상자패러다임을 응용한 건축 이미지 도자 조형 연구

이희정 이화여자대학교 대학원 2008 국내석사

The study researches on human living conditions as the main subject for using cardboard boxes as an expressive paradigm in making artworks in clay. The expressions presented here are one-off objects examining the architectural features of different habitations including African mud houses. It is an integrated study of both art objects and people's living conditions. The houses in urban and rural environments have been compared to search for effective aesthetical forms. Architecture is closely linked to environment and social changes, the formative aspects developed to have cultural characteristics that are inherent to individual nations. The main motifs comes directly from quadrilateral forms in architecture that are geometric, with ethnic characteristics, particular from those that use earth and bricks. The inspiration, coming from the above subjects, has been re-interpreted subjectively for this particular study. It focuses on the formative aspects of architecture rather than function, and it creates a paradigm with cardboard boxes. Artworks relating to this style of expression have been researched, examining both international and national works. Through this, a variety of different styles have been found to be incorporated into the same idea. Furthermore, instead of looking at Asian and Western architecture, the study seeks to understand the quadrilateral mud houses of Africa. Centered around this theme, the study has related its research on Sebastian Schutyser's photographs on 'Mud Mosques' and Jan Bertrand's aerial photographs of quadrilateral habitations. The origins of architecture begin with the need for shelter from natural conditions such as rain and so on. Caves and any protruding stone formations were used as sheltering spaces. Humans made adapted and altered caves to fix their needs. They flattened the ground inside caves and dug the cave deeper inwards. Later this developed into quadrilateral forms for functional purposes, which soon progressed to rectangular structures. As a result, habitation structures before the development of cities and urban spaces, harmonized with nature. They possess a distinct and prominent character made from mud leaving traces of human life. In the early days, when there lacked diversity in building materials, mud was the most durable material. This marks the beginnings to environmental and architectural ceramics, establishing the archetypical foundation for quadrilateral architecture which is comprehended universally. Many of the traditional buildings within a city are residential areas for people and they directly show how quadrilateral spaces have been applied. Therefore this particular structure has been continuously used throughout history and even today. With these factors in mind, quadrilateral houses were made applying natural expressions using stoneware clay bodies. Silica sand was added to stoneware clay in order to create a texture. On top of the clay works iron oxide was brushed on and wiped off randomly. Then glazes were applied on the surface. The first bisquit firing was conducted in a 1.5㎥ gas kiln and it took eight hours to reach 800℃. The glaze firing was done in a 1.5㎥ gas kiln, oxidized at 1250℃. The work using silica sand was glazed with transparent glaze and on some pieces, they were left without glaze. <Work 5, 6>, Japanese color stains were used and a transparent glaze was applied on top. <Works 1, 5>, <Works 3, 4> have been decorated with the same glazes. These were fired in a 0.3㎥ electric kiln, built specifically for reduction purposes. The first firing was to 800℃ and it took eight hours, the second firing reached 1250℃, in ten hours. For this particular study, the clay works create an ancient habitation space using cardboard boxes in a paradigm. Ten pieces were made and they vary in terms of structure. Some pieces purposely depict broken down old mud houses. The study attempted to re-interpret existing mud houses to make one-off ceramic objects. Using this theme, limitations confronted by clay as a material were overcome and developed. Furthermore, it created a chance to examine architecture in more detail. The study was an observation on space, form and time, translated into the material, clay. 주변 환경과 밀접한 관계를 가지고 있는 건축은 사회가 발전하면서 조형형태가 바뀌며, 문화적 특징이 다른 그들만의 색다른 건축을 세웠다. 토속적이며 자연적인 건축방식인 흙집을 가장 원초적인 물질이자 도자의 기본 재료가 되는 흙을 이용하여, 흙집을 재현한 클레이아크 김해미술관의 흙집퍼포먼스전을 보고, 아프리카의 신비한 흙집을 사진을 통해, 흙집의 다양성과 아름다움을 접하면서 사각형 주거형태의 외형이 상자의 사각형 틀과 유사한 기하학적 형상임을 깨닫고, 흙집과 상자에서 느낀 이미지를 새로운 도자 조형 언어로 시각화하는 것을 연구의 동기로 삼았고, 사각형 흙집 형상인 기하학적 형상에서 직접적인 모티프를 얻은 상자를 오브제로 적용해 건축의 이미지를 주관적인 관점에서 재해석하여 도자조형으로 표현하는 것이 본 연구의 목적이다. 이론적 배경으로 상자 패러다임과 건축적 조형성을 강조한 흙집을 설명하였으며, 작품의 조형과정 중 디자인과정에서 상자패러다임을 오브제로서 상자를 차용하였다. 동·서양의 현대 건축이 아닌 아프리카 흙집에서 사각형 주거형태를 찾고, 더 발전된 도시집단 주거지를 통해 조형적 특징을 살펴보고, 아프리카의 건축인 흙집을 세바스챤 슈티제(Sebastian schutyser)의 '머드 모스크(Mud Mosques)'사진과 얀 아르튀스 베르트랑(Yann Arthus-Bertrand)의 항공사진 "하늘에서 보이는 땅"을 통해 집합주택의 건물들 중 사각형의 자료사진을 수집하여 상자오브제와 주거생활의 목적을 담은 일차원적인 건축을 접목시키고, 다양한 건축의 이미지를 조합하여 상자패러다임을 응용한 이미지 디자인을 통해 구체적인 건축이미지를 제작하여 도자조형예술로 표현하였다. 제작방법으로는 타렴, 석고틀을 이용한 가압, 속파기, 석고판을 이용한 판작업을 부분적으로 사용하여 조형화하였다. 태토는 조형작업에 적합한 석기질점토를 사용하여 <작품1, 2, 4, 7>을 성형하였고, <작품1, 3>은 작품의 이미지를 자연스럽게 표현하고자 세인토로 성형하였다. 입자가 거친 흙을 만들기 위해 점차 백자토에 모래를 첨가해 <작품5, 6, 8, 9, 10>을 성형하였다. 석기질점토로 만든 <작품1, 2, 4, 7>과 세인토로 성형한 <작품1, 3>은 산화철을 칠한 후 닦아내고, <작품1>은 유약1, 2, 3을 시유하고, <작품2>는 유약1을 시유하였다. <작품3, 4>는 유약3, 4를 시유하였다. <작품5>의 작은 집모형은 안료(T-G Brown) 0.5%를 첨가하였고, 상자는 유약3을 분무 시유하였다. <작품6>은 일본제품의 고화도 색안료(M-33 Green) 0.5%를 백자토에 첨가해 좌측 기물을 만들고, 고화도 색안료(M-416Green) 0.5%를 첨가해 우측기물을 만들어 투명유로 분무 시유하였다. <작품7>은 흙물을 발라 무유로 하였다.<작품8, 9>는 투명유를 시유하였고, <작품10>은 전체적으로 투명유를 시유하고 유약5를 부분 시유하고, 부분 무유로 하였다. <작품1, 2, 3, 4 ,7>소성은 1.5㎥ 가스가마에서 마침온도 800℃로 8시간 1차 소성 후, 1.5㎥ 가스가마에서 1250℃를 마침온도로 10시간 산화염 소성하였다. <작품5, 6, 8, 9, 10>소성은 0.3㎥ 환원용 전기가마에서 마침온도 800℃로 8시간 1차 소성 후, 2차 소성은 0.3㎥ 환원용 전기가마에서 1250℃를 마침 온도로 10시간 환원염 소성을 하였다. 본 연구를 통해 살펴본 일상적인 오브제인 상자는 도자 조형과정에서 흙집과 접목해 흙집을 응용한 다양한 건축의 이미지로 표현 될 수 있음을 10점의 작품을 통해 발견하였다. 본 연구자의 조형언어가 진화되기를 바라며 건축의 이미지를 참고하였고, 다양한 건축을 응용한 작품사례를 살펴보며 건물이 군집된 건축의 이미지를, 흙집에 변화를 주는 시간을 더해 황폐해지고 무너지고 갈라진 두꺼운 흙집이미지로 그 각각에 주관적인 해석을 제시하여 재해석해보았다. 상자 오브제를 건축을 재현한 단순한 오브제로 파악하기보다 독창적인 표현으로 건축이미지와 연결된 사물로 접목하여, 고정관념의 한계를 벗어난 다양한 각도로 실험적인 조형활동을 통해 건축이미지가 나타난 도자를 바라볼 수 있는 계기가 되고자 한다.

유아를 위한 환경 도자조형 연구 : 교육적 공간을 중심으로

최윤하 이화여자대학교 대학원 2011 국내석사

Early childhood is the period of the cornerstone in the human development stages. In this period, physical, social, cognitive, and linguistic development is rapidly made, and experience or growth in this period becomes the basis of life. Several scholars maintain that the formation of human personality is established before the age of 5 and during the early childhood between aged 0~8, 80% of intelligence was formed with the rapid growth. Therefore, they define that early childhood is the critical period to learn basic developmental tasks, necessary for human growth. If growth development is not appropriate in this period, it is difficult to compensate or correct their deficiency later. In addition, this deficiency can cause developmental disability after being accumulated. In addition, infants want to know everything around them and make a visual exploration. They are full of curiosity, and think and imagine by touching and moving objects in actuality. Learning through such sensual integration is the required background for cognitive development. The development of several senses is connected to the development of various concepts and broaden the realm of right thinking. Therefore, a wide range of experience should be given to the early childhood. In particular, visual environment in several stimulations, is essential for infants. Children who grow under affluent artistic environment can enjoy wonderful life, stable sensibility, and higher level of sentiments. Piaget defined that children's interest in the process of composing knowledge is compared to the fuel. To educate infants, which is the most important period in life, affluent visual experience should be given to children and the environment, in which various senses are encountered, should be created. While studying early childhood education and combining theory and practice, this researcher realized the importance of the creation of artistic environment. For this reason, it tried to produce ceramic sculpture based on a visual, figurative, and artistic sense. Sine ceramic sculptures aiming at early children have not been generalized yet, the will to study and the belief that excellent artistic and educational environment can be created became motives in this research by adding useful educational factors. This research intents to create ceramic sculptures, corresponding to the open space, which can contribute to educational purposes in terms of the development of intelligence, emotion, and imagination of early children as well as the taste of early children. Among several environmental factors, education in open space, harmonizing nature, and the composition of corresponding environment is important. It focused on the creation of each ceramic sculpture, attracting the visual interest of early children as well as the suitability of educational purpose. To identify educational factors, necessary for educational institutions, this research conducted an investigation and analyzed educational purposes. In addition, it put the focus on work production for the natural expression of activities in accordance with the characteristics of each space. Since there is a risk of being damage, all works were planned to be exhibited in open space for the safety and careful observation of early children rather than indoors. The things that are out of children's reach or exhibited in the outer wall or heavy things should be exhibited on the ground for the prevention of danger in terms of safety. Since the effective method for the development of early children is interest-oriented play learning, it puts the purpose in creating sculpture, which can stimulate a sense to attract the interest of early children and give the natural stimulation through environment in daily living. In particular, it tries to express forms and color senses, which are fit for the level of early children's eyes to stimulate visual part, which can gain the effect of the greatest concentration. In the formative process of the work, factor or educational process, which can be a motif in learning contents in accordance with each realm, were selected in order to apply, install, and produce figurative works. In order to express more freely and organic forms, various moulding techniques such as pressurization, coiling, and plate molding were used. Stoneware clay, which is easy for producing, was used. Various colors, which correspond to the children's level of eyes, were expressed. In terms of glazing, transparent glaze or non-glazing was used for the tougher touch by hand. The first firing was made up to the temperature of 800℃ in the 0.5㎥ gas kiln, and the second firing was made at a temperature of 1250℃ in the same kiln with finishing temperature. After oxidation firing for 12 hours, the third firing was made with the finishing temperature of 1250℃ in the same kiln. This research explored the importance of early childhood period in the process of human development and development achievement in accordance with the process, and it examined environmental probability in the holistic development of early children. In addition, it focused on the development of the creation of various visual environments through ceramic sculptures according to the inevitable relationships between various media in accordance with educational purposes and environment, stimulating the senses of early children, and became the momentum to study the possibilities of environment creation through ceramic sculptures. 유아기는 인간발달단계 중에서 가장 중요한 초석이 되는 시기이다. 신체적, 정서적, 사회적, 인지적, 언어적 발달이 급격하게 이루어지며 이때의 경험과 성장이 인생의 기초가 된다. 여러 학자들은 인간의 성격 형성의 기초가 5세 이전에 확립되고 0-8세 사이의 유아기동안 지능의 80%가 발달되는 급격한 성장을 이룬다고 하며 인간으로서 성장하는데 필요한 기초적인 발달과업들을 배워야 하는 결정적인 시기라고 정의한다. 이 시기에 이루어야할 적절한 성장을 놓치면 결손을 보완하거나 교정하는 것이 힘들어지며 이때 나타난 결손은 다음 단계의 발달에 누적이 되어 발달장애를 불러일으킬 수 있다. 또한 유아는 시각적 탐구를 하며 주변에 있는 모든 것을 알고 싶어 한다. 호기심에 가득 차 있고 실제로 만져보거나 움직여 보면서 생각하고 상상할 수 있으며 이러한 감각적인 통합을 통한 학습은 인지발달의 필수적 배경이 된다. 여러 감각의 발달은 다양한 개념을 발달시키며 올바른 사고의 영역을 넓히므로 유아기에는 다양한 경험을 제시하고 체험하게 해 주어야 하며 감각할 수 있는 환경을 풍부하게 해 주어야 한다. 여러 자극 중에서도 시각적 환경은 어린이에게 매우 중요하다. 다양하고 풍부한 예술적 환경 속에서 자라는 유아는 훌륭한 인생과 안정된 정서와 차원 높은 감선이 싹트게 된다. 피아제는 어린이의 흥미를 지식구성 과정에서 연료와 같은 것이라고 정의하였으며 인생발달에서 가장 중요한 유아기에 시각적 흥미 속에서 교육을 스스로 이루어 나가게 하기 위해서는 풍부한 시각적 경험을 제공하며 다양한 감각에 접할 환경을 조성하는 것이 무엇보다 중요하다고 정의하였다. 본 연구자는 유아교육을 전공하여 이론과 실습을 병행하는 과정 중 유아기에 환경과 그에 따른 예술적 환경 조성에 대한 중요성을 절실히 체감하고 도자 조형물을 시각적, 조형적, 예술적 감성으로 제작하고자 했다. 아직은 유아를 상대로 한 도자 조형물이 일반화 되어있지 않기 때문에 연구해 보고자 하는 의욕이 생겼고 아울러 유익한 교육적인 요소를 첨가시키면 훌륭한 예술적, 교육적 환경이 조성될 수 있을 것이라는 생각이 연구의 동기가 되었다. 본 연구에서는 유아의 기호에 부합되며 지능, 정서, 상상력 개발이라는 교육적 목적에도 기여할 수 있는 도자조형을 야외라는 공간에 맞추어 표현하고자 했다. 유아들에게 중요한 여러 환경들 중에서도 자연과 어우러지는 야외에서의 교육과 그에 맞는 환경구성 역시 중요하다. 각 도자조형물이 교육적 목적에 부합하고 유아들이 시각적 흥미를 느껴 다가갈 수 있도록 하는데 초점을 맞추었다. 이를 위해 교육기관에서 필요한 교육적 요소를 파악하기위해 조사를 하였고 그에 따른 교육적 목적을 분석하였고 각 공간의 특성에 따른 활동이 자연스럽게 표현 될 수 있는 작품 제작에 중점을 두었다. 또한 도자작품의 특성상 파손될 수 있다는 위험이 있기 때문에 유아의 안전을 위하며 작품은 모두 야외에 전시하여 유아들이 실내에서보다 주의를 기울이며 관찰하고 감상할 수 있도록 한다. 유아의 손이 닿지 않는 외벽이나 높이에 전시하거나 부피감이 있는 것들은 바닥에 전시하여 안전상의 위험을 예방하도록 한다. 유아들의 발달에 가장 효율적인 방법은 흥미위주의 놀이 학습이기에 유아들의 흥미를 유발시키기 위해서 감각을 자극할 수 있는 조형물을 만드는데 그 목적을 두었으며 일상생활 속에서 환경을 통한 자연스러운 자극을 주고자 했다. 그 중 가장 큰 집중의 효과를 거둘 수 있는 시각적인 부분을 자극하기 위하여 유아들의 눈높이에 맞추어 형태와 색감을 표현하고자했다. 작품의 조형과정에서는 각 영역에 맞는 학습내용 중 작업에 모티브가 될 만한 요소나 교육과정을 뽑아 형태에 응용하여 설치, 조형작품을 제작하였다. 제작 방법으로는 보다 자유롭고 유기적인 형태의 표현을 위하여 가압, 코일링, 판성형 등 다양한 방법으로 성형기법을 활용하였다. 태토는 제작이 용이한 석기질 점토를 이용하였다. 색화장토로 유아들의 눈높이에 맞춘 다양한 색감을 표현하였고 유약은 투명유로 시유를 하거나 손으로 만졌을 때 촉감이 더 거칠게 와 닿을 수 있도록 무유로 하였다. 소성은 0.5㎥ 가스가마에서 800℃까지 1차 소성 후, 2차 소성은 동일한 가마에서 1250℃를 마침 온도로 12시간 동안 산화염 소성 후, 동일한 가마에서 1250℃를 마침온도로 3차 소성하였다. 본 연구를 통해 인간이 발달하는 과정과 그 과정에 따른 발달 과업으로 인해 유아기의 중요성을 알아보았으며 유아의 전인적 발달과 환경에 대한 개연성을 알아보았다. 또한 교육목적에 따른 다양한 매체를 통해 유아들의 감각을 자극 할 수 있는 환경 조성의 필연적 관계에 따라 도자조형을 통한 다양한 시각적 환경 조성 개발에 중점을 두었고 도자 조형을 통한 환경 조성의 가능성에 대해 연구 할 수 있는 계기가 되었다.

시간의 이미지를 표현한 도자 조형 연구 : 톱니바퀴의 형태를 이용하여

이재연 이화여자대학교 대학원 2009 국내석사

To all living people on this earth, we are born with 24 hours to live each day until our death. To each and every one of us, we are given 30,000 days and nights, and we can look upon this as our asset. Yet, the 24 hours given to every living person in the world, sometimes it seems short and sometimes it seems long. How the hours are spent each day determines whether we are able to have more time that we love, enjoy and be happy. But as time unfolds our emotions change and some feeling are completely erased and some remain even after a long time. It is human nature to remember and forget, yet this mechanism within the human brain is quite precise and logical and we co-exist with machines and technology which we have developed ourselves. The study focuses on this aspect of co-existing with machines. Science and technology brings instant results to human beings therefore it, in itself demands from us immediate reaction and result. Due to advance development in technology the speed of change in society has also accelerated, consequently we also have to make an effort to move along with the times. Therefore, human beings have become slaves to the civilization that they have created. We are always pressed for time and have become trapped in the world that we have created particularly with the discovery of machines and technology. This study is interested in the effects produced by the speed of time. It collects the incidents created by such a phenomenon. The study hopes to depict the every moment of time that we are living through clay work. Through this the study hopes to express past, present and future simultaneously as seeking to find a connection between the three states of time. For the research investigation was conducted on the concept of time. Further studies were also done on the relationship of time and art, by looking at artworks based on the same subject. Time is depicted with the toothed-wheel and this is expressed as data. The mechanical movement, order, time and other elements related to time are incorporated in this same notion. Emotions and memories connected to time are captured in the work. The tooth-wheel has a disciplined mechanism and an power order that always returns to its starting point. Therefore all its movements are calculated and programed. For <Works 1, 2, 3, 4, 5> transformation in the toothed-wheel was incorporated using the slab-building technique. The remaining works were made using the slip-casting technique <Works 6, 7, 8, 9, 10>. Here the sharpness of the toothed-wheel is expressed. Stoneware and porcelain clay bodies were used. Manganese glaze was used on <Works 1, 2, 3>, on <Work 4> for textural expression manganese, iron, chrome, and other oxides were applied. <Work 5> was treated with a blue matt glaze. The remaining <Works 6, 7, 8, 9, 10> were completed with a transparent glaze and the points of the wheel was wiped off. Firing was done in 0.5㎥ and 1.5㎥ gas kilns. The first firing reached 900℃in 8 hours. The second firing reached 1250℃ in 9 hours. This was an oxidation firing. Some works were fired three times. <Work 2> was fired to 1050℃ in a 0.3㎥ electric kiln. <Work 5> was fired to 850℃. The subject matter for this study was not easy to research or create in clay work as it is an abstract and metaphysical. The focus was on depicting physical and subjective time. It is not an attempt to express time as being annihilative and meaningless, rather it is a means to revive the forgotten time, things that we have missed in the course of time. Furthermore, the study hopes to give a different insight into ceramics. Clay has moved beyond what it used to be in the past, it is more than a craft, it is another method of expressing an art. 사람이라면 태어날 때부터 죽을 때까지 누구에게나 똑같이 주어지는 하루 24시간이 있다. 사람들은 평균적으로 3만 번의 낮과 밤을 살아가며 이는 삶의 밑천이자 개인에게 할당된 자산이기도 하다. 누구에게나 똑같이 주어지는 하루 24시간이 어느 날은 눈 깜짝할 사이에 지나가기도 하고 또 어느 날은 하루가 무척 길게 느껴지는 날도 있다. 똑같이 주어진 24시간은 어떠한 하루를 보내느냐에 따라 희노애락의 감정이 하루에 여러 번 지나가게 될 수도 있으며, 이러한 감정들은 시간이 지남에 따라 어떤 감정은 점차 지워져 가기도 하고, 또 어떤 감정들은 시간이 지나도 여전히 잊혀 지지 않는 감정들도 있다. 이는 잘 망각하고 감정적인 것을 특징으로 하는 인간이 기억력이 탁월하고 정확하며 논리적이고 고도의 조직력을 특징으로 하는 기계 장치들과 공존하기 때문이라는 생각에서 이 연구를 시작하게 되었다. 과학 기술의 발달은 인간에게 즉각적인 결과물을 가져다주기도 하지만 반대로는 우리에게도 즉각적인 결과물을 요구하기도 하다. 사회 변화의 속도는 점점 빨라지고 우리는 그만큼 빨리 질주하려 노력한다. 결국 인간이 만들어낸 문명과 이기의 편리함에 기대면서도 그 편리함 때문에 오는 불편함도 동시에 견뎌내야 하는 것이며 과학 기술의 발달로 인간은 시간에 쫓기게 된 것이다. 본 연구자는 이러한 시간의 압박들 속에 생기는 여러 가지 변화들에 관심을 가지고 연구를 시작하였다. 따라서 본 연구의 목적은 살아가면서 느끼는 순간순간의 감정의 시간들을 도자 조형화하여 과거, 현재 미래와 연관 지어서 표현하고자 한다. 본 연구의 내용은 시간에 대한 일반적 의미와 개념에 대해 탐구하고, 시간과 예술의 관계를 정리하였고, 시간을 표현하는 매개체인 톱니바퀴의 특성을 표현한 선행 작품들을 자료 사진으로 제시하고 연구하여 현대 미술의 흐름을 연구해 보았다. 작품의 조형 과정에서는 형태가 없고 추상적인 주제인 시간을 표현하기 위해 톱니바퀴라는 하나의 오브제를 선택하게 되었고, 톱니바퀴가 가지는 운동력, 기계적 질서, 시간의 개념 등 여러 가지 의미들에 관심을 가지고 작업을 시작했으며 시간이 지남에 따라 변화 하는 감정과 기억을 표현하고자 했다. 또한 톱니바퀴는 질서를 유지하는 구조물이며 그 특성 중 다시 원점으로 돌아가고자 하는 운동력(motion power)의 의미는 순간적인 찰나를 이용하는 것이 아니라 처음부터 철저히 계획되어진 작업을 의미한다. 제작 방법으로는 작품들<작품 1, 2, 3, 4, 5>는 톱니바퀴 형태의 부분적인 형태변화 표현을 위해 판 성형 기법을 사용하였고, 나머지 작품들<작품 6, 7, 8, 9, 10>은 톱니바퀴의 반복되는 형태의 특성과 날카로운 톱니의 섬세한 표현을 위해 이장주입 성형을 하였다. 태토는 각각의 작품 구성에 맞도록 사용하였는데, 주로 석기질 점토와 주입 성형 기법을 사용한 경우엔 자기질 점토를 이용하였다. 유약은 <작품 1, 2, 3>은 망간이 첨가된 유약을 사용하였고, <작품 4>는 질감 표현을 위해 망간, 철 크롬 등의 발색 산화물을 이용한 뒤 부분적으로 닦아내주었다. 또한, <작품 5>는 Blue matt 유약을 사용하였고, 나머지 <작품 6, 7, 8, 9, 10>은 투명유로 시유한 뒤 톱니바퀴를 부분적으로 닦아내었다. 소성은 0.5㎥와 1.5㎥ 가스 가마에서 900℃로 8시간 동안 1차 소성한 뒤, 2차 소성 역시 0.5㎥와 1.5㎥ 가스 가마에서 마침 온도 1250℃로 9시간 동안 산화염 소성 하였다. 그리고 제작 의도에 따라 <작품 2>는 0.3㎥ 전기 가마에서 1050℃로 3차 소성하였고, <작품 5>는 0.3㎥ 전기 가마에서 850℃로 3차 소성하였다. 본 연구를 통해 추상적인 주제인 시간을 표현함에 있어서 형이상학적인 주제를 조형적 언어로 나타냄이 결코 쉽지 않음을 알 수 있었다. 물리적 시간과 주관적 시간과의 관계에 초점을 맞추었고, 시간이 지남에 따른 무상함이나 무의미함에 대해 다루고자 함이 아니라 작품을 보는 관객들에게 무의식중에 잊어버리고 사는 시간의 중요함에 대해 표현하려 하였고, 도자 예술로 우리가 속한 현실을 표현함으로써 예술을 수용하는 관객에게 도자 예술이 일상생활에 조금 더 쉽게 다가오게 할 수 있는 계기가 될 수 있다고 기대해 본다.

여체(女體) 이미지를 통한 감성표현 도자조형 연구 : 아르누보(L'art nouveau) 양식의 특성을 중심으로

이보미 이화여자대학교 대학원 2009 국내석사

'Art Nouveau', literally means 'new art', it took place in the middle of the 19th century (1890-1910). It was a way of opposing the industrial and mechanical development in England and was part of the art and crafts movement. This eventually spread to France, Belgium and to other European countries. The main source of inspiration for the Art Nouveau period came from nature, art was made based on plants and vegetations using soft and organic curves. The art tendency of this era was more decorative in comparison to other periods. Furthermore the forms were asymmetrical with organic linear qualities in addition to having mysterious colors. The external aesthetics of many of the art nouveau forms resemble the female body. Particularly having had the experience of giving birth, it seems that people harmonize with nature, and this strong and infinite connection is constantly changing and moving. For this reason, the study concentrates to combine the two elements. The main focus is on expressing the hidden feminine qualities, both emotionally and physically, in reference to the Art Nouveau period, simultaneously finding a means to depict the close association of the female body with nature. There are two distinctive reasons for conducting this research. The female body is expressed by exaggerating the curves on the body and this is then put in comparison with several different plants and flowers. The basis for the shape, relates to the Art Nouveau expressions using abstract, compositional, symbolical methods along with two dimensional styles that incorporate geometrical shapes. In some works the body is depicted realistically and in others it is either simplified or exaggerated with decorative expressions portraying the inner emotion of the female. The coiling method in ceramics is most apt for expressing curves and organic linear qualities. Together with this technique, wheel-throwing and slab-building methods were also incorporated. Stoneware clay body was used and the surfaces were decorated with a painted effect using iron oxide (Fe2O3), manganese oxide (MnO2) and chrome oxide (Cr2O3). These were applied and then wiped off in different areas for a natural effect. On top of this surface, colored stains were used for further coloring. A transparent glaze was used on most works and depending on the effect, some were decorated with colored glaze. Often it is difficult to apply glaze on to stoneware clay bodies and this problem was overcame by brushing the glaze on to the surface rather that spraying or dipping. Firing was conducted in a 1.5㎥ gas kiln. First firing reached 900℃, in 8 hours. The second firing reached 1260℃. This was an oxidation and reduction firing and it took 10 hours for completion. The study firstly produced various different methods of expressing the female body by combining different depictions with the Art Nouveau style. Secondly feminine emotions were also depicted in the Art Nouveau style and through this process, the study allowed the discovery of the new emotions for the person making the work. Thirdly, close examination and experimentation was required with the use of clay, color stains, and glazes particularly to transmit the concepts followed by this study. Fourthly, the intuition of women is effectively expressed by combining the body with the Art Nouveau form. Furthermore, the study was a means to re-interpret old art tendency with contemporary aesthetics. Therefore it is possible to state that a new expression in ceramic art was created with the Art Nouveau style of the past. There were many problems that needed to be confronted while researching and working on this study. This will remain as future assignments that require to be tackled. The study hopes to contribute to more new methods of research in producing a new language and expression in ceramic art. 신예술을 의미하는 아르누보(L'art nouveau)는 19세기 중엽(1890-1910) 영국에서 기계생산에 대한 반발로 일어난 미술공예운동이 도화선이 되어 프랑스, 벨기에 등 유럽 대륙을 중심으로 전 세계에 퍼져나가 성행하였던 새로운 미술사조이다. 아르누보는 영감의 원천을 자연에 두었고 식물의 형태로부터 오는 부드럽고 유기적인 곡선을 이용해서 그 이전 시대의 어떠한 표현양식보다도 장식적이었으며 주된 특성은 비대칭적인 형태구조, 자연적인 모티브와 유기적인 곡선의 사용, 신비스러운 색채 등이다. 또한, 그 외형이 자연의 유기적 곡선과 닮아 있는 여체는 생명의 잉태와 출산을 경험함으로써 자연과의 조화로운 관계를 맺고 있으며, 이와 같은 생명력의 강인하고 끊임없는 변화와 움직임은 자연과의 결합에서 그 이미지를 더욱 강조하여 여성만의 정신적이고 심리적인 내면의 표정을 담을 수 있는 예술적 소재이다. 따라서, 본 연구에서는 여성으로서 내재되어 있는 본능적인 감수성을 자연과 동화된 모습으로 아르누보 양식의 표현특성을 이용하여 도자조형 예술로 표현하는데 그 목적이 있다. 작품의 디자인 과정에서는 여체의 부드러운 곡선을 아르누보의 표현특성이라고 할 수 있는 장식적 표현, 자연주의적 표현, 곡선적 표현, 여성적 표현 양식을 근거로 하여 조화롭고 장식적인 여체로 나타내고자 하였고 주로 꽃과 식물의 생명력을 응용하여 여체의 곡선미를 강조하고자 하였다. 인체를 사실적으로 묘사하거나 단순화 혹은 부분만 강조하여 제작함으로써 장식미와 단순미를 가진 내적인 생명력을 도자조형으로 표현하였다. 작품의 제작 방법으로는 여체의 곡선과 아르누보 양식의 유기적인 곡선 및 형태를 자유롭게 표현하기 위해 주로 코일링 기법을 사용하였고 작품의 형태에 따라 물레 성형, 판 성형의 방법으로도 제작하였다. 태토는 변화가 다양한 형태 성형에 적합한 석기질 점토와 산백토를 사용하였고 장식적인 효과를 강조하고 회화적인 느낌을 가미하기 위해 작품에 따라 초벌 후 산화철(Fe2O3)과 이산화망간(MnO2), 산화크롬(Cr2O3)의 산화물을 바른 후 닦아내어 흙의 자연스러운 질감표현이 강조되도록 하고 그 위에 다양한 색의 화장토를 붓으로 발라주었다. 유약은 산화물과 화장토를 바른 부분은 색의 발색을 드러내기 위해 물과 투명유를 1:1로 혼합하여 분무 시유하였으며 그 외의 부분엔 각 작품을 표현하는데 가장 적합한 다양한 색상의 유약들을 사용하였고 석기질 점토가 유약을 잘 흡수하는 특성을 보완하기 위해 붓으로 유약을 여러 겹 발라주었다. 소성은 1.5㎥ 도염식 가스가마에서 마침온도 900℃까지 8시간동안 1차 소성한 후 1.5㎥ 도염식 가스가마에서 마침온도 1260℃로 10시간동안 2차 산화염 소성하였고 작품에 따라 1260℃로 10시간동안 3차 환원염 소성하였다. 본 연구를 통하여 첫째, 예술 표현의 대상으로써 여체에 대한 다양한 조형성 연구와 예술양식으로써 독특한 아르누보의 특성을 재인식해 볼 수 있었다. 둘째, 여성의 감성을 아르누보 양식을 이용하여 표현하고자 하였는데 이러한 과정에서 연구자의 감성적인 면을 새로이 발견할 수 있는 계기가 되었다. 셋째, 독창적인 도자예술의 표현을 위해서 흙과 유약에 관한 면밀한 탐구가 더욱 더 절실히 요구됨을 느낄 수 있었고 넷째, 자연의 힘을 내포하고 있는 여체와 영감의 원천을 자연에 두고 있는 아르누보 양식과의 결합은 여성 이미지를 표현하기에 가장 적합함을 알게 되었다. 또한, 마지막으로 아르누보의 다양하고 독특한 특성을 수용하여 작품에 재구성함으로써 과거, 현재 그리고 미래를 잇는 새로운 도자예술의 방향을 제시하고자 하는데서 그 의의를 찾을 수 있었다. 이를 통하여 알게 된 제작과정 및 작품의 문제점들은 앞으로의 작품 활동에 좋은 밑거름이 될 것이며 이를 바탕으로 형성된 조형 언어로 본 연구자의 앞으로의 작업에 있어 보다 적극적인 창작활동과 조형언어가 이루어질 수 있기를 기대해본다.

나무의 형상화를 통한 감성적 도자조형 연구

배은정 이화여자대학교 대학원 2008 국내석사

Nature has for centuries inspired human beings, particularly artists as a resource for creative ideas. It is life's companion providing infinite possibilities for the artist to develop one's creative thinking. The artist observes the different phenomenon in nature to discover a theme which is most appropriate for the artist's way of transmitting one's own emotions. Like many artists, this study has chosen the tree as an expressive subject for making clay formations. The tree has interesting forms, colors and diverse aesthetical expressions, as multitudes of shapes are integrated into one structure. Therefore it is a most appropriate formation to be translated into an art form. Furthermore, its biological aspects such as birth, growth and maturity are interesting factors that can be used to be made into a structure in clay. The observation on such features, give an artwork life and energy. A tree is a living organism, that perhaps has the least contact with other living species. In other words, it is a living organism, that stays in one place. It does not move and contact other species unless they come and remain on its bark or branch. It survives on its own through repetition giving security to the observer particularly in a period when all is becoming dry and cold due to rapid technological changes. The study has focused on these features to understand the significance of the tree and its biological structure. In contrast to the fact that humans possess a certain type of finitude in their passive emotion, new doors are opened to further develop the basic human living domains using basic instincts. Therefore the urge and need to express experiences and external influences of humans, enable creativity to develop. Evidently, these become the resource for artistic expression. The tree is closely related to human beings and it is inseparable with our lives. Opulence in mind, aesthetical effects and a wide diversity in form, come from the tree. For these reasons, the study examines the biological and formative aspects of the tree. Both realistic and abstract depictions are expressed. For this the relationship between nature and human emotions were studied closely, in addition to observing, the formation, structure and image of the tree. The original shapes were transformed, simplified and exaggerated to be made into clay forms. The pinching, coiling, press-molding, slab-building and wheel-throwing techniques have been incorporated. Both brown and white stoneware clay bodies were used. For surface effects, iron, manganese, iron and cobalt oxides were applied and wiped off randomly. For glazes several types were used including transparent, ivory, jade, green and white-matt. Yellow, sky blue and other color stains were mixed to make different color slips. Black glaze was mixed with white-matt on some pieces. The first firing was done in a 1.5㎥ gas kiln, which continued for eight hours reaching a temperature of 800℃. The second glaze firing continued for nine hours and it was taken up to 1260℃, Both reduction and oxidation firings were conducted. The study looks at the relationship between nature and people. The different transitions in nature provide the artist with infinite inspiration. The tree has been re-interpreted subjectively concentrating on form. Both the maker's aesthetical and emotional aspects have been included into the clay works to create a subjective expression. The characteristics of clay as a material had to be understood in order to make forms that the artist intended to express. So the limitations and possibilities of the material needed to be experimented with. The study is a part of the process in which the artist will continue to pursue with later works to follow. More research work will be conducted on this subject matter to develop individual observation. 자연은 인간에게 있어 삶의 동반자이자 예술의 무한한 소재의 제공과 표현양식들을 창출하는데 많은 도움을 주고 있다. 예술가들은 자연에서 일어나는 여러 현상을 통해 조형적 표현의 대상이 될 수 있는 소재를 택해 자신만의 작품세계를 만들어 내고 있다. 특히 나무는 다양한 형태와 색채, 성장과정의 변화 등 많은 표현의 아름다움을 보여준다. 나무는 각기 다른 특성을 가진 요소들이 하나의 구조를 이루고 있다. 그 형태상의 특성만으로도 다양함과 조화로움을 느낄 수 있어 훌륭한 조형적 소재가 된다. 또한 반복, 순환하는 성장 과정을 통해서 생명력을 느끼며, 다양하고 새로운 이미지가 창출된다. 나무는 한 생명체로써 외부에 의해 반복되어 움직여지는 삶이 아니라 스스로의 삶을 개척해가는 생명체이기도 하다. 그리고 정서적으로 삭막해져 가는 현대인에게 정서적 안정감과 치유력을 제공한다. 이러한 나무를 관찰하면서 나무의 형태와 함께 풍부한 의미와 흥미로운 표정을 가지고 있는 감성을 느끼게 된다. 인간 감성은 인간과 세계를 잇는 원초적 유대로서 인간 생활의 기본적 영역을 열어 주는 역할을 한다. 즉, 인간의 삶에서의 경험과 외부의 자극에 표현하고픈 욕구이며 예술에 있어서 의미 부여와 표현 주체가 되는 것이다. 나무는 인간과 밀접한 관계이며 없어서는 안 될 존재이다. 이런 나무를 통한 다양한 조형미를 느낄 수 있는 도자 작품을 만들고 감상함으로써 공간의 미적 효과와 마음의 여유, 풍요로운 삶까지 가질 수 있을 것이라 생각되어 연구의 대상으로 선택하였다. 본 연구는 나무를 표현주제로 하고 시각적 아름다움을 부각시키기 위해 사실적 표현과 그것을 재구성하여 나무에서 느껴지는 개인적인 정서와 연결하여 감성적으로 표현한 도자조형을 만드는데 그 목적이 있다. 연구 내용으로 우선 자연과 감성이 각각 예술과 어떠한 관계에 있는지를 문헌 자료를 통해 살펴보았다. 그리고 나무의 고찰을 통해 나무가 가진 구조적 특징과 조형성, 나무 이미지에 관해 알아보았다. 이와 함께 본 연구의 내용과 관련 있는 작품을 수집 연구함으로써 다양한 방법과 조형미를 살펴보았다. 조형과정에서는 나무의 구성요소와 특징을 파악한 후, 변형, 단순화, 강조를 통한 조형적 형태에 연구자가 부여한 감성적 이미지를 더해 다양한 표현을 시도하였다. 제작방법으로는 형태 표현에 따라 타렴성형, 석고 틀을 이용한 가압성형, 물레성형, 판 성형 기법을 사용하여 제작하였다. 태토로는 주로 석기질 점토를 사용하여 나무의 질감과 자유로운 형태를 살리고 발색을 효과적으로 하기 위해 갈색, 흰색 석기질 점토를 사용하였다. 시유방법으로 <작품 1, 2>는 흑유와 백색무광택유를 이중시유하거나 흑유를 담금 시유하였다. <작품 3>은 물과 혼합한 산화철을 바르고 닦은 뒤 화장토를 각각 Yellow, Sky Blue, Cobalt Blue 안료와 10%씩 혼합하여 분무 시유 후 투명유를 분무 시유하는 방법을 이용하였다. 그리고 <작품 4, 5, 6, 7, 8, 10>은 나무의 특성을 고려하여 주로 유약을 시유하기 전 산화철, 이산화망간, 산화코발트 등의 산화물을 물과 혼합하여 바르고 닦아 표면 질감이 잘 보이도록 하고 그 위에 각각 투명유, 백색무광택유, 녹색유, 상아색유와 옥색유, 베이지유를 시유하였다. <작품 9>는 겉에는 물과 이산화망간을 물과 혼합하여 바르고 닦아 무유 처리 하고 안에는 흑유로 붓칠 시유하였다. 소성은 1.5㎥ 가스가마에서 8시간동안 800℃까지 1차 소성 하였다. 그리고 2차 소성은 경우에 따라 가스가마에서 9시간동안 1260℃를 마침 온도로 산화염<작품 2(일부), 3, 4, 6, 7, 8, 9, 10>·환원염<작품 1, 2(일부), 5> 소성을 하였다. 본 연구자는 자연과 예술과 깊은 관계가 있으며 인간은 자연의 다양한 변화와 아름다움에 예술 창조 의욕을 느끼는 것을 알게 되었다. 그리고 작품 제작을 통해 나무라는 소재가 주관적 재해석에 의해 다양한 조형적 아름다움 보여주며, 작가의 감성적 표현과의 결합으로 무한한 창조의 가능성을 가짐을 알 수 있었다. 특히 감성은 삶을 살아가면서 겪게 되는 많은 경험에서 만들어지는 것으로 자신의 존재를 느낄 수 있을 뿐 아니라 작품 제작에 있어 인간의 감정이나 느낌에 대한 표현 능력의 근본이 된다는 것을 알 수 있었다. 또한 나무의 특성과 이미지를 점토로 표현함에 있어서 점토의 성질과 다양한 표현 방법에 대해 알 수 있었으며, 작품과정에서 작가의 주관적 감성과 창의성, 대상을 바라보는 새로운 시각과 자세의 중요성을 알게 되었다. 앞으로 나무에 대한 폭넓은 이해와 주의 깊은 관찰을 통해 작가만의 독창적인 표현방법을 연구하여 새롭고 깊이 있는 작품 세계를 추구하고자 한다.

인간 감성과 말(馬)을 통한 도자조형 연구

강화경 이화여자대학교 대학원 2008 국내석사

Human beings are easily affective by external phenomenon as we are born with the sense to feel, in other words, we have senses and emotions. As one aspect of our sensory abilities, we are able to comprehend and express beauty. The beauty that exists in nature is a subject that continues to be explored. For centuries, it has satisfied the human aesthetical senses and with it, humans have continued to find ways of expressing it. Artists in particular have directly dealt with the aesthetical aspects of nature. They have expressed it visually and have gone further to include their own emotions in their own interpretation of nature. Of course, there are milliards of subjects matters that can be addressed aesthetically in nature. Some will appear more familiar and some not so familiar, depending on the character and preference of the person. For this study, the horse has been chosen as the main focal subject for research. For many centuries, the horse has been kept close to human beings as a farm animal and also as a means of transportation. In this respect, humans have raised them in large numbers all over the world. The role of the horse developed from being a simple animal to a farm animal, for hunting purposes, then for military transportation, and many more. Today the horse is simply used for leisurely purposes, for those who enjoy riding, also as a sports category - racing. The many different roles of the horse are studied for this research. Through it an effective method of expression is seek for to be made into clay compositions. The formative aspects of the horse is examined, in relation to its biological and basic knowledge, and works made by other artists has been researched as background reference material. The subjective interpretation from researched materials was then translated into clay formations. In terms of clay making methods, the study chose the coiling technique for a more organic interpretation and in addition to this, the press-molding technique was also used. The clay for this, required to be plastic with restricted shrinkage percentage. Therefore, stoneware clay bodies were used. After bisque firing, the surface of works were decorated with manganese and iron oxides, by sponging, painting and wiping off randomly. Ceramic crayons were used together with terra sigilata. The drawings applied on the surface were sprayed on with a matt transparent glaze so that the drawing be seen underneath. Works without drawings were glazed with a light brown one for a natural effect. With <Work 5> white-matt and crystalline blue glazes were used. The glazes were brushed on thickly and then wiped off. The first bisque firing was conducted in a 1.5m3 gas kiln. It took eight hours and it was fired to 900。C. The second firing was also done in a 1.5m3 gas kiln. This reached a temperature of 1,280c, fired for ten hours in an oxidation firing. <Work 1> was put in a reduction firing. Through this study, it was possible to discover that the human emotion can be expressed in a variety of methods. Furthermore, an artist has to incessantly continue seeking for methods of expressing in order to find a subjective voice that distinctly represents the artist's self. Nature again provides the artists with an abundance of creative resource. The horse has been most inspirational for this research and the study hopes to contribute to further works on this subject matter. 인간은 감성을 지닌 존재이기에 외부의 다양한 반응에 대해 감각적으로 반응하게 된다. 이러한 반응의 하나로 인간은 아름다움을 느끼고 또 표현한다. 자연의 아름다움은 인간에게 끊이지 않는 탐구의 대상이었다. 언제나 그 아름다움은 인간의 미적 감각을 충족시켜 주었고, 인간은 그것을 감상하는데 그치지 않고 끊임없이 표현하고자 노력하였다. 특히 예술가들은 직접적인 감상과 표현에 그치지 않고 그들의 시각을 통해 보고, 자신의 감각을 불어넣어 더욱 아름답게 표현하고자 노력한다. 자연 속에는 정말 수많은 미적 대상이 있지만, 그 중에도 특히 인간에게 친숙한 대상들이 있다. 말은 인간에게 중요한 가축의 하나로 전 세계에서 널리 사육되고 있다. 옛날에는 인간의 식량을 위한 사냥의 대상이었으나, 그 후 군마나 밭갈이에 이용되었고, 최근에는 주로 승용(乘用)이나 스포츠용으로 이용되고 있다. 이렇듯 말은 인간에게 친밀한 동물로 느껴져 표현 대상으로 택하게 되었다. 이에 본 연구자는 인간의 삶에서 느낄 수 있는 다양한 감성들을 인간과 친숙한 동물인 말을 통해 연구자의주관적 감성세계를 도자예술로 표현하는 데에 연구목적이 있다. 본 연구는 인간의 감성과 효과적인 표현에 대해 알아보고 또한 이를 인간에게 친숙한 말이라는 동물에 대입하여 표현하기 위한 조형화 방법에 대해 연구하였다. 또한 말이라는 동물의 조형적인 특성을 관찰하고 말을 소재로 한 국내외의 다양한 작품들을 연구하였다. 자연 속에서 늘 대해왔던 말의 본질적인 형태를 탐구하되, 개개인의 감성은 지극히 주관적이고 개인적인 것이기에 이러한 표현은 연구자의 주관적인 해석에 따라 조형화 시켜 제작하였다. 성형 방법으로는 자연스러운 점토 물성을 살려 자유로운 형태와 질감을 표현하기 위해 주로 코일링 기법을 사용하였고, 자연스러운 반복을 위해 가압 성형을 하였다. 태토는 점력이 좋고 수축률이 적어 성형에 용이한 석기질 점토를 주로 이용하였다. 초벌 소성 후 일부 작품에는 발색에 있어 깊이 있는 색감과 음영의 대비 그리고 질감의 표현을 위해 이산화망간과 산화철을 물에 혼합한 후 붓으로 칠하고 스폰지로 닦아주었다. 또한 세라믹 크레용과 안료를 혼합한 테라시질라타를 이용하여 드로잉을 하였다. 유약은 밑의 드로잉 표현이 가리지 않고 보다 선명한 발색을 위해서 무광 투명유를 분무시유 하여 사용하였고, 드로잉이 없는 작품의 경우 자연스러운 느낌을 살리기 위해 흙의 색을 살릴 수 있는 연한 갈색 계열의 유약을 주로 사용하였다. 또한 <작품5>는 보다 다양한 표현을 위하여 백색 무광택유와 하늘색 무광택유를 전체적으로 컵을 이용해서 흘린 후 스폰지로 닦아내었다. 소성은 1.5m3도염식 가스가마에서 마침 온도 900。C 까지 8시간 동안 1차 소성하고, 2차 소성은 1.5m3도염식 가스가마에서 마침 온도 1,280로 10시간 동안 산화염소성 하였고, <작품1 >은 환원염 소성 하였다. 본 연구를 통해 감성은 예술가의 창조적인 발상에 지대한 영향을 끼치며, 관객들과의 중요한 소통의 통로가 되어줄 수 있다는 것을 알았으며, 역동적인 움직임을 지니고 있는 말은 근육의 움직임, 특징적인 얼굴모양, 다리, 갈기 등 고유의 흥미로운 표현 요소들을 가지고 있어 인간의 감성을 대입하여 표현을 하는데 있어 다양한 가능성이 있는 소재임을 깨닫게 되었다. 또한 시간에 따른 물리적 힘을 기억해 내는 점토의 물성은 즉흥적이고, 순간적인 인간의 감성을 다양한 방법으로 표현하기에 적합한 소재임을 알게 되었다. 작가가 인간의 감성을 개성적으로 표현하기 위해서는 많은 연구가 있어야 함을 느끼게 되었다.

소의 형상으로 자아를 표현한 도자조형 연구

문아영 이화여자대학교 대학원 2008 국내석사

These contemporary times have further aggravated self confusion and instability within the minds of people due to rapid changes. Mass media, internet, overflow of information infiltrating into all parts of our lives, force us to adapt to such social phenomenon and because of this people forget what they really possess within themselves. Furthermore, people no longer know who they are. Perhaps we are leading a schizophrenic life where our own true self divides because of all the attraction transmitted by TV celebrities splashing their shallow external beauty, viewers are tainted by plastic surgery and its popularity. Not only that, trends today are determined by who has the most expensive French designer brands. This is further aggravated by virtual reality created by the internet. Although methods and fields of expression differ according to period, after the romantic era, artists began to solve their own struggles relating to themselves and social experiences in formative ways. In this respect, it is important to move away from simply grooming one's self to be judged shallowly with exterior appearances in order to study the inner self in so that one is able to understand one's true qualities. So an artist should look inwards to discover distinct individual qualities that are inherent solely to one being. Following these guidelines, this particular study is an attempt to analyze the self, living in contemporary conditions like many of us, where the self identity is uncertain. Focused on the inner self, the cattle, a traditional Korean symbol for obedience, loyalty, devotion, sacrifice and passion, is taken as the main formative subject used as an expression in clay. This is a subjective experience and perspective. The aim of it is for viewers to realize their inner self in these confused times through artworks. For the research work, the psychology of contemporary people was examined in order to discover identities. In addition to this, works using the same theme have been observed to create new expressions. How has the cattle been seen in the eyes of artists, what are the expressions of the past and how diverse are they. All these factors have been taken into consideration. The research work and making process was a means to find oneself. The self has been united with the cow form as a formative trial. Physical movement and strength immanent in cattle were studied. Different forms are created by simplification, disassembling and re-interpreting the original form in order to make interesting and exciting creations of artwork. Various different ceramic making skills have been incorporated, these include, coiling, press-molding and slip-casting. With the slab-building method, the insides of different shapes were hollowed out. Different bodies were used in accordance with the shapes. Stoneware, porcelain and traditional clay bodies such as the san-white stoneware, san-iron and onggi clays were used. The same applies with glazing. In general, brown glazes were used. The glaze was brushed on, and sprayed, some on top of slips and oxides. Color stains and terra silgilata were also used. Some works were not glazed. The attempt was to achieve a coarse, textured surface. Bisquit firings were conducted in a 1.5㎥ gas kiln, fired to 800℃ (eight hour firing). Glaze firings reached 1260℃(nine hour firings). Parts of <Work 1> and <Works 3, 4, 5, 6, 8, 9, 10> were oxidized. <Works 2, 7>and a section of <Work 1> were reduced. Two parts of <Work 1> were pit-fired and 4 other parts were fired in a wood-firing kiln. When a person lives in a complex environment, it is difficult to stop and think about one's self by looking inwards. Yet nothing is more important that this if one is to develop the true self. The purpose of the study is to concentrate on the self, as a means to find the true essence. An artist must discover the self especially to develop further the ideas embedded in one's mind. The study attempts to transmit this message so that people can realize to stop themselves being pushed around to do things that they do not wish to do, only then the true self can live within. For this the study has focused on the psychological and formative aspects of the cattle as a symbol of devotion, sacrifice and strength. Furthermore, the shapes discovered in the cattle is interesting. Clay is most appropriate for expressing texture and translating the artist's emotion. In this respect, the medium itself opened new possibilities. The study hopes to contribute to further research on human psychology and forms in art. 현대의 급변하는 시대는 개개인에게 많은 자아혼란과 불안감을 조성해왔다. 대중매체나 인터넷, 각종 정보들이 물밀듯 밀려오고 이에 맞춰 자신을 표현하게 되면서 사람들은 진짜 내면에 간직한 나는 누구인지 알 수 없게 되는 것이다. TV에 나오는 화려한 스타들의 겉모습과 미에 대한 과도한 집착으로 인한 성형열풍, 명품지향주의 뿐만 아니라 인터넷 시대 속의 가상의 자신의 모습 등은 현대인의 자아분열적인 성향을 부축이고 있다. 시대에 따라 표현영역과 방법은 달랐지만 낭만주의 이후로 예술가들은 개인적, 사회적 경험과 문제에서 야기되는 다양한 고민을 조형적으로 풀어왔다. 외모의 변화로 자신을 다듬고 이에 맞춰 자신을 정의하는 얕은 세계 안에서 벗어나 진정한 자신의 내면을 돌아보고 나만의 반짝이는 개성과 자아를 찾도록 하는 일이 현대예술가들의 또 다른 과제라 생각한다. 이에 본 연구에서는 현대의 많은 사람들과 동일한 자아정체성의 혼란을 겪고 있는 본 연구자의 내면을 중심으로 힘과 희생 등의 전통적인 의미부터 순종, 열정의 이미지를 갖고 있는 소를 표현소재로 이용한 도자조형을 통해 본인의 경험과 생각을 표현하여 이를 보는 감상자들에게 자신을 돌아보고 진정한 자아를 발견할 수 있는 새로운 시각과 가능성을 보여주고자 하는데 그 목적이 있다. 연구자는 현대사회와 현대인의 자아정체성에관해 알아보고, 자아를 표현한 현대미술에 대해 문헌을 통해 연구하여 여러 예술가들이 어떤 방식으로 자아를 조형적으로 풀어냈는가에 대한 이론적 토대를 만들었다. 작품의소재가 되는 소의 조형적 특징과 과거부터 현재까지 다양한 시각으로 바라본 소의 의미를 살펴보았고, 이를 이용한 조형작품들을 통해 형태, 내용면에서 작업의 발상을 도울 수 있었다. 작품의 조형과정에서는 현대의 자아에 관한 자료를 바탕으로, 본 연구자가 고민해오던 참자아를 찾아가는 과정을 소의 형태와 결부시켜 조형적으로 풀어보았다. 소의 움직임에서 오는 강한 역동성과 힘을 표현하거나, 단순화시키고 해체하고 결합한 것을 재구성하여 시각적인 흥미와 긴장감을 유도하였다. 작품의 제작방법으로는 형태의 변형이 용이한 가압성형기법과 반복 작업이 가능한 이장주입성형기법, 자유로운 형태의 표현을 위해 타렴성형기법을 사용하였다. 또한 속을 파내는 기법과 판성형 기법을 이용하여 다양한 표현을 하고자 하였다. 태토는 각각의 제작방법과 작품의 성격에 맞게 다양한 방식으로 석기질 점토, 자기질 점토, 세인토를 중심으로 산백토, 산청토, 옹기토 등을 이용하여 작품에 따른 특성을 효과적으로 나타내고자 하였다. 시유는 연구자의 의도에 따라 자연스럽고 원초적인 느낌을 주는 방향의 갈색 계통을 기본으로 하여 흙물을 바르고 그 위에 발색 산화물을 이용한 후 닦아내기도 하였으며, 태토에 색안료를 이용하거나 유약과 테라시즐라타를 이용하였고, 무유로도 작업을 진행하였다. 대부분 거칠고 정돈되지 않는 느낌을 주기위해 붓질 시유를 했고, 일부는 분무 시유를 이용하였다. 소성은 1.5㎥ 가스가마에서 8시간동안 800℃까지 1차 소성 하였다. 2차 소성은 경우에 따라 가스가마에서 9시간동안 1260℃를 마침 온도로 <작품 1>의 일부와 <작품 3, 4, 5, 6, 8, 9, 10>은 산화염 소성을, <작품 2, 7>과 <작품 1>의 일부를 환원염 소성을 하였다. 그리고 <작품 1>의 나머지는 작품의 제작의도에 따라 2개는 노천소성을, 4개는 장작가마소성을 하기도 하였다. 복잡한 현대사회에서 자기 안으로 시선을 돌리는 것은 쉬운 일이 아니다. 하지만 본인의 자아를 돌아보고 찾아내는 작업과정을 통해 진정한 자기발견의 계기를 얻을 수 있었다. 또한 다양한 재료와 형식으로 사회 속의 자신의 생각과 모습을 조형적으로 재창조해내어 사회적인 메시지를 전달하는 현대미술에 대해 연구하게 되면서, 본 연구자는 감상자들이 타자나 사회에 휘둘리지 않고 고유의 개성을 찾아 정체성을 확립할 수 있는 동기를 부여해주고자 하는 작업을 의도할 수 있게 되었다. 그리고 역동적인 소의 모습과 순종, 힘이라는 양면적인 특성을 지닌 소의 의미에서 현실 속에서 방황하는 연구자의 내면세계뿐만 아니라 어떠한 주제와도 어울릴 수 있는 조형적인 가능성을 발견하였다. 점토는 특유의 점성으로 인해 작가의 즉흥적인 손놀림으로 찰나적인 텍스처와 감성을 담아낼 수 있는 다양한 표현이 가능한 재료이다. 이런 특성은 연구자의 작업을 조형적으로 풀어내는 과정에서 큰 역할을 하였고, 도예를 공부하는 후진들이 이를 더욱 연구하고 갈고닦아 다른 장르의 조형예술로는 표현할 수 없는 점토만의 매력을 느끼고, 조형적으로 발전시키기를 기대해 본다.

신체이미지로 소통을 표현한 도자조형연구

이지선 이화여자대학교 대학원 2008 국내석사

사람은 누구나 의사소통을 위해 자신의 생각을 상대방에게 이해시키려고 하는 본능을 가지고 있다. 또한 이러한 과정 안에서 단순히 전달의 기능에만 머무르지 않고 나아가 타인과의 공감대를 형성하는 나눔, 동료의식 등의 공유 개념으로서의 소통에 목적을 두게 된다. 현대는 산업사회와 물질문명 속에서 대량생산과 과학기술의 발달로 획일적인 대중문화가 형성되었다. 다양한 매체의 홍수 속에 인간 중심적 이라기보다는 물질을 우선시하는 상황이 만들어졌고, 사람과 사람의 대화보다는 그 사이에 다른 이질적인 매개체가 자리하여 전달 역할을 하게 되었다. 눈, 귀, 입 등의 사람의 소통 기관들은 제 역할을 하지 못하고 그 기능을 대신하는 이질적인 매체들에 의해 자신도 모르는 사이에 퇴화되거나 한쪽으로 치우친 불균형한 모습을 같게 되었다. 이러한 인간 소통의 도구로서 신체는 중요한 역할을 담당해왔고, 과학이 발전하고 사회가 변화하여도 신체가 담당하는 본질적인 소통의 기능은 변화하지 않는다고 보았으며 이를 연구에 대한 동기로 삼았다. 그래서 개인 안에서의 소통에서 시작하여 신체를 통해 타자와의 공유개념으로 발전시키는 과정의 이미지를 연구하는데 그 목적이 있다. 본 연구는 인간 본연의 소통의 방식에 대하여 연구하고, 사람의 얼굴을 중심으로 하여 다른 사람의 생각을 받아들이고 본인의 생각을 나타낼 수 있는 얼굴안의 기관, 자아를 상징하는 신체 매개체를 통하여 소통에 대한 본연적 의미를 문헌을 통해 고찰한다. 또한 의사소통을 신체이미지로 표현한 선행 작품 사례를 작품조형 과정에 참고하였다. 이에 본 연구는 사람이 가지고 있는 소통의 기관을 소재로 강조, 조합, 상징성을 통해 작품으로 나타내었고, 인간에게 있어 소통의 의미와 기능을 살펴본 후 기계나 매체의 힘을 빌리지 않은 소통의 방식을 이미지화하여 개인의 감성적인 언어로 표현하는 방법을 사용하여 작업을 구성하였다. 제작 방법으로는 일관된 기본 형태를 변형시키는 방법으로 성형하기 위한 가압성형과 자유로운 형태 표현을 위해 코일링 기법, 판 성형 기법 등을 사용하였다. 태토는 표면 질감 표현이 용이한 석기질점토를 주로 사용하였으며 태토 발색의 효과에 따라 산백토와 백자토를 사용하였다. 유약은 신체 기관의 형태라는 것에 주목해 다양한 색상을 사용하기 보다는 백색 무광유를 기본으로 안료를 첨가하거나 채도가 낮은 푸른색 유약 등을 사용해 전체적으로 무채색 계열의 색상으로 유도하였다. 소성은 0.5㎥와 1.5㎥ 도염식 가스가마에서 900℃까지 8시간동안 1차 소성하였고, 1.5㎥ 도염식 가스가마에서 10시간 동안 1280℃를 마침온도로 산화염 소성과 환원염 소성 하였다. 본 연구를 통해 객관적인 신체기관의 표현만이 아닌 변형된 형태의 주관적 표현이 가능하다는 사실을 확인할 수 있었으며 신체가 인간의 생각과 감성을 담기에 훌륭한 매체라는 것을 재인식 할 수 있었다. 또한 인간의 소통과정을 표현하기에 각 기관이 상징하는 이미지를 통해 본인의 의도를 전달하는 것이 가능했고, 이러한 과정을 묘사와 생략이 용이한 점토의 물성을 통해 효과적으로 나타낼 수 있었다. 본인은 연구를 통해 신체라는 소재가 인간 각자의 경험을 축적하고 있는 매개이며 모두가 공유할 수 있는 익숙한 형태이기 때문에 주제 전달력이 강한 표현방식이라는 것을 알 수 있었다. 그리하여 작가의 주관적인 창작과정을 통해 다양한 결과로서의 가능성을 구현할 수 있기를 기대한다. Communication is an important method of sharing ideas and thoughts, yet how many of us can really transmit all that we wish to share to another person. The desire to communicate with another, is a basic human behavior yet we do not have entire freedom to express our thoughts properly. Furthermore, there is more to communication that simply presenting ideas and thoughts, it is also about finding common grounds in which people can relate and empathize. Therefore the purpose of communication is more than just sharing ideas, it has to relate to different concepts. In these contemporary times, a standardized mass culture has been established because of industrialization and material-based civilization where mass-production and technology has precipitated rapid advancement. Through an overflow of media, we are living in a period where everything is centered around material rather than people. Instead of communicating by meeting or facing one another,we have discovered different devices to use for communication. Therefore, our eyes, ears, mouth and other senses, which once helped with communication are no longer used extensively, instead we have developed technical devices to substitute them. As a result, we are unconsciously leaning more and more on to one type of communication method. The study focuses on a personal method of communication and human relations. Using this as the main tackle point of solving today's phenomenon, the study hopes to observe the basic method of human communication by concentrating on the human face. It concentrated on communication with the face, and trying to read what the face states. This is truly what communication is about and it is the symbol of the person. The study aims to discover the basic methods of communication given to human beings and using this, certain aspects have been emphasized, integrated and used as significant symbols. Moreover the basic ways of communications such as its significance and function are studied. Here, the study neglects communication with the aid of a technical device. All subjective viewpoints are expressed using a subjective emotional language. For the clay work different body parts used are incorporated, again as different symbols. The works were made using coiling, press-molding and slab-building methods for the basic forms. For texture and plasticity in the work, stoneware clay bodies were used - two types of white stoneware clay bodies (san-white). Neutral colors were preferred, sofor this reason white-matt glaze was used and for color, oxides and stains were added on. A neutral blue color was used in part but whiteness, appears in most of the works. The firings were done in 0.5㎥ and 1.5㎥ gas kilns. The first bisque firing was taken to 900℃, and it took eight hours, The second firing was conducted in the 1.5㎥ gas kiln. This took ten hours and reached a temperature of 1280℃. Both reduction and oxidation firings were done. The study is not an objective interpretation of the human body, but rather it is a subjective observation relating to methods of communication. The human body is an apt device for carrying both thoughts and emotions. The forms have been made according to the artist's intentions, through elimination and addition. Depending on the expression, some have shed of heaviness and relate back to the past to move away from existing preconceived notions. The study hopes to contribute to artistic developments by researching on the human body and also methods of communication.

중국, 일본, 유럽도자를 통한 한국도자의 연구

김태연 이화여자대학교 대학원 2006 국내석사

인류는 선사시대로부터 오늘에 이르기까지 오랫동안 갖가지 그릇과 접촉해 오면서 사용하고, 변화시키는 등의 문화적인 발전을 해왔고, 도자기는 변하지 않는 모습으로 땅에 묻혀 그 시대의 고증을 충분히 해주고 있다. 최근 5년 사이 한국에서는 지역사업에서 특화산업으로 도자문화를 활성화시키는 시도가 많이 일어나고 있다. 이러한 시도를 바라보면서 본 연구자는 도예전공자로서 한국이 중국과 함께 수천 년간 세계 도자문화를 선두 하는 국가였던 역사를 연구하고 싶었다. 독자적인 청자를 만들고 쓸 수 있는 나라는 중국과 한국 밖에 없었고, 백자의 경우에도 중국과 함께 세계 중심에 서서 주변국가에 도자문화를 계몽하고 발전시키는 데 큰 역할을 해왔다. 17세기에는 일본에, 18세기에는 유럽에까지 도자의 아름다움과 실용성(實用性)에 대해 확산시켰다. 그러나 19세기 후반부터 한국 도자는 갑자기 반전되기 시작하여 주체적인 생각과 선택의 기회를 놓치게 되었다. 또한 20세기를 지나면서 과거와 현재를 분리하고, 공예와 미술의 개념에 혼란을 느끼게 되었으며 세계사적인 보편성을 비판하고 한국적 특수성을 강조하여 전통문화에 대한 균형감각을 잃어버리는 심각한 위기도 경험했다. 하지만 최근 활성화된 움직임의 영향으로 한국의 도자문화의 가능성이 엿보이기 시작하였다. 우리는 이러한 기회를 통해 과거의 우리의 모습에 대해 정확히 이해하고, 이를 밑거름 삼아 빠르게 변화하는 현실에 대한 사회적인 욕구와 생활방식에 맞는 도자문화를 창출해 나간다면 더욱 발전할 수 있을 것이고 예전의 자부심도 회복할 수 있을 것이라고 생각하여 연구하게 되었다. 한국을 중심으로 중국, 일본, 유럽 전반의 도자발생을 역사적인 측면에서 연구하여 정리하고, 유구한 도예전통을 가진 우리나라의 도예를 비춰볼 수 있는 계기를 마련하고자 하였다. 그 이유는 다음의 두 가지로 요약될 수 있는데, 하나는 지금까지 시기별로 동, 서양의 도자역사가 정리된 경우가 별로 없고, 또 다른 이유는 이 모든 문화들이 한국의 도자문화와 밀접한 관계가 있기 때문이다. 이 논문상에서 동양이라 함은 중국, 일본, 한국이고, 서양이라 함은 유럽지역을 뜻하며, 유럽 중에서도 동양의 영향을 많이 받았던 지역을 중심으로 연구범위를 설정하였다. 그리하여 동, 서양의 토기발생부터 근대 도자로의 발전까지를 범위로 하며 시기별로 각 나라의 시기별 도자기 발전상황과 중국, 한국, 일본사이의 교역, 또 한국도자를 중심으로 동양의 국가와 유럽의 다양하고 특색 있게 발전하는 도자문화를 살펴보고 연구하였다. 한국과 관련 있는 국가들의 도자발전상황과 교역상황을 살펴보고 현재 그들의 발전된 도자문화에 대해 알아보면서 장점을 취하려는 것과, 과거 한국의 찬란한 도자문화에 대해 연구하고 이를 한국의 현대도자문화 발전에 도움이 될 수 있도록 자료를 정리하는 데 목적이 있다. 위의 내용의 전달이 원활하게 하기 위하여 각 지역의 시대별 도자기를 묶어서 연대표를 만들어 한눈에 볼 수 있도록 제작하였고, 동양(중국, 일본, 한국)과 서양(유럽-그리스, 이탈리아, 스페인, 네덜란드, 프랑스, 오스트리아, 영국, 덴마크)의 도자발전상황을 알아보았다. 일본의 세토지역의 아이치현 도자자료관과, 한국의 국립중앙박물관, 리움미술관, 호암미술관 등을 방문하고, 각종 문헌들을 통해 알아보며 시기별, 지역별 도자기의 변천에 대해 정리하는 것을 연구방법으로 한다. 이 같은 방법으로 근대 이전의 중국, 한국, 일본, 유럽의 도자를 살펴보고, 중국의 자기가 한국, 일본을 거쳐 유럽으로 전수되는 과정, 또한 자기유입을 통하여 일본과 유럽의 근대 도자의 발전상황과 한국의 근, 현대 도예에 대해 살펴보았으나 과거의 자료를 문헌상으로만 확인한 것은 연구의 한계였다고 생각한다. 중국(中國)에서 처음 자기(瓷器)가 번조(燔造)된 이후 자기는 비색자(翡色瓷)와 청화백자(靑畵白瓷)로 발전되었고, 이후 한국, 일본, 유럽 각국에 자기문화(瓷器文化)를 전달하게 된다. 한국(韓國)에서는 중국에서 전해진 기술을 바탕으로 비색청자(秘色靑瓷), 조선백자(朝鮮白瓷) 등을 제작하였고, 스스로 기술을 개발하여 상감청자(象嵌靑瓷)도 만들어냈다. 또 일본(日本)에서 조선도공(朝鮮陶工)이 뿌리 내린 도자기문화(陶瓷器文化)는 각 지역에 남아 지역적인 특색을 가지고 발전해왔으며 현재까지 이어지고 있다. 유럽(Europe)의 자기문화(瓷器文化)에 중요한 영향을 준 일본의 아리타(有田) 자기 역시 조선도공의 영향을 받은 것이었다. 이후 한국은 일제침략으로 인해 점차 도예문화의 하락세를 맞게 되었고, 우리 도자기의 전통이 말살(抹殺)된다. 해방(解放) 이후에는 전통도자(傳統陶瓷)에 대한 답습(踏襲)을 하거나, 서양문물(西洋文物)에 대한 이해가 되지 않은 상태에서 새로운 문화를 만들었고, 이는 20세기한국의 현대도자 계보로 이어진다. 현대의 한국도자에서는 대학세대(大學世代)로부터 작가의 창의성과 조형성을 중시하는 예술작품으로서의 도자에 의미를 부여하고 있는 양상을 보이고 있고, 일상생활에서 가장 가깝게 접할 수 있는 산업도자는 기계생산품으로 취급되어 그들의 디자인 감각이 풍부하게 반영되지 못하고 있다. 또한 전승도자는 전통도자를 모방하고 답습하는 경향으로 일반인들의 관심에서 멀어지고 있어 또 다른 문제점으로 나타나고 있다고 하겠다. 하지만 전통에 대한 바른 이해와 최근 2000년대에 들어서면서 이루어지고 있는 여러 가지 시도들(도자비엔날레, 각종 개인전 등), 또 산업도자 브랜드들의 노력이 새로운 도자문화를 창출해 나갈 때 우리의 도자문화는 발전할 수 있을 것이다. 이러한 내용을 중심으로 중국, 일본, 한국, 유럽의 도자문화를 시기별로 살펴보면서 연관성을 쉽게 알아보고 흐름을 파악하는 데 도움이 되었으면 하는 바램이고, 정리된 내용을 토대로 후에 많은 후학들의 연구가 지속되길 바란다. From the prehistoric era until today, humankind has used and associated themselves with various types of utilitarian ceramic wares for a considerably long time. As a result the development of utility ceramic wares, changing with the flow of time, played an important part in cultural advancement. Ceramics is not something that is ephemeral but on the contrary, it remains buried underground almost in its original form to refer back to history as a living statement of past times. Over the recent five years, Korea has seen advancement from regional industries to specialized organizations of initiatives through numerous attempts. Seeing this transition, it awaken the past glory of ceramic history that existed many thousands of years ago in China and Korea where the two cultures led much of the ceramic development in Asia. It was only China and Korea who could produce and use celadon. The same is true with the white porcelain. Korea, stood alongside China in the world to play a large role in gradually developing and educating the ceramic tendencies of their surrounding cultures. The influence spread to Japan in the 17th century AD then to Europe in the 18th century. They extended their ceramic character in terms of aesthetics and the importance of use. However this was short-lived for Korea as its ceramics no longer continued to developed with strength and originality towards the latter part of the 19th century. Through Japanese colonization, Korea began to loose its own identity simultaneously as being neglected from making its own choices. Korea was placed in a difficult position where its future oscillated between different powers. With the turn of the 20th century, the past was somewhat severed from the present finding itself in utter confusion in differentiated art from crafts. Furthermore Korea began to revere only Korean traits and turned a blind eye on international universalism which eventually led to a misinterpretation of our inherent traditions and culture. Nevertheless despite stating this fact on Korea's bleak ceramic past, fortunately the developmental potential of ceramic culture in Korea appears positive today through many active contemporary initiatives. Yet it is still important to have a correct analysis on how Korea was in the past in terms of art and cultural development for the future. Such a background will aid in producing ceramic designs that is appropriate for the social needs and lifestyles of today. Through new attempts Korea may be able to regain its status as a nation leading the world's ceramic culture. Consequently, the study focuses on these aspects in order to understand the ceramic movement of today. The study observes the ceramic developments of China, Japan and Europe as its historical reference focusing mainly on the advancement of Korean ceramics. Through this approach, it is possible to understand the past and present ceramic tendencies of Korea. Until now there has been a limited amount of researches conducted on the chronology of Korean ceramics concentrating on the different stages placed in light with contemporary advancements and another reason for the research is that most ceramic traditions have been influenced by our own. Therefore the world's ceramics is closely connected with ours. In this study, when it refers to East Asia, it is specifically directing to China, Japan and Korea. Furthermore, when it mentions the West, it is specifically referring to Europe and in particular to the regions where it received large influences from East Asia. Bearing this in mind, the study starts its research from earthenware of both Asia and Europe going through chronologically to the contemporary times. It also examines trade and exchanges between China, Japan and Korea simultaneously as exchanges between Europe and East Asia. For a clear examination of ceramic advancement between regions, a chart presenting the chronological development of each region has been made - East Asia, China, Japan and Korea; Europe, Greece, Italy, Spain, Netherlands, France, Austria, England, Denmark. With Japan the study concentrates on Seto in the Aichi Prefecture. In Korea, much of the artifacts in the National Museum, Leeum, Hoam Museum have been studied in addition to reading books and articles on related subjects. With the materials, the study examines the different ceramic developments that occurred in China, Japan and Korea to understand how porcelain spread from China, to Korea, then to Japan and finally to Europe. Moreover the Japanese trade with Europe was also studied for this to understand the present situation in ceramics. The study endeavors to enable people studying ceramics to attain a clearer chronological development of ceramic history of China, Korea and Japan in relation to the development that took place in Europe. The study is an observation on the world's different ceramic tendencies seem in light with Korea's past tradition and culture. It hopes to remain as a valuable research material for further studies in the same subject.

도자 작업을 통한 자아 형성 연구 : 선(線)을 이용한 본인 작품을 중심으로

정다연 건국대학교 대학원 2025 국내석사

본 논문은 연구자의 서사를 도자기에 기록하고, 그 기록을 성찰하는 과정을 통해 자아를 형성하는 데 목적이 있다. 도자의 변천사를 살펴보았을 때, 도자기를 통해 자아를 표현하는 방법은 현대 도자의 한 흐름이다. 이러한 흐름 속에서 연구자의 자아 결핍은 작품 제작에 어려움을 제공했고, 연구자는 이를 극복하기 위해 도자 작업을 통한 본인의 자아 형성 방법을 연구했다. 먼저 현대 도자에서 자아 표현이 시작된 과정을 살펴봄으로써, 자아의 필요성을 제기한다. 개인이 브랜드가 되는 현대 도자의 흐름에서, 연구자의 자아 결핍으로 인한 작업 정체성 형성의 어려움을 극복하기 위해 자기분화(Self-differentiation) 개념을 고찰한다. 자기분화는 자아 형성의 방안으로, 이를 실천하기 위해 실존주의와 서사적 정체성(Narrative identity) 이론을 살펴본다. 앞서 살펴본 자기분화, 실존주의, 서사적 정체성 이론을 도자의 특성인 실용성, 가소성, 기록성과 연관 지어 도자 작업을 통한 자아 형성 이론의 실천 방법을 논의한다. 이어서는 연구자에게 영향을 준 루이스 부르주아(Louise Bourgeois)와 준 카네코(Jun Kaneko)의 작품을 살펴보면서, 도자 작품에 본인의 서사를 기록하고 성찰하며 자아를 형성한 후 타인과 소통하는 연구 방향 설정에 대한 타당성을 되돌아본다. 위에서 논의한 이론을 근거로 연구자는 2016년부터 2022년까지 제작된 도자 작품을 성찰하는 과정을 통해 자아가 형성되는 과정을 고찰하였다. 모든 작품은 ‘선의 사용, 점토(粘土)의 사용, 작품의 기록물화’ 세 가지 작업 의도를 기반으로 전개되었으며, 이를 통해 연구자는 작업 환경의 변화 속에서도 일관된 조형적 관심과 자아 탐구의 방향성을 유지하며 작품을 제작할 수 있었다. 본 논문의 마지막 단계인 작품 분석에서는, 작업 과정에서 이루어진 연구자의 선택들과 이를 통해 완성된 형태의 작품을 성찰했다. 작품 되돌아보기를 통해 과거의 생각을 현재의 시점에서 바라보며 점차 발전되어 가는 자아를 인지했다. 따라서 사유의 흐름을 유기적으로 이해하기 위해 조형 작업과 공예 작업을 분리하여 서술했다. 상대적으로 표현의 자유도가 높은 조형 작업을 통해 연구자의 서사를 기록한 작품을 먼저 제작한 후, 완성된 형태를 기반으로 실용성이 고려된 공예 작품을 제작하는 방식을 사용했기 때문이다. 이는 기능과 예술이 조화를 이룬 형태의 도자공예 작품이 일상에서 타인과 지속적으로 소통함으로써 연구자의 자아가 사회화되는, 도자 작업을 통한 자아 형성 연구의 궁극적 목표를 반영한다. 결론적으로, 점토로 만든 선을 이용하여 연구자 본인의 이야기를 도자 작품에 기록하고 성찰하는 작업을 통해 자아를 형성할 수 있었다. 오랜 자아 성찰을 통해 자기분화 정도가 높아짐에 따라, 강압적인 환경에서도 수동적으로 선택하는 현상이 줄어드는 경험을 했다. 이는 곧 도자 작업을 통해 자아가 형성되었으며, 연구자 본인에게는 자아 결핍의 극복이라는 유의미한 성과로 나타났다. 그러나 본 연구의 한계는, 도자 작업을 통한 자아 형성 과정의 보편성에 대해서는 단정하기 어렵다는 것이다. 따라서 도자 작업이 개인의 자아 형성에 기여할 수 있는 가능성을 검증하기 위해, 연구 대상을 확장한 후속 연구가 필요하다. This study aims to inscribe the researcher’s personal narrative into ceramic works and to explore the formation of self through a reflective engagement with these records. A review of the history of ceramics reveals that expressing one’s identity through clay has become a significant current in contemporary ceramic art. Within this trend, the researcher’s experience of self-deficiency posed obstacles to creative production. To overcome this, the study investigates a method of self-formation through ceramic practice. The research begins by examining how self-expression emerged in contemporary ceramics, thereby asserting the necessity of self-formation. In an era where individuals function as their own brands, the concept of self-differentiation is explored as a theoretical means to overcome difficulties in establishing artistic identity caused by the lack of a stable sense of self. Furthermore, existentialism and narrative identity are examined as philosophical frameworks that support the practical implementation of self-differentiation. These theories are then related to the fundamental characteristics of ceramics—functionality, plasticity, and recordability—in order to discuss practical methods for self-formation through ceramic work. In addition, the works of Louise Bourgeois and Jun Kaneko, who significantly influenced the researcher, are analyzed to evaluate the validity of recording one’s narrative in ceramic works as a form of reflection, self-formation, and communication with others. Based on these theoretical foundations, the researcher examines the process of self-formation through a body of ceramic works produced between 2016 and 2022. Each work was developed based on three core intentions: line as language, the use of clay, and artwork as record. This approach allowed the researcher to maintain a consistent sculptural focus and direction of self-inquiry despite changes in the studio environment. In the final section of the study, the completed works are analyzed with attention to the researcher’s choices throughout the creative process. Through this retrospective examination, the researcher was able to recognize an evolving self as past thoughts were revisited from a present perspective. To better understand the organic flow of thought, sculptural and functional works are discussed separately. Sculptural works, which afford a higher degree of expressive freedom, were first created to record personal narratives; these forms then served as a foundation for the production of functional craft works. This process—integrating art and utility—reflects the ultimate aim of this study: to explore the socialization of the self through ceramic works that engage others in everyday life. In conclusion, by shaping lines in clay and recording personal narratives in ceramic works, the researcher was able to engage in self-reflection and ultimately facilitate self-formation. As the degree of self- differentiation increased through sustained introspection, the tendency to make passive decisions in coercive environments decreased. This indicates that ceramic practice contributed meaningfully to the researcher’s process of overcoming self-deficiency. However, the study also acknowledges its limitation in asserting the universality of self-formation through ceramics. Therefore, further research involving a broader range of participants is necessary to verify the potential of ceramic practice as a tool for personal identity formation.