설치미술을 통한 신체적 확장과 공간의 유연성

김윤경 홍익대학교 대학원 2014 국내박사

朝鮮時代 王陵의 石人 石獸 造形性 硏究

申光澈 忠南大學校 大學院 2005 국내석사

Dealing with stone images of an animal or a man from the late 14th century to the mid-19th century when they have got an animated looks and cubic effect, I want to consider the process that the style at that period restores its sculptural character. So, I decided the title of this dissertation as follows: "The Study of Figurativeness about Stone Images of An Animal or a Man of the Choseon Dynasty Period". The clothes of the statue of pupil and soldier are true to nature because they were produced on the base of the real. Besides, they have potential spirits of an aesthetic expression of our nation. The change of their figurative character, therefore, could be very important historical materials for study of the medieval philosophy of thought. It does not necessary to say we can feel the racial emotion through them. We can find out partial differences in each statues. One among them has a different angle from its head to legs and the other has been expressed its thigh or knee-joint by a vary expression method. Even though only an artisan's skill, it shows the style of the times and its figurative character plays an important role in applications into a modern sculpture. Therefore, in the study, I came to the conclusion that a regular and whole research about them should be settled as soon as possible. 논자는 조선시대 석인 석수를 통하여 조선시대 왕릉의 조각 성격과 각 시대에 따른 양식 변천을 고찰하려고 하는 것이다. 석인 석수는 500년간의 양식 변천과정과 조선시대 릉수가 70여개가 넘는 많은 양이기 때문에 그중에서도 독특한 경향을 띄는 14세기 말에서부터 차츰 생기 있는 표정과 입체감을 갖게 되는 19세기 중엽까지를 다룸 으로써 14세기 양식이 조각성을 회복해 가는 과정을 살펴보고자 한다. 그래서 본 논문의 제목을 「조선시대 왕릉의 석인 석수 조형성 연구」로 정했다. 우선 조선 초기 태조의 건원릉(健元陵1408)을 살펴보고자 한다. 이의 석인(石人)(도판4,5)을 보면 비례가 약 1/4에 해당된다. 이러한 비례는 실제 인물과 비교한다면 매우 큰 편이지만, 이후의 조선 왕릉의 석인들과 비교하면 오히려 정상적인 인체에 가까운 편이다. 그리고 조각전체를 볼 때에도 인체와 같이 둥근 원통을 이루며 하반신의 발 부분으로 내려 갈수록 넓고 옆모습으로도 밑이 더욱 넓기 때문에 안정감 있는 구도이다. 이에 반하여 조선시대 중기의 제14대 선조 목릉(穆陵1608)의 석인(도판16,17)을 보면 머리가 전체의 약 1/3에 해당한다. 석조물들은 형식적이며 기하학적인 형태로 부동자세가 가장 심한 정도에 달한 예이다. 복두를 쓰고 도포를 입고 손에 홀을 쥐고 있는 것은 전시대와 다름없으나 그 표현 방법상에 큰 차이가 있는 것이다. 조선초기 경우의 전자를 입체감에 충실한 사실적인 형태라고 한다면 조선중기의 후자는 경직되고 부동자세를 취한 일종의 추상적인 형태라 할 수 있을 것이다. 그리고 고려시대가 되면서 홀을 쥔 문인상만을 1쌍 혹은 2쌍으로 조성하다가 고려말 공민왕릉에 이르러서는 문인상과 무인상이 차별화 되면서 문인상은 관복을 입고 홀을 든 모습으로, 무인상은 처음으로 완전 무장한 갑옷을 입고 있고 홀대신 칼을 쥐거나 차고 있는 모습으로 변모한다. 바로 갑옷으로 무장을 한 무인의 모습이 공민왕릉에서 처음 보여 지게 되었다. 이때부터 확실하게 문인상과 무인상의 차별화가 처음으로 생겨났다. 이렇게 비입체적인 조선중기의 모습은 다시 생기 있는 표정과 입체감을 다시 표현해가고 있어서 숭릉(崇陵1674)을 거쳐 조선후기의 원릉(元陵1776)에서는 인체 비례도 정상적이며 입체감있고 자연스러운 형태를 보여 준다. 원릉(元陵)은 제 21대 영조의 능이다. 이곳의 석인(도판32,34)은 얼굴이 몹시 길며 신체 길이와의 비는 1:5나 되고 있다. 둥근 턱이 가슴 깊이 파묻혀 있고 팔꿈치가 아래로 내려져 있는 것은 초기 석인물과 같으나 물론 여기서는 초기 석인에서 본 것과 자연스럽고 입체적인 맛이 없다. 원릉과 같은 조선후기 경릉(景陵1843)의 석인(도판43,45)에서는 원릉(元陵)에서 본 바와 같은 단정한 감을 잃어버리고 복잡하고 약간 괴상한 형태를 갖게 된다. 석수에서는 이러한 변천이 강하지는 않으나 근본적으로 석인에서 본 특징과 일치하는 것을 볼 수 있다. 건원릉(健元陵)의 석양(石羊)(도판7)이나 석마(石馬)(도판8)는 고개를 약간 쳐들고 있는데 넓적다리와 무릎의 관절같은 것은 없으나 짧고 굵은 다리가 힘이 있다. 이것은 앞다리와 뒷다리의 사이가 뚫려 있기 때문에 부러질 염려가 있기 때문에 다리가 짧고 굵은 것이다. 이에 반하여 숭릉(崇陵1674)의 석양(石羊)(도판25)은 관절의 표현은 아직 형식적이지만 운동감이 있으며 다리사이는 막혀있다. 원릉(元陵)에 오면 사실에 가까운 형태를 낳고 있는데 석양(石羊)과 같이 머리가 종전 보다 작고 목이 길어서 머리에서 몸체의 끝에 이르는 선이 유연하며 목으로 이어지는 가슴의 선이 강하다. 지금까지 조선초기 인체에 가까운 형태는 중기때 기하학적인 형태를 거쳐 조선후기에는 사실에 가까운 입체감있는 형태를 형성해가는 과정을 대략 살펴보았다. 여기서 한 가지 재미있는 점은 조선초기 태조부터 세종대나 조선후기 영·정조대와 같이 조선왕조중에서 문화가 융성했을때 비입체적이며 직선적이고 경직된 경향을 띄었으며 오리려 임오군란 직후와 같은 악조건 속에서 사실적이고 입체감 있으며 자연스럽게 표현되었다. 이처럼 사회현상과 미술 양식이 서로 밀접하게 연관성이 있음을 알 수 있다.

實際的 表現을 통한 社會諷刺 硏究 : 본인 작품 중심으로

李必秀 忠南大學校 大學院 2005 국내석사

We live expressing a episode or an event that we suffered with many ways. I tried to show fundamentally the reappearance of the situation we are living and the memories of the past. The reason why I chosen satires in here is that they make general people to get close easily and let them lead to wide thoughts. We usually express words and behaviors suffered from everyday experiences unconsciously, however, there are many ways to express them according to the individual characters. I think what I used a way of satires to express the grave words appearing from various situations is one of many ways. I reinterpreted the suggestive stories we could get access easily in society and approached the meaning of them with the way of more realistic expression, exaggeration, omission and the work that simplify the facts in memory. To express and approach the situation in our heart such as anger, depression, joy and so on, I used manufactured goods. So, I could bring intention into relief and attempt more critical figurative words. And, expressing a image of contrary feature, I could finally have a command of many words. And I could know well about qualitative elevation of expression, natural figurative arrangement for spread out of the story and material mix. 현재나 과거에서 겪고 있는 사건 혹은 상황을 많은 방법으로 표현하며 살아가고 있다. 본인은 살아가고 있는 상황, 지나간 일들의 기억에 대한 재현을 기본으로 해석하려 하였는데 여기에 풍자를 더하였고 이러한 해석 방법으로 표형한 이유는 보는 사람들에게 가볍게 접근 할 수 있다는 것과 폭 넓은 생각을 유도 할 수 있다는 데 있다. 일상에서 많은 경험을 하고 그 감정이나 느낌을 무의식적으로 언어나 행동으로 표현하기도 하지만 특성에 따라 표현 방법을 다양하게 나타낼 수 있다. 여러 가지 상황들에 잠재해 있다가 표출되는 무거운 언어들을 풍자라는 방법을 사용하여 표현하였는데 이는 사람의 개인적 성향에 따른 한 방법이라 생각한다. 사회적으로 크고 작게 느끼며 생각할 수 있는 상황 중에 시사적인 내용을 나름대로 재해석하였고 기억되는 사실에 대해 단순화를 시키는 작업이나 보다 사실적인 표형과 생략, 과장의 방법으로 의미에 접근하였다. 어느 순간의 분노나 억울함, 환희 등 내면 속에 기억돼있는 상황을 표현하고 접근함에 있어 실제상품을 사용하였으며 이것으로 인하여 의미를 부각시키고 한 층 더 비판적인 조형언어를 꾀하였고 인물의 상반된 표정과 이미지를 나타냄으로써 보다 많은 표현언어를 구사할 수 있었다. 해석하는 과정에서 얻을 수 있는 것은 표현에 있어서 질적 방법의 향상과 이야기 전개를 위한 조형적 배치나 재료의 혼합에 대한 숙지를 기대할 수 있다.

금속 조각에서 용접에 의하여 창출되는 조형성 : 본인의 작품제작을 중심으로

박상희 安東大學校 大學院 2006 국내석사

참여미술의 유희적 작동과 관계의 재구성 : 본인 작품을 중심으로

김정모 홍익대학교 대학원 2024 국내박사

본 논문은 참여미술의 수행에서 발생하는 미적 경험과 관계에 대한 재고를 시도하는 연구이다. 본 논문에서는 참여를 통한 미적 경험이 비판적 미술로서 미적 유희로 작동하는 미학적 근거에 대하여 고찰하는 한편, 참여를 비인간적 존재를 포괄하는 다자간의 협업으로 파악하여 관계의 개념에 대한 확장이 가능함을 논의하였다. This thesis is a study attempting to take stock of the aesthetic experience and its relationship arising from the practice of participatory art. In this thesis, an examination is made of the aesthetic basis of participatory experience, operating as aesthetic play in critical art, while discussing the possibility of extending the concept of relationships by understanding participation as a collaborative, interhuman endeavor that encompasses non-human entities.

현대미술의 후기적 현상으로서 집합적 특성연구

문관우 경북대학교 대학원 2024 국내석사

Research on the set-aspect that appears throughout modern to contemporary art has been led from previous personal studies that emphasize the set-characteristic. Therefore, this study seeks to analyze how exhibition style and the concept of space emerged and unfold within the trend of the post-genre phenomenon as a late characteristic of modern to contemporary art. Modernism reached its peak in the late 1960s and at the same time began to reveal its limitations. To overcome this, various experiments and new explorations were conducted beyond preexisting forms and concepts. As a representative feature, a completely new concept of installation art emerged. This became a process in which the exhibition space itself was recognized as part of the work. In this context, various exhibition forms arose, and among them is the concept of ‘set,’ which focuses on how space can be organized through various objects. Because a set in mathematics refers to a whole formed by the gathering of multiple entities, the relationship between the entities and the whole is significant. Against this background, art works and exhibition styles that show set-properties have appeared as one of the representative features of the late phenomenon of contemporary art since the mid-1960s. This study seeks to examine such set-aspect according to traditional divisions of art genre. Hence, objects are divided into four areas: shape, form, space, and medium. Therefore, the characteristics of unity, emphasis, and expandability are extracted from works and exhibition styles that are based on the set-property. Unity refers to the consistent appearance of smaller entities within a set, based on a common theme or characteristic. This is the wholeness of one large entity that forms a set and is divided into identity and similarity. Emphasis, as another set-property, refers to a consistent phenomenon that does not deviate from the reason or theme for which multiple entities are gathered. This reveals what is emphasized in a coherent whole through multiple entities. As a third characteristic, expandability is a process in which multiple entities occupy space according to the purpose of the collection or occupy space through proliferation or the arrangement of entities. The set-properties of unity, emphasis, and expandability have played a significant role in enabling the set to establish itself as a unified semantic system in artworks and exhibitions. This can be seen as one of the important indicators that distinguishes contemporary art from modern art. 현대미술에서 나타난 집합적 양상에 대한 연구는 집합적 성격이 강조되는 연구자의 개인 작업의 연구 과정으로부터 비롯된다. 따라서 이 연구는 현대미술의 후기적 특성으로써 탈장르 현상이 진행되는 시대적 흐름 안에서 전시 유형과 공간의 개념이 어떻게 발생되고 전개되었는지 분석하고자 한다. 모더니즘 미술은 1960년대 후반에 이르러 절정에 도달함과 동시에 그 한계성도 드러내기 시작하였다. 이를 극복하고자 기존의 형식과 개념을 너머 다양한 실험과 새로운 모색이 이루어진다. 그 대표적인 특징으로써 전혀 새로운 개념의 설치미술의 개념이 등장하였다. 이것은 전시 공간 자체가 작품의 일부로 인식되는 과정이 되었다. 이러한 맥락에서 다양한 전시 형태가 등장하였고, 그 중에서도 여러 사물을 통해 공간을 어떻게 구성될 것인가에 중점을 두는 집합의 개념이 등장하였다. 집합은 다수의 개체가 모여서 형성되는 전체를 의미하기 때문에 여기서는 개체와 전체의 관계성이 중요하게 부각된다. 이를 배경으로 1960년대 중반 이후 현대미술의 후기적 현상의 대표적 특성 중 하나로써 집합적 성격의 미술 작품과 전시 유형이 나타났다. 본 연구는 전통적인 미술 장르적 구분에 따라 집합적 양상을 살펴보고자 한다. 따라서 대상은 평면, 입체, 공간, 매체의 네 가지 영역으로 구분된다. 이 결과 집합적 성격을 기반으로 한 작품과 전시유형에서 단일성, 강조성, 확장성의 특성들을 추출한다. 단일성은 집합을 이루는 작은 개체들이 공통된 주제나 특성에 근거하여 일관된 모습을 보여준다. 이것은 집합을 조성하는 하나의 큰 개체로써의 전체성으로 동일성과 유사성으로 구분된다. 또 다른 집합적 특성으로써의 강조성은 다수의 개체가 모인 이유나 주제에서 벗어나지 않는 일관된 현상을 의미한다. 이것은 다수의 개체를 통해 일관성 있는 전체에서 강조되는 바를 드러낸다. 세 번째 특성으로써 확장성은 다수의 개체가 집합의 목적에 따라 공간을 점유하거나 개체들의 증식이나 배치 방식을 통해 공간을 차지해가는 과정이다. 단일성, 강조성, 확장성이라는 집합적 특성은 작품과 전시에 있어서 집합이 하나의 의미 체계로 자리 잡을 수 있게 하는 주요한 역할을 하였다. 이것은 동시대 미술을 모더니즘 미술과 구별하게 만드는 중요한 지표 중의 하나로 볼 수 있다.

개념미술의 형식과 대중문화 연구 : 본인 작품을 중심으로

이경태 동국대학교 대학원 2007 국내석사

본 논문은 현대미술에 있어서의 여러 이론들 중에서, 개념미술에 나타나는 미술표현 방식에 본인의 작품을 중심으로 서술하는데 그 목적을 두고 있다. 물론, 개념미술은 그 의미가 폭 넓기 때문에 연구의 범위 또한 광범위하다. 개념미술은 형태나 재료 혹은, 미술이란 무엇인가에 대해 의문을 제기한다. 특히 개념미술은 독창적이고 수집 및 매매될 수 있는 미술 대상의 전통적인 존재방식에 도전한다. 개념미술에서 나타나는 작품이 전통적인 형태를 지니지만은 않기 때문에 개념미술은 관람자의 정신적 참여를 통해서만 존재한다고 주장되기도 한다. 개념미술에는 일반적으로 네 가지의 형식으로 분류하는데, 첫째는, ‘레디메이드’, ‘개입’, ‘자료형식’, 마지막으로는 ‘언어’에 의한 형식으로 분류 할 수 있다. 그러나 이러한 분류는, 자료나 서술의 형태에 대한 분류 일뿐 , 전체적 맥락에서의 개념미술을 놓고 볼 때의 분류는 적합지 않으며, 특성상 본 연구에 본인의 작품에 대한 서술을 하고자함에 기본적 자료의 연구라는 부분을 미리 밝혀둔다. 본 논문에서는 이러한 다양한 형태로 나타나는 방식 등을 연구하며, 구체적 서술이나 년대는, 각주 및 참고문헌을 참조하며, 무엇보다도 본인의 작품에 나타나는 영향에 대해 중심적 연구를 필요로 함에 두고 있다. 서론에서는 개념미술의 일반적인 형식 등에 대해 간략히 설명하면서, 그 형식들 중 본인이 의도 하는 형식이 무엇인지를 서술하고 있으며, 본론에서는 이러한 형식 중 본인이 영향을 받은 두 가지의 형식을 구체적으로 서술한다. 첫째는, ‘자료형식’이란 부분으로 본인 작품의 형식인 미디어를 통한 전달방식에 관한 연구를 들 수 있다. 이는 실제 작품의 개념, 행위 등의 모든 서술적 형태를 증거나 혹은, 기록 등을 나타낸 형식으로 사회적, 정치적, 등의 대중문화의 이론과 더불어 작품소개 한다. 둘째는, 언어에 의한 형식을 취하면서 전달하는 대중문화에 있어서, 의미를 생산하거나, 또는 의미생산의 근거가 되는 텍스트를 이용한 작품들을 연구, 비교하면서 방식을 서술하고 있다. 여기에는 형식에서 비롯된 비교적인 부분이 연구가 되며, 또한 그 속에서 공통적인 요소들을 설명하고자 한다. 결론에서는 이러한 두 가지 형식에서, 본인의 작품주제에 공통적인 부분이 결과적으로 현대미술에 나타나는 방식에 접근하는 결과물로서 보여 지고는 있으나, 대중문화 속에서의 미술이, 이러한 형식의 접근이후 나타나는 현상 등에, 본인의 작품이 현대미술에서의 또 다른 대중문화를 표현해보고자 하는데 그 의의가 있음을 나타내고자 한다. This study aims to describe how arts are expressed in conceptual art among various theories on modern arts, by focusing on my own art works. Conceptual art, of course, has a broad meaning, and thus its scope of research is extensive. Conceptual art raises a problem about forms or materials, or what is art. In particular, conceptual art challenges a conventional way to exist that collectable and tradable art objects take. Some maintain that all the works in conceptual art do not assume traditional forms, and conceptual art exists only through mental participation of viewers. Conceptual art is largely classified into four types; 'Ready made', 'Intervention', 'Data form' and 'Language'. Such classification, however, depends on forms of their data or description, and is not appropriate in view of its general context. And I want to make clear that this study is a kind of research into fundamental data as it describes my own art works. This study looks into many different forms, refers to footnotes and references for specific descriptions or historical date. On top of it, more focus is placed on effects on my own art works. The introduction part briefly explains general forms of conceptual art, and what I intend to take among them. The main text of this study deals with two specific forms that have effect on me. One is a 'data form', which means a research into how to convey through media. It introduces all descriptive styles including acts and concepts of all artworks in describing evidences or records, along with theories on social and political and other popular culture. The other one is 'language', which addresses artworks using texts that produce meaning or originate the meaning production, in a way of making research into and comparing them. The comparative part based on forms is a target of study and common factors within them are expressed. This study is concluded to show that a common theme in those two forms eventually approaches modes displayed in modern art, but I hope that this study has a significance in representing another popular culture in modern art, about phenomena in art that will follow this form.

현대미술의 키치적 조형연구 : 본인 설치·조각 작품을 중심으로

이소윤 수원대학교 대학원 2004 국내석사

현대는 모든 것이 불확실한 격변의 시대로서 매스미디어의 발달로 인해 본질은 지각하지 못한 채 외형적이며 감각적인 삶을 강요당하는 혼란의 세기라 아니할 수 없다. 또한 후기 산업사회로 접어든 이 시대는 첨단복제의 시대로서 기계복제의 시대를 거쳐 이미 유전자 복제까지도 실현되어 기대와 함께 일말의 우려를 안고 있다. 이러한 현상들은 그동안 우리들에게 익숙해진 절대적 가치와 질서에 대한 회의를 갖게 하며 이미 많은 부분 설득력을 잃고 있다. 미술사의 일반적인 흐름에서 나타나듯이 미술작품은 시대적으로 표현형식을 달리하고 있을 뿐, 항상 그 사회의 정치적, 경제적 변화에 민감한 반응을 보여 왔으며 사회적 욕구에 대한 반영을 통해 실질적 가치를 창출하여 왔다. 산업화이후 현대미술의 작품성향은 대중적 이미지를 차용한 키치적 감성을 수용하며 우리시대의 소비 성향과 이데올로기를 대변하고 있다고 볼 수 있을 것이다. 키치는 하나의 사회적 현상으로 인간이 사회를 형성하여 살아오면서 존재하였고 19세기 산업혁명으로 인한 사회문화적 변화로 부흥기를 맞이하였으며 폭발적인 소비가 이루어지는 소비사회에 이르러 또 한번의 부흥기를 맞이하고 있다. 키치는 인간과 인간 그리고 인간과 환경사이의 상호작용이자 그 산물이라고 할 수 있을 것이다. 따라서 키치의 부흥에는 심리적, 사회적, 환경적 조건이 요구되는 것이며 그 내용은 인류역사의 곳곳에서 찾을 수 있는 현상이다. 키치의 주된 동인(動因)은 고급문화로부터 소외된 대중들이 그것의 실제적 가치를 모방한 것에서 시작되었다. 키치는 모방, 복제, 대리만족, 장식성, 과시, 가벼움 등의 속성을 지니고 있으며 대체 경험이며 거짓 감각이다. 팝아트는 이러한 키치가 취하는 방법적인 면과 이미지의 차용으로 키치적 산물을 전략적으로 이용함으로써 예술에 있어서의 새로운 가능성을 제시 했으며 이후 현대미술에서는 키치를 차용해 자본주의 사회에 대한 저항과 풍자의 요소를 한층 강화시키기도 하고 대중감각, 혹은 산업문화의 논리 속에서 이미 공유된 정서와 감각을 집어내고 있으며 '예술의 대중화'의 특징이 있다. 이러한 일련의 키치적 현상들은 작품적으로 대중적이고 통속적인 현상을 미술로 끌어들여 예술과 대중문화의 경계를 허물어뜨리며 일상생활과 사회의 문화적 성격을 자연스럽게 나타내주는 새로운 형식으로 자리를 잡아가고 있다. 본 논문에서는 첫째, 키치의 일반적인 이론과 성질을 선별해 연구하였으며 둘째, 미술영역에서의 키치적 위상과 비평을 통해 키치적 시각에서의 앞으로의 미술경향의 가능성을 예측해 보았다. 셋째, 본인작품 형성배경을 대중예술 속 키치와 비교, 분석하고 넷째, 본인작품과 현대미술 작가의 다양한 작품을 구체적으로 비교, 분석 하였다. 본인 작품은 현대사회의 현상들에 대한 직접적인 표현에 주력하고 모든 대중이 공유하는 범속한 이미지를 차용한 것으로 일상적인 사물의 도입으로 예술의 일상화를 실현시키고자 하였다. 이러한 키치적인 표현을 통해 현대미술을 되돌아보는 작업을 시도한 것으로, 미술영역에서의 키치적 위상과 비평을 통해 본인작업을 어떻게 발전시켜 나갈 것인가를 모색해 보았다. Today is the age of upheaval where everything is uncertain and the century of chaos where the essence is not perceived and superficial and sensual life is forced by the development of mass media. Also, now is the age of cutting-edge duplication, approaching to post-industrial society, and gene cloning has been already realized through machine duplication. It brings hope and concern to us both. These phenomena make us skeptical about absolute values and orders which are familiar with us and those are losing their power in many parts. As the general trend of art history suggests, art works have been reacting sensitively to political and economic changes of the society and creating substantial values through the reflection of social desires even if expression styles have been different in each time. Since industrialization, the trend of modern art has been representing consumption propensity and ideology of the time by accepting kitschy sensibility which imitated public images. As one of social phenomena, kitsch has been existed from the time human formed society and had renaissance in accordance with social and cultural changes caused by the Industrial Revolution in 19th century. But, kitsch is experiencing one more renaissance in the explosive consumption society. Kitsch is an interaction among humans and between humans and environment and also a result from them. Therefore, psychological, social and environmental conditions are required for the renaissance of kitsch and we can find such things throughout all the human history. The motive of kitsch was generated from the imitation of practical values of high-class culture by the people who were alienated from it. Kitsch has attributes of imitation, duplication, substitute satisfaction, decoration, show off and lightness and also kitsch is substitute experience and false sense. Pop art presented new possibility in art by using kitschy results strategically, borrowing the aspects of methods and images kitsch uses. In modern art, kitsch was used to strengthen the element of resistance and satire against capitalistic society and kitsch is picking up existing publicly owned emotions and senses in the logic of public senses and industrial culture. Also, kitsch has the characteristic of 'popularization of art'. A series of kitschy phenomena are breaking up the boundary between art and public culture by drawing public and popular phenomena into art and is creating new style which shows the cultural characteristics of daily life and society naturally. In this thesis, I studied kitschy image which appears in the whole trend of modern art, connecting with my work by selecting general theories and characters. I also searched for the development of kitschy image through kitschy position and criticism in the field of art.

미술에서 욕망과 외상심리 표현 연구 : 연구자의 작품을 중심으로

추은영 홍익대학교 대학원 2022 국내박사

This thesis analyzes various expressions of desire and trauma psychology in art using the major aesthetic theories of psychoanalysis and postmodernism. By linking art philosophy with psychoanalysis and applying it to the works of various artists including the researcher, the thesis intends to study the expression of desire and trauma psychology in artworks. The background of this study is as follows. Widespread internet and mobiles have enabled immediate communications and made the processes of creating human relationships spontaneous and broad. As social network services have become more common, a wide range of communication networks have been formed to communicate with others anytime and anywhere, but due to the mass production of ambiguous relationships with no intimacy, the psychological conflict has been bound to deepen in the society. As a result of desire and lack thereof, trauma and melancholy have occurred frequently. While the issues of desire and trauma psychology have been deeply dealt with in various fields such as art, philosophy, and medicine, there has been insufficient research on human desire and trauma psychological expression in the artworks, making it necessary to analyze more artworks. The scope of this study is limited to modern art since the 1960s. Chapter II summarizes the main topics of postmodernism along with the overall trends in modern art. Postmodernism led to interest in alienated things such as the socially disadvantaged and invisible areas, which had a great influence on the researcher's world of work. Also, Freud's unconscious theory had a profound influence on the major philosophies of late modernism by drawing attention to the invisible world. Phenomenology, ontology, disintegration theory, and media theory are the basis of late modernism, and thus are explained in connection with the expansion of modern art. Phenomenology recognized the problem of space and perception as the relationship between the subject and the world, which was reflected in artworks. The idea of existence not only dissolved the existing aesthetics and art theory but also provided a new view of art. The dissolution theory aims for the art of practicing the post-metaphysical transition. The media theory centers on changes in the media forms and refers to the relationship between the expansion of human senses and art. Based on this ideological background, the relationship with psychological analysis is presented through examples of previous artists’ works. Chapter III analyzes examples based on the theories of psychoanalysts Sigmund Freud, Jacques Lacan, and Julia Christeva in connection with the topics covered in Chapter II. The psychologies of Freud's suppressed desire, Lacan's desire, and Christeva's melancholy are summarized from an artistic point of view. Freud's theory of dreams and unconsciousness has been scientifically proven in recent years and is in the stage of reevaluating its value. Lacan's theory of desire, which succeeded Freud, has been cited and studied a lot in art. Since Julia Christeva has dealt with melancoli in depth in connection with Freud's and Lacan's theories, it is worth discussing in the category of desire or trauma psychology. Chapter IV classifies and analyzes the researcher's works based on the psychoanalysis and art philosophy covered in Chapters II and III. First, works that express trauma psychology derived from human relationships are analyzed. Life without trauma is impossible. Everyone grows up through despair and overcoming large and small trauma. Examples of expressing this trauma psychology in artworks are analyzed. Second, works that express the psychology of desire are analyzed. The desire is related to the first loss humans suffer due to separation from the mother's womb at birth. Third, works that express the psychology of melancholy are analyzed. The researcher's artworks expressing the psychology of pain due to the depression of the abyss caused by the lack and frustration at birth are analyzed. Various interpretations can be made on the desires and trauma psychology derived from human relationships, so each artist can demonstrate his or her own creativity. The increase in low-affinity in expanding modern networks drives conflicts of desire to fill one’s deficiency, which causes large and small trauma. In modern times, humans pay attention to invisible things and focus on relationships that cannot be defined as just one being, which cannot be irrelevant to the desires, trauma, and melancholy psychology, derived from relationship formation. In conclusion, studying the expression of desire and trauma psychology in art can serve as an opportunity to develop the realm of artist creation infinitely. Through this kind of study on human psychological expression, one can broaden the scope of artwork analysis standards and expand a new approach for creation. 본 연구는 정신분석학 및 포스트모더니즘에 관한 주요 미학 이론을 분석의 기준으로 설정하고, 미술에서의 욕망과 외상심리 표현을 연구한다. 예술철학을 심리학의 주요분야 중 정신분석학과 결부시켜, 연구자의 작품에 적용하여 분석함으로써 미술작품에서의 욕망과 외상심리 표현을 연구하는 데 의의가 있다. 본 연구의 배경은 다음과 같다. 인터넷과 모바일의 보급 이후 즉각적인 소통이 가능해지면서 인간관계를 만들어가는 과정도 즉흥적이고 폭넓게 변화했다. SNS가 보편화 되면서 언제 어디서나 타인과 소통 가능한 광범위한 연락망이 형성되었으나 친밀도가 없는 애매한 관계의 양산으로 인해 사회에서의 심리적 갈등은 더욱 깊어져 갈 수밖에 없었고, 욕망과 그로 인한 결핍으로 외상과 멜랑콜리는 빈번히 발생하게 되었다. 욕망과 외상심리에 관한 문제는 예술과 철학, 의학 등 여러 분야에서 심도 있게 다루어지고 있으나 인간에 관한 기존 작품연구에서는 인간의 욕망과 외상심리 표현에 관한 연구사례가 부족하므로, 더욱 깊이 있고 다양한 작품 분석이 필요하다. 본 연구의 연구범위는 1960년대 이후 현대미술로 한정한다. 제Ⅱ장에서는 현대미술의 전반적인 동향과 함께 포스트모더니즘의 주요 논제들에 대해 정리한다. 포스트모더니즘은 사회 약자 등 소외된 것에 관한 관심과 비가시적인 영역에 관한 관심을 이끌었고, 이는 연구자의 작품세계에 큰 영향을 주었다. 또한, 프로이트의 무의식이론은 비가시적인 세계에 관한 관심을 끌어내 후기모더니즘의 주요철학들에 지대한 영향을 끼쳤다. 현상학과 존재 사상, 해체론, 매체 이론은 후기모더니즘의 근간이 되는 핵심이론들로서 의의가 있으므로 현대미술의 확장과 연관 지어 설명한다. 현상학은 공간과 지각에 대한 문제를 주체와 세계의 관계 맺음으로 인식하였고 이것은 예술 작품에 반영되었다. 존재 사상은 기존 미학, 예술론의 해체와 동시에 예술의 새로운 시선을 선사하였다. 해체론이 지향하는 예술은 탈형이상학적 이행을 실천하는 예술이다. 매체 이론은 매체형식의 변화를 중심으로 매체로 인한 인간 감각의 확장과 예술의 관계를 말한다. 이러한 사상적 배경을 바탕으로 선행작가의 작품 예시를 살펴보고 심리분석과의 연관성을 제시한다. 제Ⅲ장에서는 제Ⅱ장에서 다룬 논제들과의 연관 지어 정신분석학자인 지그문트 프로이트, 자크 라캉, 줄리아 크리스테바의 이론 기반으로 예시작품을 분석한다. 프로이트의 억압된 욕구에 대한 심리, 라캉의 욕망 심리, 크리스테바의 멜랑콜리 심리를 예술적 관점에서 정리한다. 프로이트의 꿈과 무의식에 관한 이론은 근래에 과학적으로 입증되며 그 가치를 재평가받는 단계이고, 그를 계승한 라캉의 욕망이론도 예술 분야에서 많이 인용되어 작품에 적용하여 연구하고 있다. 줄리아 크리스테바는 멜랑콜리를 프로이트와 라캉의 이론과 결부시켜 깊이 있게 다루었으므로 욕망이나 외상심리의 범주에서 논의할 가치가 있다. 제Ⅳ장에서는 연구자의 작품을 제Ⅱ장과 제Ⅲ장에서 다룬 정신분석학과 예술철학을 기반으로 분류하고 분석한다. 첫째, 인간관계에서 파생되는 외상심리를 표현한 작품을 분석한다. 외상이 없는 삶은 불가능하다. 누구나가 크고 작은 외상을 통하여 절망과 극복을 통하여 성장하는데 이러한 외상심리를 작품에 표현한 사례들을 분석한다. 둘째, 욕망에 대한 심리를 표현한 작품을 분석한다. 인간은 태어나는 순간 모태와의 분리로 인한 최초의 상실을 겪게 되고 이는 외상과 결핍의 형태로 나타난다고 말하는데 이를 작품에 표현한 사례를 다룬다. 셋째, 멜랑콜리의 심리를 표현한 작품을 분석한다. 태초의 결핍과 좌절로 인해 발생하는 심연의 우울로 인한 고통의 심리를 연구자의 작품을 통해 표현한 사례를 분석한다. 인간관계로 인해 파생되는 욕망과 외상심리에 대해서는 다양한 해석이 가능하므로, 예술가 각자가 독자적인 창의력을 발휘할 수 있다. 확장되어가는 네트워크 속에 친밀도가 낮은 유대관계의 증가로 자신의 결핍을 채우기 위해 발생하는 욕망의 충돌이 크고 작은 외상을 유발한다. 현대에 와서 인간은 비가시적인 것에 관심을 두고, 하나의 존재자로만 규정할 수 없는 관계에 집중하는데, 이는 관계 형성을 통해 파생되는 욕망과 외상, 멜랑콜리 심리와 무관할 수 없다. 결론적으로 미술에서 욕망과 외상심리 표현을 연구하는 것은 작가창작의 영역을 무한히 발전시킬 계기가 될 수 있다. 이러한 인간의 심리표현 연구를 통해 작품 분석 기준의 폭을 넓히고, 창작을 위한 새로운 접근법을 확대할 수 있다.

형상적 언어의 비결정성에 관한 알레고리 연구 : 연구자의 작품을 중심으로

이대철 홍익대학교 대학원 2020 국내박사

This research aims at finding how allegorical rhetoric might be applied to the analysis of the indeterminate properties in modern art pieces inclined to deconstructionism. In particular, by exploring the artworks featuring figurative languages that the researcher is focused on, the article will try to interpret the ambiguity, unintelligibility, futility and equivocality recognized in the inherent indeterminacy of such works. As this research finds such an interpretive frame, which the researcher will use to analyze the researcher’s own artworks and contemplate further on interpreting other artworks and understanding the semantic interactions, that frame will be useful to understand modern artworks with deconstructionist characteristics and to suggest such analytical processes. To this end, the overall research direction and related theoretical grounds with examples are presented as below. 1. Texts in modern art act like image objects and function as one of persuasive methods of artistic expression. While texts were traditionally understood for their primary functions of communicating through reading and writing, the postmodern era would understand their additional function as that of images. Texts do not only deliver ideas anymore–they are now recognized to have sculptural and artistic functions of enabling the audience to appreciate and experience them. Consequently, texts in art now function as objects carrying symbolical and indeterminant meanings and project diverse implications. 2. In addition to the inevitable indeterminacy of languages, equivocality and nonsense of such elements in art is analyzed in relation to allegories. Through this analysis, ambiguity, unintelligibility and nonsense in works featuring figurative languages are explored. 3. Focusing on such works about figurative languages, which constitute one of the major pillars of the researcher’s artworks, this research explores symbolism, connection to allegories and deconstructionist trends found in such works. Finally, the research will try to figure out how application of allegorical approaches will enable multiple interpretations of one object effectively. To achieve the aforementioned goals, this article tries to approach the indeterminacy of modern artworks that enable potentials for diverse interpretations by trying allegorical interpretation of the figurative languages. That approach starts from exploring the historical timeline of allegorical rhetoric and figurative languages–interest in allegories reached its peak in the beginning of modernism in relation to its stark contrast to symbolism and declined afterwards–followed by comparative analysis of symbols, which takes part in the basis of the researcher’s own artworks. Then, by learning about figurative languages, the research will go further to touch upon the related factors such as the relationship between images and texts and use of texts in the context of modern art and culture. The next target of exploration is the way the figurative languages are applied in modern art and their artistic potentials. In this context, the artistic and semiotic values of figurative languages are analyzed in relation to the characteristics of modern allegories, thereby finding ways for interpreting their polysemic properties. Through deconstructionism suggested by philosophers like Walter Benjamin, Paul de Man and Jacques Derrida, who founded basis for understanding modern allegories, the characteristics and applications of modern allegories will also be explored. In particular, based on the ideas by Craig Owens’s “The Allegorical Impulse”, the modern art examples that could be interpreted by understanding the allegorical properties will be discussed. Ultimately, analysis on sculptural properties and their potentials for interpretation of modern art regarding allegories and symbols are to be applied to the example works that use texts as images and their diverse allegorical properties, so that those examples might be compared to the researcher’s own artworks. The artists that the researcher has chosen for literature review and comparison are Ed Ruscha, Jack Pierson, Joseph Kosuth and Jaume Plensa. Lastly, by analyzing the researcher’s own works, diverse potentials for application and their differences regarding their figurative languages are investigated, especially since most of the researcher’s works have started based on symbolism or pessimistic sentiments like futility or deadliness, where symbolism and allegorical connections could be found. In addition, use of colors in the selected sample works might also be decoded to their allegorical meanings, by applying theories of colors by Goethe and Kandinsky, showing how the symbolical implications within a work could carry multiple meanings or could even be understood as completely meaningless. Use and adoption of objects, wordplay, deformation and overlapping are also brought as examples for continuous attempts for diverse allegorical approaches. Through this research, the researcher has learned that allegories are not only used in ambiguous modern artworks that are almost unable to fully comprehend but in the entire contemporary art and culture including literature, painting, music and films. As the indeterminacy and futility inherently implied by figurative languages are approached allegorically and applied to modern art, this research shows that trying to exclude multiple interpretive possibilities, set boundaries, look for a clear definition and set a fixed meaning–regarding all the objects including the researcher’s own works–could only be completely in vain. 본 연구는 해체적인 경향이 짙은 현대미술에 나타나는 비결정적인 속성에 대하여 알레고리 수사법으로 적용할 수 있는 방법을 모색한다. 특히 연구자가 집중하는 형상언어 작품을 통해 비결정성(Indeterminacy)이 내포하는 애매함, 난해함, 허망함, 다중적인 의미 등의 해석에 다가가는 것을 목표로 한다. 이를 통해 성취한 해석의 틀은 본 연구자의 작품 분석에 활용하고자 하며, 향후 작품의 해석과 의미작용에 대한 숙고이며, 현대미술에서 보여지는 해체적인 성격의 작품 해석과 그 과정을 제시하는데 유용할 것으로 판단한다. 이를 위하여 다음과 같이 연구의 주요 방향을 설정하고 이론적 근거와 예시로서 밝히고자 한다. 1) 현대미술에서 문자는 이미지로 작용하며, 설득력 있는 예술의 방법으로 기능하고 있다. 기존의 문자는 쓰고 읽는 본래의 기능적 요소가 강한 반면에 포스트모더니즘 시대에 진입하며 이미지로 기능하게 되었다. 이에 기존의 문자가 가지던 관념에서 벗어나 보고 경험하는 조형성, 예술성을 성취하게 되었다. 그 결과 문자는 상징성, 불안정성 등의 특징을 가지고 현대미술 작품 안에서 일종의 오브제로 기능하며 다양한 의미들을 발산한다. 2) 언어가 본질적으로 가지고 있는 비결정성과 더불어 다중적 의미와 무의미를 동시에 지니고 있는 것으로써 알레고리와의 연관성을 살펴본다. 이를 통해 형상언어 작품 속에서 나타나는 난해함과 모호함, 무의미성에 대해 탐구한다. 3) 연구자의 작품의 한 축을 이루고 있는 형상언어 작품들을 중심으로 그 안에서 드러나는 상징성과 알레고리와의 연결성, 해체적인 경향 등을 고찰한다. 이를 통해 알레고리의 적용이 하나의 사물에 대한 다양한 해석을 가능하게 하는지 그 실효성을 알아본다. 상기한 연구의 목표를 실현하기 위하여 본 논문에서는 현대미술에서 나타나는 비결정성과 그로 인한 다양한 해석의 가능성에 대하여 형상언어의 알레고리적 해석을 시도하고 접근한다. 먼저 알레고리의 역사적 전개와 형상언어에 대해 고찰한다. 알레고리는 모더니즘 시대에 들어와 상징과 대립각을 이루다 쇠퇴하게 되는데 그 과정을 살펴볼 것이며, 본 연구자의 작품에서도 한 축을 담당하는 상징에 대해서도 비교 분석을 통해 알아본다. 또한, 형상언어의 고찰을 통해 이미지와 문자의 관계, 현대 예술과 문화 속에서 문자의 활용 등을 연구한다. 다음으로 형상언어가 현대미술 속에서 어떻게 적용되고 있는지, 그 예술적 가능성에 대해 탐구한다. 이 과정에서 형상언어가 가지고 있는 예술적, 기호적 가치는 현대적인 알레고리의 특성을 연결 지어 다의미(Polysemy)적 성격에 대한 해석의 길을 살펴본다. 또한, 현대적 알레고리의 기반을 마련한 발터 벤야민(Walter Benjamin)과 폴 드 만(Paul de Man), 자크 데리다(Jaques Derrida)의 해체주의를 통해 현대적인 알레고리의 특성과 적용을 살핀다. 특히 크레이그 오웬스(Craig Owens)가 논의한 ‘알레고리 충동’의 논의을 통해 알레고리의 특성으로 해석할 수 있는 현대미술 작품의 사례를 본다. 궁극적으로 알레고리와 상징에 대한 현대예술의 조형성 및 해석의 가능성에 대한 분석은 다양한 알레고리의 특성을 문자를 이미지로 사용하는 작품을 사례로 본 연구자의 연구 작품과 비교 할 수 있게 한다. 연구자가 비교 대상으로 삼은 선행 작가는 1) 에드 루샤(Ed Ruscha) 2) 잭 피어슨(Jack Pierson) 3) 조셉 코수스(Joseph Kosuth) 4) 하우메 플렌자(Jaume Plensa) 의 작품들이다. 마지막으로 본 연구자의 작품 분석을 통해 형상언어가 가지고 있는 다양한 비결정성들과 알레고리 해석에 대한 적용과 차이를 밝힌다. 특히 연구자의 작품은 상징을 기반으로 출발하거나 허무함과 죽음과도 같은 감정에서 시작하는 경우가 대다수이다. 이 안에서 상징과 알레고리의 연결성을 찾을 수 있다. 또한, 연구의 표본으로 설정한 작품 속에 드러나는 색상 역시 알레고리적 의미 변환이 가능한데 이는 괴테와 칸딘스키의 색채론을 적용한다. 이는 작품 안에서 관찰할 수 있는 상징성이 다양한 의미를 가지거나 무의미해지는 경험을 선사할 수 있음을 보여준다. 아울러, 오브제의 사용, 차용, 언어유희, 형태의 변화, 중첩 등을 예로 들며 알레고리적 접근을 계속해서 시도한다. 본 연구자는 이와 같은 연구 과정을 통해 알레고리는 난해하고 모호한 현대미술뿐만 아니라 문학, 미술, 음악, 영화 등에 이루는 현대의 문화예술 전반적인 부분에 적용되고 있음을 사료할 수 있었다. 또한, 형상언어가 지니는 비결정성과 허무함 등에 대한 알레고리 접근을 현대미술에 대입하였으며, 그 결과 연구자의 작품을 포함한 모든 대상을 읽어냄에 있어 다양한 의미를 흡수하지 않고 경계를 구분 짓는 것, 명확한 정의를 내리고 의미를 규정하는 행위는 오히려 무의미해질 수도 있는 한계를 지니고 있음을 보여주고 있다.