성 예술과 전통적 기법을 부정하기 위하여 다양한 마티에르나 오브제를 사용하였고 자신들의 사상을 혁신적인 방법으로 표현하였다. 그 결과 갖가지 미지적이고 충격적인 물체들이 미술의 재료로 대치되어왔다. 이는 현대미술에 있어서 새로운 재료나 방법론의 형식을 보여 주는 것이었을 뿐만 아니라 조형적 가치와 의식, 더 나아가서는 미술의 개념을 변화시켰다. 본인의 작업에서 새로운 섬유 재료와 오브제의 사용은 생명성의 생성과 소멸이라는 상반된 의미들을 표현하기 위한 구체적 표현 요소이며 기존의 미의식에 대한 새로운 해석이다. 작품에서 섬유 재료는 실용적 성격에서 벗어나 작업 안에서 심미적 관계를 형성하며 재료 본래의 관념 또한 포함한다고 본다. 본인은 이러한 생명성 표현을 위한 유기적 이미지의 섬유조형을 설명하고자 유기 이미지의 개념적 해석, 작품의 내용적 분석이외에 조형적 특성으로 유기 형태의 객관적 형상성과 조형작업과 관객과의 공간 안에서의 상호소통의 관계, 그리고 섬유 조형의 미술사적 의미와 본 작업이 섬유작업으로 표현된 당위성을 본 작품 논문에서 밝히고자했다. 본 연구를 통해 본인에게 있어 작업의 의미는 현실 속에서의 실존의 문제이며 외부와의 소통의 의미임을 깨닫게 되었으며 이것은 자연과 생명의 이치와 별반 다르지 않음을 인식하게 되었다. Organic body starts subjective activity with simultaneous force of life. So it is difficult to separate between organic body and its power. Therefore, life and force of life could be considered for a same concept. Nature circulates formation and degradation of life as her subjective activity, and individuals inside nature are in existence with a whole huge organic body by organic communicating each other. A notion for nature as a huge organic body is something to do with a mutual relation between force of life and nature, and it found same root of force of life for existence and the law of nature. Natural phenomenon or the shape of growth are called by 'organic form', and organic body is the peculiar form to have self-controlled order and structural pattern. The form of organic body itself contains infinite diversity. Organic form is the most proper concept for harmony between human and nature. Artists pursuing 'organic life' have created bluntly criticizing works for the material civilization, scientific technique and rational point. On the other hand, they are interested in natural structure, unconsciousness and imaginary area, which reverts 'organic body' in their works. They have paid attention to transformation and dynamism and characteristics such as informality and tried to make them tangible with their own works. Formality of life in art is not independent component but mutual related and dependent. Art works have organic structure and form, organic force of life until reaching life pattern and human emotion, which are transformation, development and growth etc. Formative image-with the characteristics of whole life body composing of dynamic function of life-is presented by organic force of life, only with mutual organic order. Author used contrary concept in order to present change and dynamism of growth and degradation, which is the characteristic of life body. The contrary concept is sublated with opposite antonym of formation and extinction, life and death and transformed into a whole new meaning. Therefore, the meaning of force of life is much more amplified by experiencing metaphysical truth. Dadaist have expressed their idea with reform method using object in order to deny ready-made art and its all conventional techniques. consequently, various mysterious and shocking materials have been replaced with artistic materials. The use of fiber material and object in author's work is detail constituent expressing the contrary meaning of formation and degradation and interpretation for conventional aesthetic consciousness. Fiber material frees itself from the practical property, forms aesthetic point of view inside author's work and includes a conception of material itself. Author intents to present conceptual analysis of organic image, contents interpretation, subjective formality of organic form, and relation of communication between formative work and spectator inside space, historical meaning of fiber formative art and necessity for expression with fiber work. Author has realized that the meaning of this work is existential subject and communication with outer world. Consequently, this is same with fundamental principle between nature and life.

얼굴 이미지를 이용한 콜라주 표현 연구

박지영 홍익대학교 대학원 2017 국내석사

본 논문의 작품 속 얼굴 이미지들은 현대인을 투영시킨 형상들이며, 인간이 나타낼 수 있는 감정을 얼굴의 감각기관을 통해 표정으로 고찰하고자 하였다. 수많은 대중 매체가 보편화된 현대는 다양한 경로를 통하여 얼굴을 쉽게 접하고 마주하게 된다. 우리는 얼굴을 통하여 타자(他者)의 감정과 오성(五性)이 드러나는 것을 볼 수 있으며, 인간관계가 발전할수록 타인은 본성 전체를 드러내게 된다. 이러한 관계를 통해 얼굴에서 드러나는 표정과 감정을 인지하게 된다. 이러한 측면에서 연구자에게 얼굴은 감정을 표현하고 상징하는 모티브로서 인식되었다. 따라서 감각기관의 집합체인 얼굴을 통하여 다양한 형태를 상상하였고, 그 형상 속에서 인간의 본질과 고통의 부재를 표현하였다. 인간관계 속에서 발생하는 내면의 상처를 섬유 조각에 투영하였으며, 천 조각을 자르고 붙이며 얼굴을 형상화하였다. 화면의 오브제 도입은 다양한 표현기법인 자수나 직조, 종이작업, 퀼트 등이 가능하다는 점을 착안하여 실생활에서 쉽게 접할 수 있는 재료를 이용하여 작품으로 표현하였으며, 여러 기법들을 콜라주와 함께 사용하였다. 타인에게 얻은 헌 옷을 주된 재료로 활용함으로써 관계 속에서 오는 일상성을 강조하고자 하였다. 사용한 재료들은 그대로 활용하는 것이 아닌 물감을 덧바르고, 천 조각을 붙이는 과정에서 오는 우연적인 조합에 주목하였다. 그리고 스티치(stitch)로 강조할 부분을 찾아 마무리하였다. 이렇게 제작된 섬유 조각들을 하나의 화면에 병치시켜 얼굴을 형상화하였다. 입체 얼굴을 평면 화면에 구현하면서 대상을 다중 시점에서 분할하여 표현하였다. 3D형태의 정면, 측면, 뒷면을 모두 한 화면에 표현하기 위해 각기 다른 섬유 조각들을 콜라주 형태로 결합하였고, 그 과정에서 얼굴을 해체하고 왜곡하였다. 이러한 천 조각을 현대인의 관계 속에서 오는 상처라고 간주하면서, 해체되고 왜곡된 섬유 조각의 파편을 중첩시키고 재봉하는 과정에서 연구자는 치유의 의미를 부여하였다. 각양각색(各樣各色)의 혼합매체를 통한 섬유표현 연구는 기존 장르의 벽을 허무는 계기가 되었다. 각종 섬유와 재봉틀에 의한 표현방법 섬유 콜라주(Fabric-Collage)를 통하여 다양한 질감을 표현하였고, 얼굴 이미지를 강하게 부각시킬 수 있었다. 또한 이미지를 표현하기 위하여 활용한 오브제와 섬유가 절충했을 때 발생하는 효과와 형상을 구현하는 과정에 대해 연구하였다. 본 연구가 얼굴을 통하여 감정을 시각화하는 조형표현에 도움이 되길 희망하며 관람자에게 얼굴에 담긴 감정과 본질에 대해 인식할 수 있는 기회가 되기를 기대한다. The facial images in this study are inspired by contemporary people. The main purpose of this study is examining the facial expression and human emotion exposed by sense organ. In the modern society, people can easily encounter various facial images due to the universalized mass media. Also, we find out other person’ emotion or wisdom from their facial expressions. As a relationship is going on, people show their real nature and mine, and people recognize the partners’ real feeling or emotion from their facial expression. In this context, the researcher considers a face as motivation of expressing one’s feeling or emotion. Therefore, the researcher imagined various forms through a face that is aggregate of sense, and expressed the human nature and absence of pain within the forms. Emotional wound caused from individual relationships was projected to piece of fabric, and the fabric pieces embodied facial form of human by cutting or attaching. Most of the materials were selected from ordinary stuff, and the selections were inspired by modern art techniques such as needlework, weaving, paper making, and quilt. These various techniques were used with collage technique. The main material of this work is donated old clothes, for emphasizing everyday-ness of human relationships. In this process, the researcher tried to find out random combination of the materials by adding paints or attaching the piece of fabric. The stitch technique also used for emphasizing particular part or completing the work. The worked fabric pieces were juxtaposed on the canvas, so configurated the facial form and images. The three dimensional facial forms were embodied into flat canvas either, so the object was divided into various point of view. Individual fabric pieces were examined or combined for establishing front, side, and back of the three dimensional facial forms. From this work, facial image was dismantled and distorted. The researcher considered those dismantlement and distortion as emotional wound from human relationship. Therefore, the researcher assigned emotional healing to the fabric combination work by combining and attaching. Fabric expression using all shorts of mixed materials became the starting point of disintegration of traditional art genre. Multiple textures was expressed and facial images were magnified by fabric-collage depending on various fabrics and sewing machine, For the more effective image expression, the researcher examined the effect when a object and fabric was negotiated as well as the process of constructing a figure. This study would be served as assistant of formative expressions that visualizing the emotions, and opportunity for viewers to recognize the nature of human being and emotion comes through a face.

캐스팅을 이용한 사진 픽셀 이미지 표현 연구

김선주 홍익대학교 대학원 2017 국내석사

All digital images we encounter on TV or a computer in modern society are composed of small dots called "pixel". We perceive photo images only through visible forms, images themselves, but when we amplify images continuously, we come to know that they are composed of small invisible squared pixels. The researcher dissembled picture images into the unit of pixels, thereby all the more simplifying the forms of objects and visualizing the images of pixels. Photos are images storing records of the past and further emotional media rousing recollection. The researcher intended to embody what came across the researcher's mind as memories containing emotions into formative arts as if pixels that got together were expressed as photo images by connecting parts of memories recollected through photos with pixels composing photo images. In addition, the topics of the photos used in the works concerned the researcher and the researcher's surrounding people and the meaning of observing and discovering myself through photos was connoted. Digital technology brought about changes in techniques or materials of artists' works. Attempts with various materials and techniques are reflected as characteristics of the modern fabric arts. Fabric as an artistic medium presents the expansion of the modern art area and new perspective of material use. The researcher comprehended the concept of pixels and examined the notion and production process of fabric casting technique, intending to express pixels in pictures formatively. As materials for casting, various fabrics such as polyester, organza, and cotton were employed. The researcher applied casting technique, digital textile printing technique, and collage technique. Besides, stitch and LED lighting were utilized to graft photo pixel images onto fabric arts effectively. The researcher expects this study to be helpful for effectively making formative expression of pixels composing pictures and presenting various possibilities of fabric casting. Photos are images storing records of the past and further emotional media rousing recollection. The researcher intended to embody what came across the researcher's mind as memories containing emotions into formative arts as if pixels that got together were expressed as photo images by connecting parts of memories recollected through photos with pixels composing photo images. In addition, the topics of the photos used in the works concerned the researcher and the researcher's surrounding people and the meaning of observing and discovering myself through photos was connoted. Digital technology brought about changes in techniques or materials of artists' works. Attempts with various materials and techniques are reflected as characteristics of the modern fabric arts. Fabric as an artistic medium presents the expansion of the modern art area and new perspective of material use. The researcher comprehended the concept of pixels and examined the notion and production process of fabric casting technique, intending to express pixels in pictures formatively. As materials for casting, various fabrics such as polyester, organza, and cotton were employed. The researcher applied casting technique, digital textile printing technique, and collage technique. Besides, stitch and LED lighting were utilized to graft photo pixel images onto fabric arts effectively. The researcher expects this study to be helpful for effectively making formative expression of pixels composing pictures and presenting various possibilities of fabric casting. 현대사회에서 우리가 접하는 텔레비전이나 컴퓨터를 통해 보게 되는 모든 디지털 이미지들은‘픽셀(Pixel)’이라는 작은 점들로 구성되어 있다. 사람들은 사진 이미지를 눈에 보이는 형상, 이미지 자체만을 보고 인식하지만 이미지를 계속 확대해 나가면 실제로 눈에는 보이지 않는 사각의 작은 픽셀들로 이루어져 있는 것을 알 수 있다. 본 연구자는 사진의 이미지를 픽셀 단위로 분해해서 대상의 형태를 더욱 단순화 시키고 픽셀의 이미지를 시각화하고자 하였다. 사진은 과거의 기록을 저장한 이미지에서 더 나아가 추억을 불러일으키는 감성적 매개체이다. 연구자는 사진을 통해 떠올린 기억의 조각들을 사진 이미지를 구성하고 있는 픽셀과 연결 지어 픽셀들이 모여 사진 이미지로 표현되듯이 기억의 조각들이 입체적으로 연결되어 감정이 담긴 하나의 추억으로 떠오르는 것을 조형 예술로 구현하고자 하였다. 또한 작품에 사용한 사진은 본인과 본인을 둘러싼 주변 인물들을 주제로 하여 사진을 통하여 나 자신을 관찰하고 발견한다는 의미를 내포시키고자 하였다. 디지털의 영향은 예술가들의 작품 기법이나 소재에 있어서도 변화를 가져왔으며, 다양한 재료와 기법의 시도는 현대 섬유 미술의 특징으로서 반영된다. 예술 매체로서의 패브릭(Fabric)은 예술가들에게 현대 예술 영역의 확장과 재료 사용의 새로운 시각을 제시하고 있다. 본 연구자는 픽셀의 개념을 이해하고 패브릭 캐스팅 기법의 개념과 제작 과정을 고찰하여 사진에 담긴 픽셀을 조형적으로 표현하고자 하였으며 캐스팅(Casting) 소재로는 폴리에스테르(Polyester), 오간자(Organza), 면(Cotton) 등 다양한 섬유를 사용하였다. 캐스팅 기법과 디지털 텍스타일 프린팅(Digital Textile Printing) 기법, 콜라주(Collage) 기법을 적용하였으며 이외에 스티치와 엘이디(LED) 조명을 이용하여 사진 픽셀 이미지를 효과적으로 섬유 예술과 접목시키고자 하였다. 본 연구가 사진을 구성하는 픽셀의 효과적인 조형 표현과 패브릭 캐스팅의 다양한 가능성을 제시하는데 도움이 되기를 기대한다. 사진은 과거의 기록을 저장한 이미지에서 더 나아가 추억을 불러일으키는 감성적 매개체이다. 연구자는 사진을 통해 떠올린 기억의 조각들을 사진 이미지를 구성하고 있는 픽셀과 연결 지어 픽셀들이 모여 사진 이미지로 표현되듯이 기억의 조각들이 입체적으로 연결되어 감정이 담긴 하나의 추억으로 떠오르는 것을 조형 예술로 구현하고자 하였다. 또한 작품에 사용한 사진은 본인과 본인을 둘러싼 주변 인물들을 주제로 하여 사진을 통하여 나 자신을 관찰하고 발견한다는 의미를 내포시키고자 하였다. 디지털의 영향은 예술가들의 작품 기법이나 소재에 있어서도 변화를 가져왔으며, 다양한 재료와 기법의 시도는 현대 섬유 미술의 특징으로서 반영된다. 예술 매체로서의 패브릭(Fabric)은 예술가들에게 현대 예술 영역의 확장과 재료 사용의 새로운 시각을 제시하고 있다. 본 연구자는 픽셀의 개념을 이해하고 패브릭 캐스팅 기법의 개념과 제작 과정을 고찰하여 사진에 담긴 픽셀을 조형적으로 표현하고자 하였으며 캐스팅(Casting) 소재로는 폴리에스테르(Polyester), 오간자(Organza), 면(Cotton) 등 다양한 섬유를 사용하였다. 캐스팅 기법과 디지털 텍스타일 프린팅(Digital Textile Printing) 기법, 콜라주(Collage) 기법을 적용하였으며 이외에 스티치와 엘이디(LED) 조명을 이용하여 사진 픽셀 이미지를 효과적으로 섬유 예술과 접목시키고자 하였다. 본 연구가 사진을 구성하는 픽셀의 효과적인 조형 표현과 패브릭 캐스팅의 다양한 가능성을 제시하는데 도움이 되기를 기대한다.

아가페 표현의 상징성 연구

박진 홍익대학교 대학원 2003 국내석사

오늘날 인간은 이성적이고 합리주의적 사고에 입각하여 우주의 합리적 구조와 보편성 또는 절대적 진리를 파악할 수 있다는 낙관적 유토피아에 대한 신념에 더 이상 의지하지 않는다. 과학 기술의 발달로 기계문명에 처한 인간 현실은 도구화, 몰개성화 되고 인간의 자율적 자유가 상실되는 처지에 놓이게 되었으며, 두 차례에 걸친 처참한 세계 대전은 인간의 이성에 대한 신뢰를 완전히 무너지게 했다. 이러한 세계관의 전환은 인간에게 절망과 허무를 안겨주었고, 삶의 토대를 이루는 절대적 진리의 상실로 말미암아 도덕기준이 붕괴되는 결과를 초래하였다. 공통적인 토대와 총체성을 부정하고 다양한 존재방식을 인정하는 상대주의와 다원주의가 횡행하는 이 시대에 더 이상 철학적 질문-인식론(지식에 대한 연구), 형이상학(존재에 대한 연구) 윤리의 문제-은 명확한 답변을 제공하기가 어렵게 되었다. 그 대신, 여러 다양한 세계관이 공존하며, 모두가 자신의 기준에 따라 행동하는 다양성의 시대에 살고 있다. 그러나 절대적 통일성이 없는 다양성은 공동체적 유대가 상실되고 비소통의 결과를 야기 시킴으로서 인간을 무질서와 무관심의 상태에 직면하게 하는 부정적 측면을 드러내기도 한다. 이렇게 절대성이 부정되고 다양성과 비소통이 공존하는 자기 모순적 논리의 시대에 살면서 겪게되는 혼돈의 상황에서, 본인은 소통 가능한 언어적 계시에 의존하는 기독교적 세계관을 통해 대안을 모색하고자 한다. 기독교 세계관은 개방체계 속에서의 인과율의 일치제를 기초로 하여 계시개념을 인정하기 때문에, 소통 가능한 언어적 계시, 즉 성경을 통해 인식론, 존재론, 그리고 도덕의 문제에 대한 답변이 가능하다. 이 계시에 따르면, 인간은 인격적-무한자라는 근원으로부터 다른 피조물과는 다른 인격적 형상으로 창조된 존재이므로 가치와 의미가 있다. 또한 인간은 프로그램화된 기계적 존재가 아니라 자유의지를 부여받았기 때문에 선택에 대한 책임이 있는 존재이다. 이 지식은 인간의 내면에 존재하는 이중성, 즉 인격적-무한자의 형상을 닮은 본래적 인간의 인격성과 인간 스스로 선택적으로 본래적 인격성을 변질시킨 야만성에 대한 근거가 된다. 이러한 기독교적 세계관의 관점에서 볼 때 계시에 근거한 지식과 삶에 대한 통일적 답변을 이루려는 소망의 포기는 곧 절망이다. 그것은 인간을 인간답게 할 수 있는 어떠한 근거도 제시할 수 없고 절대적 도덕 기준의 상실과 소통의 단절을 의미하기 때문이다. 본인은 이러한 절망을 인격적-무한자와 인간사이의 깨어진 관계에서 파생된 것으로 본다. 따라서 인격적-무한자로부터 인간에게 부여된 소통 가능한 계시는 절대자와 인간사이의 관계회복을 의미하며, 절망에 빠진 인간에 대한 치유이며, 신적 사랑 즉 아가페를 말한다. 본인에게 있어서 기독교적 세계관에 기초한 사고는 창작활동에도 커다란 변화를 가져왔고 인간의 인간됨으로서의 창조성에 대한 가치를 발견하게 했다. 창작활동에 대한 기쁨과 소통하고자 하는 자연스러운 욕구는 부드러운 섬유소재와 콜라주, 바느질기법을 통해 아가페 이미지를 형상화할 수 있게 했다. 예술은 고도화된 은유이며 상징적 표현이기 때문에 관객으로 하여금 풍요로운 사색과 정서를 유도할 수 있다. 따라서 치유와 아가페의 이미지를 형상화함으로써, 일방적으로 닫힌 관계로서가 아니라 관객과의 열린 관계 속에서, 완벽하지는 않지만 진실한 소통과 더불어 새로운 창조의 과정을 이루어 갈 수 있으리라고 본다. 이상의 연구를 통해 다음과 같은 내용을 알게 되었다. 첫째, 다양한 세계관의 개념을 연구하면서 현대인의 절망과 인간의 한계를 인식하였고 인격적이며 무한한 절대자의 소통 가능한 계시 속에서 인식론, 존재론 그리고 도덕의 문제에 답변이 가능함을 발견하였다. 또한 인간을 프로그램화된 기계로 보는 결정론적 사고의 기초 위에 파괴되어 가는 인간의 인간다움과, 도덕기준의 상실로 야기되는 무질서와 혼란으로부터 인간 본래의 형상으로 치유할 수 있는 아가페의 필연성을 절감했다. 둘째, 아가페의 이미지를 형상화하는데 있어서 섬유매체를 다루면서 섬유의 부드러운 물성과 유연성 등 섬유에 대한 깊은 이해와 변형 가능성을 넓혀갈 수 있었고 콜라주와 바느질 기법의 의미를 분석함으로써 조형어법과 상징성의 상관성과 적합성에 대해 명확한 이해를 하게 되었다. 셋째, 각 작품에 담긴 의미를 정리하고 반영된 생각을 되짚어 봄으로 생각의 세밀한 부분들을 새롭게 인식하게 되었다. 이와 같은 연구를 통하여, 인격적-무한자와 인간의 수직적 관계 회복이 이루어 질 때 인간은 인간 본연의 인격성을 회복할 수 있고 나아가 인간 본질로서의 창작행위에 대한 의미 부여가 가능하게 됨을 확인했다. Nowadays, based on logical and rationalistic thinking, human beings don't rely on the optimistic belief for Utopia that the reasonable system, universality and absolute truth of the universe can be found, any longer. Unfortunately, with the development of scientific technologies, the reality of human beings facing mechanical civilization has been under a crisis that their autonomous liberties have been deprived with instrumentalization and deindividuation. Furthermore, the two bloody world wars demolished utterly even confidence in human rationalities. Such switchover of world outlook brought human beings to despair and vanity, leading to collapse of the existing moral criteria by loss of the absolute truth which forms the foundation of life. In this century, relativism and pluralism admitting various ways are spread, no longer the philosophical questions - concerning epistemology (studies on knowledge), metaphysics (studies on being) and ethical matters - could provide their definite solutions. Instead of, we live in the diversity age when a number of different world outlooks coexist and everything follows their own rules. Yet, the diversity excluding eternal unification may deprive them of the solidarity of community and cause isolation, which may make human beings face confusion and apathy, as negative aspects. Thus, suffering chaos in the times of self-contradiction when the Absolute is denied and the diversity coexists with isolation, the researcher attempted to find a solution through Christian view of the world depending on linguistic revelations available of communication. As the Christian view of the world recognizes the concept of revelation on the basis of agreement with the law of causality, it is possible to gain an answer to the questions concerning epistemology, ontology and ethical matters through exchangeable linguistic revelations, i.e., the Bible. According to the revelations, since a human being was created as a differential figure from the other creatures by the origin called the Moral Absolute, it has value and significance. In addition, as a human being is not a programmed mechanical but freewill-granted entity, it has responsibility for choice. This recognition forms the basis of dualism inside a human being, that is, the instinctive personality resembling the Moral Absolute's figure and the barbarity degenerating the personality selectively at his or her own will. In the light of such Christian view of the world, relinquishing to obtain the revelation-based recognition and unified response on life means despair. Because it is impossible to offer any motive that enables to live as a human being, leading to the loss of absolute ethical criteria and the lack of communication. The despair may be derived from the broken relationship between the Moral Absolute and a human being. So, the revelation available of communication the Moral Absolute grants to a human being indicates the recovery of the relationship, healing of a human being sunk in the depths of despair and the divine love, Agape. Such turnover of the researcher's view of the world resulted in a great change in creative activities and in discovering the value of human creativity as humanity. The natural desire for communication with the pleasure of creative activities stimulated the researcher to embody the thought and emotion. Since the art is defined as highly advanced metaphors and symbolic expressions, a message to communicate can be highlighted more, which allows the audience to induce rich thinking and feeling. Accordingly, by figuring the images of healing and agape, the researcher thought that a new creative process could be reached with imperfect but sincere communication in rather open relationship with the audience than one-way closed one. From the examinations as mentioned above, the researcher come to the findings as follows; first, the moderns' despair and human limitations could be recognized through studying the concepts of various views of the world outlooks and it was found that the answers to the philosophical questions concerning epistemology, ontology and morality could be gotten from revelations available of communication with the moral and infinite absolute being. In addition, through such revelations, the researchers could suggest the necessity of agape to recover primarily natural human figures from humanities being damaged on the basis of deterministic thinking - regarding a human being as a programmed mechanical - and confusion and chaos caused by the loss of moral criteria. Second, through handling textile media in expressing the image of agape, the researcher could understand deeply their soft physical properties and flexibility and expand the range of applications, and through analyzing the meanings of collage and sewing techniques, the researcher could clearly comprehend the correlation and suitability of formative expressions and symbolism. Finally, the researcher could newly recognize the details of thinking by arranging the internal meanings implied in each work and reviewing the reflected thoughts. From the findings above, it was identified that only when the horizontal relation between the moral Divinity and human beings is recovered, human beings can regain their own natural personalities, and furthermore grant the significance to creative activities as the essence of human being.

캐티온화제 처리 면직물의 염색성에 관한 연구 : 반응성 염료와 산성 염료를 중심으로

문선영 홍익대학교 대학원 2003 국내석사

섬유예술에서 염색은 단순한 하나의 기법을 뛰어넘어 그 자체로 독립된 작품이 되기도 한다. 이렇게 염색이 예술의 영역에서 성장할 수 있었던 이유는 미의식의 발전과 함께 공학적인 기술이 뒷받침되었기 때문이다. 그러므로 계속 발전하고 있는 기술을 적극적으로 수용하는 것은 작업의 효율적 측면 뿐 만 아니라 작품의 표현적 측면에서도 필수적이다. 면섬유와 반응성 염료, 산성 염료는 염색작품에 매우 빈번하게 사용되고 있다. 그런데 염욕에서 면섬유와 이들 염료에 존재하는 음이곤('-'이온) 사이에 발생하는 척력(斥力)은 염료가 섬유와 결합하는 것을 방해한다. 이러한 이유로 반응성 염료로 면섬유를 염색할 때는 반드시 중성염 등의 전해질과 소다회(Na_(2)CO_(3))와 같은 알칼리를 첨가해주어야 한다. 하지만 알칼리는 반응성 염료의 가수분해를 일으켜서 최종 염착량을 저하시키고, 가수분해된 염료는 환경오염을 유발한다. 그리고 산성 염료는 면섬유에는 염착되지 않는 것으로 알려져 있다. 이 같은 단점을 보완하고자 면섬유를 특수한 계면활성제로 처리하여 양이온('+'이온)기를 도입하게 되었는데, 이것이 바로 캐티온화제이다. 양이온기가 도입된 면은 전해질이나 알칼리를 사용하지 않고도 반대 이온간의 끌어당기는 힘에 의해 음이온계 염료로 염색이 가능하다 그러나 캐티온화제는 지금까지 섬유공학이나 화학의 영역에서 논의되어 왔기 때문에 미술 전공자의 입장에서는 접근하기가 어려웠다. 그리하여 아직까지 염색작품에는 캐티온화제가 활용되지 못하고 있다. 이러한 상황에서 본인은 캐티온화제의 장점을 작품제작에 실제로 적용하기 위해 실험 연구하였다. 아울러 난해한 공학적 개념은 본인이 이해한 내용을 토대로 하여 쉽게 풀어서 고찰하였다. 실험결과, 반응성 염료와 산성 염료 모두 전해질과 알칼리의 첨가 없이 비교적 낮은 온도에서 짧은 시간에도 높은 염착이 가능하였으며 캐티온화제를 이용한 새로운 표현방법의 가능성도 발견하였다. 또한 캐티온화제의 사용이 염료가 지닌 색상이나 발염성 등에 시각적으로 영향을 끼치지 않는 것으로 나타나 캐티온화제가 작품에 좋은 적용성을 갖고 있음을 확인하였다. 따라서 캐티온화제를 기존의 염색방법과 함께 응용하여 사용하면 표현의 영역을 한층 더 넓힐 수 있을 것이다. 공학은 예술과 전혀 별개의 학문처럼 보이지만 공학의 성과를 받아들여서 적극 활용할 때 더욱 발전된 작품활동을 할 수 있으리라 확신한다. In fabric art, dyeing is sometimes a creative artistic act beyond simply a technique. Dyeing has grown as a separate area of art thanks to the evolution of aesthetic sense and the development of engineering technologies. Therefore, it is essential to adopt advanced technologies not only for work efficiency but also for the expression of works. Cotton fabrics, reactive dyes and acid dyes have been frequently used in dyeing art pieces. In a dyebath, nevertheless, the repulsive force between a cotton fabric and anions ('-' ion) existing in these dyes obstructs the binding of the dyes and the fabric. For this reason, when cotton fabrics are dyed using reactive dyes, an electrolyte such as neutral salt and alkali like soda ash (Na_(2)CO_(3)) must be added. However, alkali causes the hydrolysis of reactive dyes, and as a result, reduces the final color yield. In addition, hydrolyzed dyes cause environmental contamination. Furthermore acid dyes are known not to color cotton fabrics. To remedy these weak points, cotton fabrics need to be treated with a special surface active agents to introduce a cationic ('+' ion) site. The agent is nothing but a cationic agent. The surface to which cationic site is introduced can be colored with anionic dyes through the force to attract opposite ions without using an electrolyte or alkali. Yet cationic agent have been discussed only limitedly in the areas of fabric engineering and chemistry, so difficult to be approached by artists. This is why cationic agent have not been utilized in the area of dyeing art. In this situation, the present researcher conducted an experiment to apply the merits of cationic agent in creating works, and complicated engineering concepts were worked out based on the researcher's understanding. According to the result of the experiment, it was possible to color at a high degree with both reactive dyes and acid dyes at a relatively low temperature in a short time without the addition of a electrolyte and alkali. Besides, the possibility of a new expression method using cationic agent was found. What is more, the use of cationic agent appeared not to affect color or dischargeability, so it is highly adoptable in creating dyeing art works. Thus, the use of cationic agent along with existing coloring methods will expand the domain of expression. Engineering seems to be separated from arts but the active adoption of engineering achievements will certainly open a new horizon of arts.

해체주의적 관점으로 본 스트라이프 섬유 표현 연구

윤혜원 홍익대학교 대학원 2021 국내석사

해체주의는 모든 대상이 개체의 자율성과 존엄성을 지닌 독립적 존재임을 표방하며, 사회의 구조와 문화는 서로 다른 양식 간의 상호작용으로 이루어진다고 본다. 해체주의의 이론적 관념은 다양한 양식 간의 결합을 추구한 해체적 미술의 철학적 토대가 되어 기존의 고정된 틀에서 벗어나 다양성과 개성을 표출하게 하였다. 해체적으로 다원화된 표현이 이루어진 작품은 정형화된 구조가 해체 및 재구성된 비정형적 형상 등으로 나타났다. 비정형적 특성이 형상화된 작품은 경계의 모호성과 탈 구조적 특징 등을 표출했다. 이러한 특징은 미술사적 흐름에서도 활용 및 응용되어 다양한 작품 속에서 불확정성 및 중첩성 등의 해체적 조형 요소로 표출되었다. 이는 해체 미술의 양식을 보다 다변화하여 기존의 형식적 구조로부터 벗어난 색다른 형태를 표현하게 했다. 이에 본 연구에서는 해체주의 이론을 기반으로 직물을 활용하여 해체적 스트라이프의 섬유 표현을 시도했다. 이를 위해 해체적 사상을 토대로 형성된 조형적 특징의 요소가 접목돼 나타난 스트라이프 회화 및 섬유 작품을 살펴보았다. 이를 통해 스트라이프의 해체화 과정을 분석하여 연구자 작품 작업의 배경을 설정했다. 본 연구의 주요 내용은 다음과 같다. 첫째, 해체주의 이론의 고찰과 함께 해체적 미술의 특징을 분석했다. 둘째, 스트라이프의 개념 및 종류에 관해 분석하여 변화형태를 살펴보았다. 셋째, 해체적 특징의 조형적 요소 중 불확정성과 중첩성을 토대로 스트라이프의 해체화가 이루어진 작품을 연구했다. 넷째, 코터를 활용한 드로잉과 턱을 통한 접기를 통해 해체적 스트라이프의 섬유 표현을 시도했다. 이와 같은 해체적 스트라이프 섬유 표현 방식은 다양한 요소를 결합하여 정반합적 종합예술을 이루는 것을 목표로 한 창의적 작품을 표출할 수 있게 했다. Deconstructionism advocates that all objects are independent beings with individual autonomy and dignity, and believes that the structure and culture of society are made up of interactions between different styles. The theoretical concept of disintegrationism became the philosophical foundation of disruptive art, which sought to combine various styles, to express diversity and individuality away from the existing fixed framework. The works, which were expressed in a decentralized manner, were shown with unstructured and reconstructed structures. The work, which features unstructured characteristics, expressed the ambiguity and deconstruction of boundaries. These characteristics were also used and applied in the flow of art history, and were expressed as elements of dismantling, such as uncertainty and overlapping in various works. This allowed more diversification of the style of dismantling art to express a different form that deviated from the conventional formal structure. Thus, in this work, we attempted to express the fibers of the dismantling stripes by utilizing fabrics based on the theory of dismantling. To this end, we looked at stripe paintings and textile works that were combined with elements of the formative features formed based on disruptive ideas. This established the background of the researcher's work by analyzing the stripping process. The main contents of this study are as follows. First, we analyzed the characteristics of disruptive art with the consideration of the theory of dismantlement. Second, we analyzed the concepts and types of stripes and looked at the variational forms. Third, we studied the work of the dismantling of stripes based on uncertainty and overlap among the formative elements of the dismantling features. Fourth, it attempted to express the fibers of the dismantling stripe through drawing using a cotter and folding through the jaw. Such disruptive stripe fiber representation methods have enabled the expression of creative works aimed at combining various elements to achieve an inversely synthesized comprehensive art.