학과기초 미술교육(DBAE)과 시각문화 미술교육(VCAE) 비교분석 연구

정희숙 홍익대학교 교육대학원 2009 국내석사

The development of information communication technology and the change in the modern industrial structure in the 21st century place emphasis on numbers of independent individuals instead of a single unified one, on distinction that each individual has instead of each one of their unity, and on subjective meaning-giving based on relativity instead of meaning-giving originating from absolute objectivity. The changes in the art educational aspect to meet such social, cultural demand are well reflected in the seventh revision of the academic curriculum which was first established in 2007 and has been successively carried out since 2009. The seventh revision of the academic curriculum contains much of the theory of VCAE, or visual culture art education. In other words, it gives weight to the social meaning and communication of art, cultivation of criticism toward visual art, providing experiences concerning visual culture learning, etc. Accordingly, this study compared and analyzed DBAE (discipline-based art education) of the modernism reflected in the existing seventh academic curriculum and VCAE of the post-modernism which is highlighted in the current seventh revised curriculum, using the "basic assumptions" adopted from Forman and Kuschner (1983)'s education, and searched for the directions the art education in the age of post-modernism should head. Discipline-centered reform (DCR) and Barkan's ideas established a foundation of academic status for discipline-based art education (DBAE) which appeared in the early 1980's and DBAE aimed at producing cultured men who were sensitive to artistic understanding and aesthetic characteristics. Knowledge and values were based on essentialism and sought for acquiring those resident in art and were formed, according to each learner's improvement level, with the integrated education courses of aesthetics, art history, art criticism, and art production. Thus, instructing - learning is centered on instructors and they are the conveyers of knowledge and help understand the important concepts that meet the level of learners. Yet, issues regarding DBAE were raised; art education, inclining toward texts centering on high class art and masterpieces, was said to be representing the general art and artistic knowledge, yet its texts were entirely supporting the western works of fine arts. Furthermore, some feminist theorists criticized elitism, male-centered, and racial discriminating factors and, multiculturalism theorists, Europe-centered and cultural discrimination, against the DBAE theory. The visual culture education, which was originated from the influence of post-modernism's social changes, extension of art, and education of constructivism, was later suggested as visual culture art education (VCAE) by Duncum, as the 'transition in the paradigm' of art education. The academic objectives of VCAE includes giving the authority to learning rights and visual reading comprehension ability through critical thinking and these are accomplished through a variety of contexts and relations. Also, in classes, the instructor is to mediate discovery, interpretation, struggle, etc. and serves as a hub, generating discussion. The academic curriculum is a social, cultural, historical, and artistic integrated course and contains art production and criticism. Knowledge may be reorganized constantly based on an individual's social experience. However, visual culture art education (VCAE) is being criticized for its no grounds in philosophical and psychological foundation, for presenting no academic structure for its contents, for its replacement with social studies, for its negligent working activities, for its not being able to be explored for art, and for its target being no natural. According to my research, visual culture art education, in order to be suitable for post-modernism, should primarily build up a multicultural approach that integrates cultural, social, and historical fields from the view of criticism learning and visual reading comprehension ability. Second, it should emphasize the necessity of creating culture of cooperative learning, centering on cultural experiences. Third, it should put much emphasis on the meaning and interpretation rather than the aesthetic value and experience, in the aspect of methods of criticism learning. Therefore, the directions for art education in the age of post-modernism should be extended from the limited 'art' to 'visual art' region inside our lives and deal with the learner's actual live and cultures. And cultural experience-centered art education should be practiced to form cooperative learning culture for the development of high-level mental function that can occur in the exchanges from people. 정보통신기술의 발달과 21세기 현대 산업구조의 변화는 통일된 하나의 주체보다는 독립된 다수의 개체를, 각 개체들 간의 통일성 보다는 각 개체들이 가지는 차별성을, 절대적 객관성에 기인한 의미부여 대신 상대성에 기반을 둔 주관적 의미부여를 강조한다. 이러한 사회 문화적 요구에 부응하기 위한 미술 교육적 측면에서의 변화는 2007년 제정되고, 2009년부터 단계적으로 시행되고 있는 제 7차 교육과정 개정에서 잘 찾아 볼 수 있다. 제 7차 교육과정 개정은 시각문화 미술교육(VCAE, Visual Culture Art Education)의 이론을 많이 반영하고 있다. 즉, 미술의 사회적 의미와 소통, 시각문화에 대한 비판의식함양, 시각문화학습 경험제공 등이 강조된다. 이에 본 연구는 기존의 제 7차 교육과정에서 반영되었던 모더니즘의 학과기초 미술교육(DBAE, Discipline-Based Art Education)과 현재 실행 중인 제 7차 교육과정 개정에서 강조되고 있는 포스트모더니즘의 시각문화 미술교육(VCAE)을 Forman과 Kuschner(1983)의 교육의“기본가정”을 차용하여 비교 분석하고 포스트모더니즘시대의 미술교육이 나아갈 방향을 모색하였다. 1980년대 초반에 등장한 학과기초 미술교육(DBAE)의 이론적 배경은 학문중심 개혁운동(DCR: Discipline-Centered Reform)과 바칸(Barkan)의 아이디어로 학문적위치의 토대가 마련되었으며 미술의 이해와 미적특성에 잘 반응하는 교양인 배출을 목표로 하였다. 지식과 가치관은 본질주의(Essentialism)를 바탕으로 미술 속에 내재한 지식과 가치를 습득하는데 있으며, 미학(Aesthetics), 미술사(Art History), 미술비평(Art Criticism), 미술제작(Art Production) 의 통합교육과정으로 학습자들의 발달수준에 맞게 구성되었다. 따라서 교수-학습은 교사중심으로 교사는 지식의 전달자이며 학습자 수준에 맞는 중요개념의 이해를 돕는다. 그러나 학과기초 미술교육(DBAE)은 미술교육이 고급미술과 명작중심의 교과내용에 치우치면서, 그것이 보편적인 미술이자 미술적 지식을 대변하는 것으로 다루어질 뿐만 아니라, 내용상 서구의 순수미술 작품을 전적으로 지지한다는 문제점들이 제기되었다. 또한 페미니스트 이론가들은 DBAE이론에 대해 엘리트주의, 남성중심, 인종차별적 요소를 그리고 다문화주의 이론가들은 유럽중심이나 문화적 차별을 비판하였다. 포스트모더니즘의 사회적 변화와 미술의 영역확장, 구성주의 교육의 영향에 의해 등장한 시각문화 교육은 던컴(Duncum)에 의해 미술교육의‘패러다임의 전환’으로서 시각문화 미술교육(VCAE)으로 주장되었다. VCAE의 교육목표는 학습권에 대한 권한 부여와 비판적 사고를 통한 시각적 문해력을 목표로 다양한 맥락과 관계 속에서 이루어진다. 또 수업은 학습자중심으로 교사는 발견, 해석, 갈등 등을 매개하고 토론을 이끌어 주는 허브와도 같은 역할을 한다. 교육과정은 사회적 문화적 역사적 미술적인 통합교육과정으로 미술제작과 비평을 교육내용으로 한다. 또한 지식은 개인의 사회적 경험을 바탕으로 지속적으로 재구성 된다고 본다. 그러나 시각문화 미술교육(VCAE)은 철학적 토대와 심리학적 근거가 없고, 학문적인 내용체제를 제시하지 못한다는 비판과 미술이 사회과목으로 대체되고, 작품 활동을 소홀히 한다는 점과 시각문화 대부분이 미술의 탐구대상이 될 수 없으며, 대상이 자연적이지 않다는 점 등에서 비판받고 있다. 포스트모더니즘시대에 적합한 시각문화 미술교육은 연구결과에 의하면 첫째, 비평학습의 시각에서 문화적, 사회적, 역사적 영역을 통합하는 다문화적 접근과 시각적 문해력을 키워 나아가야 한다. 둘째, 문화적 경험중심의 협동학습 문화 조성의 필요성을 강조하여야 한다. 셋째, 비평학습의 방법적인 면에서 미적가치와 경험보다는 의미와 해석을 강조하여야 한다. 따라서 연구결과를 바탕으로 포스트모더니즘시대의 미술교육의 방향은 제한된‘미술’의 영역에서 삶 속의‘시각문화’로 영역을 확장하고 학습자의 실생활과 문화에 관련된 내용을 다루어야 할 것이다. 그리고 문화적 경험중심의 미술교육을 실시하여 사람들의 교환에서 발생될 수 있는 고등정신기능의 발달을 위해 협동학습 문화를 조성하여야 할 것이다.

텅구(滕固, 1901-1941)의 중국미술사 연구

정수진 서울대학교 대학원 2020 국내박사

Art historical writing shows not only the trends of academics and the thoughts of the contemporary period but also the perspectives of establishing cultural identity by interpreting tradition. Therefore, by investigating the perspectives of art historians we can investigate the comprehensive ideas of the times as well as individual awareness. Consequently, examination of Chinese art history written by Chinese historians during the Republican period (1911-1941) is a method to explore the various dimensions of Chinese intellectual history of early 20th-century China. This study attempts to examine the formation and perspective of China’s early art history through the scholarly achievements of Teng Gu (1901-1941), the primary art historian during the Republican period. The Republican period was a time of drastic change marked by social reform while China experienced disorder caused by transformation from an imperial dynasty to a republic. In other words, the Republican period draws the attention from scholars in a sense that modernity emerged from various aspects of Chinese society. Moreover, it is important that this period noticed the beginning of Chinese modern academics. Chinese art history in the contemporary sense also has its roots in this period. Therefore, looking into the early 20th-century Chinese art history allows one to observe how modernity emerged in this period and was incorporated into art history. It is Teng Gu, who is outstanding among those who put Chinese art history in writing in this historically important period. Teng Gu was born in Shanghai Baosan prefecture in 1901 and graduated from Taichang Fourth Middle School in 1918. In 1924, he graduated from Tōyō University in Japan, with a degree in cultural studies, and, in 1932, obtained a doctoral degree in art history from Friedrich Wilhelm University in Berlin. Consequently, his research in art history can be seen as the process of understanding, on the one hand, a transition from studies of Chinese traditional painting to modern art history, and on the other hand, the characteristics of modern Western, Japanese, and Chinese art histories as well as the status of mutual influence. Teng Gu’s first thesis in art history is A Short History of Chinese Art (1926), which was written shortly after he returned from studying in Japan. One can observe from the various topics published around this period that Teng Gu extensively studied basic humanities including philosophy, aesthetics, and literature in Japan. The eclectic learning gave him an insight into the trends and ideas in contemporary academics and served as the basis of his thesis. While A Short History of Chinese Art reflects the major trends of contemporary theories such as social evolution, new-history, and philology, it also embodies a perspective which acknowledges that the acceptance of foreign culture allowed Chinese art to make progress. This analysis is based on the open perception that intrinsic tradition can be renewed only through interaction with the influence and stimuli from the outside. The book’s chronology is based on the evolutionary perspective, that is, touching upon the concepts of growth, amalgamation, prosperity, and decline. This perception reflects the ‘belief in progress,’ a viewpoint of the modern period. Teng Gu’s pioneering attempt is best demonstrated in the A History of Tang and Song Painting (1933). This book is the first one to present Chinese art history interpreted through Western methodology by a Chinese scholar. It is the result of Teng Gu’s recognition of stylistic analysis, which differentiates his study from other contemporary art historians who were unable to escape from China’s traditional narrative or discourse on painting. Teng Gu completed the first draft of this book prior to his studies in Germany, which gives explanation for his rudimentary analysis using Western methodologies. Yet, at the same time, the book demonstrates his embracing attitude towards Western methods and perspectives in art history as a scholar. His achievement from studying in Germany can be observed from the fact that his use of stylistic analysis is much more elaborate in “A Historical Study of Chinese Literati and Academic Painting” (1931) and many other theses based on the research of ancient ruins, published after his return to China. The reason behind Teng Gu’s writing the A History of Tang and Song Painting is that he consistently defined the Tang and Song dynasties as the heyday of Chinese art history since he wrote A Short History of Chinese Art. He argued that Buddhist paintings have established the unique Chinese style independently from foreign influence during this period, and that landscape paintings developed in the Tang dynasty reached its peak during the Song dynasty. Thus, his argument is differentiated from the political perspectives of the contemporary historians who depicted Song painting as the symbol of Chinese civilization. The reformist thinkers of the Republican period argued that Song painting was realist art, namely, the art of developed civilization and the standard of a nation-state. However, Teng Gu’s evaluation was based on an objective, art historical standard: the development of landscape painting, which he believed was the essence of Chinese art. In other words, he strongly believed that Chinese art culminated in the Tang and Song dynasties through his perspective that ‘the highest ideal of nature and life is manifested in landscape paintings.’ At the same time, Teng Gu’s open and experimental perception is revealed in his doctoral dissertation, “Chinesische Malkunsttheorie in der T’ang und Sungzeit.” In this dissertation, Teng Gu interpreted China’s historical writings on art using Western modern theories and terminologies in order to give them universality and objectivity. This was an attempt to highlight the originality of Chinese culture by introducing China’s own painting theory books to the West, and simultaneously to include them within the boundaries of Western universal art history. Hence, this dissertation demonstrates the two-fold values upheld by modern East Asian intellectuals: the maintenance and continuation of respectful tradition and the pursuit of Westernization. Moreover, Teng Gu is a scholar who presented the modern perspectives of ‘deconstruction of tradition and disconnection from tradition’ in through numerous writings. The most representative piece is his criticism of the theory of the Southern and Northern schools of painting in China. In many texts, he points out the pre-modern way of thinking intrinsic in the theory of the Southern and Northern schools and criticizes conflicts and contradictions within the theory from various perspectives. For example, he claimed that the existing interpretation that Wang Wei (699-759) and Li Sixun (651-716) are the respective founders of the Southern and Northern schools should be corrected. With this, Teng Gu intended to break down the long-held notion that paintings had been developed by a genius. Teng Gu asserted that the Four Great Masters of the Late Yuan Period and the academic painters of the Southern Song period were the actual founders of the Southern and Northern schools. This viewpoint once again represents Teng Gu’s pioneering insights, for it focuses on the stylistic differences of the schools. Furthermore, Teng Gu also denounced the idea of superiority and inferiority drawn between literati and academic paintings. In addition, he argued that academic painters were literati. He also suggested that the terms ‘transcendent or highbrow painting’ and ‘court painting’ must be used in place of literati painting and academic painting. He believed that the class consciousness inherent in the term ‘literati painting’ should be broken down. Different from the contemporary scholars who extremely supported or attacked ‘literati painting,’ Teng Gu embraced both literati painting and academic painting as both sides of the valuable tradition of Chinese art. At the same time, his theses written in German and theses about ancient remains present his horizontal and objective nationalism. His German theses introduced the philosophy and formative principle of literati painting to the West. It was an attempt to present the unique identity of Chinese traditional art. The attempt to find unique national identity and argue for its superiority from literati paintings was common in the art historical studies of Japan and China. The value of literati painting was highly celebrated in both countries. However, Teng Gu’s emphasis was to objectively describe the characteristics of literati painting instead of giving it unconditional priority. Teng Gu's nationalist approach can also be found in his research and theses on ancient ruins that he conducted according to governmental policies and published after his return from Germany. These writings reflect the academic view of the time that Chinese cultural identity was established during the Han dynasty. Particularly, Teng Gu emphasized the nationalistic importance of the Han dynasty by characterizing and analyzing the art of the period. Moreover, these writings are based on object-oriented research that reflects both the typology influenced by the archeology of the time and the stylistic analyses of Western art history. For this reason, Teng Gu is also recognized as the pioneer of Chinese art and archeology. Nationalism and object-oriented research are the foundation of academic disciplines in global modernism. Modern art historical writing also reflects this general trend. Early Japanese art history was also based on object-oriented research. However, it could not escape the extreme nationalism of the time. The Chinese art history of the early twentieth century lacked the understanding of object-oriented research and also held extremely nationalistic bents. In contrast, the writings of Teng Gu do not contain arguments or narratives that claim superiority of Chinese art over that of neighboring countries. For him, nationalism is based on the belief that ‘each nation has its own unique cultural identity,’ a horizontal, democratic, and even post-modern concept. Additionally, Teng’s methodology is based on his firm belief in object-oriented research, which starts from close analyses of actual art objects. In other words, Teng Gu was a scholar of modern mind and insight including openness, objectivity, and critique of tradition, as well as post-modern liberalism. In addition, he was also a scholar actively participating in the Chinese government’s cultural offices and educational fields. He established China’s first art history society. Furthermore, Teng Gu contributed to fostering the study of Chinese art in the West by presenting Chinese art history in Western languages. Therefore, it would not be an overstatement to call Teng Gu the pioneer of Chinese art history not only of the Republican period but also of the periods following it. 미술사의 서술은 동시기 학문과 사상의 경향뿐만 아니라 전통 해석을 통한 문화 정체성 확립의 시각을 보여준다. 그러므로 각 미술사 저자들의 시각에 대한 고찰은 저자들 개인의 인식은 물론 그들 전체를 포괄하는 시대의 관념을 유추할 수 있게 한다. 따라서 민국시기(民國時期, 1911-1949) 중국의 자국미술사(自國美術史) 서술에 대한 연구는 20세기 초 중국 정신사의 일면을 살펴볼 수 있는 하나의 방법이다. 본 연구는 민국시기의 주요 미술사 저자인 텅구(滕固, 原名은 滕成, 字는 若渠, 1901-1941)의 연구 성과를 통하여 중국 초기 미술사학의 형성 과정과 그 시각을 살펴보려는 시도이다. 민국시기는 왕정에서 공화정으로의 급변이 초래한 변화와 혼란 가운데 사회의 개혁이 추진되었던 격동기였다. 즉 민국시기는 중국 사회의 각 방면에서 근대성이 발아되었다는 점에서 학계의 주목을 끌고 있다. 더욱이 이 시기는 근대적 학문 체계가 정립되기 시작하였다는 중요성을 가진다. 현대적 의미의 미술사 역시 이 시기에 편찬되기 시작하였다. 그러므로 20세기 초반의 중국미술사를 살펴보는 과정은 이 시기에 발아된 근대성이 미술사에서 어떻게 구현되었는지를 살펴보는 작업이다. 그리고 이러한 시대성을 글을 통해 구현한 독보적인 학자가 바로 텅구이다. 텅구는 1901년에 상하이(上海) 바오산(寶山)현에서 출생하여 1918년에 타이창성립제사중학(太倉省立第四中學)을 졸업하였다. 이후 그는 1924년에 일본 토요대학(東洋大學)의 문화학과를 졸업하고 1932년에는 베를린의 프리드리히빌헬름대학(Friedrich Wilhelm University)에서 미술사학으로 박사학위를 받았다. 따라서 텅구의 미술사에 대한 검토는 종(縱)으로는 중국의 전통 화론(畵論)에서 현대적 미술사로의 전환을, 횡(橫)으로는 근대기 서구와 일본 그리고 중국 미술사학의 성격과 상호 전파의 상황까지를 이해할 수 있는 과정이다. 텅구가 발표한 최초의 미술사 논저는 일본 유학에서 귀국한 직후에 집필한 『중국미술소사(中國美術小史)』(1926)이다. 텅구가 일본 유학 시기에 철학, 미학, 문학 등 기초 인문학을 폭넓게 학습하였음은 이 시기에 발표한 다양한 주제의 논고들을 통하여 알 수 있다. 이러한 학습은 텅구에게 동시기 학문의 경향과 사상에 대한 통찰력을 가지게 하였으며 『중국미술소사』 서술의 기반이 되었다. 『중국미술소사』는 동시기 학문의 주류 사조였던 사회진화론, 신사학(新史學), 고증학 등을 반영하는 한편 외래문화의 수용으로 중국 미술이 발전을 이룰 수 있었다는 개방적 인식으로 서술되었다. 이러한 인식은 고유하게 내려오는 전통이 새로운 자양분과 자극을 받아 스스로의 선택과 단련을 거쳐야만 새로움을 이룬다는 개방적 인식에서 비롯된 것이다. 이 책의 시기 구분은 생장(生長), 혼교(混交), 창성(昌盛), 침체(沈滯)시대라는 진화론적 관점에 의하여 이루어졌다. 이는 ‘진보에 대한 믿음’이라는 근대기의 가치관을 반영한 인식이라 하겠다. 텅구의 선구적인 시도는 『당송회화사(唐宋繪畵史)』(1933)에서 가장 잘 표출되었다. 이 책은 중국인 학자가 양식사를 적용하여 해석한 최초의 자국 미술사이다. 이 책은 텅구가 서구의 연구 방법론을 개방적으로 수용한 결과로 중국 고유의 화사(畵史)나 화론의 체계에서 벗어나지 못하던 동시기 여타 저자들과의 차별성을 보여준다. 텅구는 독일로 유학을 떠나기 전에 이 책의 초고를 집필하였으며 이는 『당송회화사』의 양식사(樣式史)적 분석이 초보적인 이유를 설명해준다. 그러나 이는 또한 그의 적극적인 외래 학술에 대한 수용 태도와 학자로서의 자질을 보여준다. 독일 유학에서의 성과는 「원체화와 문인화의 역사에 대한 고찰(關于院體畵和文人畵之史的考察)」(1931)과 귀국 후 고대 유적을 조사하고 발표한 여러 논고에서 양식사적 방법론이 보다 정교해졌음을 통해 확인할 수 있다. 텅구가 『당송회화사』를 집필한 이유는 그가 『중국미술소사』에서부터 일관되게 ‘당송’을 중국미술사의 정점기로 규정하였기 때문이다. 텅구는 이 시기에 ‘불교회화가 외래의 영향에서 독립하여 중국의 독자적 양식을 구축하였으며 산수화가 당대에 발달하기 시작하여 송대에 최고의 수준에 이르렀다’는 시각으로 당송정점론을 주장하였다. 이러한 인식은 동시기 사상가들이 송대의 회화를 중국 문명의 표상으로 삼았던 정치적 관점과 차이를 갖는다. 민국시기의 개혁적 사상가들은 송대의 회화가 국민국가의 기준인 발달된 문명, 즉 사실주의의 미술이라고 주장하였다. 그러나 텅구의 주장은 미술사학자로서의 객관적인 기준, 즉 자신이 중국 미술의 정수라고 여긴 산수화의 발달에 기준을 둔 것이었다. 결국 텅구는 ‘자연과 인생의 최고 이상이 산수화에서 드러난다’는 자신의 미술관에 의하여 당송정점론을 주장하였다. 아울러 텅구의 박사학위 논문인 「당송시기의 중국 회화 이론(Chinesische Malkunsttheorie in der T'ang und Sungzeit)」에서도 그의 개방적이고 실험적인 인식을 읽을 수 있다. 텅구는 이 글에서 중국의 역대 화론서들을 서구의 근대적 이론과 용어로 해석함으로써 보편성과 객관성을 부여하고자 하였다. 이는 중국 고유의 회화이론서들을 서구에 소개함으로써 중국 문화의 독자성을 부각시키는 동시에 중국의 역대 회화 이론을 서구의 보편적인 미술사의 범주에 편입시키려는 시도이다. 즉 텅구는 이 논문을 통하여 전통의 유지와 존숭 그리고 서구화의 추구라는 근대기 동아시아 지식인의 양가적(兩價的) 가치관을 보여준다. 텅구는 또한 ‘전통의 해체 및 전통과의 단절’이라는 근대적 관점을 자신의 여러 논저를 통해 제시한 학자이다. 가장 대표적으로는 중국 회화의 남북종론(南北宗論)에 대한 비판이다. 텅구는 남북종론이 가지는 모순을 다양한 각도에서 비판함으로써 중국의 역대 화론에 내재된 전근대성을 지적하였다. 예를 들어 그는 왕유(王維, 699-759)와 이사훈(李思訓, 651-716)이 각각 남종과 북종의 시조라는 기존 인식의 수정을 주장하였다. 이로써 텅구는 천재적 개인에 의하여 회화가 발전되어 왔다는 오랜 관념을 타파하고자 하였다. 텅구는 원말사대가(元末四大家)와 남송의 원체(院體)화가가 각각 남종과 북종의 실질적인 시조라고 주장하였는데 이는 그들의 양식에 주목한 관점으로 역시 그의 선구적인 시각을 보여준다. 또한 텅구에게는 문인화와 원체화가 상하 층위로 나뉘어 우열을 가진다는 관념 역시 비판의 대상이었다. 나아가 그는 원체화가들도 사대부라는 새로운 견해를 제시하면서 문인화와 원체화 대신 ‘고답화(高踏畵)’와 ‘관각화(館閣畵)’라는 용어를 사용할 것을 제안하였다. 텅구는 ‘문인화’라는 용어 자체에 내포된 계층의식을 타파해야 한다고 여겼던 것이다. 그러나 그는 문인화를 극단적으로 옹호하거나 배격했던 동시기 학자들과 달리 문인화와 원체화 모두를 소중한 중국 미술의 전통으로 포용하였다. 한편 텅구의 독일어 논고들과 고대 유적에 관한 논고들은 그의 수평적이고 객관적인 민족주의를 잘 제시해준다. 독일어로 집필된 텅구의 논고들은 문인화의 철학과 조형원리를 서구에 소개함으로써 중국 미술의 고유한 정체성을 인식시키려는 시도이다. 문인화에서 자국 미술의 정체성을 모색하고 그 우월성을 주장하려는 이러한 민족주의적 시도는 동시기 일본과 중국의 여타 미술사에서도 찾아볼 수 있다. 그러나 텅구의 논지는 문인화에 대한 일방적인 옹호가 아니라 그 성격을 객관적으로 서술하는 것이었다. 텅구가 독일 유학을 마치고 돌아와 정부의 시책에 맞추어 고대 유적을 조사하고 발표한 논고들에서도 그의 민족주의적 시각을 엿볼 수 있다. 이 글들은 한대(漢代)에 중국 문화의 정체성이 확립되었다는 동시기 학계의 시각을 반영한다. 즉 텅구는 이 글들에서 중국 미술의 성격을 한대를 기준으로 나누고 분석함으로써 한(漢)나라가 가지는 민족주의적 중요성을 부각하였다. 더욱이 이 논고들은 동시기 고고학에서 영향을 받은 유형학(類型學)과 서구 미술사의 양식사를 모두 반영한 실물 중심의 연구 성과이다. 이로 인하여 텅구는 중국 ‘미술고고학(美術考古學)’의 선구자로도 인정받고 있다. 민족주의와 실물 중심의 연구는 근대기에 세계적으로 주도적 위치에 있던 사상적 조류와 학술적 방법론이다. 근대기 미술사의 서술도 이러한 흐름을 반영한다. 일본의 초기 미술사는 실물 조사를 바탕으로 하였으나 지나치게 국수적인 민족주의에서 벗어나지 못하였다. 또한 동시기 중국의 여타 미술사는 작품의 조사라는 실물 중심의 인식이 없었으며 민족주의적 성격 역시 국수적인 것이었다. 그러나 텅구의 글에서는 여타의 미술사에서와 같이 주변국들에 대한 자국 문화의 비교 우위를 주장하는 인식과 서술은 찾아볼 수 없다. 그에게 민족주의란 ‘각 민족은 모두 고유한 문화적 정체성을 갖는다’는 수평적인 개념, 즉 시대를 앞선 탈근대성까지 내포한 것이었다. 더불어 텅구는 작품의 분석에서 시작하여 미술사를 서술해야 한다는 확고한 실물 중심의 연구 방법론이라는 인식을 가지고 있었다. 다시 말하자면 텅구는 개방성, 객관성 그리고 전통에 대한 비판 의식 등 근대성과 더불어 탈근대적인 민족주의적 시각을 가진 학자였다. 또한 그는 저술뿐만 아니라 정부의 문화부처와 교육계에서 적극적인 활동을 하였으며 중국 최초의 미술사학회를 설립하는 등 실천적인 업적을 남긴 학자였다. 이에 더하여 텅구는 서구의 언어로 여러 논저를 발표함으로써 서방의 중국미술사 연구에 적극적인 기여를 하였다. 따라서 텅구는 민국시기는 물론 그 이후에도 중국에서 가장 선구적인 미술사학자라고 하기에 부족함이 없을 것이다.

아들러 개인심리학 집단미술치료가 청소년의 열등감, 자기효능감, 사회적 관심에 미치는 효과

이성숙 조선대학교 일반대학원 2016 국내석사

ABSTRACT The Effect of Adler’s Individual Psychology Group Art Therapy on the Inferiority, Self-efficacy, and Social Interests of Adolescents. Lee Seong Suk Advisor : Prof. Kim tack ho Departmant of Art Psychotherapy Graduate School of Chosun University This study was conducted in order to investigate the effect of Adler’s Individual psychology group art therapy on the inferiority, self-efficacy, and social interests of adolescents. Research targets were composed of 26 students from G Technical high school in Y region. Among them, 13 were selected as an experimental group while others remained as a control group. Before verifying the effects of the experiment, an analysis was performed through a T-test on the preliminary inspection of inferiority, self-efficacy, and social interests to confirm that adolescents participating in experimental and control group possess the same nature, which showed that the natures of both groups were equal to each other. Under the study, individual psychology group art therapy was conducted 12 times (60 minutes per time, twice a week) from September 09, 2015 to November 04, 2015. The collected results on the scale experiment on inferiority, self-efficacy, and social interests of 13 adolescents in the experimental group who conducted Adler’s individual psychology art therapy and that of another 13 in the control group were examined through repeated measurement analyses with SPSS 19.0 statistical prediction program. The analysis results from this study are as follows. Firstly, the inferiority level of the experimental group which participated in Adler’s individual psychology art therapy declined when compared with that of the control group. -- Among the sub-factors, there was no significant difference in the passivity area. On the other hand, sensitivity and regression showed significant differences. Secondly, the result of the experimental group which participated in Adler’s individual psychology art therapy showed a meaningful increase in the self-efficacy area. Among the sub-factors, self-regulation and preference of task difficulty showed significant differences while confidence did not. Lastly, the experimental group which participated in Adler’s individual psychology art therapy showed a meaningful increase in social interest when compared with the control group. Upon completion of the assignment, it has been found that Adler’s individual psychology art therapy program has positive effects on adolescents with a decrease in inferiority and an increase in self-efficacy as well as their social interest. Key word : Adolescent, Inferiority, Self-efficacy, Social interest 국문초록 아들러 개인 심리학적 집단미술치료가 청소년의 열등감, 자기 효능감, 사회적 관심에 미치는 효과 이 성 숙 조선대학교 일반대학원 미술심리치료학과 지도교수: 김 택 호 본 연구의 목적은 아들러 개인심리학적 집단미술치료가 청소년의 열등감, 자기효능감, 사회적 관심에 미치는 효과를 알아 보기위해 수행되었다. 본 연구를 위해 Y군에 소재한 G공업고등학교에서 아들러 개인심리학적 집단미술치료 프로그램을 실시하였다. 연구를 위하여 실험집단 13명과 대기집단13명으로 2015년 9월 9일부터 2015년 11월 4일까지 주2회, 1회 60분씩 총 12회기를 실시하였다. 실험효과 검증을 위해 SPSS 19.0을 이용하여 열등감 증후 척도, 자기효능감 척도, 사회적 관심 척도를 반복측정 변량 분석하였다. 실험 효과 검증에 앞서 실험집단과 대기집단에 참여한 청소년이 동질한 집단인지 알아보기 위해 열등감 증후와 자기 효능감, 사회적 관심의 사전검사에 대해 t-test를 실시한 결과 동질한 집단으로 나타났다. 본 연구에서 밝혀진 결과를 살펴보면 다음과 같다 첫째, 아들러 개인심리학적 집단미술치료 프로그램에 참여한 실험집단이 대기집단보다 열등감 증후 수준에 감소를 보였다. 하위요인 중에 소극성에서는 유의한 차이가 나타나지 않았으나, 민감성과 후퇴성에서 유의한 결과를 나타내었다. 둘째, 아들러 개인심리학적 집단미술치료 프로그램에 참여한 실험집단이 대기집단보다 자기효능감 증가에 유의한 것으로 나타났으며 하위요인 중에 자신감은 유의하지 않고, 자기조절, 과제난이도 선호는 유의한 결과를 나타내었다. 셋째, 아들러 개인심리학적 집단미술치료 프로그램에 참여한 실험집단이 대기집단보다 사회적 관심 증가에 유의한 결과를 나타내었다. 결론으로 아들러 개인심리학적 집단미술치료 프로그램을 통해 청소년의 열등감 수준의 감소와 자기효능감 증가, 사회적 관심 증가에 긍정적인 효과를 미치는 것으로 볼 수 있다. 주요어 : 청소년, 열등감, 자기효능감, 사회적 관심

다니엘 아라스의 미술사 방법론 연구 : - 아나크로니즘 개념의 기원과 적용을 중심으로 -

안나영 조선대학교 대학원 2020 국내박사

본 논문은 다니엘 아라스(Daniel Arasse)의 ‘아나크로니즘(Anachronisme)’ 개념을 20세기 이후 프랑스 역사학과 미술사학의 맥락에서 검토하고, 이를 ‘통제된 아나크로니즘(anachronisme contrôle)’ 이라는 미술사 방법론으로 소개한다. 역사학에서 ‘아나크로니즘’ 개념은 시간과 시대를 적합하게 대입하지 못하는 오류인 ‘시대착오’로 간주되어왔다. 미술사 연구에서도 아나크로니즘은 과거에 탄생한 미술작품에 현대적 이론을 도입하는 오류를 뜻하였다. 그러나 아라스는 ‘아나크로니즘’을 “미술작품에는 다양한 역사적 지층이 장기적으로 지속되며 뒤섞여 있다”라고 재정의한다. 더 나아가 그는 이 개념을 ‘통제된 아나크로니즘’이라는 미술사 방법론으로 정립하여 기존의 연구 방법을 보완하고자 하였다. 20세기 이후의 미술사가들은 미술작품의 다층적이고 응축된 시간성을 사유하였다. 그들은 전통적인 미술사의 방법에 변화를 주기 위해 미술작품과 시선(regard)의 시간성에 대한 이론적인 틀을 마련하고자 하였다. 아라스는 이를 수용하여 미술작품과 시선의 시간성에 대한 사유를 ‘아나크로니즘’ 개념과 연결한다. 그는 이 개념을 작품의 다층적인 시간성을 분석할 수 있는 미술사 방법론으로 활용하게 된다. 미술사 방법론으로서 ‘통제된 아나크로니즘’은 ‘시대착오를 수정’하고, ‘의도적으로 아나크로니즘을 일으키는’ 두 방법으로 구성되었다. 본 연구는 이 방법을 확장하여서 벨라스케스의 <시녀들(Las Meninas)>, 미켈란젤로(Micheangelo Buonarroti)의 <모세(Moise)>, 안셀름 키퍼(Anselm Kiefer)의 작품들을 분석하는 사례로 정리하였다. 이 사례들은 시간의 방향과 순서를 재배치하는 ‘통제된 아나크로니즘’이 다양한 미술작품에 적용될 수 있음을 보여주었다. ‘통제된 아나크로니즘’은 한 작품 안에 중첩된 여러 시대의 개념들을 분석해냈으며, 고전 미술 속의 현대적 요소나 현대 미술 속의 고대적인 특징들을 잡아내었다. 아라스는 미술사를 ‘시선의 역사(histoire du regard)’로 간주한다. 더 나아가 역사적 시선들은 미술작품을 ‘다르게 보는 방법’을 가르쳐주는 ‘시선의 문화(culture de regard)’로 확장된다. 시선의 문화는 미술작품, 관람자, 미술사가, 철학자들이 생산한 모든 담론들이 상호작용하는 장이다. 시선의 문화 속에서 고대에서 현재까지 지속되어 온 시선들은 시대를 초월하여 공유된다. 이 시선의 문화는 기존 미술사의 틀을 확장시키고, 배제된 것, 이질적인 것, 비동시대적인 것을 사유할 수 있는 ‘반성적 미술사’를 지향한다. 아라스가 제안한 방법론은 미술작품 속 시간의 응축과 차이를 검토함으로써 기존의 미술사 연구 방법을 보완하며 연구의 지평을 확장시켜 줄 것이다. This research aims to examine the possibility of Daniel Arasse’s concept of Anachronism as a method of art history by re-contextualizing it within the works of French historians and art historians after the twentieth century. Anachronism in historical studies has often been conceived as referring to the misapplication of certain historical time or age to the event not belonging there. In art history, the term has been used to describe the misuse of current theory to the works created in the past. On the other hand, in Arasse’s redefinition, anachronism means a state of artworks in which “various historical strata have been overlapped and sedimented for a long durée.” Developing this new understanding further to what he calls “controlled anachronism,” Arasse suggested a new method in art history to revise the previous approaches. There were some art historians whose theoretical frameworks for the temporalities of artworks and their embedded gazes(regard) have provided the means to speculate about the multi-layered temporalities condensed in artworks, which have largely been marginalized by the traditional methods of art history. In line with these efforts, Arasse related the concept of anachronism to his speculation about the temporality of artworks and gazes and suggested it as a method of art history to analyze the multilayered temporalities involved with artworks. As a method for art history, the ‘controlled anachronism’ can be understood as a twofold process: one for correcting a mismatched-timeframe, another for intentionally creating this mismatch. In this research, Diego Velázquez’s Las Meninas, Michelangelo Buonarroti’s Moise, and Anselm Kiefer’s works are analyzed by this twofold process as the cases to demonstrate the applicability of the controlled anachronism’s experimental rearrangement of temporal directions and orders to a variety of artworks from different times. Through controlled anachronism, some elements typical for contemporary arts are detected from the classical while certain classical features are found from the contemporary, showing that the concepts from different ages could be overlapped in a single artwork. From these cases, this research draws the possibility of the ‘controlled anachronism’ as the method to reveal the multilayered temporalities condensed in artworks. For Arasse, art history is a history of the gaze (histoire du regard). Furthermore, the historical gazes for him are also what could be developed into the culture of the gaze (culture de regard) that teaches us ‘how to look differently’ at artworks. The culture of the gaze is where artworks, audiences, art historians, philosophers, and all discourses they create are communicated with each other. The culture of the gaze is to share the gazes that have lasted transcending time, from the ancient to contemporary. Expanding the previous frameworks of art history, the culture of the gaze intends a “reflective art history” that allows us to re-think something excluded, different, and asynchronous. This research is expected to widen the current methodology of art history by providing an alternative method to examine the differences of temporalities condensed in artworks.

진로관련 미술치료의 국내 연구 동향

서련 평택대학교 미술치료학과 2017 국내석사

본 연구는 진로를 주제로 한 미술치료가 처음 발표되기 시작한 2004년부터 2017년 6월까지의 국내 진로관련 미술치료의 학위논문과 학회 학술지에 게재된 논문 40편을 분석하여 진로관련 미술치료 연구의 기초 자료를 제공하고 연구의 방향을 제시하고자 하였다. 이와 같은 연구목적을 위해서 분석 대상 논문을 발표연도, 연구대상,연구주제, 연구유형, 연구설계, 치료회기, 회기별 치료시간, 주당회기, 프로그램 유형으로 분류하였으며, 연구동향을 알아보기 위해 빈도수를 측정하고 백분율을 산출하여 통계 처리하였다. 본 연구를 통해 얻어진 결과는 다음과 같다. 첫째, 연도별 발표유형을 살펴본 결과 진로관련 미술치료 연구의 자료출처는 석사학위논문이 가장 많은 것으로 나타났으며, 연구는 2010년 이후 꾸준히 증가하고 있다. 이는 미술치료의 치료적 요인에 대한 관심으로 진로관련 미술치료의 연구가 증가하고 있는 것으로 사료된다. 둘째, 연구대상의 동향을 살펴본 결과 연구대상자의 발달단계에 따른 연령별 연구동향에서 주 대상은 고등학생이 가장 많았다. 이는 고등학생 시기가 진학과 취업의 선택, 학과 및 직종선택에 대하여 강하게 의식하는 시기이므로, 이 시기에 진로지도 및 진로상담 프로그램에 대한 욕구가 절실하기 때문으로 사료된다. 실험집단원 수에 따른 연구동향에서는 집단원 수가 510명인 경우가 가장 많이 나타났다. 셋째, 연구주제의 동향을 살펴본 결과 진로성숙도를 주제로 한 연구가 가장 많이 나타났으며, 다음으로 자기이해와 진로효능감으로 나타났다. 진로성숙은 자기이해 및 일과 직업세계에 대한 이해를 기본으로 하여 한 개인이 속하는 연령 단계에서 이뤄야 할 진로발달 과업에 대한 준비도를 나타내는 것으로 진로관련 미술치료가 이러한 목적으로 시행되는 경우가 많기 때문인 것으로 보인다. 넷째, 연구방법의 동향에서는 연구유형, 연구설계, 치료회기, 회기시간,주당회기, 프로그램 유형을 살펴보았다. 그 결과 연구유형의 동향에서는 양적연구가 가장 많았고, 연구설계의 동향은 실험·통제 집단으로 설계한 경우가 가장 많이 나타났다. 치료회기 동향은 총 치료회기가 1014회기인 연구가 가장 많았으며, 한 회기에 적용한 치료 시간인 회기시간의 동향에서는 1회기 당 90분 이상을 적용한 연구가 가장 많이 나타났다. 연구의 주당회기 동향은 일주일에 1회기를 적용한 연구가 가장 많고, 프로그램 유형의 동향에서는 혼합기법을 사용한 연구가 가장 많이 나타났다. 다른 중재 접목 프로그램으로는 현실치료를 접목한 연구가 많았고, 단일기법에서 콜라주를 적용한 연구만 나타났다. 이는 미술치료에서 콜라주가 진로의 문제를 중재하는 데 효과적인 것으로 판단된다. 이상의 결과를 종합하여 볼 때 진로관련 미술치료 연구는 진로와 관련한 미술치료가 개인의 심리·정서적 문제를 살펴보면서 자기이해 수준을 향상시키고 진로를 파악하는데 효과적임을 시사한다. 이에 본 연구는 진로관련 미술치료의 국내 연구동향을 파악하고 도출된 결론을 통하여 향후 진로관련 미술치료 연구의 발전을 위한 기초적 자료를 제공하는 것에 그 의의가 있다.

가족미술치료가 해외거주 청소년 가족의 의사소통 및 가족관계에 미치는 영향 : 일본거주 가족 사례를 중심으로

김민숙 대구사이버대학교 휴먼케어대학원 2018 국내석사

본 연구의 목적은 해외에 거주하는 청소년 자녀를 둔 가족을 대상으로 가족미술치료를 실시하여 가족 간 의사소통과 가족관계에 어떠한 변화가 있는지를 살펴보고자 한 것이다. 연구의 대상은 일본 T지역에 거주하는 부부와, 만 15세의 남자 중학생, 만 10세의 여자 초등학생을 둔 4인 가족이다. 가족미술치료프로그램은 2017년 6월 8일부터 2017년 9월 20일까지 매주 1-2회 총 15회기를 시행하였다. 연구도구로는 부모-자녀 의사소통 척도와 가족관계지표(IFR)를 사용하여 사전/사후 검사를 실시하였고, 그림검사로는 동적가족화(KFD)와 가족체계진단을 사용하여 사전/사후에 실시하였다. 자료 분석은 척도의 양적 분석과 그림의 질적 분석을 실시하였고, 치료회기 과정을 통하여 나타난 의사소통과 가족관계의 변화를 질적 분석하여 구체적으로 살펴보았다. 이러한 분석과정을 통해 나타난 결과들을 요약하면 다음과 같다. 첫째, 해외거주 청소년 가족의 의사소통 척도에 긍정적인 변화가 있었고 회기별 행동관찰로 본 가족구성원의 의사소통 방식의 변화에도 긍정적인 변화를 보였다. 둘째, 해외거주 청소년 가족의 가족관계지표(IFR)에 긍정적인 변화가 있었고 동적가족화(KFD)와 가족체계진단의 질적 분석을 통해서도 긍정적인 변화를 보였다. 셋째, 가족미술치료과정의 질석 분석을 통하여 회기중 가족이 경험한 의사소통과 가족관계의 변화과정을 관찰할 수 있었다. 이상의 결과를 종합해 보면 가족미술치료는 해외거주 청소년 가족의 의사소통 및 가족관계에 긍정적인 영향을 끼친다는 것을 알 수 있다. 본 연구는 해외에 거주하는 한국인 동포가족을 대상으로 가족미술치료를 실시하여 긍정적인 결과가 있었으며 해외에 거주하는 동포가족이 모국어로 가족미술치료에 참여하여 도움을 받을 수 있었다는 점에 의의가 있다. 특히 본 연구자로서는 한국의 사이버 교육과정을 통해서 습득한 전문적인 미술치료의 지식을 해외의 동포에게 시행하여 우리 동포들의 가족관계에 기여할 수 있었다는 점에서 보람을 느낄 수 있었다.

천경자 작품에 나타난 미술치료의 상징적 요소 연구 : (분석심리학 이론 중심으로)

원희운 한양대학교 이노베이션대학원 2013 국내석사

This research has been carried out to figure out art therapeutic elements which appear in art works through consciousness-raising and objectification of unconsciousness in perspective of analytic psychology of Carl Gustav Jung and according to symbolic image of person, flower, snake and other subjects in works of Kyoungja Cheon. The works of Cheon has connection to divorce, death and war. The death of Okhee, the younger sister of her, after divorce and the Korean war have become critical trauma for her. These agony remains inside unconsciousness but the shape of trauma appears to be symbolic through consciousness-raising and objectification of the unconsciousness and these becomes materials for art therapy. Jung studied and reviewed the images from our unconsciousness in detail through analytic psychology and concluded that the process, in which each individual raises consciousness of creative potential and unique meaning, is the objectification of unconsciousness. This procedure visualizes consciousness as image that consciousness becomes individualized for accepting unconsciousness. During such process, shape of trauma is symbolized through indirect image which cannot be presented directly. Jung described symbol as one of which characteristics cannot be presented through verbal expression that the essence of symbol can only be speculated as it is not known well. However, this can be seen as the ultimate expressive mechanism and language for the contents of unconsciousness. Regarding a symbol, we premise certain meaning of the image. A distinct characteristic of symbol is the inexplicable meaning while expressing the meaning through the currently-best method. In this paper, the art therapeutic elements have been indicated by examining <Downfall>, <Ecology>, <After I Die>, <The Beauty of Suicide>, <The Snakes>, <The Flowers>, <Sister Gillye>, <22 Pages of My Sad Legend> according to the theory of Carl Gustav Jung. Cheon symbolizes herself as frog, snake and butterfly as symbolic meaning of unconsciousness by repeating object loss in <Downfall>, <Ecology> and <After I Die> in regard to the era of darkness and circumstance in which death seemed to be the only option to live. Further, anxiety appears in the whole works but this element is expressed by repetitive symbolization of inner side anxiety for self therapy towards desire for life. In <The Snakes>, <The Flowers>, <The Beauty of Suicide> and <Sister Gillye>, her trauma, which causes anxiety, is reduced by image visualized through consciousness raising and objectification of unconsciousness. In addition, in the <22Pages of My Sad Legend>, flower and snake, by which Cheon is sublimated through consciousness raising of unconsciousness, are all brought up and this displays therapeutic effect for creativity of art by which Kramer argued. Further, the objectives become individualized reaching herself through symbolization of shape of trauma of her age 22. Kyoungja Cheon projects her divorce and death of sister which are hidden behind unconsciousness as consciousness. Through this process, she sends off her husband and sister through consciousness-raising of unconsciousness, sublimate the evading elements inside unconsciousness and these can be seen as elements of art therapy. Art therapy helps rearrangement of pathological mental structure by creation through figuring out and rearrangement of confused psychological and emotional states during externalization of the inner world through creation. Cheon attempted to repeat consciousness-raising and objectification of unconsciousness for the reality and herself through her works. Further, she tried to look back on her life and to see hope through visualization of consciousness. The creation process, by which Kremer proposed, has been found to release emotional and psychological conflicts and to have art therapeutic elements which can help stabilization of life. Kyuongja Cheon, so far, has repeated self therapy for comforting and caring her trauma through her works and projected desire for life, which is as strong as the vitality of snake, through consciousness-raising and objectification of unconsciousness riding herself of anxiety of the past bailing out of the past agony. 본 연구는 천경자 회화 속에 나타나는 인물, 꽃, 뱀 및 기타 소재의 상징적 이미지를 칼 구스타프 융(Carl Gustav Jung)의 분석심리학 관점에서 무의식의 의식화, 객관화 과정을 통해 작품에 나타난 미술 치료적 요소를 연구하는데 그 목적이 있다. 천경자의 작품은 이혼과 죽음, 전쟁과 연결되어있다. 이혼과 함께 찾아온 동생 옥희의 죽음과 6.25 전쟁은 천경자에게 큰 외상(trauma)으로 다가왔다. 아픈 시련을 무의식 속에 가두지만 무의식의 의식화, 객관화 과정을 통해 외상(trauma)의 원형을 상징적으로 나타내며 미술 치료적 요소들을 보여주고 있다. 융(Jung)은 분석심리학적 관점에서 우리 자신의 무의식에서 나온 이미지를 연구하고 신중히 검토하여 각 개인은 자신의 삶에서 창조적 잠재력과 고유한 의미를 점점 의식화 해가는 과정을 무의식의 객관화라 보았다. 이것은 의식의 시각화를 이미지로 나타내는 것으로 의식이 무의식을 받아들일 수 있게 되는 개성화 단계에 이르게 된다. 이 과정에서 원형은 상징(Symbol)으로 나타나게 되는데, 상징은 직접적으로 드러낼 수 없는 것들을 간접적인 이미지를 통해 나타내게 된다. 융(Jung)은 상징을 아직 그 의미의 특징을 남김없이 말로 표현할 수 없는 것이라고 하였는데 이것은 아직 알려지지 않았기 때문에 다만 그 본질을 추측할 수 밖에 없지만 무의식의 내용에 대한 가장 최선의 표현이자 무의식의 언어라고 하였다. 상징적 의미라 할 때 우리는 미지의 어떤 의미를 전제로 하고 있다. 최선의 방법으로 아직 채 알려져 있지 않은 의미를 표현하고자하지만 설명하지 못한 의미가 남아 있는 것이 상징의 특징이라 하였다. 칼 구스타프 융(Carl Gustav Jung)의 이론을 바탕으로 작품 <조락> <생태> <내가 죽은 뒤> <자살의 미> <사군도> <꽃무리> <길례언니> <내 슬픈 전설의 22페이지>를 통하여 미술 치료적 요소를 알아보았다. 작품을 통해서 미술 치료적 요소를 살펴보면 작품 <조락> <생태> <내가 죽은 뒤>에서 어두운 시대와 죽음 밖에 생각 할 수 없었던 당시 상황이 개구리와 뱀, 나비를 통하여 상징적으로 나타나 무의식속 대상상실과 시련이 반복적으로 표현되고 있으며, 불안이 그림 전체적으로 투사되고 있지만, 이러한 반복적인 내면의 불안을 상징적으로 표출하면서 자신을 위로하고 자기치료(Self Therapy)하며 삶의 본능으로 향하고 있다. <사군도> <꽃무리> <자살의 미> <길례언니>를 통해 불안 요소인 외상(trauma)이 무의식의 의식화, 객관화를 통해 의식이 시각화되어 이미지로 나타나며 불안이 감소된다는 사실을 발견하였다. <내 슬픈 전설의 22페이지>에서는 무의식의 의식화 과정에서 자신을 승화시킨 꽃과 뱀 여인이 모두 한 화면에 증장하면서 크레이머(Kramer)가 주장한 미술의 창조성에 치료효과가 있음을 보여주었으며 22살의 외상(trauma)을 회상하며 원형을 상징적으로 나타내어 자기(自己)에 도달하는 개성화 단계에 이르게 되었다. 천경자는 무의식 속에 잠재되어있는 이혼과 동생의 죽음을 의식으로 투사시키며, 이러한 무의식의 의식화 과정을 통해 남편과 동생을 떠나보내고, 무의식 속의 회피적 요소들을 상징으로 승화시키며 미술 치료적 요소를 보여주었다. 미술치료는 창작을 통한 내면세계의 외면화 과정 속에서 갈등적인 심리상태나 정서 상태를 파악하고 재정리하여 창작이라는 과정을 통하여 병리적인 정신구조를 재편성해 나가는 것을 돕는다. 천경자는 작품 활동을 통해 현실과 자신을 무의식의 의식화, 객관화 과정의 반복하고, 의식의 시각화를 통해 상징으로 삶은 돌아보고. 희망을 찾아내고자 하였다. 크레이머(Kramer)가 주장한 창작과정이 정서적 갈등과 심리적인 증상을 완화시키고, 안정된 삶을 살아갈 수 있도록 도와주는 미술 치료적 요소를 보여주고 있다. 현재까지의 작품 활동을 통해 자신의 외상(trauma)을 위로하고 돌보는 자기치료(Self Therapy) 과정을 반복하였으며 과거에 얽매이지 않고 과거의 불안에서 벗어나 무의식의 의식화, 객관화 과정을 통해 뱀의 강인한 생명력처럼 삶의 의지를 투사하고 승화시켰다.

칼 융의 분석심리학을 통한 미술의 치유적 기능 : 본인의 작품을 중심으로

강세림 강원대학교 대학원 2020 국내석사

In this thesis, I as an artist study that an artistic expression has what kind of healing function based on unconsciousness through creative activities. Mankind reveal and relieve the fear and anxiety through the artistic activities, and they seek consolation in mural paintings containing their wishes. Human has expressed their inner emotions and shamanistic themes in mural paintings before civilization has advanced. This history shows that the art and human are closely connected. Advanced modern civilization provides convenience and benefit to human, but the convenience is not the only one thing that makes people live comfortably. Because a feeling of satisfaction is different depends on what people think a value of life. Survival was a primary issue in prehistoric ages. However, a goal of modern peoples in this advanced society moves to an achieving self-fulfillment from just survival. A person innately wishes to live their own lives with the variety of experiences. Nevertheless, the experiences that the person faces are not always positive. This is because the negatives broken down by consciousness are latent in unconsciousness, and the negatives affect one’s personality and behavior. Therefore, I showed a basics of self-realization, which a person ultimately aims, are encounter and understanding with unconsciousness in this thesis. I specified Analytical psychology by C. G. Jung as a framework for a great in-depth understanding of the unconsciousness. Moreover, I study a variety of unconscious elements and the character of the elements. C. G. Jung divides one’s mental structure between consciousness and unconsciousness in Analytical psychology. The consciousness is a part that a person is able to recognize, but the unconsciousness is the other part a person cannot perceive and unconscious part is bigger than the part of consciousness. Unconsciousness is composed of inherited elements from ancestors and elements, which are reflected one’s experiences but it is filtered by themselves. The unconsciousness has an effect on the situations that a person faces. C. G. Jung classifies the elements of unconsciousness as shadow, persona, anima and animus, self, etc. Furthermore, he defines characters and contents of each element. The elements are regarded as a sort of complex, and the complex is usually considered negatively. However, if the elements are well balanced and integrated, it can be a factor for a healthy ego. In this thesis, I study how the contents of unconsciousness appears in art activities to make healthy ego and well balance of unconscious elements. At the end of analysis part, I graft the healing function of art activities onto suppressed feelings by unconsciousness, and I also find out how the healing function of art affected a person. To provide the evidence, an artist studies the curative factor and the balance of reflection on oneself, relief of stress, and complex oneself. Eventually, finding the ways that an artist and audience communicate each other is an ultimate objective. 본 논문에서는 작가로서 본인의 창작 활동을 통해 개인이 가지는 무의식을 기반으로 미술적 표현이 어떠한 치유적 기능을 가지는가에 대해 연구한다. 선사시대의 벽화를 근거로 인간들은 예로부터 미술 활동을 통해 공포나 불안을 발현하여 해소하고 간절히 바라는 염원을 벽화로 남겨 위안을 얻고자 하였다. 이는 문명이 발전하기 전부터 인간은 벽화라는 미술 활동을 통해 내면의 감정을 표현하고 주술적인 의미를 담는 등 미술과 인간이 밀접한 관계를 가졌다는 것을 알 수 있다. 현대의 발전된 문명은 인간에게 편의와 혜택을 제공한다. 하지만 편리함만이 인간의 삶을 윤택하게 만들 수 있는 것은 아니다. 인간이 삶을 살아가는 데 있어 그 가치의 중요성을 어디에 두느냐에 따라 만족감이 달라지기 때문이다. 선사시대에서는 삶의 주요점이 주로 생존의 유무였다면 문명이 발전된 현대사회에서는 단순히 생명을 연명하는 것이 아닌 양질의 자아를 갖추고 실현하는데 그 목표를 둔다. 개인은 태어나면서부터 다양한 경험들을 통해 진정한 ‘나’로서 살아가기를 소망한다. 하지만 성장함에 따라 개인이 마주하게 되는 경험들은 항상 긍정적일 수만은 없다. 의식에 의해 위험요소로 분류된 부정적인 요소들이 무의식 내부에 잠재되어 개인의 성격과 행동에 많은 영향을 끼치기 때문이다. 이러한 이유로 개인이 궁극적으로 목표하는 자아실현의 가장 기초적 단계는 무의식과의 조우와 이해라는 점을 본 연구에서 보여주고 있다. 앞서 말한 무의식에 대하여 좀 더 심도 있는 이해를 위해 ‘칼 구스타프 융’의 ‘분석심리학’을 분석의 틀로 선정하고 무의식에 잠재되어 있는 다양한 무의식 요소의 종류와 각 요소들의 특성에 대해 연구하고자 하였다. 칼 융의 분석심리학에서는 인간의 정신 구조를 크게 ‘의식’과 ‘무의식’으로 나눈다. 의식은 개인이 겉으로 인지할 수 있는 부분이며 무의식은 의식에 지각되지 않은 부분으로 의식보다 훨씬 거대한 부분을 차지하고 있다. 무의식은 개인이 경험했으나 자아에 의해 여과된 것과 선조로부터 물려받은 내용들이 차지하고 있는데 개인이 마주하는 상황에 따라 영향력을 행사하고는 한다. 칼 융은 이러한 무의식의 요소들을 ‘그림자’, ‘페르소나’, ‘아니마와 아니무스’, ‘자기’ 등으로 분류하고 각자의 특징과 내용들을 규정하였다. 이들은 콤플렉스의 일종으로 분류되는데 콤플렉스는 보통 부정적으로 받아들여지지만 서로가 균형을 이루고 잘 통합된다면 건강한 자아를 갖출 수 있는 요소가 될 수 있다. 본 연구에서는 무의식 요소들의 균형을 통해 건강한 자아를 이루기 위해서 무의식의 내용들을 미술 활동에서 나타나는 심상들에서 찾아보고 분석해보고자 하였다. 미술 활동이 갖고 있는 치유의 기능과 무의식에 억압된 감정을 접목한다. 그리고 미술의 치유 기능이 개인에게 어떤 효과를 주고 활용 될 수 있는지를 연구한다. 또한 그 근거를 제시하기 위해 창작 활동을 진행하는 주체로서 창작자가 미술 활동을 통해 얻을 수 있는 자기반성, 스트레스 해소, 콤플렉스의 균형들을 직접 연구하고 치유적 요소를 연구한다. 그리고 치유적 힘을 가지고 있는 작품이 관람자와 어떤 방법으로 소통할 수 있는지 모색하는 데 그 의의가 있다.

현실요법 집단미술치료가 지역아동센터 초등학교 저학년의 셀프리더십에 미치는 영향

이은애 대구사이버대학교 2016 국내석사

현실요법 집단미술치료가 지역아동센터 초등학교 저학년의 셀프리더십에 미치는 영향 이 은 애 대구사이버대학 휴먼케어대학원 미술상담학과 지 도 교 수 임 지 향 본 연구는 현실요법 집단미술치료가 지역아동센터 초등학교 저학년의 셀프리더십에 미치는 영향을 알아보는데 그 목적이 있다. 연구의 대상은 I시에 위치한 지역아동센터 초등학교 저학년 15명으로 실험집단 7명과 통제집단 8명으로 무작위 배치하였다. 연구를 위한 프로그램은 2016년 1월 12일부터 2016년 3월 22일까지 총 12회기로 구성하였고 주 1∼2회로 매 회기 70분씩 실시하였다. 연구 도구로는 이정자(2010)의 셀프리더십 척도를 사용하였으며 자료처리는 SPSS 20.0 프로그램을 활용하였다. 셀프리더십 척도의 사전·사후 변화를 측정하기 위해 비모수통계 분석 방법 윌콕슨 부호 순위 검증(wilcoxon signed rank test)을 통하여 분석하였으며 단계별 변화를 살펴보기 위해 관찰지를 활용하여 관찰내용에 대해 관찰자 미술치료 전문가 1인과 협의하여 질적 분석을 하였다. 본 연구의 결과는 다음과 같다. 첫째, 현실요법 집단미술치료가 지역아동센터 초등학교 저학년의 셀프리더십에 미치는 영향을 셀프리더십 척도를 통해 분석한 결과 전체 셀프리더십과 구성요인 중 사고전략에 긍정적인 영향을 미치는 것으로 나타났다. 둘째, 현실요법 집단미술치료가 지역아동센터 초등학교 저학년의 셀프리더십에 미치는 영향을 단계별 관찰지를 활용하여 질적 분석한 결과 지역아동센터 초등학교 저학년의 셀프리더십 변화에 긍정적인 영향을 미치는 것을 확인할 수 있었다. 이 같은 결과는 셀프리더십을 발달시키기에 상대적으로 열악한 환경에 놓인 지역아동센터 아동들을 위한 중재방법으로서 셀프리더십 프로그램의 유용성을 시사한다. The Effects of Reality Group Art Therapy on Self-Leadership of Lower Grades Children Using a Community Child Center Lee, Eun-Ae Department of Art Therapy Graduate School of Human Care Daegu Cyber University Supervised by Prof. Lim, Ji-hyang (Abstract) The purpose of this study was to examine the effects of reality group art therapy on self-leadership of lower grades children using a community child center. The subjects of this study were assigned into experimental group(n=7) and control group(n=8). The program conducted from Jan, 12th, 2016 to Mar, 22nd, 2016. The program was consisted with 12 session, and the session were conducted 70 minute, once or twice per week. To measure the changes, self-leadership scale was used as pre and post test, and the data were analyzed with non-parametric statistic method which is wilcoxon signed rank test. Also to see the change according to stages, observation form was used and qualitatively analyzed by athuor and another expert art therapy observer. The results of this study were as follows: First, reality group art therapy showed positive effect on self-leadership of lower grade children. It could be assume that participants develop management for their thought and behavior through the self-leadership program which make them be able to exert influence on themselves. Second, reality group art therapy showed positive changes in self-leadership through the analysis on the responses of lower grade children according to stages. These results suggest the effectiveness of self-leadership program for utilizing for children at community child center who placed in relatively harsh environments. Key words : Self-leadership, Reality group art therapy, Community child center, lower grades Children

게슈탈트 관계성 향상 프로그램(GRIP)을 활용한 집단미술치료가 중학생의 우울, 대인관계에 미치는 효과

김효림 대구사이버대학교 휴먼케어대학원 2014 국내석사

본 연구의 목적은 게슈탈트 관계성 향상 프로그램(GRIP)을 활용한 집단미술치료 프로그램이 중학생의 우울과 대인관계에 미치는 효과를 검증하는 데 있다. 연구 대상은 K지역에 위치한 A중학교 1학년 130명을 대상으로 정서행동검사를 실시하여, 우울성향이 있는 학생 27명을 대상으로 우울(CDI)검사를 실시하여 그 중 20점 이상에 해당하는 학생 16명을 실험집단과 통제집단에 각각 8명씩 무선 배치하였다. 집단미술치료 프로그램의 진행은 2013년 여름방학 기간을 활용하여 매일 1회, 매회기당 90분씩 총 10회기를 실시하였다. 연구도구는 질문지 검사인 우울(CDI)척도, 대인관계 척도를 사용하여 사전·사후 검사를 실시하였다. 자료 분석은 IBM SPSS 19.0 Statistic Program을 이용하여, 집단 간 동질성 검사를 위하여 맨 위트니 U 검정(Mann-Whitney U Test)을 실시하였고, 프로그램의 효과성을 검증하기 위해 윌콕슨 부호 순위 검정(Wilcoxon Singned-Rank Test)을 실시하였다. 또한 실험집단에는 양적 연구의 제한점을 보완하기 위해 학교생활화(KSD)를 사용하여 사전·사후 대인관계 변화를 분석하였으며, 각 단계별로 우울과 대인관계의 단계별 변화 양상을 관찰, 분석하였다. 본 연구결과를 요약하면 다음과 같다. 첫째, 게슈탈트 관계성 향상 프로그램(GRIP)을 활용한 집단미술치료는 중학생의 우울감소에 효과가 있었다. 둘째, 게슈탈트 관계성 향상 프로그램(GRIP)을 활용한 집단미술치료는 중학생의 대인관계에 하위영역에서 부분적(타인에 대한 불쾌감 주장, 자기노출)으로 효과가 있었다. 또한 학교생활화(KSD)의 표현에서도 친밀감과 상호역동성이 많아져 대인관계가 향상되었음을 확인할 수 있었다. 셋째, 게슈탈트 관계성 향상 프로그램(GRIP)을 활용한 집단미술치료 과정에서 나타난 중학생의 우울 및 대인관계 변화양상을 살펴본 결과, 우울이 감소하고 대인관계가 향상되는 변화를 보였다. 이상의 결과를 종합해보면, 게슈탈트 관계성 향상 프로그램(GRIP)을 활용한 집단미술치료는 중학생의 우울감소에 효과가 있고 대인관계 향상에 효과가 있음을 알 수 있다. 따라서 게슈탈트 관계성 향상 프로그램(GRIP)은 우울과 대인관계 문제를 경험하는 중학생들에게 매우 유용하게 적용될 수 있을 것이다. 본 연구는 게슈탈트 관계성 향상 프로그램(GRIP)을 집단미술치료에 적용했을 뿐 아니라, 각 회기마다 협동 작업을 하도록 프로그램을 구성하여, 협동과정을 통하여 집단 원간의 응집성과 상호작용을 촉진시켜 우울감소와 대인관계 향상을 도모하였다는 점에서 그 의의가 있다.