동화적 이미지를 표현한 청화백자 壺 제작에 관한 연구

최연재 단국대학교 대학원 2019 국내석사

The artworks have been being medium that beautifully expressed the scenery, interesting life and ideal of nature by the ancestors. Being written, being drawn painting and being sketched on the ceramic are useful tools for rendering the emotions. The pure and unadorned emotions being seen in traditional artworks transmit messages from old ancestors with the mild and simple atmosphere expressed in the pieces of arts. The blue and white porcelain, which had been produced in the Chosun Dynasty, contains different lyricism for each period to feel ethnicity and emotion of the person at that time. In this study, blue and white porcelain jar containing lyricism of the times has been produced with the assimilative sensibility and lyrical image. In the process of making the long jar, the shape of the long jar is applied the blue and white porcelain which is mainly produced in the Chosun Dynasty, and the bend of each artworks has a little change in height and shape. The paintings being decorated in shallow and fine engraved are placed in the intaglio of the flower-shaped windows which mainly produced in Chosun Dynasty and those paintings are located in front and back of the long jars. Pictorial and clean atmosphere of the engraved painting is visualized by different concentration of the blue pigment. It is hoped that the research on the production of traditional white and blue porcelain jar with lyricism will contribute to modern ceramic arts that reinterprets the traditional porcelain ceramics in an interesting way. 옛 선인들은 자연의 아름다운 경치와 흥미로운 생활상, 이상향을 예술품에 아름답게 표현하였다. 그 정서를 글로 쓰고 한폭의 회화에 그리기도 하였으며 도자기에 묘사하기도 하였다. 순수하고 꾸밈없는 정서적 표현은 우리의 예술품에서도 볼 수 있으며 작품에 표현된 온화하고 순박한 분위기를 통해 옛 선인들의 마음을 고스란히 느낄 수 있다. 조선시대에 주로 제작되었던 청화백자는 각 시기마다 다른 서정을 담아내며 당시의 민족성과 정서, 만든 사람의 마음을 느끼기에 충분하다. 본 연구는 시대의 정서를 담고 있는 청화백자 항아리를 동화적 감성으로 표현하여 새롭게 응용한 청화백자항아리를 제작하였다. 제작과정은 조선시대 청화백자에서 주로 만들었던 입호형태의 항아리를 응용하여 각 작품마다 구연부의 높이와 모양에서 조금씩 변화를 주었다. 청화백자에 주로 시문되었던 능화형 창안에 서정적이고 동화적인 이미지를 표현하여 얕고 세밀한 양각으로 장식하였다. 창 안의 양각 그림에 청화 안료로 농담을 주어 회화적이고 청아한 분위기를 나타냈다. 청화백자의 전통적인 형태를 기반으로 동화적 이미지를 새롭게 표현하여 현대인의 공감과 감성을 이끌어 낼 수 있는 청화백자 항아리를 제작하였다. 전통 청화백자를 동화적 표현으로 나타낸 청화백자 항아리 제작 연구가 전통적인 도자기법을 흥미롭게 재해석한 현대 도자예술에 기여하는 연구가 되길 바란다.

염화동과 산화철 안료를 이용한 솟대문양 접시연구

우가진 단국대학교 2015 국내석사

The belief in Sotdae has been shown to many nations throughout North Asia. This represents the aspirations and the centrality of human origin come to something. Abundance will be somewhat crude and rustic Sotdae pulled up to the entrance and the entrance of the village, hoping for a healthy family and a peaceful community. In the desolate city came to such a desire and a symbol of modern origin it is hard to find. The praying symbols such as Jangseung or Shinju were everywhere in Korean history but the best Korean style will be Sotdae. In 2004 International Council of Museums (ICOM), Sotdae has overtaken many a symbol of Seoul and has already been recognized as an image of the origin Korea to the world. In this study, the dish where the patterns of Sotdae figure is not merely used as food containing dish; it is used for people to hold a ceremony for the repose of heaven. In this study, the author wants to make practical pottery with Sotdae and circular dish to make it the symbol of praying for heaven in real life. The author reflected rustic image naturally with Sotdae created by a color image of chloride copper and iron oxide pigments added to the pie plate covered with white clay for a natural projection. Also, the author found above pigment, proper body and glaze to present a dreamy feel of the rain and fog through spraying work. The author tried to express praying images beautifully by expressing the images directly and indirectly. Dreamy feel of a color mixture of iron oxide and chloride copper showed the contrast image drawn into a pole in the color of the iron when you use the intense poetry as a new part of Sotdae. The researcher painted an image such as Sotdae as the symbol of communication connecting tradition tp modern on a practical dish in order to ruminate on the meaning of praying closely at the present times. 솟대에 대한 신앙은 북아시아 전반에 걸쳐 여러 민족에게 나타나는 현상이다. 이는 항상 무언가를 염원하고 기원해 온 인간의 심성을 나타내는 것이다. 풍족하고 건강한 가족과 평화로운 공동체를 바라며 다소 투박하며 소박한 솟대를 마을 입구나 어귀에 세웠을 것이다. 현대에 이르러 삭막한 도시 안에서 그런 소망이나 기원의 상징은 찾아보기 힘들다. 장승이나 신주(新株)등 우리 역사 속에서 기원의 상징들은 도처에 있었으나 가장 한국적인 이미지는 솟대라 할 수 있겠다. 2004국제 박물관 협의회(ICOM) : International Council of Museums 서울 총회에서 수많은 상징들을 제치고 공식 로고가 된 솟대는 이미 세계인들에게 가장 한국적인 기원의 이미지 로 인정을 받은 바 있다. 본 연구에서 솟대의 문양을 그려 넣은 접시는 그 기원이 단순히 음식을 담아 식기로 사용 한 것이 아니라 하늘에 제사를 드리고 염원하던 제기(祭器)가 초석이다. 솟대와 원형접시 두 소재를 사용하여 실용적인 도자 작품을 만들어 현대인들에게 실생활에서의 기원의 상징을 갖도록 함이 목적이다. 일반적으로 가장 많이 사용하는 20~30cm 원형접시에 화장토를 첨가한 염화동과 산화철의 발색을 연구하여 만들어낸 안료로 솟대와 장대를 시문하여 화려하지 않은 소박한 이미지가 자연스럽게 투영되도록 하였다. 그리고 위의 안료와 가장 적절한 소지와 유약을 찾아내어 스프레이 시유를 통해 비와 안개의 몽환적인 느낌을 나타내었다. 기원의 이미지를 직·간접적으로 표현함으로써 보다 아름답게 표현하도록 노력하였다. 염화동과 산화철을 섞은 발색의 몽환적인 느낌은 솟대의 새 부분을 시문할 때 사용하였고 강렬한 철의 발색으로 장대를 그려 넣어 대비효과를 나타내었다. 본 연구자는 실용적인 접시에 전통과 현대를 연결하는 소통의 상징으로 솟대라는 표상을 그려 넣어 현대에서 보다 가깝게 기원의 의미를 되새기고자 하였다.

혼색 (混色) 상감기법 표현 연구

연혜인 단국대학교 대학원 2019 국내석사

한국은 짧은 시간동안 많은 발전을 해왔다. 전통은 점차 잊혀 가는 것이 우리의 현실이 되었고, 수많은 정보들은 모든 경계를 없애고 교류된다. 세계의 다양한 문화는 자연스럽게 우리의 실생활 속으로 파고들어와 다방면으로 사용하고 있다. 그 것들은 우리만의 삶의 방법을 통해, 융합되어 또 다른 문화를 만들기도 한다. 이렇듯 우리는 전통문화를 맹목적으로 따르는 것이 아니라, 과거의 것을 이해하고 현시대의 발전된 삶의 변화에 맞게 재해석 되어 우리의 새로운 문화를 만들어야 할 시대라 사려 된다. 그것은 곧 우리 문화의 자연스러운 세계화 길이 될 것이다. 도자 장식기법도 전통의 발판아래 중국의 청자 기술을 받아들이면서 고려 청자 부흥기를 맞이할 수 있었다. 상감기법, 분청기법, 등 당대 최고의 독자적인 ‘상감청자’를 만들어낼 수 있었다. 현대에 와서 화장토를 이용하는 기법이 발전 되면서 안료 착색재의 발전은 자유로운 도자표현이 가능해 졌으며, 현대 도예의 트렌드로 활용 할 수 있는 범위가 넓어졌다. 본 연구자는 전통적 ‘상감 기법’과 색 화장토를 활용하여 현대적으로 표현할 수 있는 도자 장식 기법을 연구하였다. 여러 색상의 화장토를 이용하여 조각한 한 면에서 율동적인 색 무늬가 하나의 그림처럼 나타낸 혼색 상감기법 이다. 본 연구에서는 과거 상감기법에 가장 많이 표현 되어 왔고, 오랜 시간동안 사랑받고 있는 대표적 화(花) · 조(鳥) 문양을 재해석 하였다. 혼색상감 기법은 율동적인 색 화장토로 먼저 면을 표현해 주고 자유로운 선 상감으로 문양을 나타내어 조화롭게 표현 하였다. 형태는 문양과 어울러질 수 있는 호(壺)의 형태로 제작하였고, 실내공간의 오브제로서 우리의 생활에 스며들어 주거공간의 아름다운 실용 도자기를 만들고자 하였다. 이 기법 연구는 호(壺)의 형태뿐만 아니라 도예에 모든 형태의 범위에서 활용 할 수 있으며, 계속 발전 시켜 나아갈 수 있다. 본 연구를 통해 우리나라의 전통 장식 기법이 다시 재조명 되고, 현대 도자 기법이 더욱 다양해져 우리나라 도자예술 발전에 기여하길 희망 한다. Korea has been developed spectacularly in a short period of time. Consequently, the reality is that tradition has been gradually forgotten, and an enormous amount of information is exchanged with no boundary. Furthermore, diverse cultures from the world have naturally come into our lives and been used in various ways. They are fused through our own way of life, creating another culture. Thus, it is considered that it is time to understand and reinterpret our past according to the changes in much developed life of the present, and to create our new culture rather than to follow the traditional culture blindly. It is thus the natural way to globalization of our culture. In ceramic decoration techniques, with the adoption of the Chinese celadon technique on the foothold of tradition, the renaissance of Goryeo celadon could begin. Thus, the most unique 'Inlaid Celadon' of the time could be created through the inlay technique and buncheong (bluish-green) technique. As the technique of using engobes has been developed in modern times, the development of pigment coloring agents has enabled free expression of ceramics, and widened its range that can be utilized as a trend in modern ceramics. In this study, the ceramic decoration technique that can create modern expression using the traditional 'inlay technique' and colored engobes has been investigated. Thus, a mixed-color inlay technique is presented, in which rhythmic color patterns are created as a single picture on the engraved side using a multi-colored engobe. In this study, the patterns of flowers and birds that have been used most frequently in the past inlay technique and loved for a long time were reinterpreted. In such a mixed-color inlay technique, the face was first expressed with the rhythmic colored engobe, and then, the patterns were added with free line inlay for harmonic expression. The shape was made in the form of a jar that could be matched with the patterns, which was intended to be beautiful practical ceramics in our living space as an object of interior space. This technique can be applied to all types of ceramics in addition to the form of a jar, and continue to develop further. It is hoped that this study can help shedding new light on traditional decoration techniques in Korea, and diversifying modern ceramic techniques, and thereby contribute to the advancement of Korean ceramic arts.

변형 화기 제작에 관한 연구

이재현 단국대학교 2008 국내석사

From the East to the West, and from the ancient times to the present, the easiest and the most widely used way of pottery shaping is to use a spinning wheel. Shaping a pottery with a spinning wheel is also a process and a way to draw a clean and deep state of mind that is hiding deep inside a potter's heart, which leads the potter to regain stability of heart while interacting with the soil in the stage of making vessels. Modern ceramic artists pursue the usage of ceramics in the formative art of ceramics. Also, the combination of formative elements in the traditional art of ceramics is left as homework to modern ceramic artists. Peter Voulkos, the American ceramic artist, attempted a modeling using a spinning wheel, which helped him rediscover the most essential characteristics of the ceramic materials and then brought a new field of inquiry into clay and extended its modern concept. By doing so, he presented a direction of the modern ceramic art, while reviving the deformedand atypical style using a spinning wheel. Through the soil, he did not largely exclude the essential nature of a vessel, and at the same time he expressed the property of the material in the easiest and the most direct way according to his thoughts and state of mind. This study pursued ways to make the most of coincidental lines on the surface of the clay while putting it on aspinning wheel and to develop those coincidental lines into a kind of formative modeling, in producing a shape with a spinning wheel. The point of the work was to make the most of the usage as a vessel while giving a formative meaning to a traditional vessel. The motive of the vase was a budding flower, which symbolizes a diversity of human shapes inside the Nature. The foot below props up the vase, and it symbolizes the admiration for the Nature. The height of the vessel, meanwhile, was given a meaning in the course of production, while the lugs that are attached on each side were also given meanings. The artwork of this study, which was presented by the union of spirits, is an expression of harmony among human beings, soil and flowers of the Nature. Using the soil for white porcelains, the vase was created by making the most of the gentle touches of hands in making the shapes of combination of deformation on the spinning wheel. Then, the white glaze was used in order to cleanly present the lines that were born in the interaction between the soil and the human creator. By giving the intention, ideas and thought of the artists to the artwork, the vase was made to be expressed as a formative artwork, and, by giving the usage of a vessel, the artwork pursued the compatibility between a traditional artwork and a formative artwork. 동양과 서양, 고대부터 지금까지 가장 손쉽고 널리 사용된 도자기 성형 방법은 물레를 이용한 성형이다. 물레 성형이라 하면 보통 그릇을 만드는 과정에서 흙과의 교감을 나누며 마음의 안정을 되찾게 하는 자신 내면의 맑고 깊은 정신을 이끌어 내는 방법이며 과정이기도 한 것이다. 현대 도예는 많은 작가들이 조형예술도자에서의 쓰임의 도자를 갈망한다. 또한 전통의 도자에서의 조형적 요소의 결합은 현대에 도예작가들에게 숙제로 남아있다. 미국의 현대도예가 피터볼커스는 물레를 이용한 조형을 시도하여 도자 재료의 가장 본질적인 특성을 재발견하고 점토에 대한 새로운 탐구와 현대적인 개념을 확장시키는 작품을 선보였다. 물레를 이용한 기형의 멋과 비정형의 멋을 살리며 현대 도예의 한 방향을 제시한 것이다. 그는 흙을 통하여 기(器)로서의 본질성을 크게 배제하지 않으면서 재료가 가지고 있는 속성을 자신의 생각과 심리상태에 따라 가장 쉽고 직접적으로 표현하였다. 이번 논문은 물레를 사용한 조형을 제작함에 있어, 물레에 흙을 올리고 돌리면서 나타날 수 있는 우연적인 선들을 살리고 또한 우연적인 선을 조형적으로 발전할 수 있는 방법을 모색(摸索)하였다. 전통적인 기물에 조형적 의미를 부여하며 사용가능한 기(器)로써 쓰임을 살리는 것에 중점을 두어 작업하였다. 꽃 봉우리를 모티브로 하여 제작하였으며 상징적으로는 자연 안에 다양한 모습의 인간을 나타낸다. 받히고 있는 아래의 굽은 상징적으로 자연을 숭배하고 높이는 의미를 부여하여 작업하였으며 부착 장식된 귀는 각각에 의미를 부여하였다. 기의 결합으로 나타난 본 논문의 작품은 자연안의 인간, 흙, 꽃의 융화된 모습의 표현이다. 백자토를 사용하여 물레위에서 나타나는 기형의 결합 형태를 부드러운 손맛을 살려 작업하고, 흙과 만드는 사람과의 교감으로 나타난 선들을 깔끔하게 표현하기위해 백유로 시유하였다. 작품에 작가의 의도와 생각, 철학 등을 부여함으로써 조형작품으로 표현될 수 있도록 하였으며 기(器)의 쓰임을 두어 전통작품과 조형작품의 호환(互換)성을 모색(摸索)하였다.

꽃문양을 응용한 첩화(貼花)장식 도자 합 제작 연구

이주연 단국대학교 대학원 2023 국내석사

도자 합(盒)은 뚜껑과 몸체로 구성된 그릇으로, 내용물을 안전하게 담아 보관하는 실용적 기능뿐만 아니라 심미성까지 내포된 공예품이다. 본 연구는 현대적 표현의 백자 첩화 장식 합 제작 연구를 위해 꽃문양을 단순화 및 패턴화해 현대적으로 재해석하여 제작하고자 하였다. 첩화(貼花)는 도자 장식 기법의 일종으로, 흙으로 만든 무늬를 그릇에 부착하는 기법이다. 과거 유럽과 중국 도자의 일부에서는 틀에서 찍어낸 무늬를 활용해 반복적으로 장식하였다. 이에 본 논문에서는 간결한 형태의 합에 어울리는 꽃문양을 첩화 기법으로 표현하고 이를 중점으로 연구하고자 하였다. 전통적인 꽃문양에 대한 분석을 통해 꽃문양의 종류와 조형적 특징에 대해 알아보고 대표적인 한국 전통 꽃문양인 모란문·연화문·국화문·매화문의 특징과 첩화 장식의 동서양, 현대작가 신동원, 요코 와타나베 (渡邉陽子), 한세은에 대한 사례연구를 통해 모란·연꽃·국화를 주제로 현대적 감각으로 단순화하였다. 또한 첩화 장식의 독창적인 표현을 위해 천의 질감을 이용하였으며, 색소지 점토를 사용하여 첩화 꽃문양을 뚜껑 상단에 부착하여 다채롭게 표현하였다. 색감은 채도에 따른 색상변화를 이용하여 조화롭게 디자인하였다. 본 논문의 꽃문양을 활용한 첩화 장식 백자 도자 합 연구의 의의는 전통적 요소가 가미된 아름다운 수공예가 현대 생활공간에서 문화예술적인 가치를 유지하며, 새로운 한국 전통 도자공예의 아름다움을 이어가는 데 있다.

중국 자주요(磁州窯) 장식의 특징에 관한 연구

양샹홍 단국대학교 대학원 2021 국내박사

자주요(磁州窯)는 현재 학계에서 인정된 중국 고대 북방의 최대 민요 가운데 한 곳이며, 형요(邢窯), 정요(定窯)와 함께 중국 하북성의 3대 명요(名窯)로 불린다. 그 가마터가 지금의 허베이성 한단(邯鄲)시 자현(磁縣)의 관대진(觀台鎮)과 팽성진(彭城鎮) 일대에 있었기에, 송대(宋代) 자주(磁州)에 속했던 자현의 이름을 붙여 자주요라 한다. 1918년 하북성 거록진(巨鹿鎮)에서 송대의 고성이 발견되면서 천진박물관(天津博物院)과 북평역사박물관(北平歷史博物館)이 참여한 발굴 작업이 진행됐다. 당시의 역사 서적에 거의 언급되지 않았던 민간 요장은 국내외 학자들의 관심을 끌었으며, 자주요는 도자기에 장식된 아름다운 문양으로 유명해졌다. 자주요는 오대(五代) 후기 또는 북·송(北·宋) 초 시작되었으며, 거칠고 호방한 장식으로 순박한 민요의 특징이 나타난다. 이후 문화와 예술의 융합으로 자주요의 도자기 장식은 새로운 예술적 경지에 오를 수 있었으며, 도자기 채색기법의 효시가 되어 북송 말기부터 금대(金代)까지 전성기를 맞이했다. 특히, 중국 송·금(宋·金)시대는 정치, 경제, 문화, 예술의 발달로 도자기 제조업이 가장 발달했던 시기였다. 자주요는 소박하고 생동감 넘치며 호방한 채색장식이 특징으로 다양한 장식기법에도 영향을 주었다. 이를 통해 송대 이후 청화와 오채자기(五彩瓷器) 출현을 위한 기반이 마련될 수 있었다. 더불어 국내 외 도자기 분야에 큰 영향을 미쳤으며, 세계도자기 역사에서 중요한 위치를 차지하고 있다. 본문에서는 자주요 도자기에 내재된 미적 특징을 체계적으로 분석하고 다음의 순서대로 연구를 진행하였다. 서론에서는 자주요의 역사적 배경과 연구목적을 밝히고 연구방법과 연구 범위를 기술하였다. 기존의 연구 결과와 자료를 수집하고 정리하여 본 연구와 관련된 성과를 서술하고 연구 대상의 개념과 범위를 설정하여 이에 적합한 분석과 방법을 제시하였다. 그다음 선행연구 분석을 통해 본 연구와의 공통점 및 차이점을 밝혔다. 자주요의 역사를 서술하고 지리적 특성과 기원 및 발전 과정을 분석하여 이에 반영된 사상적 함의를 연구하였다. 여기서 전통 자주요의사상과 미학적 특징을 상세히 분석하고자 하였다. 각 시기의 사회 경제, 정치 병력, 문화 사상, 예술관, 도자 산업 등의 요인은 자주요 기형의 형태를 결정하는 등 상당한 영향을 미쳤다. 특히, 북·송시대에는 궁중문화와 사대부 문화가 약화되고 서민예술이 활성화되면서 민간 도자기가 발전했다. 이후 송·금시대의 도자 산업 분야에서는 기술과 공예의 비약적인 발전이 이루어지는데, 석탄을 연료로 사용하고 가마 구조를 개선하여 소성 기술과 장식 공예의 변혁을 이루어 새로운 국면을 열었다. 자주요 도자기의 장식특징을 분석을 통해 살펴본 결과 자주요 자기의 주요 형태로는 자병(瓷瓶)과 자침(瓷枕)이 있는데, 자병에는 매병, 옥호춘병, 사계병 등이 포함되며, 그 발전단계 및 과정을 서술하였다. 자주요의 발전은 정치, 경제, 문화, 예술 등의 다양한 사회적 요인이 작용한 결과이기도 하고, 또 한편으로는 사회의 진보, 경제의 발달, 문예의 번영, 자기업의 융성과도 관련이 있다. 그다음 자주요의 바탕, 소지, 유약 특징에 대해 세부적으로 분석하였다. 자주요 도자기의 바탕은 주로 백색과 회색이며, 자주요의 전통 기법에는 백지회화(白地繪花), 백지각화(白地刻花), 백지획화(白地劃花), 백지척화(白地剔花)의 네 가지 종류가 있다. 자주요의 소지는 백토, 대청토, 흑유토 등이 사용된다. 도자기 유약은 자연 과학과 미학에서 다루는 공통된 매개체다. 유약은 도자기 표면에 융화된 무색 또는 유색의 얇은 유리 층으로 광물원료(장석, 석영, 활석, 고령토 등)를 일정한 비율로 배합한 것이다. 원료를 분쇄하고 유약을 만들어 기물의 표면에 시유하고 일정 온도에서 소성하여 깨끗하고 아름다운 표면의 도자기로 완성한다. 이로써 도자기의 강도와 절연성(絕緣性)을 높일 수 있다. 오늘날 자주요의 유약은 청유(青釉), 장갈유(醬褐釉), 당황유(唐黃釉), 투명유, 흑유, 요변흑유, 저온삼채유(三彩釉), 취람유(翠藍釉), 철수화(鐵鏽花)등이 대표적이다. 자주요 자기의 전승적 작품의 고찰을 통해 전통 자주요의 여섯 가지 장식기법을 활용한 백지회(繪)화 작품, 백지각(刻)화 작품, 백지획(劃)화 작품, 백지척(剔)화 작품, 홍록채(紅綠彩) 작품, 철수화(鐵鏽花) 작품으로 분류한 뒤 대표적인 현대 예술가들의 작품을 열거하였다. 그리고 작가들이 활용한 전통기법, 공예 기법, 기물의 형태, 장식 내용 및 구도 등 여러 방면에서 체계적인 분석을 전개하였다. 자주요 자기의 기법적 특징별로 대중과 시장의 욕구를 만족시킬 수 있는 9명의 현대 작가를 선정하였다. 자주요의 풍부한 예술적 가치를 통해 중국 도자에서 자주요 역할의 중요성을 가늠할 수 있었다. 민간 장인들의 뛰어난 창조력과 공헌은 후대에 귀중한 유산이 되었고 현재를 통해 미래에도 정신적 재산을 남겨줄 것으로 기대한다. 키워드 : 중국 자주요, 현대, 조형, 유색, 장식기법 Cizhou kiln is currently recognized as one of the largest folk kilns in ancient northern China by academic circles. Together with Xing kiln and Ding kiln, it is known as the three famous kilns in China. Since the kiln is located in Guantai Town and Pengcheng Town, Ci County, Handan City, Hebei Province, it has been called Cizhou kiln since the Song Dynasty. In 1918, after discovering the ancient city of the Song Dynasty in Julu Town, Hebei Province, the Tianjin Museum and the Peking History Museum carried out excavations. The folk kilns rarely mentioned in history books at the time attracted the attention of scholars at home and abroad, and Cizhou kilns were famous for their beautiful patterns on ceramics. Cizhou kiln began in the late Five Dynasties or the early Northern Song Dynasty, and its rough and bold decorations are characterized by simple folk songs. Later, due to the integration of culture and art, the ceramic decoration of Cizhou kiln was able to ascend to a new artistic realm and became the precedent of ceramic color techniques. It ushered in its heyday from the late Northern Song Dynasty to the Jin Dynasty. Especially during the Song and Jin Dynasties of China, with the development of politics, economy, culture, and art, the ceramic manufacturing industry was the most developed.Cizhou kiln is characterized by simple, vivid and bright color decoration, which also influenced various decoration techniques in other periods. This laid the foundation for the emergence of blue and white porcelain and colorful porcelain after the Song Dynasty. In addition, it has had a huge impact on the ceramics industry at home and abroad and occupies an important position in international ceramic history.This article systematically analyzes the aesthetic characteristics of Cizhou kiln ceramics, and conducts research in the following order: In the introduction, it describes the historical background and research purpose of Cizhou kiln, as well as research methods and research scope.By collecting and sorting out theexisting research results and data, the relatedresults of this research are described, the concept and scope of the research object are set, and the corresponding analysis and methods are put forward. Then, through the analysis of the preliminary research, the commonalities and differences related to this research were found. It narrates the history of Cizhou kiln. Through analyzing its geographical features, its origin and development process, it studies the thought connotation it reflects. The ideological and aesthetic characteristics of the traditional Cizhou kiln are analyzed in detail. The social economy, politics, cultural thoughts, artistic viewpoints and other factors produced important influences in various periods. Especially in the Northern Song Dynasty, with the weakening of court culture and scholar-official culture, the art of common people began to revitalize the development of folk ceramics. Later, in the ceramic industry during the Song and Jin Dynasties, the technology and craftsmanship developed by leaps and bounds. Coal was used as fuel to improve the structure of the kiln and realized the transformation of firing technology and decoration technology, creating a new situation. In chapterthree, it analyzes the decorative characteristics of Cizhou kiln porcelain. The main form is the representative ware bottle and porcelain pillow of Cizhou kiln. The bottle includes plum bottle, jade pot spring bottle, four series bottle, etc. The development stage and process are described. On the one hand, the development of Cizhou Kiln is the result of various social factors such as politics, economy, culture, and art. On the other hand, it is also related to the progress of society, economic development, the prosperity of literature and art, and the prosperity of private enterprises. Then, a detailed analysis of the background color materials, porcelain clay classification, and glaze characteristics of Cizhou kiln porcelain was carried out. The background colors of Cizhou kiln porcelain are mainly white and gray, and the traditional craftsmanship of Cizhou kiln porcelain mainly includes four types: painting flowers on white ground, carving flowers on whiteground, incising flowers on white ground and engraving flowers on white ground.The clay of Cizhou kiln includes white clay, Daqing clay and black glazed clay. Ceramic glaze is a common carrier in natural science and aesthetics. The glaze is a certain proportion of mineral raw materials (feldspar, quartz, talc, Kaolin,etc.) mixed in the colorless or colored glass layer on the ceramic surface. The raw materials are crushed to make a glaze, which is fired at a certain temperature to make clean and beautiful ceramics. This can increase the strength of the ceramic. Today, the glazed surfaces of Cizhou kilns include green glaze, dark brown glaze, Tang yellow glaze, transparent glaze, black glaze, black transmutation glaze, low-temperature tri-color glaze, turquoise blue glaze, rust flowerglaze, etc. In chapter four,it examines the inherited works of modern artists from Cizhou Kiln. Using the six decorative techniques of the traditional Cizhou kiln, they are worksof painting flowers on white ground, works ofcarving flowers on whiteground, works ofincising flowers on white ground, works ofengraving flowers on white ground,works of red and green ceramics, works ofrust flowerglazed ceramics. A number of representative modern artworks are listed. There will be a systematic analysisabout traditional techniques, craftsmanship techniques, the form of utensils, decorative content and composition that used by artists. This paper synthesizes the artistic characteristics and development stage of Cizhou kiln. In addition, it also clarified the relationship between Cizhou kiln and life at that time, discussed its unique artistic style, and grasped the way of thinking it wanted to convey. To sum up, the third chapter analyzes and studies the decorative characteristics of Cizhou kiln porcelain, and the fourth chapter analyzes and studies the heritage works of Cizhou kiln porcelain. The decorative art of Cizhou kiln porcelain is the result of accepting the advantages of various techniques, which not only meets the needs of the public and the market, but also shows a rich life interest and establishes its unique decorative system. The founder of art, hailed as the outstanding creativity of the folk craftsmen, his contributions are considered to have left a valuable material heritage to future generations, as well as spiritual property. Keywords: China's Cizhou Kiln, Modern, Form, Color Glaze, Decorative Technique 磁州窯是目前學術界公認的中國古代北方最大的民窯之一,它與邢窯和定窯一起被稱為中國三大名窯。由於該窯爐位於現在的河北省邯鄲市磁縣觀台鎮和彭城鎮一帶,所以從宋代開始就稱之為磁州窯。1918年,在河北省巨鹿鎮發現宋代的古城以後,天津博物館和北平歷史博物館曆進行了發掘工作。當時史書很少提及的民間窯廠,引起了國內外學者的注意,而磁州窯以陶瓷上裝飾的漂亮圖案而聞名。磁州窯始於五代晚期或北宋初,其粗糙而豪放的裝飾以淳樸的民謠為特徵。後來,由於文化藝術的融合,磁州窯的陶瓷裝飾能夠登上新的藝術境界,成為陶瓷色彩技法的先河,從北宋末期到金代迎來了鼎盛時期。特別是中國宋金時期,隨著政治、經濟、文化、藝術的發展,陶瓷製造業最為發達。磁州窯以樸素、生動、鮮豔的色彩裝飾為特色,也影響了其他時期各種裝飾手法。這為宋代以後青花和五彩瓷的出現奠定了基礎。此外,它對國內外陶瓷領域業產生了巨大影響,在世界陶瓷史上佔有重要地位。 本文系統地分析了磁州窯陶瓷的美學特徵,並按以下順序進行了研究: 在緒論中,描述了磁州窯的歷史背景和研究目的,以及研究方法和研究範圍。通過收集和整理現有研究成果和資料,敘述了本研究相關成果,並設置了研究物件的概念和範圍,提出了相應的分析和方法。然後,通過前期研究分析,找出了與本研究相關的共性及差異。 本文敘述了磁州窯的歷史,通過分析其地理特徵及其起源和發展過程,對它所反映的思想內涵進行了研究。詳細分析了傳統磁州窯的思想和美學特徵。各時期社會經濟、政治、文化思想、藝術觀點等因素產生的重要影響。特別是在北宋時期,隨著宮廷文化和士大夫文化被削弱,平民藝術開始振興民間陶瓷的發展。之後,在宋、金時期的陶瓷工業領域,技術和工藝突飛猛進的發展,以煤為燃料,改善窯結構,實現了燒制技術和裝飾工藝的轉型,開創了新局面。 磁州窯瓷器的裝飾特點主要形式是以磁州窯的代表器皿瓶和瓷枕為研究物件,瓶包括梅瓶、玉壺春瓶、四系瓶等,並敘述了其發展階段和過程。磁州窯的發展一方面是政治、經濟、文化、藝術等多種社會因素作用的結果,另一方面也關係到社會的進步、經濟的發展、文藝的繁榮、民營企業的興盛。然後,對磁州窯瓷器的底色材料、瓷土分類、釉性特徵進行了詳細的分析。磁州窯瓷器的底色主要是白色和灰色,而磁州窯瓷器的傳統工藝技法主要有四種類型:白地繪花、白地刻花、白地劃花和白地剔花。磁州窯的瓷土有白土、大清土、黑釉土等。陶瓷釉是自然科學和美學中共同的載體。釉料是礦物原料(長石、石英、滑石、高嶺土等)的一定比例混合在陶瓷表面的無色或有色玻璃層中。粉碎原料,製成釉面,在一定溫度下燒制,製成乾淨美觀的陶瓷。這樣可以提高陶瓷的強度。今天,磁州窯的釉面有青釉、醬褐釉、唐黃釉、透明釉、黑釉、窯變黒釉、低溫三彩釉、翠藍釉、鐵銹花等。 第四章考察了磁州窯現代作家的傳承性作品。運用傳統磁州窯的六種裝飾技法,分別為白地繪花作品、白地刻花作品、白地劃花作品、白地剔花作品、紅綠彩作品、鐵秀花作品,列舉了多名代表性的現代藝術家的作品。並從作家們運用的傳統技法、工藝技法、器物的形態、裝飾內容和構圖等多個方面展開系統分析。 正文中綜合了磁州窯自己的藝術特色及發展階段。此外,還闡明了磁州窯與當時生活的關係,並論述了其獨特的藝術風格,把握了它想要傳達的思維方式。綜上所述,第三章對磁州窯瓷器裝飾特徵進行了分析研究,第四章對磁州窯瓷器的傳承性作品進行了分析、研究。磁州窯瓷器的裝飾藝術是接受各種技法長處的結果,既滿足了大眾和市場的需求,又展現了豐富的生活情趣,確立了它獨特的裝飾體系。被譽為民間工匠們的傑出創造力的藝術創始人,其做出的貢獻,被認為給後代留下了寶貴的物質遺產,也留下了精神財產。 關鍵字:中國磁州窯,現代,造型,釉色,裝飾技法

전통매듭 장식을 활용한 주병개발 연구

김찬솔 단국대학교 대학원 2023 국내석사

주병은 술과 함께 오랜 시간 변천해왔다. 주병은 주로 기능을 중심으로 제작되어왔으나 본 논문에서는 주병을 단순히 술을 보관하고 사용하는 측면보다는 심미적 특성에 주목하였으며 이를 위해 한국의 전통매듭과 결합한 주병을 개발하고자 하고자 하였다. 한국의 전통요소인 전통매듭은 여러 개의 줄과 끈을 엮은 것으로 특히 궁중에서 생활 ‘미화(美花)’의 용도로 많이 활용해 왔다. 또한 매듭은 생김새, 모양 등에 따라 주로 인간 삶의 희로애락과 관련된 의미를 갖고 있다. 이러한 매듭과 주병을 결합하여 미적 특성을 가미한 새로운 주병을 개발하고자 하는 것을 목적으로 하고 있다. 연구 방법으로는 이론적 고찰을 통해 주병 디자인과 한국 전통매듭의 의미에 대해 탐색하였다. 이론적 개념을 통해 매듭의 종류와 형태적 특성과 상징적 의미를 분석하여 주병에 적용 가능한 매듭을 살펴보았다. 최종 선택한 매듭은 연봉매듭, 가지방석매듭, 병아리매듭, 나비매듭, 국화매듭, 매화매듭, 생동심결매듭, 생쪽매듭, 석씨매듭, 매미매듭이다. 주병의 이론적 개념에서 과거의 주병 사례를 통해 다양한 주병의 형태를 분석 및 정리하였다. 조선시대 백자 주병을 참고하여 현대의 주병 작품 개발 사례를 분석하였으며 이를 통해 주병과 전통 매듭의 형태를 잘 살릴 수 있는 원형 병, 원형 다각 병을 활용하기로 하였으며 위의 과정을 통해 도출된 디자인을 바탕으로 매듭 및 원형 주병을 성형하여 최종적으로 총 10개의 주병을 제작하였다. 술은 인간이 기쁘거나 슬플 때 주로 마시며 축하, 건강, 행복 등의 감정 전달을 위한 선물의 용도로도 활용한다. 주병 디자인에 이의 의미를 갖는 매듭을 활용한다면 대중들로 하여금 해당 제품에 대한 공감과 친근함을 불러일으킬 수 있을 뿐만 아니라 주병의 디자인 자체가 인간의 감정을 전달할 수 있는 스토리텔링 상품으로써의 가치도 획득할 수 있을 것으로 기대한다.

퇴화문 화조화장식 백자합 제작에 관한 연구

최한슬 단국대학교 대학원 2017 국내석사

“Wen Gu Zhi Xin” means that “we should learn the past to know new things based on the past,” which means we should know evenly, neither biased to tradition nor to novelty. Regrettably, it is hard to find our traditional culture easily today around us, as our life becomes globalized and Westernized; rather, tradition is felt something rare and considered a special material. It is important to understand and accept culture of other countries in accordance to globalization, but it is more important to keep our culture and let the world know it. Understanding the past and expressing it in the modern artistic style is not simply accepting and enjoying the past style blindly but awakening life and culture of people who lived in the past and containing national emotion in the contemporary Korean art again. Using our traditional ‘toe-hwa technique ― technique of decoration over the body with paintings such as flowers and birds ― the flower and bird painting, a part of the folk painting, was modernistically reorganized, and a white porcelain of the practical and formative design, which could be used in the contemporary real life, was made. As for the design, using the colorful engobe toe-hwa technique, the flower and bird painting that expresses Korean characteristics well was modernistically reinterpreted and decorated the body; as for the form of the porcelain, traditional Korean roof style became the lid’s design motif of the white porcelain. It was made by the jiggering method. ‘The white porcelain of the flower and bird painting decoration by the toe-hwa technique’was not only practical, but it also made traditional sense of formation and splendid and bright colors harmonized for us to feel the modernistic sense. The toe-hwa technique presented in this study developed and applied traditional simple technique to be suitable for the modern life and pattern; the flower and bird painting, a genre of paintings in Joseon Dynasty, was used as the decoration element to make the white porcelain. Through this, this study tries to develop traditional patterns and decoration technique into modernistic and contribute to a variety of our contemporary porcelain expressions and development of porcelain making by the idea of “Wen Gu Zhi Xin”, which means that we should learn the past to make novelty. ‘온고지신(溫故知新)’은 ‘옛 것을 익히고 그것을 미루어서 새 것을 알다’ 라는 뜻으로 전통적인 것이나 새로운 것이나 어느 한 쪽에만 치우지지 않고 고루 알아야 한다는 의미이다. 현재 우리의 생활이 세계화, 서구화가 되어감에 따라 안타깝게도 우리의 전통 문화는 주변에서 쉽게 찾기가 어려워지고 오히려 사람들에게 희소하게 느껴져 특별한 소재라고 생각되어진다. 세계화에 발맞추어 다른 나라의 문화를 이해하고 받아들이는 것도 중요하지만, 우리의 문화를 지키고 세계에 알리는 것은 더욱 중요하다. 과거의 것을 이해하고, 현대적 미술양식으로 다시 실현시킨다는 것은 단지 과거의 양식을 맹목적으로 수용하고, 향수하는 것이 아니라 과거에 살던 사람들의 삶과 문화를 다시 일깨우고 민족의 정서를 오늘날 한국 미술에 다시 담아내는 것에 있다. 과거 우리나라 전통 도자 장식 기법인 퇴화기법을 사용하여 민화 중 한 부분인 화조도를 현대적으로 재구성하고, 현대 실생활에서 쓰일 수 있는 실용적인 조형적 디자인의 백자 합을 제작하였다. 색화장토를 사용한 퇴화기법으로 한국적 특색을 잘 나타내고 있는 화조도를 현대적으로 재해석하여 시문하였고, 합의 형태는 한국 전통 건축양식을 모티브로 삼아 물레 성형하여 백자 합을 제작하였다. ‘퇴화문 화조화 백자 합’은 실용적인 용도뿐만 아니라 전통적 조형감각과 밝고 화려한 색채를 조화시켜 현대적 감각을 느낄 수 있게 하였다. 본 연구에서 제시한 퇴화기법은 단순한 전통적인 기법을 현대생활 패턴에 맞게 발전시켜 응용하였으며, 조선시대의 회화의 한 장르인 화조화를 장식적 요소로 활용하여 백자 합을 제작하였다. 이를 통해 전통 문양과 장식기법을 현대적으로 발전시키고, 옛것을 익혀 새로운 것을 만들어 내는 ‘온고지신’으로서 현재 우리나라 도자표현의 다양성과 도자제작 기술의 발전에 기여하고자 한다.

도자 주전자 윗 손잡이 제작에 관한 연구

김영주 단국대학교 대학원 2019 국내석사

주전자는 차(茶)를 우려내거나 술, 물 따위를 따르는 데에 사용되어 왔다. 본 연구에서는 한국의 전통 문양을 손잡이에 응용한 윗 손잡이 도자 주전자를 제작하여 한국적인 이미지의 주전자 디자인을 제시하였다. 백토와 옹기토를 사용하여 물레 성형하여 완성하였으며, 잡았을 때 편안해야하는 손잡이의 역할에서 벗어나지 않도록 원형의 형태에서 변형을 주어 그림을 그리 듯 이어지는 곡선형 전통 문양 형태의 손잡이를 디자인하였다. 또한 손잡이의 지름은 몸체의 크기에 따라 10.5cm, 11.5cm, 12.5cm세 가지의 크기로 제작하였다. 주전자의 몸통은 구형을 변형시킨 것과 원통 형태로 물레성형 하였고 뚜껑은 안 뚜껑 형식으로 제작하였다. 손잡이 디자인의 소재는 귀갑문, 불로초문, 당초문, 보상화문, 운문, 게문, 박쥐문, 쌍복문의 선(線)의 형태를 응용하여 전통적 이미지를 표현하였다. 또한 손잡이 표면에는 도구를 이용하여 각 문양에 어울리는 질감을 추가하여 장식성을 극대화하였고, 더불어 정면에서 보았을 때는 전통문양의 형태가 나타나도록 하였다. 소성은 장작 가마를 이용하여 1230℃~1235℃의 소금유약 꺼먹이 소성으로 마무리하였다. 본 연구를 통하여 현대에 공감할 수 있는 전통적 심미성이 보여 지는 새로운 윗 손잡이 주전자의 형태를 제안하였으며, 동시에 사라져 가는 우리의 문화를 발전시켜 나아가기를 바라는 마음이다. A teapot has been used to make tea or to pour water, etc. In this study, we produced a top-handled ceramic teapot that applied traditional Korean patterns to the handle and presented the design of a teapot of Korean images. A curved traditional patterned handle was designed so that it doesn't deviate from the role of a handle that needs to be comfortable when grasped, and it was modified the shape of a circular shape. The diameter of the handle is also made up of three sizes, 10.5cm, 11.5cm and 12.5cm, depending on the size of the body. The structure of the teapot was constructed with a cylinder mold shaped like a sphere and a modified cylinder, and the lid was made in the form of an inner lid. The materials of the handle design expressed the traditional Korean image by applying the form of the line of turtle back pattern, Bullocho (grass or herb of eternal youth) pattern, vines plant pattern, lotus deformation pattern, a cloud pattern, crab pattern, bat pattern, and twin bat pattern. In addition, the handle surface was maximized the decorativeness by adding a texture to harmonize with each pattern using a tool and it appears the form of the traditional pattern when the view from front side. sinterring was finished with a salt glaze that ranges from 1230°C to 1235°C using a firewood kiln. Through this study, we proposed a new type of upper handle teapot that shows the traditional aestheticism of empathy to modern times, and at the same time we hope to develop our culture that is disappearing.

가칠·긋기 단청을 응용한 도자 접시 제작 연구

박영미 단국대학교 일반대학원 2018 국내석사

The purpose of this study is to expand and deepen the formability and artistry of ceramic dishes through the production of ceramic dishes using the forms, colors, and principles of Dancheong, the representative medium of our traditional arts. Modern ceramics continues to evolve through various forms and formations, thus broadening the range of 'artistic expression'. Ceramic artists are constantly experimenting and seeking to utilize ceramics as an artistic means of embodying and shaping their inner and mental worlds. I have also been concentrating on the production of ceramic dishes using the principles of Dancheong, which is considered as a representative medium for ideally embodying Korean beauty and traditional emotion. In the meantime, the artistic results obtained through the production of porcelain plates combining the artistry and principle of Dancheng. The results of this study are summarized as follows. First, Dancheong is a representative cultural expression appropriate to the emotional and aesthetic sense of Korean culture. It is a valuable cultural asset that embodies traditional beauty and originality. This study reaffirms the vitality and modern value of traditional culture, art through the work of modernizing the unique value and artistry of Dancheong. Second, in the process of producing the original ceramic plates which combines the forms and principles of Dancheong, the process of successful coloring and dyeing, the methods of controlling the colors change in the firing process in order to obtain the desired color, I learned a variety of technical and practical know-how, such as how to use painting taping techniques and their effects, and how to control the concentration of paints. This know-how is expected to become a valuable intellectual asset in the process of my working in the future. Third, through the theoretical and literary review of Dancheong, I was able to confirm a profound philosophical and ideological foundation in Dancheong's forms, compositions, combinations, and colors. In particular, the principle of Yin[陰], Yang[陽], and five elements[五行] embodied by five colors[五色], it became necessary to communicate and spread traditional culture, traditional thought, and traditional value to more people through Dancheong. Through various experimental formations and theoretical considerations as described above, this study has abundantly acquired the practical know-how and detailed techniques for making ceramic dishes, and at the same time, has applied modern and applied to the gorgeous yet simple traditional beauty of Dancheong, Through this, I could secure the future-oriented formative and artistic atmosphere which harmoniously harmonized the Korean traditional emotion, old- fashionedness, contemporary sophistication and lively vividness that had been sought and pursued previously. In the future, I would like to find more in-depth know-how to designally express the circular and inclusive principles of the philosophical basis, especially Oriental classical Yin-Yang philosophy, I will try hard. Through this, I am aiming to create a competitive cultural product that is harmonious with both modern and contemporary. In addition, this ideal expression technique will be applied to other kinds of sculptures in addition to ceramic dishes, and the scope of my artistic expression will be gradually expanded. 현대 예술이 다양한 표현 양식과 조형적 개념의 틀을 허물고 장르간의 상호 융합을 통해 변해가고 있다. 도자 작가들 또한 ‘흙’이라는 질료와 다양한 ‘제작방법’을 통하여 도자예술만이 가질 수 있는 매체적 특성으로 자신의 내면과 정신세계 구현을 시도하고 있다. 이러한 확장은 도자작가들이 예술적 수단으로 그들의 매체와 제작방법을 적극 활용하고 있음을 시사한다. 본 연구는 가칠·긋기 단청을 응용한 도자접시 제작에 목적이 있다. 도자 접시를 제작함에 있어 단청조형에 대한 다양한 실험 및 이론적 고찰을 통해 전통의 현대화를 바탕에 두고 연구 하였다. 한국 전통 매체인 단청 중에서 긋기 단청과 가칠단청의 조형원리를 파악하였고, 가칠·긋기단청을 응용해 추상적 표현으로 단순화 시켰으며 추상화된 단청은 도자접시에 채색할 때 회화에서 사용되는 테이핑 기법을 활용하였다. 접시의 조형성과 예술성을 확장, 심화하는 방법으로 단청의 전통적 조형성, 색채원리 그리고 철학적 이론을 바탕으로 현대적으로 재해석 하였다. 단청의 외면적인 조형 구성, 색채 뿐 아니라 그 안에 담긴 사상적 철학 기반에 기초하였다. 특히 동양의 고전인 음양오행의 순환적이며 포용적 원리를 회화적으로 표현하였고 보다 심층적인 노하우를 찾기 위해 오방색에 근원을 두었다. 이러한 시도는 전통과 현대가 이분법적 분리가 아니라 상호 의존적이며 전통을 이어가는 이상적 공존이며, 현대 우리사회의 취약한 문화 콘텐츠의 이상적 모델을 만들 수 있다. 나아가서 현대 사회에서도 환영받는 경쟁력 있는 문화 상품을 제작하고 아울러 이러한 이상적인 표현 기법을 도자 접시 외에 다른 유형의 조형물에도 확대 적용함으로써 도자 예술 표현의 영역을 점진적으로 확장해 나아갈 것이다.