인터랙티브 섬유조형 연구 : '인터디시플리너리 씬(Interdisciplinary scene)'을 중심으로

김종옥 홍익대학교 대학원 2016 국내박사

Improvement of new technology has given artists chances to escape from a main stream dominating the age and establish a new art style. Artists could extend the way of expression by use of new technology, and the line separating genres of art was blurred and new styles of art were appeared through this progress. In the view of this research, the installation of interactivity elements which are used in interactive art and kinetic art with properties and techniques of fiber art can be a trend of interdisciplinary art. A relation between artworks in the exhibition space is defined as a 'scene'in this research, and interrelations of artist-arts and arts-audiences are identified through the definition of the 'scene'. With this, the research derived 'interdisciplinary scene' as a new concept which is an integrated artwork of new media and fiber sculptural installation can be extended to a space where images of the installation are connected and communicated each other. This can be explained by the concept of intertextuality from Roland Barthes, and Barthes referred a relation between texts to an extended concept of interdisciplinary. This study suggests that a relation between fiber sculptural installations and participation of audiences can be advanced to the concept of interdisciplinary scene which refers to communication and interaction between arts·artists·audiences. Appearance of interactivity in the fiber sculptural installations blended with new media is identified through study on theories of Walter Benjamin and Roland Barthes. Walter Benjamin argued that a change of the concept of art was made by an improvement of new technology, photography. This study explores new Aura of artworks and the new media’s background of appearance through consideration of theory of Studium and Punctum by Roland Barthes. This research derived the concept of interdisciplinary scene by analysis on the researcher’s artwork, artwork’s Aura in the age of mechanical reproduction and the concept of Studium·Punctum. Also, the significance of kinetic art and interactive art in a relation between arts·artists·audiences is identified as interactivity elements in new media. Smart textile and electronic textile artworks are investigated to explain the relation between arts·artists·audiences. Possibility of contemporary fiber art-hand made textile integrated with interactivity of new media-’s advance to interdisciplinary art is identified. The concept of interdisciplinary art is examined through study of fiber art, sculpture, and installation works of artists in the related field. Christine Tarkowski, American Artist created a heterogeneous space through photography printing technology and silk screen techniques, and provided a meaning through concept of interdisciplinary. Christy Matson, American fiber artist extended communication between art and audience though her electronic textiles and interactive sound artwork. She dealt with the concept of smart textiles combined with substances and new technology. In artworks of David Hockney, British artist who expresses diversified points of view experimentally, it is demonstrated that image and scene can be extended to a space through a photographic montage. As described, a possibility of interdisciplinary art with multiple genres and interaction between artworks and audiences is examined. And also, this study substantiated the fact that images in exhibition space can be connected and generate a whole new space in one scene. fiber sculptural installations in this study can be extended to a space by interaction between pieces of the work, and furthermore, it reaches to metaphysical space through experience of audiences. This established an interdisciplinary scene which is integrated with arts, artists and audiences. Images of Loop area in Chicago and stone wall in Gahoe, Seoul installed in a row are in the virtual space between the real and the copy. In this specific space, audience can experience the interdisciplinary scene via virtual space which is created phenomenologically. This study investigated the interrelation between the virtual space consisted with images which exist but cannot be in the same space and the experience of this space by arts·artists·audiences. Interactive art installations in this study which can be completed by audiences created a physical space, which makes audience believe that visible images exist really. And it is demonstrated that the space with interactive fiber sculpture can be interdisciplinary scene. In conclusion, this study proposes a new style of fiber art combined with new media intimately and a new trend of contemporary fiber art. The extension of interactive fiber art to interdisciplinary scene can give a birth to new Aura of fiber art through this study which analyzes an interrelation between classic handwork fiber art and new technology. 현대 미술에서 뉴 테크놀로지의 발전은 예술가들에게 동시대를 지배하는 커다란 흐름에서 벗어날 수 있도록 생각의 틀을 깨어주었으며, 새로운 예술 방식 탄생에 영감을 주었다. 뉴 테크놀로지의 수용으로 예술가들은 표현의 방식을 확장시킬 수 있었고, 이 과정에서 예술 장르간의 장벽이 흐려지고 하고 서로 융합해 새로운 장르를 탄생시키기도 하였다. 연구자는 인터랙티브 아트와 키네킥 아트의 인터랙티비티 요소들이 섬유미술의 물성과 기법이 융합된 형태의 설치를 인터디시플리너리 아트의 경향으로 보았고 전시장 속의 작품 간의 관계를 하나의 장면, 즉 씬으로 규정하여 작가와 작품, 작품과 관람자 간의 상호관계를 분석하였다. 이를 통해 뉴미디어와 섬유 설치 작품이 융합된 형태의 작품과 설치 작품 속 이미지들이 서로 연결되어 상호 소통하는 공간으로 확장되는 것을‘인터디시플리너리 씬'으로 정의하여 새로운 개념을 제안하였다. 이 개념은 롤랑 바르트가 주장한 상호텍스트성에 근거하여 설명할 수 있는데, 바르트는 텍스트들의 관계들을 확장된 의미로써 통섭의 개념을 언급하였다. 본 연구에서는 바르트의 이론에 근거하여 섬유 설치 작품들과 관람객의 참여가 가지는 관계의 의미가 작품·작가·관람자간의 관계에서 오는 소통의 개념으로 확장된 인터디시플리너리 씬을 제안하였다. 뉴미디어가 결합된 섬유설치작업에서 인터랙티비티의 출현 배경은 발터 벤야민과 롤랑 바르트의 이론에 근거하여 설명하였다. 발터 벤야민이 주장하였던 사진이라는 새로운 테크놀로지의 발전이 야기한 예술의 개념 변화에 관한 고찰을 바탕으로 예술작품에 대한 아우라를 새롭게 살펴보고, 롤랑 바르트가 주장한‘스투디움’과‘푼크툼’을 통해 뉴미디어의 출현배경과 그 개념을 고찰 하였다. 발터 벤야민이 말한 기술복제 시대의 아우라의 관계와 롤랑 바르트의 스투디움과 푼크툼의 개념을 중심으로 연구 작품을 분석하였고 이를 바탕으로 인터디시플리너리 씬을 개념화 하였다. 또한 키네틱 아트와 인터랙티브 아트가 뉴미디어의 인터랙티비티의 요소로서 작품·관람자·작가의 연출과의 상호관계네에서 어떠한 의미로 표현되는지를 살펴보았다. 그리고 연구자의 인터랙티브 섬유조형작업에서 작가·작품·관람자의 관계를 설명하기 위해 스마트 텍스타일과 일렉트로닉 텍스타일 작품을 연구, 분석하였다. 그리하여 섬유의 수작업과 뉴미디어의 인터랙티비티가 결합된 현대 섬유미술의 인터디시플리너리 아트로의 확장 가능성을 확인 하였다. 미국의 예술가 크리스틴 타코스키의 섬유미술작품과 조각, 설치작품을 통해 인터디시플리너리 아트의 개념을 살펴보았다. 타코스키는 사진 인쇄 기술의 개념을 발전시켜 실크스크린 기법을 활용한 이질적 공간을 창조하고, 이것을 통섭의 개념으로 설명 하고 있다. 미국출신 섬유 작가인 크리스티 맷슨의 전기가 통하는 일렉트로닉 텍스타일인 자카드 위빙과 사운드의 인터랙션 작품은, 작품과 관람자 간의 소통의 개념을 확장시켰다. 이를 바탕으로 섬유미술에서 질료와 뉴 테크놀로지의 결합으로 완성된 스마트 텍스타일의 개념을 주요하게 다루고 있다. 시각의 다각화를 실험적으로 보여주는 영국의 화가인 데이비드 호크니의 작품을 근거로 포토몽타주를 통해 이미지와 씬의 관계가 공간으로 확장하는 가능성을 확인하였다. 이를 통해 다양한 전공이 융합된 인터디시플리너리 아트의 가능성과 작가 작품 관람객의 상호소통을 살펴보았다. 또한 전시장의 이미지들이 서로 연결되어 공간으로 확장되어 만들어지는 씬을 살펴보았다. 본 연구에서 전시장에 설치된 섬유조형 작품은 작품 간의 인터랙션을 통해 공간을 확장하게 되고, 관람자의 선험적 경험으로 인해 연극의 씬을 연상케 하는 형이상학 공간으로 이어지게 된다. 이것은 결국 작가·작품·관람자간의 상호관계가 통합된 인터디시플리너리 씬을 만들어 내었다. 또한 연구자의 작품 속에서 조형적으로 나란히 설치된 시카고 루프 지역의 벽과 서울의 가회동 돌담 이미지는 실재와 모사 사이에 가상의 공간으로 존재한다. 이 공간에서 관람자는 현상학적으로 만들어진 가상의 공간, 즉 인터디시플리너리 씬을 경험하게 된다. 본 연구는 실재하나 같은 공간에 존재할 수 없는 가상의 공간과, 이 공간에 대한 작가·작품·관람자의 경험 사이의 연관성을 분석 하였다. 작품이 관람자에 의해 완성되는 인터랙티브 설치작품은 보이는 것이 실재임을 믿게 만드는 형이하학적 공간을 형성하며, 이에 대한 분석을 바탕으로 인터랙티브 섬유 조형의 인터디시플리너리 씬으로의 확장 대하여 고찰을 하였다. 이에 본 연구는 뉴미디어를 적극 수용한 형태의 새로운 섬유미술의 장르를 확장시키고자 하였으며, 이를 현대 섬유미술에서 새로운 분야로 발전 가능성이 있는 하나의 경향으로 제시하였다. 섬유 수작업과 뉴 테크놀로지의 상호관계 분석 및 작가와 작품, 관람자의 작품간 공존 의미에 대한 연구를 바탕으로 한 인터랙티브 섬유 조형의 확장을 통해 섬유 미술의 새로운 아우라의 탄생을 기대해 본다.

투명소재 섬유조형구조의 '키네틱 에너지' 연구

문선영 홍익대학교 대학원 2016 국내박사

Fiber art has been expanded to fine art rather than limiting itself to weaving crafts after Bauhaus’s experiment on finding new forms and extension of materials. The variation of the traditional method and the technical development were also the reasons for this but the introduction of new materials was the biggest driving force to a drastic change in fiber art. These new materials in contemporary fiber art have been mostly industrial materials such as plastic, rubber, metal and glass, which allowed fiber art to deviate from a surface and also present in a three dimensional form. Although fiber art have an influence on contemporary fine art, the position of fiber art has been vague in the traditional term of art, divided into painting, sculpture and architecture, so that it just becomes one of the kinds depending on how it is suggested. Thus, the researcher examines the features of visual perception in a fiber artwork, especially made with transparent material, as reconsideration of the identity of contemporary fiber art, and studies what meanings are derived from these features. Firstly, how a new material is introduced in contemporary fiber art and how the concept of a space is extended from the introduction of a new material are examined to process the study. Diverse kinds of new materials have brought interesting effects with unique gloss and textures, and led the conceptual development, connoting three-dimensional space and time in three-dimensional works. Also, how the transparent material, used in the researcher’s work, is manifested as a meaning of ‘Kinetic Energy’ in contemporary art is analyzed with its relationship with ‘Kinetic Art’. Secondly, based on the analysis made earlier, the types of the ‘Kinetic Energy’ structure, presented in contemporary fiber art, are studied in two kinds of perspectives: the visual and perceptual motility, recognized by properties of light and materials, and the life force, created by the repetition and multiplication of forms. The visual and perceptual mobility is easily triggered because light materials move easily as they are, and transparent or glittering materials often give visual instability to observers with a feeling of lightness. Also, how the situation that a certain unit is repeated like in the crochet technique can be understood as the multiplication in a living organism tells that it is an appropriate method of expressing ‘Kinetic Energy’ of a living organism. Thirdly, Lenore Tawney (1907-2007) and Kay Sekimachi (1926-) are chosen as reference artists and examined to see how ‘Kinetic Energy’ is presented in their works. The works of Lenore Tawney show ‘Kinetic Energy’ by making soft light through the unwoven thread and hanging her works in the air. The works of Kay Sekimachi visualizes ‘Kinetic Energy’ by expressing silence, lightness and flexibility through the complicate structure and understated colors of transparent nylon monofilament yarns. Lastly, the subject of this dissertation, how ‘Kinetic Energy’ is visualized as the semantic structure, is examined by analyzing the researcher’s works based on what the contents has examined earlier. The suggested works are divided into four different characteristics: ‘the soft geometry type from the effect of light’ occurring from the relationship of multilayered nylon monofilament crocheted fabrics and light, ‘the effect of the cellular structure from the crochet technique’ implying that crochet has the similar tendency with the growth of a cell and a living organism’s complicated forms, ‘the transformation and multiplication of organic structures’ suggesting that a multiplicative and variable crochet work has the similar characteristic with the feature of an organism, and how ‘Kinetic Energy’ is examined from the psychological perspective by hanging a work in the air, ‘the rising and floating in the form of a mobile’. This dissertation seeks for a possibility of expression that can be achieved only by fiber art among various forms of contemporary art through this series of the researcher’s analyses. 바우하우스 이후 이루어진 새로운 조형형식의 실험과 재료의 확장으로 섬유미술의 영역은 직조공예에 국한되지 않고 순수조형예술의 범위로까지 확대되었다. 전통 기법의 변형이나 기술적인 발전도 한 몫을 담당하였지만, 기존에 사용되지 않던 신소재의 도입은 섬유미술의 변혁을 견인한 가장 큰 원동력이다. 현대 섬유미술에서 즐겨 사용되는 신소재는 플라스틱, 고무, 금속, 유리 등과 같은 산업적 재료들이 대부분이다. 이러한 재료들의 등장은 섬유미술작품이 벽면에서 벗어나 입체와 설치 등 3차원의 공간으로 나아갈 수 있도록 하였다. 현대 조형예술의 표현기법에 끼친 섬유미술의 영향에도 불구하고 회화, 조각, 건축으로 대분(大分)되는 전통적인 조형예술의 분류에서 섬유미술은 작품이 제시되는 방식에 따라 이 분야들 중 어느 한쪽에 해당되거나 쓰임을 강조하는 공예의 범주로 위치되는 등 애매한 정체성으로 정의되어왔다. 이에 연구자는 현대 섬유미술의 정체성에 대한 재고(再考)로서 투명소재로 표현된 섬유미술작품의 시지각적 특성에 대해 고찰하고 그러한 특성이 어떠한 의미를 파생시키는지 살펴보았다. 본 연구의 과정으로서 첫째, 현대 섬유미술에서 신소재 도입의 흐름과 이에 따른 공간개념의 확장에 대해 조사하였다. 다양한 신소재들은 평면작품에서는 특유의 광택이나 질감으로 흥미로운 표면효과를, 입체작품에서는 3차원의 공간과 시간성까지 내포하는 개념적 발전을 이끌었다. 또, 연구자의 작품에 사용되고 있는 투명소재가 현대 미술 속에서 어떠한 방식으로‘키네틱 에너지(Kinetic Energy)’라는 의미로 발현되는지‘키네틱 아트(Kinetic Art)’와의 관계를 통해 분석하였다. 두 번째로 앞에서 분석한 내용을 기준으로 현대 섬유조형에서 나타나는‘키네틱 에너지’구조의 유형을 빛과 소재의 물성에 의해 인지되는 시지각적 운동성과 형태의 반복과 증식에 의한 생명력이라는 두 가지 관점에서 연구하였다. 가벼운 소재는 그 자체로 쉽게 움직이고, 투명하거나 반짝거리는 소재들은 가벼움의 느낌과 함께 시각을 불안정하게 만드는 경향이 있기 때문에 쉽게 시지각적 운동성이 유발된다. 또, 크로셰(crochet) 기법과 같이 일정한 단위가 반복되는 상황은 생명체에서 찾을 수 있는 증식의 맥락으로 이해할 수 있으며 이것은 생명의‘키네틱 에너지’를 표현하는 적절한 수단임을 예증(例證)하였다. 세 번째는 본인의 작품 분석에 논리적 타당성을 부여하기 위해서 르노어 타우니(Lenore Tawney, 1907-2007)와 카이 세키마치(Kay Sekimachi, 1926-)를 표본작가로 선정하고, 이들의 작품에‘키네틱 에너지’가 어떠한 양상으로 드러나고 있는지 알아보았다. 르노어 타우니의 작품은 직조되지 않은 실들에 의한 빛의 부드러운 투과와 공중에 매다는(hang) 방식의 설치로 상승하는‘키네틱 에너지’를 느끼게 해주었다. 카이 세키마치의 경우는 투명 나일론(nylon) 모노필라멘트사(monofilament yarn)에 의한 복잡한 구조와 절제된 색상에서 고요함과 가벼움 그리고 유동성이 표출되며, 공간 속의‘키네틱 에너지’를 시각화하였다. 마지막으로 앞서 살펴 본 내용을 토대로 연구자의 작품 분석을 통하여 본 논문의 주제인‘키네틱 에너지’의 시각적 의미구조를 고찰하였다. 제시된 작품들은 다음의 네 가지 특성으로 분류되었다. 여러 겹으로 이루어진 나일론 모노필라멘트 편물과 빛의 관계로부터 발생하는‘빛의 효과에 의한 부드러운 기하형태’, 크로셰는 세포의 성장이나 생명체의 복잡한 형식과 운동성을 닮아 있다는 내용의‘크로셰 기법의 세포구조 효과’, 반복적으로 증식하고 가변적인 크로셰 작품은 유기체의 특성과 비슷한 맥락을 가진다는 점을 피력한‘유기적 구조의 형태변이와 증식’그리고 작품을 공중에 매달아 설치하는 방식을 통해 나타나는‘키네틱 에너지’를 심리적 측면과 함께 살펴본‘모빌 형식을 통한 상승과 부유(浮遊)’이다. 이와 같은 일련의 분석적 과정을 통하여 본 연구는 다양한 형식의 현대 미술 속에서 섬유조형구조만이 달성할 수 있는 표현의 가능성을 모색해 보았다.

플라스틱 소재의 섬유조형에 나타난 일상성

김태연 홍익대학교 대학원 2013 국내박사

Fibre art was born in the mid-20th century as artist-craftsman attempted to produce fabrics as works of art. The 1960s saw endeavors to new formative methods, breaking from the traditional ones, resulting in diversification of techniques. In comparison, the 1970s was an era of extensive exploration of materials as well as techniques. The exploration of non-conventional materials such as industrial or daily-life materials, in particular, enabled the production of works in various forms, including three-dimensional or installation works. Nonetheless, the expansion of materials and techniques also serves as a factor that causes confusion in the identity of fibre art. In this regard, in a bid to reestablish the status of modern fibre art, I aimed to examine the changes that fibre art has experienced in line with those in modern society since the 1960s. It particularly focused on the formativeness of works of fibre art using plastic materials that have brought innovative changes to modern industry and everyday life. To this end, I looked into the characteristics of modern society starting from the 1960s, when fibre art had its beginning, and determined how social changes have been represented in fibre art. The rapid development of scientific technology and industry brought to modern people not only advantages represented by material affluence and the conveniences of life but also an unstable, double-sided emotion of deviation and satisfaction due to insecurity in dailiness that had not been found in traditional agrarian societies. Moreover, the advent of new materials resulting from industrial advances opened up possibilities of new formative expressions to fibre artists of the time who had been exploring a variety of materials. Plastic materials, in particular, are represented in various works of fibre art in terms of their physical characteristics such as transparency, reflectiveness, flexibility, and durability. This suggests that many everyday-life materials including plastic have many different meanings per se for artists, rather than being mere formative elements. They are selected as a medium for expressing and conveying the artist's personal emotions, trivial events and stories in everyday life, various aspects of modern society involving history, culture, consumer culture, and environmental issues, and spiritual ideas such as healing and meditation. I ascertained that the change and expansion of materials for fibre art was part of a natural transition that fiber art experienced along with trends of modern society as a genre of formative art that reflected contemporary culture in different views and manners. Second, I analyzed in depth what materials and techniques means to fibre art by selecting and examining Sheila Hicks and Ed Rossbach as model artists, who played a pioneering role in introducing fiber art around the 1950s by seeking fabric structures as new art forms, discarding the use of traditional fibre techniques and materials. 'Minimes' by Hicks, a result of exploration of various materials and fabric structures, is an independent work of art itself and an archive of the artist's ideas for a large-scale work as well as her everyday life. Rossbach showed the potential of various expression styles of fibre art derived from the expansion of materials and techniques through his works using thrown-away or old materials from daily life to discover their artistic value. Third, I analyzed my own work of art based on the findings of the abovementioned discussions. I first examined the reason for selecting plastic, the main material of the work and the key material discussed in this study, and its formativeness represented by its physical characteristics. Then I explained the meaning of the material and the internal discovery from the making process. Plastic bags, the key material for the work, are used in various ways in everyday life and regarded as a symbol of wasteful consumption behavior and environmental problems as opposed to its good function such as hygiene and convenience. I began creating this work by using them to produce yarns, the basic unit and essential element of a fabric. Plastic bags also have enough potential for being turned into yarns and fabrics thanks to their flexibility and durability. The making process is as important as the material to me. The process of weaving and sewing, which seems simple yet demands repetitive work for hours, allows me to experience immersion away from my daily routine and to realize the meaning of inner peace, life, and existence in the process. 섬유미술은 20세기 중반 예술로서의 직물제작을 시도했던 직조가들에 의해 등장하였다. 1960년대가 전통적인 방식을 탈피한 새로운 조형방식을 추구하며 기법적으로 풍부해진 시기였다면 1970년대는 기법과 더불어 소재의 탐구가 활발했던 시기였다. 특히 산업소재와 일상 소재 등의 비전통적인 재료의 탐구는 3차원의 입체작품과 설치작품 등 다양한 형식의 작품제작을 가능하게 하였다. 한편 소재와 기법의 확장은 섬유미술의 정체성에 혼란을 야기하는 요인이기도 하다. 이에 본 연구는 현대섬유미술의 위상을 재정립하기 위한 일환으로서 1960년대 이후 현대사회의 변화와 연관하여 섬유미술의 변화양상을 고찰하였다. 특히 현대산업과 현대인의 일상에 혁신적인 변화를 가져온 플라스틱 소재의 섬유미술에 나타난 조형성을 중심으로 살펴보았다. 본 연구를 위해 첫째, 섬유미술의 태동기라 할 수 있는 1960년대를 기점으로 현대사회의 특징을 살펴보고, 변화된 사회적 특징이 섬유미술에서 어떠한 양상으로 나타났는지를 고찰하였다. 과학기술과 산업의 급속한 발전은 물질적 풍요와 생활의 편리함이라는 이점과 동시에 과거 농경사회와는 다른 불안한 일상성으로 인해 현대인에게 일탈과 안주라는 불안한 이중적 감정을 안겨주었다. 그리고 산업발달에 의한 신소재의 등장은 다양한 재료를 탐구하던 당시 섬유작가들에게 새로운 조형표현의 가능성을 열어주었다. 특히 플라스틱 소재는 투명성과 표면의 반사성, 유연성과 내구성 등의 물리적 특성이 작품을 통해 다양한 모습으로 나타나고 있다. 플라스틱 소재를 비롯한 일상의 다양한 소재는 작가들에게 단순한 조형요소로서가 아닌 그 자체로 많은 의미를 내포하고 있음을 알 수 있다. 작가 개인의 감정, 일상의 소소한 사건과 이야기, 역사와 문화, 소비문화와 환경문제 등과 같은 현대사회의 여러 양상들, 치유나 명상과 같은 정신적인 내용을 담아 전달하는 매재로서 선택되고 있다. 이처럼 섬유미술의 소재의 변화와 확장은 다양한 시각과 방식으로 동시대의 문화를 반영하는 조형예술의 한 장르로서 현대사회의 흐름에서 자연스러운 변화였음을 확인할 수 있었다. 둘째, 1950년대를 전후로 전통적인 섬유기법과 소재의 사용을 탈피한 새로운 예술로서의 직물구조를 추구하며 섬유미술의 등장에 선구적인 역할을 했던 쉴라 힉스(Sheila Hicks)와 에드 로스바흐(Ed Rossbach)를 표본작가로 선정하여 섬유미술에서 소재와 기법이 갖는 의미를 보다 구체적으로 다루고자 하였다. 쉴라 힉스의 직물시리즈'Minimes'는 다채로운 소재와 직물구조를 탐구했던 것으로 그 자체로 독립적인 작품이며 동시에 대규모 작품제작을 위한 아이디어이자 작가의 일상이 담긴 삶의 기록이었다. 에드 로스바흐는 일상의 버려지거나 낡은 소재들을 사용하여 예술적 가치를 발견해내는 작품들을 통해 소재와 기법의 확장과 그에 따른 섬유미술의 다양한 표현방식의 새로운 방향을 보여주었다. 셋째, 앞서 고찰한 내용들을 바탕으로 연구자의 작품을 분석하였다. 먼저 작품의 주재료이자 본 연구의 중심소재인 플라스틱 소재의 선택적 배경과 물리적 특성의 의해 드러난 조형성을 분석하고, 연구 작품에서 소재가 갖는 의미와 제작과정을 통한 내적 발견에 대해 서술하였다. 작품의 주재료인 플라스틱 백은 일상에서 다양한 용도로 사용되며 위생과 편리함이라는 순기능 이면의 불필요한 소비행태와 환경문제의 상징물로서 인식되고 있다. 이를 재료로 하여 직물의 기본단위이자 필수요소인 실을 제작하는 것으로부터 시작되었다. 또한 플라스틱 백의 유연성과 내구성은 실과 직물을 제작하기에 충분한 가능성 내포하고 있다. 소재와 더불어 연구자에게 중요한 것은 제작과정이다. 단순하지만 섬세함과 장시간의 반복적인 노동을 요하는 직조와 재봉기법은 연구자로 하여금 일상으로부터 떨어져 나와 몰입을 경험하게 하고 그 안에서 내적고요와 삶과 존재의 의미를 깨닫게 하는 통로가 된다.

'지표 기호'로서의 태움과 '미지성'

김나정 홍익대학교 대학원 2013 국내박사

From the semiotic point of view, though the aspects of expression which can be termed ‘indexical’ have existed in modern textile arts, it is the case that these areas and ways of expression have been attracting less attention than aspects of representations, pattern composition, materials, functions, or techniques. Nonetheless, What constitutes an essential part of my works is that they are indexical in terms of their expressions and contents. For such a reason, I tried to show that the indexical expressions in textile arts can occupy its relevant position among them, also expand possibilities of expression of textiles. First, it is required to give some artistic validity to my incence-burning technique which is quite indexical. Second, it is needed to elucidate the way how the indexical expressions function concretely so as to apprehend my works and another indexical textile works fully. Thus, in this thesis I tried to argue that the indexical expressions in textiles have pioneered an area which can be considered as a new form of expression of textiles, and examine how that way of expression can reveal the realm of unknowability by means of what way of signification and expression? Most thinkers and critics emphasize the fact that the criticism of ‘re-presentation’ or ‘representation’ whose concepts constitute modernity and its subjectivity has been conducted in postmodernism and contemporary arts. Since the mode of representation captures the real through appearance perceived by sense-data, it can’t grasp weight of Being, nature of life, the unknowability of nature. Because of this limit, many theoretical and practical approaches to overcome it has been existing until a recent date, in particular, modes of signification other than the mode of signification of representation have been sought in postmodernism. As a result, the indexical signs comes to the forefront. Since the nature of life, and its realm of unknowability to which even sciences can’t easily access, we are not capable of them through an anthropocentrism and we can catch only a small, restricted part of them by abstraction, mode of index can prevent anthropocentrism signification from working in that natural causality constitutes the essential parts of signification in indexical sign. Like this way, I expected that the indexical sign could reveal the real essence of human, nature, life not presented by the mode of representation in that it is shown as result of immediate interaction between the real things Accordingly, the method associating indexicality with unknowability is required, I proposed Gilles Deleuze’s concepts of ‘the diagram’. For Deleuze the diagram is the accidental marks and stains appeared during the action of painting, the spontaneous signs of body independent of painter. By this, the unpredicted Figure, and the other world, the irrational thing, something like events happens. So, I thought that these indexical expressions occurred in the handed diagram can imply the realm of unknowability. In this thesis, I reconstructed the history of modern art and textiles in a taxonomical way in accordance with the mode of signification of indexical sign, add to this Ann Hamilton and Kiki Smith have been chosen as representative samples for the concrete comparisons with my works. In the case of Hamilton, he exhibited the extraordinary, subtle sensations and feelings by the concepts of index as process, while using the sensuous property of the fragile materials like paper and the textures of textiles, Smith has ever expressed the female’s own sexuality and vulnerability. Both were proper references for a comparison with my works Inspired the mysteries of life itself, through my works I have tried to gain access to the female’s own sensibility and sexual, bodily identity, the invisible world unknown to us, and the realm of which we can’t make a full explanation even by virtue of scientific investigation, and I designated this realm ‘unknowability’. That I have applied the indexical signification to textiles is because not only I tried to expand a material potential of expression of textiles but also I wholeheartedly agreed that the mode of signification by which we can access to the realm of unknowability is the very indexical sign. In this thesis, accordingly, I tried to verified that the indexical works in textile arts could be an important part of expression of textiles, I also tried to confirm this through significant characteristics of my works such as form, process, contents. 현대섬유미술에서는 기호학적으로 볼 때, 지표적이라고 부를 수 있는 표현 영역이 줄곧 존재해 왔지만, 이 표현의 영역과 방식은 재현이나 패턴적 구성, 질료 내지 기능, 기술적 측면에 비해 크게 주목받지 못한 것이 사실이다. 그럼에도 불구하고 연구자의 작품의 표현이나 내용적 측면에서 가장 본질적 측면을 이루고 있는 것은 그것이 지표적이라는 점이다. 이에 연구자는 두 가지 점에서 섬유미술에서 지표적 표현이 섬유미술의 표현과 의미에 있어 정당한 위치를 점할 수 있으며, 나아가 섬유의 표현 영역을 확장할 수 있음을 보이고자 하였다. 첫째,'향불을 통한 태움(Incense-burning)'이라는 매우 지표적 표현 방법을 구사하는 본인의 작품에 역사적, 예술적 정당성을 부여할 필요가 있었으며, 둘째, 본인의 작품이나 여타의 지표적 섬유미술에 대한 충분한 이해를 위해 지표적 표현이 구체적으로 어떠한 방식으로 작동하는지를 설명할 필요가 있었다. 이에 본고에서는 지표적 섬유표현이 섬유 질료의 새로운 표현 형식으로 간주될 수 있는 영역을 개척해 왔음을 보이고자 했으며, 그러한 표현의 방식이 미지성의 영역을 어떠한 고유한 의미작용의 방식과 표현 절차를 통해 드러낼 수 있는지 살펴보고자 했다. 대부분의 사상가나 비평가들은 포스트모더니즘과 동시대의 미술이 주체성과 근대성을 구성하는 한 축을 이루는'재현'내지'표상'에 대한 비판을 진행해 왔다는 점을 강조한다. 표상적 방식은 실재를 감각자료를 통해 나타난 외양으로 파악한다는 점에서 실재가 갖고 있는 존재의 무게, 생의 본질, 자연의 미지성을 충분히 담아내지 못한다는 한계를 지닌다. 이러한 한계 때문에 현대 사상이나 문화에는 이러한 재현의 한계를 극복하기 위한 이론적, 실천적 활동이 줄곧 있어 왔으며, 특히 포스트모더니즘의 현대미술과 탈근대주의 사상은 재현의 의미작용과는 다른 방식의 의미작용 방식을 모색해 왔다. 그 결과 이들이 주목한 것 중 하나는 지표적 의미작용이다. 생명이나 존재의 본질, 그리고 과학마저도 접근할 수 없는 생명과 자연의 미지적 영역은 인간중심적 관점에서 포착될 수 없거나 매우 제한적으로, 혹은 과도한 추상화에 의해 부분적으로만 포착된다는 점에서, 자연적 인과성이 의미의 핵심을 이루는 지표적 방식은 이러한 인간 중심적 방식을 지양하도록 하는 데 통로를 제공한다. 이렇듯 지표 기호는 실재들 간의 직접적인 작용의 결과물로 나타난다는 점에서 기존의 표상적, 재현적 기호작용이 포착하지 못하는 실재의 인간과 자연, 생명의 본성을 드러내 줄 것으로 기대하였다. 이에 지표성과 미지성을 연관시킬 수 있는 구체적인 방법이 요청되었고, 본고에서는 그 방법으로서 들뢰즈의'돌발흔적'개념을 제시하고 있다. 돌발흔적은 그리는'행위'가운데 나타나는 우연적 표시들이나 얼룩들과 같은 것으로서, 화가로부터 독립된 비의지적인, 신체의 자발적인 기호들이다. 이런 돌발흔적에 의해 예측하지 못한 형상이 나타나며, 다른 세계, 비의지적, 비합리적, 사건적인 어떤 것이 생겨난다. 본고에서는 손의 돌발흔적이 만들어내는 이러한 지표적 표현 영역이 곧 미지적인 영역을 시사한다고 보았다. 본고에서는 현대미술과 섬유미술에서 지표성이 어떠한 방식으로 나타나는지 분류적 방식으로 다루고 있지만, 연구자의 작품과의 구체적인 비교를 위해 앤 해밀턴과 키키 스미스라는 두 표본작가를 선택하였다. 해밀턴의 경우는 일상적이지 않은 매우 미묘한 감각들과 느낌들을 과정으로서의 지표 개념을 통해 보여주는가 하면, 키키 스미스는 종이와 같은 섬유 질료의 유약함이나 부서지기 쉬운 성질, 찢겨질 수 있는 섬유의 텍스쳐 등을 이용해 여성의 고유한 트라우마(trauma)와 성적 느낌들을 표현한 바 있다. 이는 연구자의 작품에 대한 좋은 참조와 비교의 대상이 되어 주었다. 연구자는 줄곧 생명 그 자체의 신비에 근간을 두고, 여성의 고유한 여성적 감수성과 성적, 신체적 정체성, 세계에 알려지지 않는 어떤 비가시적 세계, 과학적 탐구와 발견들로도 다 해명될 수 없는 어떤 근원의 세계에 접근하고자 했고, 이러한 영역을 '미지성'으로서 개념화하고자 했다. 지표적 기호작용을 섬유에 적용한 것은 단지 섬유의 질료적, 표현적 가능성을 확장하기 위한 것이 아니라, 바로 이러한 미지성의 영역에 접근할 수 있는 의미작용의 방식이 바로 지표라는데 연구자가 깊이 공감하고 있었기 때문이다. 본고에서는 제반 절차를 통해 섬유미술에서 지표적 기호 표현이 섬유의 중요한 표현적 가능성이 될 수 있음을 확인하였고, 나아가 연구자의 작업의 형식, 과정, 내용 등의 중요 구성 요소들을 통해 이러한 견해를 밝히고자 했다.

섬유미술에서 구축적 변형태 연구 : 니트의 유기적 순환 시리즈를 중심으로

신예선 홍익대학교 대학원 2015 국내박사

This study is intended to explain the principle of tectonic with which textile, through the technical scheme of knitting, comes to have a formative characteristic in works by researching the essential characteristic of tectonic which means the process of transformation from textile into fabric. The nature of the works can be characterized as the process of structuralization and transformation of textile. Such properties are found useful in the discussion of Gottfried Semper’s perspective. Gottfried Semper’s tectonic concept which deals with structure of textile and creation relationship of semantics with integrated vision defines that textile and craft technique than any other things are the origin of construction. With this theoretical basis, the interpretation of research works can explain the exterior stylistic characteristics which are formed through the process procedure by the nature of textile matter bearing Semper’s tectonic concept and even psychological area which melted in the characteristics. The construction process of the research works is like that woven textile forms ‘surface’ and resulting fabric forms space being structuralized by joining pieces, thus formed structure is the result of making process and also reveals systemicity and organic symbols. The systemicity of the research works symbolizes the order of nature. The expressive characteristic of research works is formed by geometric systemicity, which is researcher’s unique way of form organization. Construction of frames described as Semper’s ‘caribbean hut’ forms the shell of the structure by knitting techniques from the gathering of textile materials and is laced with the frames and textile. Structuralizing textile recognizing the weaving principle of textile is the origin of construction is to reveal logical process of tectonic representation of knitting in the works by recognizing textile is the essence of tectonic, not understanding textile as constructional concept. Geometric systemicity consisting of the research works’ constructional process is a concrete frame enabling practical expression which forms and divides space, and what enables various formative attempts and expansion of expression. Thus the visual results by systemicity bear stories about the ambivalent symbolism and organic circulation of life and arranging the squares on a regular basis through geometric systemicity diversify forms and the variation structures created by knitting reveals the tectonic characteristic implying the meaning of life. Extensive expression of ‘tectonic’ in the works means that structuralization and signifying interact on each other organically in the category of systemicity and bears cyclical ‘symbols’ of life by transformation of various structures. Le Corbusier and Lucy Orta are pointed out as the sample artists in this research showing the examples of the actual realization of tectonic and tectonic metamorphosis of textile. In Le Corbusier’s architecture and art works, array system of geometric forms shows the practical application of metamorphosis concept, and his tapestries themselves explain Semper’s tectonic. Meanwhile, Lucy Orta reveals tectonic of textile through telonomy of structure in the boundary between architecture and clothing. She also shows transformational nature of textile by applying regular array system in combining or disassembling of works. Figurative limitations of constructing textile using geometric system in the research works are overcome by connecting or disassembling works modularly resulting in representational expandability. Thus, research works that can be called tectonic metamorphosis reflect the cyclical nature of organisms through the process of construction that circulate repeatedly with no ends like life and death which coexist in the ambivalent meaning. Organic and atypical nature of metamorphosis is realized by the process and pattern, and geometric system. In conclusion, textile expressed tectonically by knitting forms space combining the materials, technique dealing with them and intended system, so it shows the expression of textile according to tectonic nature can expand the expressive horizons in textile formation. This research is meaningful in the way that it’s a direct example of the principle of fabric structure expanding into formative expression being shed new light recently, and also a serious quest for identify and principle property of textile. 본 연구는 섬유가 직물로 만들어지는 과정을 의미하는 구축의 본질적 특징을 알아봄으로서, 연구 작품이 니팅이라는 기술적 방식을 통해 섬유가 조형적 특성을 가지게 되는 구축의 원리를 설명하는 것을 목적으로 한다. 연구 대상이 되는 작품들은 섬유의 구조화 과정과 형태 변이로 특징지을 수 있다. 이와 같은 특성은 고트프리드 젬퍼의 논의에서 유용한 관점이 발견된다. 통합적 시각을 통해 섬유의 구조화와 의미체계의 생성관계에 대해 다루는 고트프리드 젬퍼의 구축성 개념은 무엇보다 섬유와 그것을 다루는 공예적 기법이 건축을 형성한 기원이라고 정의한다. 이러한 이론적 근거를 통해 연구 작품의 해석을 젬퍼의 구축성 개념이 섬유표현의 질료적 특성에 의한 가공의 과정과 구조화를 통해 형성되는 외형의 양식적 특성과 그 속에 녹아있는 정신적 영역까지 설명할 수 있다고 보았다. 본 연구의 분석 대상인 연구 작품의 구축 과정은 섬유가 짜여지며‘면’을 형성하고 이렇게 만들어지는 편물이 각각의 조각들의‘접합(join)’방식에 의해 구조화되며 공간을 형성하는 것으로, 이렇게 형성된 구조가 작품 제작 과정에 의한 결과물이며 체계성과 유기성이라는 상징성도 그대로 드러나게 되는 것이다. 연구 작품의 체계성은 자연의 질서를 상징한다. 연구자 특유의 형태 구성 방식인 기하학적 체계성에 의해 연구 작품의 표현적 특징이 형성되는 것이다. 젬퍼의‘카리비안 오두막’으로 설명되는 골조의 구축은 섬유 재료의 채집으로부터 편직기법에 의해 구조의 외피를 형성하고 골조와 섬유가 함께 엮여진다. 섬유의 직조원리가 구축의 기원임을 인식함으로써 섬유를 구조화하는 것이 건축적 개념으로 이해하는 것이 아니라 섬유가 구축성의 본질임을 인식함으로써, 연구 작품의 니팅에 의한 구축적 표현의 논리적 과정을 밝히려는 것이다. 연구 작품의 구축화 과정을 이루는 기하학적 체계성은 공간을 형성하고 나누는 실제적 표현을 가능하게 하는 구체적 틀이며, 다양한 조형적 시도와 표현의 확장을 가능하게 하는 것이다. 이렇게 체계성에 의한 시각적 결과물은 생명의 양가적 상징성과 그것의 유기적 순환성에 대한 이야기를 담아낸다. 기하학적 체계를 통해 사각형을 규칙적으로 배열하고 반복하는 형태 구성 방식은 형태를 다양화하며 이렇게 니팅에 의해 만들어진 변이 구조는 생명의 의미를 내포하며 구축적 특징을 드러내게 된다. 연구 작품에서‘구축성’의 확장적 표현은 구조화와 의미화가 체계성의 범주 내에서 유기적으로 상호 작용하는 것으로 다양한 구조의 형태변이를 통해 생명의 순환적‘상징’까지 담아내는 것이다. 본 논문에서 구축성의 실제적 실현과 섬유의 구축적 형태 변이의 예를 보여 주는 표본 작가로는 르 꼬르뷔제와 루시 오르타를 꼽고 있다. 르 꼬르뷔제의 건축과 미술작품에서 기학학적 형태의 배열체계는 변형태 개념의 실제적 적용을 잘 보여주며, 그의 타피스트리는 그 자체로 젬퍼의 구축성을 설명한다. 한편, 루시 오르타의 경우, 건축과 의복의 경계에서 구조의 합목적성으로 섬유의 구축성을 드러낸다. 또한 규칙적인 배열 체계를 작품을 접합하거나 해체시키는데 적용함으로써 섬유 작품의 변형태적 속성을 보여준다. 연구 작품에서 기하학적 체계를 이용한 섬유의 구축화가 가지는 조형적 한계성은 작품을 모듈러식으로 접합하거나 해체함으로써 극복되며 표현적 확장성을 가지게 된다. 이처럼 구축적 변형태라 할 수 있는 연구 작품은 구축의 과정을 통해 양가적 의미에 혼재하는 생과 죽음처럼 끊임없이 반복하며 순환하는 유기체의 순환적 속성을 작품에 반영하는 것이다. 연구 작품에서 변형태의 유기적이며 비정형적 속성은 작업의 과정과 문양, 기하학적 체계에 의해 실현되는 것이다. 결론적으로, 섬유가 니팅에 의해 구축적으로 표현되는 것은, 섬유 질료와 이것을 다루는 기법과 계획된 체계가 통합되며 공간을 형성하는 것으로, 구축성에 근거한 섬유의 표현이 섬유조형에 표현적 지평을 확대 할 수 있음을 보여준다. 이 같은 연구는 섬유미술에서 새롭게 조명되는 직물구조의 원리가 조형적 표현으로 확장되는 직접적인 예이자, 섬유의 정체성과 원리적 속성에 대한 진지한 탐구라는데 의의가 있다.

선(線)의 반복을 활용한 조형 연구 : 본인의 섬유작업 'Appearance' 시리즈를 중심으로

이수연 홍익대학교 대학원 2018 국내박사

Since 1960, fiber art has utilized industrial technology materials such as copper wire, PVC, optical fiber, and film, steering away from traditional methods and human emotions become the main subject expressed in three dimensional spaces and installation forms that emphasize the interaction between the artist and the audience. In particular, the use of transparent industrial and technological materials is expanding and growing, creating a new era today. On the other hand, the diversification of modern fiber art caused an identity confusion for fiber artists. Therefore, in this study, the process of space formation was modeled in relation to the expression of human emotion using the composition of transparent PVC (Poly Vinyl Chloride) material based on the geometric and aesthetic lines of the buildings surrounding modern people as a part of creating the aesthetic value of modern fiber art. The buildings were reconstructed by continuous and crossing complex vertical and horizontal lines, expressing repetitive rhythm and rhythmic sense through temporal chaos. As for the process of this study, first, the expressive and formative meaning of the line was reviewed starting from the study of modern fiber art works using lines and transparent materials. It opened the possibilities of lines in terms of expression and used them in various forms. In terms of transparency, the structural form was derived from the physical reflection of the PVC surface and the expansion and duality of space. Second, the formativeness of the space by the lines presented in modern fiber art was examined. Based on the definition of the line proposed by philosophers H·Read and Kandinsky, the mutual relationship of lines and spaces was examined. In particular, when examining the formative characteristics, expressiveness, and symbolism of the line, it revealed that the line is a visual expression element and symbolizes the everyday image in the work of the artist and the researcher with various materials in the work and implies a spiritual meaning expressing the inner world. Also, the transparent space can be represented as a provisional symbol as a non-verbal language expressing the rule of conduct by the rule of the line. As a result, the spatial structure of the transparent substance through the line has brought the possibility of a new formative expression and has appeared as another healing process in the researcher's unstable inner world and emotions. Third, Rebecca R. Medel (1947~) and Carlos Cruz- Diez (1923~) were selected as sample artists in order to give logical validation to the researcher's work by more specifically examining the meaning of lines and repetitions and how the material is expressed in their work. Rebecca R. Medel's large-scale net construction project is a visualization of overlap and continuity by lines crossing the outer and inner spaces in a space form. It is an independent creation, emphasizing the physical properties of the material representing the double-sidedness of vision and expansion of gaze. Carlos Cruz-Diez presents geometric and abstract forms with repetitive lines and colors, encouraging communication with the audience through participative visual experiences. Fourth, based on the above mentioned contents, the researcher’s work was analyzed. The selection background and transparency of PVC, the main material of the work and the topic of the research, were analyzed. The function of the material and the manufacturing process was described. This study described the rediscovery of the inner world through the process of repetition and overlapping using the PVC wire with weaving and sewing, expressing the researcher’s inner emotions and healing process, and at the same time an external structural space through repetition of lines. The PVC material used by the researcher is a material that has potential to be converted into a material for formative expression from practical application. For the researcher, the transparency of PVC is a space of projection to look into oneself and a medium to communicate with the audience in various ways. 섬유미술은 1960년대 이후 전통적인 방식에서 탈피한 동선, PVC, 광섬유, 필름 등 산업기술에 의한 재료를 섬유작업에 활용하며 인간의 감정이 주체가 되고 작가와 관람자간의 상호교감을 중요시한 조형 형태로 나아가고 있다. 특히, PVC(Poly Vinyl Chloride, 폴리염화비닐)와 같은 투명한 소재사용은 동시대 예술의 새로운 영역을 확장한 사례이다. 한편 현대섬유미술의 재료나 기술의 다변화는 섬유미술가들의 정체성 혼돈을 야기하기도 하였다. 이에 본 연구는 현대섬유미술의 조형적 표현의 미를 다시 환기시키기 위해 재료의 경계를 넘어선 작업에 주목하고 있다. 즉 본인의 작업 「Appearance」시리즈는 현대인을 둘러싸고 있는 건축물의 기하학적이고 미학적인 선(線)을 투명한 PVC소재의 형태구성에 기반을 두어 공간 형성과 감정표현을 조형화하였다. 건축물의 복잡한 수직과 수평의 선이 연속과 교차에 의해 재구성되고 이를 통해 리듬감이 드러나는데 이 구조 안에서 시간적 혼돈과 율동이 일어나는 것을 연구자는 본인 작업의 중요한 조형적 표현과 정서적 동인(動因)으로 하고 있다. 연구자의 작업에서 핵심은 선을 통한 인간의 감성적 표현이라 할 수 있다. 「Appearance」는 연구자의 대표적인 작업으로서 투명한 선의 섬세함과 공간의 깊이, 중첩으로 융합적 공간을 드러내는 것을 특징으로 한다. 동선과 투명사를 활용한 침투와 투과(透過)과정으로 요약할 수 있는 이러한 특징은 결국 선이라는 조형요소이자 표현의 단초(端初)에 주목할 수 밖에 없다. 선에 관한 논의는 영국의 시인이자 예술비평가인 하버트 리드(H·Read, 1893~1968)와 러시아의 추상미술 화가인 바실리 칸딘스키(Wassily Kandinsky, 1866~1944)의 관점에 토대를 두고 연구자의 표현적 의미를 마련하고자 하였다. 이러한 선에 대한 토대론적 접근과 함께 기존 많은 연구자들이 주목한 선에 대한 조형적 표현으로서의 가능성 연구를 살펴보았다. 기존 연구자들의 선에 대한 연구와 연구자의 관점의 차이는 󰡒선의 시지각적 조형언어󰡓라고 할 수 있다. 그러한 이유로 연구자는 선을 통한 공간과 지각의 상호 교차적 시선을 감정 표현으로 확장한 것이다. 연구자의 선에 대한 표현 해석을 근거하여 철학자 하버트 리드와 칸딘스키가 주장하는 선의 정의를 바탕으로 공간과의 상호적 관계성을 살펴보며, 현대섬유미술에 나타나는 선의 조형성을 고찰하였다. 조형요소에 있어 선은 그 자체로서 기능과 의미를 지니고 최소한의 수단으로 자유롭고 섬세한 이미지로 무한하게 변화 할 수 있었다. 그뿐만 아니라, 표현하는 사람에 따라 개인적인 느낌과 정서가 직접적으로 영향을 미치며 선을 표현하는 사람의 표정과 행위성을 내포하여 비언어적인 언어로 인간의 희로애락(喜怒哀樂)을 표출할 수 있었다. 이로써 선에 의한 투명한 물질의 공간 구조는 무의식에서 반복적으로 선을 짜는 행위로 연구자의 불안한 내면의 심리와 불안을 감추고 평온을 찾으려 하는 또 다른 치유과정으로 나타나고 있었다. 이러한 반복적인 선과 투명성을 대표적인 표현방식으로 다루고 있는 인물은 미국의 섬유 예술가인 레베카 메델(Rebecca R. Medel, 1947~)과 프랑스의 색채학자인 카를로스 크루즈-디에즈(Carlos Cruz- Diez, 1923~)이다. 레베카 메델의 작품에서는 공간형태로 외부와 내부의 공간을 넘나들며 선에 의한 중첩과 연속을 시각화한 대규모의 그물구조를 나타내고 있다. 소재의 물성을 강조하여 시각의 양면성과 관람자의 시선에 따른 공간의 확장을 표현하였다. 카를로스 크루즈-디에즈는 반복적인 선과 색으로 기하학적이고 추상적인 형태를 제시하며, 참여적인 시각 경험으로 끊임없이 관람자와 소통을 유도하였다. 이들을 표본작가로 선정하여 연구자 작품에 드러난 선의 조형적인 형태 및 물결구조공간의 의미와 분석을 위한 근거자료가 되었다. 이에 본 연구는 투명성의 확장성에 의한 시각적 표현의 형태와 의미로 구분하여 분석할 수 있었다. 작품에서 나타난 선에 의한 확장성 투명 공간은 선의 반복에 의한 외면적인 구조공간이면서 공간의 연속과 양면의 이미지 중첩을 특징으로 나타냈고, 관람자의 바라보는 시선과 시간적 추이에 따라 투영(投影)되는 PVC의 투명한 공간은 다각적으로 변화하는 현상으로 나타냈다. 선을 활용한 조형연구에서 PVC의 투명성은 공간을 창출하기 위한 매체이고 선의 반복, 연속, 교차, 중첩의 형태 구조와 변화에 따른 시지각 현상은 선의 운동성, 방향성, 모호성, 중첩성으로 나타남을 알았다. 투명성의 효과는 빛을 물질로 활성화시키고 투과와 반사에 의해 선과 색채를 다양하게 표현하여 투명성으로 선이 중첩하는 심층구조와 상호 보완적 관계에 있는 것이다. 이러한 연구의 결과는 PVC의 투명한 재료의 시각적 특성이 연구자 작품에서 선 중심의 체계적인 분석으로 투명성 공간형태와 조형적 의미에 중요한 가치를 지닐 것으로 기대한다. 따라서 본 연구는 간결한 선의 형태가 관람자와 소통하는데 시각언어(視覺言語)로서 그 가능성을 알아보고, 재료를 활용하여 다양한 예술 표현으로 확대한 사례로서 섬유예술의 재료 영역 확대 및 창의적 실험과 정서적 교감이 가능한 섬유 장르를 제시하는데 의의를 두었다.

생태적 여성주의 작품 연구

김혜란 홍익대학교 대학원 2013 국내박사

This study started from a question as to whether artists are free from the responsibility for the reality of the depletion of many types of natural resources and the consequent destruction of the ecosystem that have made today's civilization possible. Moreover, in researching into works of art, I attempted to symbolically embody my concern over the ecological problems and issues involving women as vulnerable members of society of our time. The main objective of this study is to analyze the social and artistic contexts of relevant works of art. Ecofeminism is a feminist theory that seeks alternatives to the ecological and women's issues of the present by defining a masculine-culture-centric patriarchal system and extreme competition sparked by capitalism as the common cause of the issues. To understand ecofeminism in the context of feminism, I looked into the arguments and characteristics of Enlightenment feminism and cultural feminism and examined the activities and works of feminist artists relevant to each type of feminism. Enlightenment feminist artists who emerged in the early days of the feminist movement include Harriet Powers, an African-American leading figure in quilt, Jang Sun-hee, an embroidery educator from the Japanese colonial period, and Na Hye-seok who took the lead in enlightening women as the first female artist of Western painting in the Joseon Dynasty era. They all practiced women's equality and liberation in the form of creation and education. Cultural feminism following Enlightenment feminism emphasizes women's own qualities. Cultural feminists argue that in terms of arts, materials and techniques that reflect women's lives, such as crafts and ornaments transmitted in matriarchal traditions, have good value as esthetic factors. This view is in line with the Arts and Crafts movement in Britain that advocated the moral restoration and democratization of arts in that they both emphasize the organic relations between human beings and arts. Niki de Saint Phalle showed cultural feminist factors in her works that highlight the value of motherhood and the liberation of femininity in a male-dominated culture. Ecofeminism that emerged afterward not only criticizes the dichotomous standards for superiority and discrimination against nature and women but also focuses on the restoration of traditional gender roles and gender cultures that have been neglected due to excessive emphasis on economic value. In this regard, Ivan Illich claimed that the conventional gender roles and gender cultures that flourished before industrial societies emerged should be restored through the concept of 'Vernacular Gender'. The term 'vernacular' is also used to describe the history and cultural sentiments of African-Americans implied in African-American literary works, and both 'vernacular gender' and 'vernacular' in African-American literature lay stress on each individual's origin, experience, conventional thinking, and gender. Thus in this study, I referred to objects with such value as a 'Vernacular Object' and used the concept as the main idea for analysis of works of art. For example, I determined that "Femmage," created by Miriam Schapiro, meaning 'female collage,' has value as an vernacular object considering it is a collection of factors derived from women's lives. In addition, to analyze the influential relationships between works of art from the same period, I examined the influential relationships between ecofeminist factors in formative and emotional terms by examining works of feminist artists and female artists. In Wang Kyung-ae's sewing works, I discovered symbols of healing, combination, and reconciliation for care and bioethics of nature based on social and cultural sentiments in Korea and women's own emotions. Chung Kyung-yeun has had a far-reaching influence on the fabric art field in Korea since the 1980s by creating a gentle form of sculpture using gloves as the object. Kim soo-ja, who reinterpreted Korean women's sentiments and objects, helped me ascertain the esthetic, emotional potential of native objects. I also found that the esthetics of motherhood that enables women to tend wounds and take care of abandoned beings is the spiritual value of ecofeminism by examining Yun Suk-nam's work of art representing women and abandoned dogs. I looked into my work of art based on the abovementioned discussions. The work is mainly characterized by the use of old wood and sewing. Old wood, thrown away from the destruction of an old building, symbolizes abandoned beings, men, homes, patriarchal systems, and social restrictions imposed on women, while sewing serves as a vernacular object that represents the esthetics of care and regeneration unique to women that were formed in matriarchal cultural traditions. This work was produced by sewing big stitches on the material or wrapping a piece of old wood with a fabric with stitches. The wrapping style using fabric, showing that one object is treasured after transforming into a new one, is to wish healing and rebirth. Then using these, I installed the work with the purpose of producing a dramatic space that has a narrative in it. Regarding the work, I divided the main theme into sub-categories -abandoned objects, the value of care, time for regeneration, and co-existence -and discussed the findings that reveal the ecological crisis and support the idea of the restoration of femininity. This discussion follows the steps in order, from the discovery of the materials to regeneration and co-existence through observation and care over a long period of time. The creation of the work, which started from a stray thought of abandoned objects continuously found today, extends to a question as to the value of the harsh period where even humans are abandoned and then leads to efforts and wishes for healing on a social level, including care and regeneration. In conclusion, through this study and the work or art, I aimed to highlight the need for demolishing various boundaries and seeking the value of co-existence in order to overcome the crises facing humankind resulting from the destroyed ecosystem and to restore the inherence of the genders. 본 논문은 예술가는 지금의 문명이 있기까지 사용된 수많은 자원과 그로 인해 파괴된 생태의 현실에 대한 책임으로부터 자유로울 수 있는가? 라는 물음에서 출발하였다. 작품 연구를 진행함에 있어서도 이 시대의 생태 문제와 사회적 약자로서의 여성 문제에 관심을 가지고 이를 상징적으로 형상화하고자 하였으며, 그러한 작품의 사회적, 예술적 맥락을 분석하는 것이 본 논문의 요지이다. 생태적 여성주의는 남성문화 중심의 가부장적 제도와 자본주의의 극단적 경쟁구도를 오늘날 생태와 여성 문제의 공통된 원인으로 보고 대안을 모색하고자 하는 여성주의 이론이다. 이러한 생태적 여성주의의 주장을 여성주의 이론의 맥락 안에서 이해하기 위해서 계몽적 여성주의와 문화적 여성주의의 주장과 특징을 고찰하고 각각의 내용과 연관되는 여성주의 미술가의 활동과 작품을 연구하였다. 여성주의 운동 초기에 등장한 계몽적 여성주의 미술가로는 아프리카계 미국인으로서 퀼트의 대모인 헤리엇 파워스(Herriet Powers), 식민지 조선의 자수 교육자 장선희, 최초의 조선 여류 서양화가이자 여성 계몽에 앞장섰던 나혜석 등이 있다. 이들은 여성의 평등과 해방을 창작과 교육으로 실천하였다. 이후 등장한 문화적 여성주의는 여성고유의 특성을 강조하는 태도로서, 미술에서는 모계적 전통으로 이어져 온 공예, 장식 등 여성의 삶을 반영한 재료와 기법 등이 미적 요소로서 충분한 가치를 지니고 있음을 주장한다. 이러한 여성의 미술은 예술의 도덕성 회복과 민주화를 주장했던 영국의 미술공예운동과 인간과 예술의 유기적 관계를 강조한다는 점에서 맥을 같이 한다. 한편 니키 드 생 팔(Niki de Saint Phalle)은 남성중심의 문화에서 모성의 가치와 여성성의 해방을 주장하는 작품을 통해 문화적 여성주의 요소를 잘 보여 주었다. 그 후에 나타난 생태적 여성주의는 자연과 여성에게 가해지는 이분법적 우열과 차별을 비판함과 동시에 경제적 가치를 지나치게 우선한 나머지, 소외된 남녀의 고유 성역할과 문화의 복원에 주목한다. 이러한 현상에 대해 이반 일리치(Ivan Illich)는'버내큘러 젠더(Vernacular Gender)'개념을 통해 산업사회 이전 고유의 성역할과 문화의 복원을 주장하였다. 또한 미국의 흑인문학에 내포된 흑인역사와 문화정서를'버내큘러'라 하는데'버내큘러 젠더'와 흑인문학의'버내큘러'는 모두 개인의 고유 태생, 경험, 관습적 사고, 고유의 젠더를 중요시한다. 이에 본 논문에서 이러한 가치를 지닌 사물을'버내큘러 오브제(Vernacular Object)'라고 명명하고 작품 분석의 주요 개념으로 사용하였다. 그 사례로 미리엄 샤피로(Miriam Schapiro)가 여성의 콜라주라는 의미로 만든'페마주(Femmage)'가 여성의 삶에서 파생된 요소들의 집합으로서 버내큘러 오브제의 가치를 지니고 있다고 보았다. 이와 함께 본 연구 작품의 동시대 영향관계 분석을 위해 여성주의 미술가와 여성미술가의 작품 연구를 통해 생태적 여성주의의 요소와 조형적, 감성적 영향관계 등을 고찰하였다. 왕경애의 바느질 작업을 통해서는 우리나라의 사회, 문화적 정서와 여성 고유의 감성을 바탕으로 보살핌과 자연의 생명윤리를 위한 치유, 결합, 화해의 상징을 발견하였다. 정경연은 장갑이라는 오브제를 이용한 부드러운 조각의 형태를 구축함으로써 1980년대 이후 한국섬유미술계에 폭넓은 영향을 미쳤다. 또한 김수자는 우리나라 여성의 정서와 사물의 재해석을 보여주었는데, 이를 통해 토착적 사물이 담아낼 수 있는 미적, 정서적 가능성을 확인하였다. 그리고 윤석남의 여성과 유기견을 소재로 한 작품 연구에서 상처를 위로하고 유기된 존재를 보살피는 모성의 미학이 생태적 여성주의의 정신적 가치임을 알 수 있다. 이상의 연구를 바탕으로 연구자의 작품을 살펴보면, 대표적인 작품의 형식적 특징으로 고목재와 바느질의 사용을 들 수 있다. 고목재는 오래된 건축물의 해체과정에서 버려진 것으로 유기된 존재, 남성, 가정, 가부장적 제도, 여성에게 가해지는 사회적 제약 등을 상징하며, 바느질은 모계 문화의 전통에서 형성된 여성 고유의 돌봄과 재생의 미학을 상징하는 버내큘러 오브제라고 할 수 있다. 이러한 소재들을 이용하여 커다란 바늘땀을 새겨 넣거나 바늘땀이 새겨진 직물로 고목재를 감싸는 방식으로 작품을 제작한다. 직물로 감싸는 포장(包裝)의 형식은 새로운 존재로 변화하여 소중히 간직된다는 포장(包藏)의 의미로서 치유와 환생을 기원하는 표현이다. 그리고 이들을 이용하여 내러티브가 존재하는 연극적 공간을 연출하기 위해 작품을 설치한다. 연구 작품은 유기된 사물, 돌봄의 가치, 재생의 시간, 공생(共生)의 소주제로 분류하여 생태의 위기와 여성성의 복원을 지향하는 연구내용들을 서술하였다. 이는 작품 소재를 발견하는 것을 시작으로 오랜 시간 관찰과 돌봄을 통해 재생, 공생으로 이어지는 사건과 시간의 흐름에 따르게 된다. 오늘날 지속적으로 발생하는 유기된 사물들에 대한 단상으로부터 시작된 작업은 인간마저 유기되는 가혹한 시대의 가치에 대한 문제 제기로 확장되고 돌봄과 재생의 사회적 치유를 위한 노력과 바램으로 이어진다. 이와 같이 본 논문과 작품에서는 생태 파괴로 인한 인류의 위기를 극복하고 젠더의 고유성을 복원하기 위해서는 다양한 경계를 허물고 공생을 가치를 추구해야한다는 점을 강조하고자 하였다.

선형(線形) 텍스타일 디자인의 형상화(形象化) 연구

이정현 홍익대학교 대학원 2020 국내박사

산업시대에 접어들면서 현대인의 생활은 기계화와 대량생산 체제를 갖추게 된다. 이는 가구, 건축, 직물 등의 디자인에 혁신적인 변화를 이끈다. 장식적인 요소들을 단순화하고, 기하학적 형태에 주목하기 시작한다. 특히 20세기 초, 바우하우스에서는 기능을 강조한 기하학적 디자인 교육이 주류를 이룬다. 본 연구는 기하학적 형태 중에서 특히 선형(線形)을 중심으로 한 텍스타일 디자인의 형상화(形象化)에 관한 연구이다. 텍스타일 디자인은 1960년대 이후 광섬유, 플라스틱 등의 다양한 신소재들을 사용하기 시작한다. 이어서 디지털 프린팅 등의 신기술을 활용하는 경우도 일반화된다. 신소재와 신기술 사용을 보편화하고, 작가들의 예술적 표현을 결합하면서 직물공예는 조형예술 분야로 작업범위를 넓힌다. 공예작품이 조형작품으로 이행한 과정은 확장적 의미가 강하다. 반면에 직물조형과 직물제품의 접목은 선택적 의미가 강하다. 접목은 장점들의 조화로운 동거, 새롭고 우수한 존재의 탄생을 목표로 한다. 따라서 접목의 기초 작업은 각각의 특성과 핵심요소를 찾는 연구 과정이 필수적이다. 이에 본 연구자는 선형 텍스타일 디자인을 대상으로 특성과 핵심요소를 찾고자 한다. 본 연구는 선형의 형상이론을 기반으로 한다. 특히 바실리 칸딘스키(Wassily Kandinsky, 1866~1944)의 개념이론과 루돌프 아른하임(Rudolf Arnheim, 1904~2007)의 시각이론을 기초로 한다. 표본 작가로 선정한 헤수스 라파엘 소토(Jesús-Rafael Soto, 1923~2005)와 다니엘 뷔렌(Daniel Buren, 1938~ )의 작품 분석을 통해 선형 디자인의 특성을 추출한다. 밀집된 선을 가지고 작업하는 소토의 작업은 선의 재질과 공간의 배열방법에 의해 시각변화를 일으키며 관람자의 동선(動線)에 따라 작품형상이 달라진다. 그의 작품은 선의 중첩과 배열에 관한 기본 개념을 제시하며, 빛과 물성, 움직임에 따른 작품과 관람자의 관계를 규정지어 준다. 자신만의 사인(signature)이라고 할 수 있는 코드화된 선을 이용한 뷔렌은‘in situ’라 불리는 장소 특정적(Site-specific) 작업을 하며 선형 작품과 공간과의 관계성을 중시한다. 이런 분석을 통해 이론과 작품의 연계성을 확인한다. 「Flow」, 「Still」, 「Wave」 시리즈는 연구자의 대표적 작업으로, 앞서 언급한 선형 텍스타일 디자인의 형상화 작업을 통해 3가지 영역에서 변화 적용된 작품세계를 보여준다. 첫 번째는 선형의 직물 작품과 텍스타일 디자인이다. 두 번째는 빛의 효과를 활용한 직물 작품이며, 세 번째는 소리의 시각화에 따른 표현이다. 연구자는 구체적인 작품개발과정을 통해 단계별 특성과 핵심적 조형요소를 찾고자 한다. 그리고 조형작품에서 사용된 텍스타일 디자인을 핸드백 제품 개발에 투영하는 과정을 밝혀, 작품과 제품의 접목에 활용 가능한 요소를 연구한다. 이와 같은 선형 텍스타일 디자인의 이론 연구 및 작품 분석을 통해 도출한 선형의 핵심요소는 선의 방향, 너비, 배치, 간격, 색채, 밀도, 재질, 빛이다. 이러한 8가지 조형요소가 형상화 과정에서 직물작품은 물론 제품개발에 활용되기를 희망한다. 조형작품의 표현방식을 제품에 응용하는 노력은 연구자의 예술론에 입각했을 때 자연스러운 것이다. 철학, 표현, 감동으로 이어지는 예술의 완성은 조형작품뿐만 아니라, 상업제품에서도 구현될 수 있다. 이러한 기초연구가 선형 텍스타일 디자인의 형상화 과정뿐만 아니라, 직물작품의 각 분야에서 활용되기를 바란다. Entering the industrial age, modern-day people are under the systems of mechanization and mass production. This leads to innovative changes in design in terms of furniture, architecture and textile. Decorative elements become more and more simplified and people start to pay attention to geometric forms. In particular, in the early 20th century, Bauhaus mainly constitutes geometric design education emphasizing functionality. This study inquires into textile design focused on linearity among various geometric forms. Textile design began to use non-traditional materials such as optical fibers and plastics since the 1960s. Later, the application of new technology of digital printing on fabrics entered into general use as well. By generalizing new materials and technology and combining artistic expressions of artists, textile crafts expand the scope towards formative arts. The process of transferring from textile crafts to textile art presents expansive meaning. On the other hand, union between textile art and textile products proposes selective meaning. The advantages of this blending aim at harmonious coexistence and birth of new and excellent beings. For this reason, for the basic task of this combination, it is indispensable to seek features and key elements of each part. Considering this, this study intends to search for the characteristics and key elements of linear textile design, the basic theme of textile art. This study is based on figuration theory of linearity. In particular, this study is founded on conception theory of Wassily Kandinsky (1866~1944) and visual perception theory of Rudolf Arnheim (1904~2007). By analyzing works of Jesús-Rafael Soto (1923~2005) and Daniel Buren (1938~ ) selected as sample artists of this research, this study will make approaches to features of linear design. Soto’s works carrying out works based on compact lines bring about changes of visual perception due to texture of lines and arrangement method of space. Moreover, the figuration of the work varies depending on the moving flow of which the viewer moves around the work. His works propose the basic concept of superposition and arrangement of lines. In addition, they define the relationship between the viewer and the works according to light, property of matter and movement. On the other hand, Buren uses the coded stripes considered his unique signature to carry out work in situ (site-specific works). He puts values on relationship between linear works and the space. This study will verify correlation between theory and real works through this analysis. The Series of “Flow,” “Still” and “Wave” are representative works of mine and they show the world where the previously mentioned features of linear textile design are applied after some transformation. Based on the basic premise of which lines create forms, these seek for diversification of expressions in three realms. In the first place, it refers to linear textile art works and textile design. In the second place, it indicates textile art using effects of light. In the last place, it points out expression according to visualization of sound. This study intends to find phased characteristics and key formative elements through concrete work development processes. Furthermore, this study aims to discover elements applicable to combination between works and products, by clarifying the process of adopting textile design used in the formative works to the process of developing handbags as real products. The key elements of linearity discovered from theoretical studies and work analysis of linear textile design comprise direction, thickness, placement, distance, colors, density, material and light of lines. This study expects that these eight formative elements can contribute to not only textile art works but also development of products. According to my theory of art, the effort of applying expression method of figurative works to products is considered natural. Completion of art that continues with philosophy, expression and heart-moving impression can be realized not only in the figurative art works but also in commercial products. I hope that this basic study can serve not only for linear textile design but also for each realm of textile art.

한글 텍스타일 패턴의 반복과 중첩공간 해석

서윤정 홍익대학교 대학원 2018 국내박사

본 논문은 한글 텍스타일 디자인을 그래픽 디자인이나 평면에만 국한하지 않고 한글 패턴의 조형성과 섬유의 물성을 동시에 표현하는 섬유 조형에 대한 연구로서 특히 연구자의 작품을 중심으로 문자가 지닌 언어의 감각과 섬유가 만나 만들어 내는 시각효과에 주목한 연구이다. 우리가 이미 잘 알고 있듯이 한글은 인본주의에 바탕을 두고 만들어 졌으며 한글의 기본구조는 기하학적 도형을 이루는 최소단위인 점과 선에서 출발한다. 한글의 조형성을 파악하기 위해서 한글 창제의 주요개념과 조형적 원리는 물론 한글로 디자인된 섬유제품, 의상, 공예, 회화, 그래픽 디자인 등 다양한 예술작업을 살펴보았다. 그 중에서 연구자는 평면 작업인 텍스타일 패턴에서 격자의 변형에 따른 다양한 시각적 반복 형태에 주목하였다. 나아가 단위형태의 반복을 이용하여 영어문자를 패턴화한 미국의 그래픽 디자이너 주자나 리코(Zuzana Licko)의 패턴 디자인에서 언어가 지닌 우리 인간의 감각이 패턴의 시각적 효과와 밀접한 관계가 있음을 이해하고자했다. 중첩(重疊)은 패턴의 재질감과 시각적 효과에 매우 중요한 역할을 한다. 본 연구자의 작품에 사용되는 오간자(Organza)와 같은 반투명한 소재에 문자가 프린트되어 중첩되었을 때, 관람자는 한글 패턴을 인지하는 과정에서 시각을 바탕으로 청각까지도 결합될 수 있다. 왜냐하면 한글 패턴이 디자인 된 반투명한 면들이 서로 중첩 배열되었을 때, 면과 면의 간격이 만들어 내는 시각적 울림, 즉 공명성(共鳴性)이 나타나기 때문이다. 표본 작가로는 아나톨 노텍(Anatol Knotec)과 안상수에 대하여 살펴보았다. 아나톨 노텍은 알파벳 문자의 크기와 배열을 통하여 은유적으로 의미를 표현한다. 문자의 크기 변화와 반복을 통하여 의미를 전달하는 방식과 문자의 중첩을 통한 표현방식이 연구자의 작업과 연결점이 있지만, 그의 작업은 단어와 단어의 의미와 연관지어 은유적으로 표현하기도 한다. 안상수는 직선과 동그라미를 기본 형태로 한글을 표현함으로써 한글은 의미를 전달하는 도구가 아닌 순수 조형요소로 디자인된다.􌜯그의 한글 디자인 중에서 반복과 중첩에 의한 작품을 위주로 선택하여 살펴보았다. 본 연구의 주된 목적은 연구자의 한글 패턴 작품의 구조에서 문자의 입체성을 비롯해 중첩과 반복에 대한 분석이다. 한글의 구조가 지닌 시각적 효과도 중요했지만 한글이 지닌 문자의 특수성 역시 중요한 논제였다. 한글은 표음문자로서 우리의 구강구조와도 밀접한 관계를 가지고 있다. 본 연구에서 다루는 한글 모티브의 배치와 구성에 의해서 나타나는 공명성과 율동성은 본 연구에서 매우 중요한 논점이었다. 한글의 확장성과 자기유사성은 일정한 반복에 의해 새로운 모티브가 생성되는 평면적 패턴에서의 공명성으로 나타났다. 또한 반투명 오간자의 물성에 내재되어있는 모아레 현상은 한글의 공명성과 결합하여 한글의 시·감각을 증폭시켰다. The purpose of this study is on the fiber arts that simultaneously express the formativeness of Hangul pattern and the physical properties of fiber without limiting the Hangul textile design to 2D graphic design or planes only. The study is particularly focused on the visual effects created by the fibers combined with the sense of language possessed by the characters. As we already know, Hangul is created based on humanism and the basic structure of Hangul starts from points and lines comprising the minimum unit of geometrical figure. To investigate the formativeness of Hangul, various artworks have been examined such as textiles, costumes, crafts, paintings and graphic designs using Hangul, as well as main concepts and formative principles of Hangul. Also, attention was paid to various visual repetition patterns depending on the transformation of the lattice in the fabric flat pattern. And, pattern designs of American graphic designers Zuzana Licko who patterned English characters using unit repetition, were examined in order to understand that the human senses of language are closely related to the visual effects of patterns. Overlay plays a very important role in texture and visual effects of the pattern. When characters are printed and overlaid on translucent material such as organza used in the researcher's works, even the hearing of the spectators can be coupled to process of recognizing Hangul patterns. This is because, when translucent planes designed with Hangul patterns are superimposed on one another, a visual sound, i.e. resonance, appears produced by the spacing of planes. Anatol Knotek and Ahn Sang-Soo were examined as sample artists. Anatol Knotek expresses meanings metaphorically through the size and arrangement of alphabet letters. The method of conveying meaning through the change and repetition of the size of characters and the method of expression through overlay of the characters have a connection with the works of the researcher but are related to the meaning of the word itself. Ahn Sang-Soo expresses Hangul as a basic form of straight line and circle, so that Hangul is designed as a pure formative element rather than a means of conveying meaning. Only the works by repetition and overlay were studied, among his Hangul designs. The main purpose of the study is to analyze the overlay and repetition including character’s stereoscopic feature in the structure for the researcher's Hangul pattern works. The visual effect of the Hangul structure was important, but the specificity of the Hangul characters was also an important topic. Hangul is a phonetic alphabet, closely related to our oral structure. The resonance and rhythm occurring from the placement and composition of the Korean motifs were very important issues of the study. The expansion and self-similarity of Hangeul were expressed as resonance in a planar pattern where new motifs are generated by constant repetition. In addition, Moire phenomenon inherent in the properties of translucent organza amplified the visual sense of Hangul in combination with the resonance of Hangul.

팝아트의 요소를 반영한 텍스타일디자인의 유희적 표현 연구

김해솔 홍익대학교 대학원 2022 국내박사

현대사회에서 전성기를 구가하고 있는 팝아트는 우리가 주목해 볼 만한 예술의 장르 중 하나이다. 과거의 팝아트는 고급 예술의 경계를 무너트린 상업예술로 평가되었다. 팝아트의 형식은 모방적이고 반복적인 허위로 표현되어 쾌락을 조장하는 것으로 비판을 받기도 하였으나 산업혁명 이후 산업과 자본주의, 소비사회의 출현 등으로 당시 예술문화에 소외된 대중들에게 소 통과 유희를 위한 예술 활동으로 전개되어왔다. 그러므로 팝아트에 관한 연구는 동시대인들의 삶과 그 표현방식과 밀접하게 관련이 되어 있다. 오늘날 현대미술은 대중에게 친숙한 예술을 필요로 하고 있다. 이것은 예술이 양식적 문제가 아니라 문화의 문제이기 때문이다. 미술의 영역에서 팝아트에 대해 관심을 갖는 것은 그것이 현대미술에서의 위치와 논의들을 다층적으로 환기시켜 주고 있다는 점에서 비롯되는 것이다. 많은 현대미술들이 팝아트적 표현과 밀접하게 관련되어 있다. 복잡하고 빠르게 변화하는 현대사회 속에서 대중들은 즉각적인 즐거움과 빠르게 소비되어지는 단순한 유머가 주는 즉흥적인 유희를 원하며 자극적이고 흥미로운 것을 통해 만족을 얻으려는 경향이 있다. 팝아트는 이러한 대중들의 욕구와 밀접한 관계를 맺으며 예술의 대중화와 소재의 일상화를 실현시키고, 대중과의 소통을 통해 시대적 변화와 함께 발전하였다. 본 연구는 팝아트의 요소를 반영한 텍스타일디자인의 유희적 표현 연구를 목적으로 한다. 이에 팝아트의 ‘대중성’, ‘일상성’, ‘유희성’의 미학적 특징을 반영하여 대중 친화적인 텍스타일 디자인으로 제안한다. 연구의 방법은 다음과 같다. 첫째, 연구자는 상징적 캐릭터와 유년시절의 기억, 일상적 소재를 차용하여 대중들과 교감할 수 있는 감각적 교점을 제시한다. 둘째, 팝아트의 유희적 표현기법으로 만화의 캐릭터 형상을 작품의 내레이션으로 활용한다. 캐릭터를 연상하는 형상은 다양한 상징성과 동시에 감상자들에게 유희적 감성을 유도한다. 셋째, 선의 낙서화 기법을 사용한다. 어린아이의 드로잉과 같은 낙서화는 원색적인 색채감각이 더해져 유아적이면서 만화적인 감성으로 표현된다. 넷째, 매체 혼합에 의한 화면 구성은 화면의 입체와 평면을 중첩함으로써 대상을 극적으로 표현하는 요소로 활용된다. 다섯째, 대중적이고 상징적인 색채 활용을 통해 이미지의 시각적 효과를 강조한다.팝아트의 요소를 반영한 텍스타일 디자인 개발은 텍스타일 상품의 영역에 활용될 수 있는 가능성을 지닌다. 이에 본 연구가 팝아트의 유희적 표현 연구의 기초 자료로서 향후 텍스타일 디자인 개발에 적용되기를 기대한다. Pop art, which is in its heyday in modern society, is one of the genres of art worth paying attention to. Pop art of the past was evaluated as a commercial art that broke the boundaries of high-class art. The form of pop art was criticized for promoting pleasure because it was expressed as imitative and repetitive falsehoods, but after the Industrial Revolution, it was used as an artistic activity for communication and entertainment for the public who were alienated from the art culture at the time due to the emergence of industry, capitalism, and consumer society. has been developed Therefore, research on pop art is closely related to the lives of contemporaries and their expression methods. Contemporary art today needs art that is familiar to the public. This is because art is a matter of culture, not of style. Interest in pop art in the realm of art originates from the fact that it evokes multi-layered positions and discussions in contemporary art. A lot of modern art is closely related to pop art expression. In the complex and rapidly changing modern society, the public wants immediate pleasure and improvised play provided by simple humor that is consumed quickly, and tends to seek satisfaction through stimulating and interesting things. Pop art has a close relationship with the needs of the public, realizing the popularization of art and everyday use of materials, and has developed along with the changes of the times through communication with the public. The purpose of this study is to study the playful expression of textile design reflecting elements of pop art. Reflecting the aesthetic characteristics of pop art, researcher proposes a popular-friendly textile design. First, the researcher proposes a sensual experience that can communicate with the public by borrowing symbolic characters, childhood memories, and everyday materials. Second, as a playful expression technique of pop art, the cartoon character shape is used as the narration of the work. The shape reminiscent of a character induces a playful sensibility to the viewers at the same time as various symbolism. Third, use the line drawing technique. Graffiti paintings, such as children's drawings ,are expressed in a childish and cartoonish sensibility by adding a sense of primary color. Fourth, the screen composition by mixing media is used as an element that dramatically expresses the object by superimposing the three-dimensional and flat surfaces of the screen. Fifth, the visual effect of images is emphasized through the use of popular and symbolic colors.Textile design development reflecting elements of pop art has the potential to be used in the field of textile products. Therefore, it is expected that this study will be applied to the development of textile design in the future as basic data for the study of the playful expression of pop art.