공연예술 공동제작 방법에 대한 연구

소홍삼 서울시립대학교 도시과학대학원 2008 국내석사

As the performing arts market becomes global, the mutual exchange between other performing arts market has become an important trend for our performing arts to be known worldwide and developed. If the recent trends of world arts examined, the East and the West also make the 'new genre arts'with a blend of traditional styles of each country. Not to remain behind this trend of worldwide performing arts market, the national competitiveness in the performing arts should be promoted by complementing the problems of domestic markets and supporting the performing arts productions to enter into foreign markets. Conforming to globalization, artists' exchange and cooperation, and the demand of co-production have been gradually expanded beyond national borders and genres. For co-production between nations, it would require a lot of time, energy and resources. The main reason ofco-production would not be only it is a good business model based on financial propriety, but it also fundamentally promotes the contents and the forms of performing arts to be abundant and diversified. If cultural exchange is promoted through the co-production between countries, the greater mutual understanding between countries and peoples can be fostered, and the more opportunities to create arts can be provided. The performing arts has entered an industrialization step through the revitalization of specific genres and the various production methods such as co-production or co-investment have been attempted due to a large scale of competition also in the domestic market. It is, however, the reality that experience of co-production has not been well accumulated theoretically. Accordingly, in this research, the present status of the various co-productions in the domesticmarket as well as the co-productions between countries will be examined. Alternatives to revitalize the co-productions, consequently, will be searched. This research will clear the basic notions of co-production and examine the current trend of international cultural exchange, and divide the types of co-production on the basis of the resources published by IETM (Informal European Theatre Meeting). The cases of each type will be researched, and the current situation of domestic co-production will be investigated. Through the investigation about general pros and cons of co-production and strength and weakness per type of co-production, the various methods of international and domestic co-productions will be researched. To analyze the co-production, “International co-productions' problems and solutions” published by the 2nd Seoul Forum of 2005 Seoul Performing Arts Festival and “Asian Performing Arts Forum Ⅰ ? Co-production” published by Korean Arts Management Service in 2007 will be referenced. The case studies about the various and noteworthy co-productions attempted in the performing arts market will also be examined. The cases have been selected with the standard of its features in the host, management organization, creators, artists and creating process as well as the interest about the projects from the performing arts sector. This research will consequently draw the implications for the current situation, types, features, evaluation and so forth of co-productions in the performing arts through the case studies in Korea. Base on this research, the problems and solutions of co-production of Korean performing arts will be investigated. It will require some effort to revitalize the good effects of co-production and to secure its success. After all, the role of public theatres and performing arts festivals in production shouldbe expanded to promote co-production. For this, the in-house production system of the theatre will be firstly required. The long-term schemes in the programming of the theatre and the performing arts festival should also be introduced. Moreover, the governmental policy should be induced to foster the opportunities for professional arts managers. Finally, the attitudes of artists should be changed to actively participate in the various cultural exchanges and thus to promote the co-productions of performing arts. 공연예술시장이 점점 글로벌화 되어가는 지금의 시점에서 우리의 공연예술을 세계에 알리고 발전시키기 위해서는 다른 공연예술시장과의 상호교류가 중요한 흐름으로 부각되고 있다. 또한 최근 세계예술의 동향을 살펴보면 동서양이 각국의 상호적 전통양식을 혼합하여 새로운 장르의 예술작품을 만들어 가고 있다. 이러한 급변하는 세계 공연예술 시장의 흐름에 뒤처지지 않기 위해서는 공연 프로그램의 해외진출을 위한 국내시장의 문제점과 이를 보완하면서 경쟁력 있는 공연예술작품의 해외진출 지원을 통하여 공연예술분야의 국가경쟁력을 제고해야 한다. 세계화의 추세에 맞추어 국가 간 경계와 장르 간 경계를 넘나드는 예술인들의 교류와 협업, 공동제작의 수요가 지속적으로 확대되고 있다. 국가 간 공동제작을 위해서는 많은 시간, 에너지, 자원을 들여야 한다. 공동제작은 경제적인 타당성에 의해 좋은 비즈니스 모델이라서 추구 하려는 목적도 있지만 보다 근본적인 것은 국가 간 교류와 공동제작을 통해 공연예술이 내용과 형식면에서 더욱 풍성해지고 다양화 될 수 있기 때문이다. 공동제작을 통해 국가 간의 문화적인 만남으로 확대되면, 참여 국가나 민족에 대한 상호 이해도 가능하며, 더 나아가 국제적인 기준에 부합하는 예술창작을 할 수 있는 기회를 가질 수 있다. 이러한 국제적인 교류와 공동제작뿐 아니라 국내에서도 특정장르의 활성화를 계기로 공연예술이 산업화의 단계에 진입하고, 규모의 경쟁이 시작되면서 공동제작 또는 공동투자 등 다양한 제작방식이 시도되고 있다. 그러나 아직 공동제작에 대한 축적된 경험이 이론적으로 잘 정리되어 있지 못한 게 현실이다. 따라서 본 연구에서는 국제적인 공연예술계의 흐름을 짚어보면서 국가 간 공동제작과 아울러 국내에서 이루어지고 있는 다양한 공동제작의 현황을 살펴보고, 공동제작 활성화를 위한 방안과 대안을 모색해보고자 그 의의가 있다. 연구는 국제문화예술 교류의 경향과 공동제작에 대한 기본적인 개념을 정리하고 IETM(Informal European Theatre Meeting) 에서 발표한 자료를 토대로 공동제작의 유형을 구분하였다. 이러한 유형구분과 함께 유형별 사례를 살펴보았으며, 현재 국내에서 시도되고 있는 공동제작의 현황을 파악해 보았다. 공동제작의 일반론적인 장단점과 공동제작 유형별 장단점, 특성화 연구를 통해 국제적인 공동제작과 아울러 국내의 다양한 공동제작 방식을 함께 연구해 보았다. 공동제작의 특성을 분석하기 위하여 2005년 서울국제공연예술제에서 주최한 <제2회 서울포럼>의 “해외 공동제작의 문제점과 극복방안” 자료와 2007년 예술경영지원센터가 주관한 “아시아 공연예술 포럼 Ⅰ -공동창작” 자료를 참고하였다.. 또한 국내의 공동제작 경험이 공연계 내부에 축적되기 위해 문화예술현장에서 시도되어지고 있는 다양하고 주목할 만한 공동제작 사례에 대한 분석을 시도해 보았다. 사례의 선정기준이 되는 것은 공동제작의 유형을 구분하는 기준이 되는 주최, 주관기관, 창작주체, 참가 예술가 및 제작과정에 있어서 특징이 있는 사례이면서 공공제작 프로젝트에 대한 예술계의 관심도가 높았던 사례를 선정했다. 본 논문에서는 국내에서 이루어지고 있는 공동제작 사례들을 조사 그 중 대표적인 사례를 선정하여 공연예술 공동제작의 현황과 유형, 특성, 그리고 평가와 의미 등 시사점들을 도출해 보았다. 이러한 연구결과를 토대로 국내 공연예술 공동제작의 문제점과 과제를 파악하였다. 공동제작의 순기능을 활성화 하고 성공적으로 진행되기 위해서는 몇 가지의 노력과 과제해결이 필요하다. 공동제작 활성화를 위해서는 무엇보다 공공영역으로 구분할 수 있는 공공극장이나 공연예술축제에서의 공연제작과 창작의 기능이 확대되어야 한다. 그러기 위해서는 첫째, 극장의 자체 제작 시스템 구축이 필요하다. 둘째로 극장 및 공연축제의 프로그래밍의 중장기적 계획과 제작개념의 적극적 도입이 필요하다. 셋째 이를 기획하고 실행하는 전문기획자의 육성을 위한 다양한 노력과 정부차원의 정책적 뒷받침이 있어야 한다. 그리고 예술가들이 다양한 예술가와의 적극적인 교류와 협업을 통해 세계성을 지닌 예술세계를 구축하려는 적극적인 인식의 변화와 더불어 공동제작 주체간 상호신뢰와 사전에 철저힌 준비된 협업이 있어야 만이 공동제작의 활성화를 기대해 볼 수 있을 것이다.

서울시 자치구 문화행정 비교 연구

하희정 서울시립대학교 2008 국내석사

공연예술계 청년인턴제도 운영 및 개선방안 : 한국문화예술위원회와 예술경영지원센터 사례를 중심으로

안지연 서울시립대학교 2010 국내석사

흔히 21세기는 문화의 세기라고 한다. 최근에 발간된 한 번역서는 『문화가 중요하다-문화적 가치가 인류발전을 결정한다』(새뮤엘 P.헌팅턴·로렌스 E. 해리슨공편, 2001) 고 명명하고 있다. 21세기 사회는 문화에 의해 주도될 것이라는 존슨(R. Johnson)의 문화주의(또는 문화결정론)적 입장의 연장선상에서 이해될 수 있으며, 이러한 맥락에서 많은 미래학자들은 21세기를 ‘문화의 세기’로 지칭하고 있다. 문화에 대한 관심과 이해가 상당한 수준으로 상승하면서 문화예술에 대한 욕구는 빠른 속도로 높아지고 있다. 최근 문화예술에 대한 관심과 공연장, 교육기관, 예술단체 등 양적 인프라의 증가로 공연예술시장이 확대되고 있다. 지난 수십 년 간의 경제성장과 예술정책으로 문화산업에 대한 관심이 증폭됨에 따라 공연예술의 수요가 증가하였고 보다 질적으로 높은 수준의 공연 수요가 높아지고 있다. 공연예술정책도 기본방향이 하드웨어 중심에서 휴먼웨어 중심으로 바뀌면서 관객들의 관심과 수준이 높아지고 거기에 부합하기 위한 공연예술시장의 전문화와 다양성의 추구로 질적인 면에서도 변화가 일어나고 있다. 이러한 시대적 요구에 공연예술의 여러 분야 기획, 홍보, 마케팅, 경영, 행정 관련 등 전문인력의 수요가 늘어나고 있는 실정이다. 이 연구에서 공연예술 ′전문인력′이라 함은, 무대 뒤에서 조명, 무대장치, 영상, 음향 등으로 공연의 완성을 돕는 인력, 공연의 전체 기획과 홍보, 마케팅을 담당하는 인력을 말한다. 즉, 창작 아이디어를 만들어 내고 무대에서 관객들에게 연기, 가창, 연주, 무용 등으로 재연해 내는 창작인력을 제외한 공연예술과 관련된 모든 형태의 전문교육을 받고 종사하는 인력을 말한다. 문화예술분야 전문인력이 종사하는 장르의 다양성, 공연기관, 공연단체, 공연장, 공연기획사 등 조직의 다양성, 직무환경의 다양성에도 불구하고 시장규모가 작고 노동시장이 이분화 되어 있다. 또한 1990년대 이후 공연예술 관련학과가 증가함에 따라 배출되는 인력도 상승하고 있다. 그러나 이런 전문인력이 증가하였으나, 문화예술분야는 인력에게 일자리를 줄 수 있을 정도로 성장하지 못하여 인력의 공급과 수요가 일치 하지 않는 수급의 불일치 현상을 보이고 있다. 지금까지 공연예술시장의 현장은 근로조건이나 근무환경이 열악하다. 다만 예술에 대한 열정이 업무에 종사하는 동기로 작용하여 낮은임금, 근무조건을 감내하는 이른바 보상격차를 통하여 괜찮은 자질을 소유한 인력을 보유하여 왔다고 볼 수 있다. 인력부족을 느끼면서도 채용을 꺼리는 중요한 이유는 인건비 부담이다. 그렇다고 해서 전문인력이 갖춘 교육의 학력이나 현장경험을 비추어 볼 때 인건비는 높은 것도 아니다. 이러한 문제점 해결하기 위한 정부의 지원정책은 인건비 보조 정도의 단발적 사업에 머물러 있다. 하지만 공연예술 전문인력양성을 위해서는 인력의 기초연구와 더불어 정책적으로 기반을 다져 지속적으로 지원할 필요가 있다. 공연예술분야 노동시장의 실패로 인한 정부지원은 전문인력들이 부가가치를 높이고 사회진출을 효과적으로 수행할 수 있도록 정부와 공연예술단체간의 상호협력과 네트워크 구축으로 취업으로 연계할 수 있는 토대를 마련해야한다. The 21st century is often called the century of culture. The latest published translation designates『the culture is important-cultural values decide the development of mankind』(Huntington and Lawrence. 2001). The 21st century societies can be understood from an extension of R. Johnsons' status of culturism(or cultural determinism) that is led by culture and so many futurists call the 21st century as 'the century of the culture' in this context. Interests and understanding about culture has reached a significant level, since the desire of culture and arts is growing at a rapid pace. Recently, the performing art market has been magnified with interests in arts and culture, and the quantitative increase in infrastructure such as performance hall, the educational institution and arts organizations. As amplifying interests about the cultural industry with economic growth and arts policy over the past few decades, demand of performing arts is increasing and performance demand of more qualitatively high standard has increased. As the policy of performing arts changed from hardware to humanware in a basic policy, interests and levelsof audience are increased and change is taken place in quality in accordance withspecialization of performing art market and pursuit of diversity. To address these needs of day, various fields of performing arts such as plan,promotion,marketing,management,administration-related professionals are increasing in their demands. In this study, performing arts 'professionals' means people who help completion of performance such as stage lighting, stage setting, image and sound in the backstage and who take charge of whole design, promotion and marketing of performance. In other words, they are the people except for the creative people that make idea and reenact using acting, singing, playing, dancing for the audience in the stage. Despite diversity of genre which professionals in the cultural arts area are in, of organization such as performing organization, performing association, performing hall, performing agency and of working environment, market size is small and labor market is divided into two parts. In addition, new personnels are increasing with the increasing performing arts-related major since the 1990s. Although the number of such professionals has increased, the imbalance between supply and demand is seen by reason of job deficiency in performing art area. The ground of performing art market is poor in working conditions until now. Thus, passion about the arts acts on motivation which is engaged in work, personnel who has a good talent has been possessed via so-called compensation gap that endures low wages and working conditions. An important reason that avoids recruitment is burden of personnel expense despite manpower shortage. Even so, personnel expense is not high seen from field experience and academic background of experts. Support policy of government how to fix these problems remains one-off business such as assistance of personnel expense. But Training of performing art experts needs a basic study of manpower with continuous support that lay foundation for policy areas. In order that art experts raise values and effectiveness for the society, the government support should lay the foundation for network formation and mutual cooperation between government and performing art association that is connected to employment.

공립교향악단과 민간교향악단의 조직운영과 공연활동에 대한 비교연구 : 경기필하모닉과 유라시안필하모닉을 중심으로

남궁선영 서울시립대학교 2010 국내석사

21세기가 문화의 시대임은 누구나 공감하는 사실이다. 공연예술계에서도 이러한 시대적 배경을 밑바탕에 두고 해마다 급성장하고, 규모 또한 조직적으로 거대해지고 있다. 새로운 공연장르가 생겨나고, 각각의 장르가 다양한 방식으로 혼합되어 점점 더 오감을 자극하고 충족시키는 공연예술이 이루어질 것이다. 이러한 환경 속에서 교향악단이 순수예술로서의 가치를 지키면서도 사회환경에 빠르게 대응할 수 있는 조직체제와 활동영역을 구체적으로 정립하는 것은 단체의 존립유무를 가늠하는 중요한 잣대가 될 것이다. 노무현 대통령(2003~2008년) 시절에는 ‘창의성’과 ‘예술의 사회화’ 등 사회적 가치를 공유하고 확산한다는 역할에 집중했다면, 현 정권에서는 시장 논리의 적용과 이에 따른 경쟁력 개념이 분명하게 드러나는 변화가 읽히기 때문이다. 국․공립 문화예술시설에서의 경쟁 개념은 긍정적인 측면에서 보면 운영의 자율성을 얻고 경영 효율성을 극대화한다는 것이나, 자칫 내적 역량이 되지 않은 상태에서는 공공성의 상실과 상업화의 소지를 안고 있어 접근이 쉽지 않다. 1980년대 이후 양적 팽창을 거듭해온 국∙공립예술단체들이 창조적 예술활동과 문화예술향수층 개발확산 등 예술단체로서 본래의 목적을 수행하고 있는가에 대한 비판적 시각이 있다. 이와 함께 예술단체의 효율적 운영과 자생력을 함양부족에 대한 우려의 목소리가 점차 커지고 있다. 본 논문에서는 우리나라의 공립교향악단과 민간교향악단의 구체적 비교 사례로 경기필하모닉과 유라시안필하모닉의 1)조직 운영체제, 2)공연현황, 3)홍보 및 마케팅에 대한 비교 분석을 통해 교향악단의 발전방안을 모색했다는 점에서 그 의의가 있다. 공립교향악단은 상임단원과 비상임단원의 적정비율을 유지함으로써 연주자들에 대한 상시 평가체제를 확립하고 연주에 대한 태도 및 지역 사회교육의 적극 참여도를 높일 뿐 아니라 사무단원의 전문성을 확보하기 위한 제도적 장치를 마련해야 한다. 특히 지방 예산에 의존하는 비율을 점차 낮추며 자립할 수 있는 능력을 키우는 것이 무엇보다 중요하다. 현재의 조직운영체제는 언제든지 변화할 수 있으며, 조직 자체가 사라질 수 있는 위기의식도 필요하다. 순수공연예술의 활성화는 시장 논리만으로 되지는 않으며 적절한 지원이 있어야 한다. 국내 공립교향악단은 운영경비의 전액을 지방자치단체 재원에 의존하고 있지만 참여적 문화예술 활동을 촉진하기 위해서는 무엇보다 민간의 재정지원이 필요하다. 이를 위해서는 교향악단 내부적으로 조례 개정과 간접지원을 늘리는 조세제도 보완 등 제도적 환경을 적극적으로 조성하고 실행해 나가야 할 것이다. 민간교향악단은 자립기간이 상당히 오래 걸리고 재정여건이 안정되어야만 본래 악단의 취지인 창조적인 기획 연주활동에 집중할 수 있는 근간이 된다. 교향악단에서는 한국문화예술위원회 지원이나 복권기금의 ‘문화나눔’, 전국문화예술회관연합회 등의 사업공모를 통해 연주활동을 꾸준히 할 수 있도록 해야 할 것이다. 특히 재원조성을 다변화하는 노력과 이를 위해 공연기획, 홍보 및 마케팅 직원들이 자신들의 전문성을 살릴 수 있도록 다양한 교육 프로그램을 마련하는 것이 상당히 중요하다. 이를 통해 공립교향악단과 차별화할 수 있는 공연시리즈를 기획, 개발해 고전적인 연주형태를 탈피하여 다양한 세대가 함께 할 수 있는 프로그램을 만드는 등 창조적인 관객개발이 무엇보다 절실하다. The 21 century is called as an age of culture. We observe the great expansion of the performing arts community all over the world. New performing genre has been emerging, and each genre is mixed in various ways. Under these circumstances, it will be critical for the survival of a symphony orchestra not only to maintain the value of pure arts but also to respond to the environmental change in Korea. While Roh Mu-Hyun Administration stressed the share and spread of social value like creativity and arts socialization, Lee Myung-Bak Administration puts emphasis on the market principle and competitiveness in the field of culture and arts. It has been arguable issue whether the competitiveness in the public culture and arts facilities can lead to both efficiency and public interests. Though there has been a great increase in the number of public arts organizations in Korea since 1980, it is highly questionable for them to run their businesses efficiently and to perform the expected roles as public organizations. This study attempts to compare the public symphony orchestra with the private one in terms of organization, performance activities, marketing, and so forth. The cases used in this study are Gyeong-Gi Philharmonic and Euro-Asian Philharmonic. Through the case analysis of those two orchestra, long-term strategies to develop the public arts organizations are proposed. As for a public symphony orchestra, it is necessary to maintain the optimal ratio of standing members to guest members. Also, it should build an standing evaluation system, enhance the commitment to the local community, and increase the expertise of the administrative staffs. It is also of great importance to be able to survive financially by reducing the exclusive dependency on the local governments. Survival becomes more important word than just efficiency. Meanwhile, it is needed for activating pure performing arts to not only apply market principle but also secure adequate support from the governments. Financial support from both public and private sectors will work effectively to promote the participatory culture and arts activities. They say that it takes more time for the private symphony orchestra to survive independently than the public one. As for a private symphony orchestra, it is necessary to continuously attract external funds such as Arts Council Korea(ARKO), Culture-Sharing by Lotteryarts, and National Association of Cultural and Arts Centers (NACAC), a non-profit organization of 133 cultural and arts centers throughout Korea. Various training programs for the administrative staffs would be helpful to promote their expertise in the fields of performance planning, public relations, marketing, and so on.

어린이 오페라와 공연장 활성화의 관계 : 독일 어린이 오페라의 성공사례를 중심으로

김순복 서울시립대학교 도시과학대학원 2010 국내석사

국 문 초 록 어린이 오페라는 음악, 무용, 미술, 문학과 연극을 하나로 뭉쳐내는 종합예술로 오페라가 가지고 있는 특징과 의미를 어린이들에게 쉽고 재미있게 전달하여 유익한 체험이 될 수 있게 한다. 그리고 어린이 관객들의 예술 참여를 유도하는데 있어서 어린이 오페라가 효과적이라는 사실을 많은 공연과 사례에 의해 알게 된다. 어린이 오페라는 인간의 창의성과 능동성을 문화예술 안에서 습득하고 고취시키는 교육적 가치를 내포하고 있고 하나의 가족놀이 문화라고 할 수 있다. 어린이 오페라라는 새로운 장르는 어린이들에게 음악에 대한 이해와 흥미를 일으켜 창조와 예술 활동의 기초가 될 잠재 능력을 개발시킨다. 어린이 오페라를 통한 공연장의 활성화는 어린이와 부모, 가족들이 모두 같이 체험할 수 있고 어린이 오페라에서부터 오페라까지 청중과 지지 기반을 형성할 수 있는 효과를 볼 수 있다는데 그 의미가 있다. 최근 들어 주 5일제의 실시로 여가 시간이 확대됨에 따라 예술교육에 관심이 있는 부모들은 어린이에게 예술에 대한 호기심과 관심을 가지게 하기 위하여 어린이들과 함께 문화예술 공연장을 찾고 있다. 이러한 시기에 새로운 작품들을 어린이 관객들에게 재미있게 관람할 수 있게 해준다면 음악을 통한 어린이 교육은 어린이들의 잠재된 사고력을 높여주게 된다. 유년기에 경험한 부모와의 예술 활동 참여는 성인이 되어 예술상품에 대한 소비를 결정하는 중요한 요인이 된다. 어린이 오페라를 통한 공연장의 활성화는 오페라 계에 종사하는 전문가들에게 공연예술 수요창출을 가능하게 해줄 것이다. 그러므로 어린이 오페라를 통한 활발한 공연은 새로운 예술문화사업의 커다란 기회이다. 본 연구에서는 먼저 오페라에 대한 이해를 위해 오페라의 역사, 구성요소, 종류 그리고 국내 오페라의 공연 현황을 조사하였다. 국내 어린이 오페라의 목적과 내용 그리고 현황을 조사하여 그 문제점들을 밝혀내었다. 그리고 우리나라 보다 먼저 활성화된 독일의 어린이 오페라 역사, 오페라단의 분류와 어린이 오페라를 위한 독일에서 현재 새로 작곡되어 자주 공연되고 있는 오페라 작품들을 조사하였고 마지막으로 독일의 어린이 오페라 전문화와 이를 통한 공연장의 활성화에 대해 사례를 조사하여 분석하였다. 독일의 사례를 조사한 것은 국내 어린이 클래식 음악계와 공연장이 어린이 오페라를 통하여 전문화에 도움이 될 수 있도록 하기 위해서 이다. 앞으로 어린이들이 미래의 꿈을 키우며 건전한 시민으로 성장하도록 전문화된 어린이 오페라는 중요한 역할을 담당하여 우리 문화예술계와 오페라계의 나아갈 방향을 정하는데 도움이 되고자 한다. Abstract Relationship of child opera and performance of hall activation -Successful instance of Germany child opera in center- This dissertation is written about the relationship child opera and the performance of hall activation, specially about the successful instance of Germany child opera in center. The background of the dissertation is the introducing the child opera. The korean child opera began in a several years ago. But it is not active. The purpose is to show, what child opera is, how can active the child opera and the performance of hall and to develop the strategy for the activation of korean performance halls through the activation of child opera in korea. First about the opera is scholastic researched. I studied the korean situation in area child opera nowaday and the activation of germany child opera together. I made a survey of opera about: opera history, how it put together, all sorts of opera and the performance situation in korea now. With the investigation of the child opera in germany I would introduce the leading activity of child opera and how it influenced the activation of performance of hall. I surveyed the situation of the child opera in korea, the contents, the present performance conditions and the problem point of our child operatic public performance in korea. Next I surveyed the successful instance of germany child opera, the leading activation of the child opera in the world. I studied the history of german child opera, classified the child opera groups and introduced the title of performed products in germany. I studied the activation of german child opera, what are the success factors and how effect the activation of the child opera to the performance of hall activation. The case study led further the successful factors of child opera and the activation of public performance hall. I propose the plan for the activation of child opera and the performance hall activation in korea. This dissertation is not at all for the activation of the child opera, but it seems to make helping the people, who are interested in the child opera and the activation of performance of public hall.

창작뮤지컬<천사의 발톱>작품성과 흥행성 분석 연구

장수림 서울시립대학교 도시과학대학원 2007 국내석사

1990년대 이후 한국 뮤지컬은 전문적인 뮤지컬 극단이 출현하면서 다양한 작품과 공연 횟수의 증가로 인해 본격적인 발전하였다. 1996년 에이콤에서 선보인 <명성황후>는 우리나라 뮤지컬 시장의 중요한 전환점이 되었고 열악한 우리 창작 뮤지컬의 상황을 가능성 있는 한국 뮤지컬로 변화시켰다. 국내는 물론 해외 뮤지컬 시장에서도 크게 호응을 받았고 지금까지도 공연 되고 있는 <명성 황후>의 제작과 성공이 창작 뮤지컬의 가능성을 보여준 것이다. 그러나 이와 같은 움직임과 노력 속에도 불구하고 우리나라 창작 뮤지컬은 위기의 상황에 놓여있다. 현재 한국에서 공연되는 뮤지컬 중에 <난타>,<사랑은 비를 타고>,<행진,와이키키 브라더스>,<루나틱> 등을 빼면 대부분 외국 뮤지컬을 번안한 작품들이다. 라이선스 뮤지컬과 오리지널 뮤지컬은 외국 제작사에 사용료인 로열티를 지불한다. 라이선스뮤지컬은 번안뮤지컬로 일종의 주문자 브랜드 생산품(Original Equipment Manufacturing :OEM) 이라 할 수 있다. 외국 뮤지컬은 우리 귀에 친숙한 곡과 독특한 안무, 드라마틱한 이야기 구성을 가지고 있다. 한국 배우가 한국어로 공연함으로 대사와 노래를 바로 알아들을 수 있고 특정 뮤지컬을 보기 위해 외국에 나가지 않아도 된다. 제작사나 관객의 입장에서 외국에서 흥행에 성공했던 작품을 제작하고 볼 수 있으므로 작품선택에 불안함이 없다. 제작사는 외국 뮤지컬 공연으로 안정적인 수익을 얻고 한국 뮤지컬 시장을 키우는 역할을 하기도 하였다. 그러나 한편으로는 화려하고 재미있는 외국 뮤지컬에 밀려 창작 뮤지컬을 보기 보다는 무조건 외국 뮤지컬만을 선호하게 될 우려가 있다. 또한 외국에 비싼 로열티를 지불하고 대작 위주의 뮤지컬로 인해 관람료가 비싸지기도 한다. 외국 뮤지컬은 외국 뮤지컬일 뿐 우리의 정서를 반영하고 있는 것이 아니다. 외국 제작사와 계약을 통해 일정 기간 공연이 끝나면 다시 공연될지 알 수 없고 그 후에 재공연 되었을 때 같은 공연의 품질을 기대할 수 없다. 수익성이 보장된 외국 뮤지컬을 들여다가 단기간 공연하여 성과를 내기도 하지만 그 뮤지컬이 끝나면 또 다른 뮤지컬을 찾아 헤맨다. 외국 뮤지컬을 제작, 공연하며 얻은 첨단 제작 기술과 잘 훈련된 우수한 배우들은 뮤지컬이 끝나고 능력을 발휘할 기회가 없어진다. 한때 자체 브랜드 없이 외국의 기술 지원으로 버티던 한국의 주문자 브랜드 제품이 하루아침에 사라진 점을 고려한다면 한국 뮤지컬 계의 상황에서 창작 뮤지컬이라는 고유브랜드를 만들어야 할 것이다. 이제 우리는 한국 작품화된 작품과 창작 뮤지컬의 작품 개선 속에서 장기 공연으로 수익을 내고 외국 투어 공연을 창작 뮤지컬로 하며 자신만의 브랜드를 세계로 알려나가고 있다. 우리 창작 뮤지컬 중에서도 외국의 오리지널 뮤지컬과 라이선스 뮤지컬 형태로 수출되어 로열티를 받을 수 있는 뮤지컬이 나오거나 외국에서 공연되는 날을 기대한다. 그 행로의 일환으로 지난 2007년 1월23일 예술의 전당에서 국내 순수 기술과 창작 소재 작품인 <천사의 발톱>이 초연되었다. 본 논문에서는 한국 뮤지컬에 획을 그을 수 있는 작품에 대한 열정으로 기존의 로맨틱 코미디 소재를 벗어나 다소 무거울 수 있는 인간의 이중성과 중년 남자의 처절한 사랑 등을 드라마로 엮은 <천사의 발톱> 작품에 대한 작품성과 흥행성에 대한 분석연구를 통하여 한국 뮤지컬 시장 산업에 대해 조망해 보고자 한다. 대형 라이선스 뮤지컬과 소극장 로맨틱 코미디 위주의 창작 뮤지컬 시장에 새로운 소재와 탄탄한 극적 구성의 작품성을 지닌 <천사의 발톱>은 가벼운 트랜드로서의 작품이 아닌, 나날이 성장하는 창작 뮤지컬계의 새로운 방향성을 제시하고자 한다. 작품의 구조와 구성, 무대 위의 묘사 등을 분석하여 이와 같은 창작 뮤지컬 작품에 대한 정리와 기록으로 남기도록 한다. 그리하여 국내 창작물 작품의 초연에 대한 대중들의 인식 변화와 자국의 문화를 발전시키고 계승하는 정부와 기업의 관심과 협조를 더욱 지향하는 바이다. 창작 뮤지컬 작품분석과 흥행성을 위한 전략 방안 분석은 뮤지컬 장르에 대한 높은 관심과 문화상품으로서 세계무대 진출을 더욱 가속화시킬 것이다. 21세기는 문화시대이다. 국제 경쟁력이 문화에 집중되는 시점에 뮤지컬은 문화상품으로서 국가의 부 증대 및 국제적 위상 정립 등에 기여할 수 있다. 자국의 문화상품에 대한 관심과 투자를 국익으로 이끌어 낼 수 있도록 지속적인 노력이 필요하다. 작품성이 뛰어난 창작 공연이 일회성으로 그치지 않고 장기적으로 공연될 수 있도록 뮤지컬계의 노력 뿐 아니라 개인, 정부, 기업의 관심과 협조를 기대한다.

지역공연장의 사회적 기능 연구 : 진천 화랑관을 중심으로

이선미 서울시립대학교 2010 국내석사

지역공연장의 사회적 기능연구 -진천 화랑관을 중심으로- 지난 이십여년간 문예회관으로 대표되는 전국의 공연장 시설은 그 수(數)에 있어 비약적인 증가추세를 보여왔다. 이러한 추세는 필연적으로 공연장 시설이 지역 사회 속에서 제 기능을 수행하고 있는가, 지역민들이 지역의 공연장을 통해 문화예술을 생활 속에서 향수하고 있는가라는 논의를 불러일으킨다. 이는 다시 지역공연장이 정체성을 찾고 제 기능을 한다는 것이 도대체 어떤 역할을 수행하는 것이 바람직한가라는 근원적인 질문을 야기 시킨다. 이러한 관점에서 본 연구는 점점 높아져가는 지역민들의 문화향수 욕구를 지역에서 가장 충실히 채워줄 수 있는 공간인 지역공연장의 올바른 기능과 이를 위한 개선점들을 제시 하였다. 먼저 선행연구를 통해 공연장의 사회적 기능과 지역사회의 특수성을 분석 정리하였다. 특히 지역공연장이, 일반적인 공연장의 역할과 달리 지역민들을 위한 특수한 서비스를 제공해야 한다는 의견을 뒷받침하기 위해 지역공연장의 특수성에 대해 주목하였다. 지역문화는 단순히 수도권문화에 반대말인 비수도권 문화나 지방문화가 아닌 지역의 문화적, 공간적 의미가 첨가된 것으로 지역의 역사, 전통, 공동체의식을 포함한 문화적 동질성을 갖는 공간이라는 독창성 및 문화공동체의 공동 경험의 중요성을 강조하였다. 지역공연장이 지역사회에 미치는 역할과 개선점 제시를 위해서 실례로 2003년 6월 개관한 진천지역의 유일한 문화시설인 화랑관의 운영현황을 살펴보았다. 이어 진천지역의 화랑관 이용자 62명을 대상으로 설문조사를 실시하여 이용자들의 화랑관이용현황과 만족도 조사를 실시하였다. 본 연구는 결과적으로 지역공연장의 올바른 사회적 기능과 개선점에 대해 다음과 같이 제시하였다. 지역공연장의 지역사회 내 기능으로 첫째, 공연장의 가장 기본적인 역할인 지역민을 대상으로 한 풍요로운 문화예술프로그램 향수기회 제공이다. 진천지역처럼 작은 군 단위 농어촌 마을에서는 지역의 공연장을 통해서만 오로지 공연을 관람할 수 있는 주민들이 많다는 설문조사 결과에 주목했다. 둘째, 교육문화공간으로서의 역할로 공연예술의 선(先)경험을 통한 간접적 기능과 직접적인 예술교육을 받을 수 있는 공간으로서의 역할을 살펴보았다. 셋째로 지역공연장의 대관사업과 맞물려 있는 문화예술인과 지역주민의 창작활동 지원을 위한 공간으로서의 역할이다. 넷째로, 지역 공연장이 지역의 새로운 의제를 성립하는 지역커뮤니티로서의 역할, 의사소통공간으로서의 기능이다. 이러한 기능을 정립하기 위해서는 무엇보다 지역특성에 맞는 차별화된 기획공연제작과 효율적인 인력구성을 위한 예산지원의 확대가 이루어져야 한다. 규모가 작은 군(君)단위 지역으로 갈 수 록 문화향수기회의 절대적 기능을 담당하고 있는 지역의 공연장이 서울을 중심으로 한 수도권 공연장의 운영예산의 몇 십배 이상 적게 책정되는 실정은 지역문화예산에 대한 인식전환이 절실한 실정임을 말해준다. 또한 지역공연장의 올바른 역할 확립을 위해 예산확충과 더불어 지역구성원의 성향과 특징을 고려한 문화적 특수 서비스 제공, 지역 언론의 역할 확립 등이 병행 되어야 할 과제이다. ----------------------------------------------------------- 주요 어 : 지역 사회, 지역 문화, 지역 공연장

국내.외실용음악과교과과정연구 : 실용음악관련학과의커리큘럼비교를 중심으로

안용성 서울시립대학교 대학원 2007 국내석사

순수예술에 대한 전통적인 사고와 엘리트주의적 시각이 아직도 팽배하지만 문화는 계속해서 진화하고 발전을 거듭하고 있다. 지난 과거에 중심이 되고 주류를 이루던 문화는 어느덧 작아진 모습과 전통과 이론으로 다시 태어나서, 이제 새로운 모습으로 다가서고 있다. 이러한 시류에 예술성의 추구와 달성에 그 목적을 두고 달려가던 클래식 음악이 ‘실용음악’ 이라는 새로운 양식을 낳게 되고, 눈부시게 빠른 속도로 확산되어 왔다. 이미 미술계나 무용계에서 순수회화나 전통발레를 자신들만의 고유영역으로 고집하지 않고 있으며, 비교적 음악보다는 조금 먼저 능동적으로 수용하였다. 다소 늦은 감은 있으나 시대성에 부합한 실용적인 분야를 개척하고 창조하는 과정은 예술 본연의 정신과도 일맥상통 하리라고 생각한다. 우리나라에도 1988년 서울 예술전문대학에 국악과 대중음악의 접목이라는 교육목표를 갖고 국악과2부에 실용음악과가 설립되었다. 이 후 실용음악(대중음악)이라는 용어가 낯설지 않게 되었고, 대중음악에 대한 사회적인 인식도 점진적으로 개선되었다. 이런 흐름을 딛고 대중음악은 문화산업과 대중문화의 중심축이 되었고, 초창기 외국음악을 수용하는 입장에서 생산자의 입장으로 변화되고 있다. 이렇게 실용음악(대중음악)은 우리 곁에 친근하게 다가왔고 대학교육의 대상으로까지 발전하였다. 그러나 실용음악의 정의, 그 범위 그리고 교육방법등 학문적 접근에 의한 연구는 아직도 미진하다. 하지만, 2000년도를 전 , 후로 해서 각 대학의 실용음악 학과의 설치가 날로 가속도가 붙고 2007년도에만도 3개의 4년제 대학 학부과정과 1개의 실용음악 교육원이 신설되었다. 이런 현 시점에서 각 대학의 실용음악과 설치 현황과 그 교육 목표 그리고 교육과정을 대학별, 교과목별로 살펴보고자 한다. 여기서 찾아지는 공통점은 이 시대가 요구하는 새로운 음악교육에 방향일 수 있으며, 실제적이고 그야말로 실용적인 교과과정을 체계적으로 제시 하고자 한다. 이러한 연구와 과정을 통해 대중문화와 대중음악이 이 시대에 중요하고도 동등한 문화로 자리매김 할 수 있기를 진심으로 희망합니다.

예술가집단 사회적기업의 갈등구조 연구 : "이야기꾼의 책공연"을 중심으로

황덕신 서울시립대학교 2017 국내석사

This study aims at identifying structural difficulties that social enterprises operated by the group of artist have through a case study. The social enterprises are needed for artists as the organizations providing good jobs and expected to be continuously maintained by making up social deficiencies. And among them, this study targeted especially 'Bookteller’s Quilt' and qualitative inhaltsanalyse on the enterprises was conducted. In case of 'Bookteller’s Quilt', actors who did not know each other launched a temporary project, established a social enterprise, and run it for about 8 years old. The enterprise is different from other art groups in that it is an institutionally approved art group and its members work full time and run the enterprise in a way of running a cooperative. Considering other previous studies, it seems that social enterprises by the group of artist have structural difficulties such as value conflict since the members pursue artistic value, social value, and economic value at the same time and they also have institutional isomorphism pressure at an organizational level. Value conflict seems to be related to autonomy and dependency of each value. Also, institutional isomorphism seems to be related to autonomy that small groups can have. The studies dealing with value conflict identified structural attributes of values through relationship between autonomy and dependency of artistic values. In studying relationship between autonomy and conflict, It might be necessary to relate social enterprises pursuing public interests and trying to harmonize cooperation and competition at the same time and "a systematic diversion of ends (Bourdieu, 1975)". Accordingly, I would like to analyze value conflict and convention (Becker, 1982) of the art society and dilemma of autonomy and dependency of artistic labor along with approach of autonomy and dependency based on relevant theories. 'Bookteller’s Quilt' makes a decision through a general meeting, a special system of social enterprise. Conflicts induce a general meeting and coordinated decisions are made through the meeting. As time goes by, the decisions become conventions and finally justified. Comparing the initial status and later convention, change of relationship between values can be observed. Identifying conventions, it may be possible to figure out reasons for time-variant conflicts depending on conventions or the mechanisms to control conflicts. Based on this theoretical background, inhaltsanalyse was carried out with the framework “value-conflict-decision-convention-relationship between values in convention” and the concepts of autonomy and dependency. As the result, it was identified that social enterprises by the group of artist have structural difficulties such as conflicts between artistic values and other values and they have been consistently under the pressure of systematic isomorphism. When 'Bookteller’s Quilt' started, the members’ principle was becoming artists who do performance and educate people at the same time while working full time as other office workers. At that time, it was proposed to have identity as artist, that is, “actor as worker”, not “actor controlled by director” but it has become a convention. Given analysis on periodic flow that cause and effect can be analogized, conflicts between social values when a group is formed are coordinated through artistic services that social values are considered and become a current convention. In other words, conflicts between social values at the time of establishment are transferred to conflicts between educational value (social value) and artistic value. 'Bookteller’s Quilt' has avoided business diversification and narrowed down the scope of social values to concentrate on certain areas and coordinate conflicts. Based on the scope narrowed down, it has related effects of performance and those of educational activities and establish the current convention. Going through such period, efforts of the members have been rewarded thanks to recognition of colleagues and audience. Consequently, the members have competitively concentrated on achievement from providing non-institutional artistic services which were not admitted as art and finally, the services have been recognized institutionally as art. Understanding values by focusing on social values has led to possibility of rich expression so the conflict between social values and art has been resolved. Experiencing this process, 'Bookteller’s Quilt' is currently showing a similar trend to “a systematic diversion of ends (Bourdieu, 1975)”. On the other hand, autonomy has been individualized so the members have had conflicts due to economic value but the conflicts have been coordinated as the members officially announced that their identity has changed from “identity as artist” to “artist leaving an organization”. However, the conflicts are now under the process of becoming a convention so there is room left for conflicts. It seems that consistent pressure has not led to isomorphism since autonomy of the organization has been maintained. Uniqueness of the organization established based on conventions caused by conflicts seems to be related to obtaining the organization’s autonomy through competitions to learn expressions achieved after understanding “artistic authority” and social values and the ones to gain artistic authority. Maintaining direct democracy, not formal democracy, and admitting diversity which can be source of conflicts have been conducive to maintaining autonomy of the organization. Here, “identity as artist leaving an organization” plays its role. 본 연구는 사례 연구를 통해 좋은 노동을 제공하는 조직으로써 예술가에게도 필요하고 사회적 결핍을 충족하며 지속할 것으로 기대되는, 공연예술분야 예술가집단 사회적기업이 겪는 구조적 어려움을 파악하려고 했다. ‘이야기꾼의 책공연’(이하 ‘이꾼’)을 연구현장으로 내용분석을 통해 연구하였다. ‘이꾼’은 잘 모르던 배우들이 한시적 프로젝트로 모여 집단을 이루고 사회적기업을 설립하여 8년째 운영하고 있다. 제도적으로 인정을 받는 예술가집단으로, 출퇴근하며 상근하고 협동조합 방식으로 운영하는 등 다른 단체와 차이점을 보인다. 선행 연구를 통해 보면, 구조적 어려움으로 예술가치・사회가치・경제가치를 동시에 추구하면서 비롯되는 가치 간의 갈등이 있고, 조직 수준에서는 제도적 동형화 압력이 있어 보인다. 가치 간 갈등은 각 가치의 자율성과 종속이라는 개념과 연관 있어 보인다. 제도적 동형화는 소규모 조직이 가질 수 있는 자율성과 관련 있어 보인다. 가치 간 갈등을 다룬 연구들에서 갈등은, 예술가치의 자율성과 종속의 관계에서 그 구조적 속성을 파악할 수 있었다. 자율성과 갈등의 관계를 탐구하던 과정에, 공공성을 추구하며 협동과 경쟁을 동시에 조화시키려는 사회적기업과, ‘목적의 체계적 전환’이라는 개념을 관련지어 볼 필요가 있다고 보았다. 자율성과 종속 개념의 접근과 더불어 예술사회의 가치갈등・관행, 예술노동 차원의 자율성과 종속의 딜레마 개념을 이론들로부터 가져와 내용분석을 해보려고 했다. ‘이꾼’은 사회적기업으로써 특징적인 제도인 ‘총회’를 통해 의사결정을 한다. 갈등은 총회를 통해 조정된 결정을 낳고 시간을 겪으며 관행이 되어 정당화된다. 처음과 변화한 관행 사이에서 가치 간 관계의 변화를 볼 수 있다. 관행을 파악함으로써 시기별 관행의 위치에 따라 갈등의 원인을 파악할 때도 있고 갈등조절기제를 파악할 수도 있다. 이러한 이론적 배경에서 본 연구는 ‘가치갈등-결정-관행-관행 속 가치 간 관계’라는 틀과 자율성 및 종속 관계라는 개념으로 내용분석에 접근했다. 분석 결과로써, 공연예술분야 예술가집단 사회적기업이 겪는 구조적 어려움에 예술가치와 다른 가치들과의 갈등이 있었으며 지속적으로 제도적 동형화 압력이 있음을 확인할 수 있었다. ‘이꾼’의 시작시점 원칙은 ‘직장인처럼 출퇴근하며 상근하여 전업하며, 공연과 교육을 병행하는 예술가가 될 것’이었다. 제안된 것은 ‘연출자에 의해 움직이는 배우’가 아닌 ‘작업자로서 배우’라는 예술가 정체성을 갖자는 것이었는데 관행이 되었다. 인과를 유추할 수 있는 시기별 흐름의 분석에서, 집단 형성기 사회가치 간 갈등은 사회가치를 반영한 예술서비스를 통해 조정되어 현재에 이르는 관행이 형성되었다. 창업기 사회가치 간 갈등이 교육가치(사회가치)와 예술가치의 갈등으로 이동하였다. ‘이꾼’은 사업다각화를 줄이고 사회가치의 초점을 좁혀 집중하는 결정을 내려 갈등을 조정하였다. 좁혀진 초점을 토대로 공연과 교육 활동의 효과를 상호 연결시키면서 현재의 관행을 형성해갔다. 두 시기를 거치는 동안, 동료와 관객의 인정이 보람이 되어, 예술로 인정받지 못했던 비제도적 예술서비스에서도 성취에 집중하는 경쟁의 양상을 보였고 제도적으로 예술로 인정받게 되는 결과가 생겼다. 사회가치에 집중하면서, 사회가치를 이해하니까 오히려 표현이 더 풍부해질 수 있는 가능성을 찾게 되어, 사회가치가 예술에 제약이 되었던 갈등의 양상이 개선되었다. 이 과정을 거치며 현재에 ‘이꾼’은 “목적의 체계적 전환(Bourdieu, 1975)”과 유사한 양상을 보이고 있다. 한편, 서로에게 부여한 예술가정체성은 자율성의 개인주의화 경향을 보이며 잠시 경제가치 측면에서 갈등을 빚었다가 ‘조직을 남기는 예술가’라는 정체성을 공식화하며 조정되었다. 관행으로 아직은 형성 중인 것으로 보이며, 갈등의 여지가 남아 있다. 지속적이었던 압력은 조직의 자율성이 유지되면서 동형화로 이어지지 않았던 것으로 보인다. 갈등이 낳은 관행들로 생성된 조직의 고유성은 ‘예술적 권위’와 사회가치를 이해한 후 나올 수 있는 표현을 얻기 위한 경쟁과 예술적 권위를 얻기 위한 경쟁을 통해 조직의 자율성 획득에 연결된 것으로 보인다. 형식적 민주가 아닌 직접민주의 유지, 그리고 갈등의 원천일 수 있는 다양성의 인정은 조직 자율성의 계속 유지에 일조한 것으로 보인다. 여기에 ‘조직을 남기는 예술가 정체성’이 작용하고 있다고 볼 수 있다.

공연예술에서의 전기음향 사용에 관한 분석 : 다목적홀 공연의 마이크로폰 테크닉 중심으로

신태식 서울시립대학교 2009 국내석사

Forecast of UNESCO, “If the 20th century is the era of great development with science and technology, the 21st century will be the era of the culture where culture prevails,” has been echoed much since 1990’s. In terms of national investments, percentage of cultural industry is higher in advanced countries and Korea has also experienced gradual increase of culture budget since 2000 when it reached 1% for the first time. Such increased budget has been invested in expansion and activation of cultural space, which resulted in gradual increase in number of multi-purpose hall where various kinds of performance arts can be played. Multi-purpose hall has many limits in staging special performance, compared to its high utilization. It originates from the fundamental facts that this hall is not special performance hall that considers the nature of performance from the stage of design and construction like concert hall, opera house and ballet hall. Ultimate goal of performance art is to deliver the contents on the stage to the audience most effectively, creating the feeling of sympathy, which should accompany sound satisfaction of performing clear conveyance of performance contents. Its percentage is absolute if it is music performance in particular. Performance hall with good sound should be able to convey sounds to the audience clearly and smoothly from stage to the guest seats. In addition, it has rich volume, optimal reverberation times, has natural sense of direction and distance of sound source so that separation of sound is clear and delicate, easy to monitor and has no limit due to noise indoor and outdoor as well as echo. However, optimal sound environment should be differentiated depending on feature of performance. This study examined and presented how effectively electric sound should be used to improve sound satisfaction, suitable to feature of performance per genre at multi-purpose hall, which has high percentage in domestic performance halls as pointed earlier. Before that, this study arranged sound feature suitable for various types of performance, presented limits of stage performance at multi-purpose hall and presented reference points to recover such limits. In addition, this study tried to solve the wrong opinion that acoustic defects of performance hall cannot be improved while sound can be amplified since use of electric sounds may act a role of speaker so far through actual cases. Performance was classified into western music and Korean music in terms of sound feature so as to differentiate the sound feature of each performance, and further classified into instrumental music, vocal music, and electric sounds. Based on this, actual cases were presented. Multi-purpose hall has diverse functions such as theater, performance hall and group event halls so that it is difficult to draw conclusion in terms of construction sounds. Contradictory aesthetic, functional, technical, artistic and economic values are different and limits of accommodation are different too. This thesis analyzed and arranged how effectively electric sound can be used when domestic performance hall constructed as multi-purpose hall has different use with different feature of special performance hall, using actual case of performance. With this case analysis, this study presented how to overcome sound limit of multi-purpose hall ultimately, how to achieve in-depth communication and connection between stage and guest seats, and the ideal points pursued by performance arts. ‘20세기가 과학과 기술의 거대한 발전의 시대였다면 21세기는 문화가 지배하는 문화의 시대가 될 것 이다’ 라는 유네스코의 예견은 90년대 이후 이미 많은 공감대를 형성하고 있다. 국가별 투자의 형태를 살펴보아도 선진국일수록 문화산업에 대한 비중이 크고 우리나라 역시 2000년 들어 처음 1%를 초과한 문화예산이 점차 상승하고 있는 추세다. 이 증가된 예산은 문화공간의 확충과 활성화에도 투자되어 그 수가 꾸준히 증가해 왔는데 대부분의 문화공간이 다양한 형태의 공연예술을 소화할 수 있는 다목적 홀로 지어졌다. 다목적 홀은 높은 활용도에 비해 전문공연을 실연화 시키기에는 많은 한계점을 가진다. 이는 콘서트홀, 오페라하우스, 발레전용극장처럼 공연장 건축 설계 시작부터 공연성격을 고려한 전문공연장이 아니란 근본적인 문제에서 비롯된다. 공연 예술의 최종목표는 무대에서 전달하고자 하는 내용을 관객에게 가장 효과적으로 전달해 교감을 불러일으키는데 있고 이는 공연내용의 명확한 전달을 수행하는 음향적인 만족도를 수반해야 한다. 특히 음악공연일 경우 그 비중은 절대적이라 할 수 있다. 음향이 좋은 공연장은 일반적으로 무대로부터 객석의 관객들에게 전달되는 소리가 원활하고도 명확하게 잘 전달되어야 한다. 또한 음량이 풍부하고 최적 잔향시간을 가지고, 음원의 방향감과 거리감이 자연스러워 음의 분리가 명확하고 섬세하며, 모니터링하기 쉽고 에코와 실내외 소음으로 인한 한계가 없다. 그러나 최적의 음향환경이란 공연의 특징에 따라 각각 차별화 되어야 한다. 본 논문에서는 앞서 지적한 국내 공연장 중 가장 많은 비중을 차지하고 있는 다목적 홀의 장르별 공연특징에 적합한 음향만족도를 향상 시기키 위해 전기음향이 어떻게 효율적으로 사용되어야 하는지를 연구제시 하였다. 이에 앞서 다양한 공연에 맞는 음향적 특징을 정리하여 다목적 홀에서의 실연(實演)의 한계점을 제시하고 이를 극복하는데 따른 기준점을 연구 하였다. 또한 본 논문을 통해 그간 전기음향의 사용이 단순히 확성장치의 역할 수행정도로 인식되어 공연장의 음향적 결점을 개선 할 수 없다는 부정적 견해에 대해 각 장르별 마이킹 연구를 통해 해결하려고 하였다. 공연의 구분은 공연별 음향적 특성을 차별화 정리할 수 있게 크게 서양음악, 국악으로 분류하여 음향적 특성을 먼저 구별하였고 전기음향의 사용분석 성악과 기악 등으로 다시 세분화하여 구체적인 사례를 제시하였다. 다목적 홀은 극장, 공연장, 다중집합행사장, 등 그 기능이 광범위 하여 건축 음향적 합의를 이끌어 내기에는 무리가 있다. 그것은 여러 측면에서 서로 모순되는 미적, 기능적, 기술적, 예술적, 경제적 가치가 서로 다르며 수용인원의 한계점도 다르다. 본 논문은 그간 다목적홀로 지어진 국내 공연장이 각각의 전문공연장의 성격으로 그 쓰임을 달리 할 때 마다 전기음향이 어떻게 효율적으로 사용될 수 있는지를 공연별 실례를 들어 분석 정리하여 보여주고 이러한 사례분석을 통해 궁극적으로 다목적 홀이 가지고 있는 음향적 한계를 극복하고 공연예술이 지향하는 이상적인 무대와 객석의 완성도 있는 커뮤니케이션, 결속의 방법을 제시하였다.