Nikolai Medtner sonata in E minor op. 25, no. 2 "night wind" 분석 연구

구민희 단국대학교 2019 국내박사

(Abstract) An Analytical Study on Nikolai Medtner Sonata in E minor Op. 25, No. 2 “Night Wind” Min-Hee Koo Department of Music Graduate School (Piano Major) Dankook University Advisor: Professor Young Bang Cho Nikolai Medtner(1880-1951) is a Russian composer and pianist of the late Romantic period, contemporary with Rachmaninoff and Scriabin. As a great number of his piano works, including fourteen piano sonatas, thirty-eight Märchens, and three piano concertos, suggests, the piano holds an essential place in the world of Medtner’s music. During the twentieth century, when expressions of different individualities and experiments with new musical styles prevailed among musicians, Medtner individualized Romantic music with his own musical character based on traditional composition techniques. <Sonata in E minor Op. 25, No. 2 "Night Wind"> is headed by an epigraph from a poem of Russian Romantic poet, Fyodor Tyutchev, “What are wailing about, night wind?” (Russian: O Chem tyvoeschj, veter nochoj?). This is owing to the composer’s profound interest in literature. He unfolded the musical idea of <Sonata in E minor Op. 25, No. 2 "Night Wind"> based on Tyutchev’s poem, which he believed to be the means to express his philosophical thoughts most richly and clearly. This study, before analyzing the music, introduces Medtner’s life, the characteristics of his musical language—including literary inspiration—and several noteworthy piano works of his. It also introduces a Korean translation of Tyutchev’s poem, “What are you wailing about, night wind?”, to facilitate the understanding of <Sonata in E minor Op. 25, No. 2 "Night Wind">, which used the poem as its epigraph. <Sonata in E minor Op. 25, No. 2 "Night Wind"> was found to have been influenced by Tyutchev’s poem, “What are you wailing about, night wind?”. First, the two-stanza structure of the poem was reflected in a Sonata made up of two conjoined sonata-allegro movements. Second, the content of the poem was variously represented in the piano work; E minor was used to portray the mood of the night, the chromatic scale the image of the wind, and frequent changes of rhythm the immanent emotions of anxiety and confusion. This study examined the way a characteristic of Medtner’s composition techniques, the “Muse theme”, was used in <Sonata in E minor Op. 25, No. 2 "Night Wind">, and also analysed the work focusing on the interrelation between the different themes that is based on the thematic transformation technique. The motto with descending E minor chord progressions, Theme A with the melody ascending from tonic E, and their elements—all found in the introduction—had influence on Theme B, Theme C, Theme D, and Theme E, found in the expositions of the first and second halves, and this organic relationship between the different themes created a sense of unity throughout the work. The sonata also used counterpoint techniques (e.g. augmentation, diminution, inversion, stretto, canon, etc.), a variety of rhythm changes (e.g. dots, syncopations, polyrhythms, hemiolas, accented upbeats, etc.), and the descending chromatic scale to achieve thematic transformation. In the second half of the sonata, the technique of combining the preceding themes by simultaneously using them in different parts was also found. This analysis of <Sonata in E minor Op. 25, No. 2 "Night Wind">is significant in the sense that it gives both players and audience the opportunity for the better understanding of Medtner’s musical language and the more intimate experience of his works. (국문초록) N. Medtner Sonata in E minor Op. 25, No. 2 “Night Wind” 분석 연구 단국대학교 대학원 음악학과 연주(피아노)전공 구 민 희 지도교수: 조 영 방 니콜라이 메트너(Nikolai Karlovich Medtner, 1880-1951)는 라흐마니노프, 스크리아빈 등과 동시대에 활동했던 20세기 러시아 후기 낭만시대의 작곡가이자 피아니스트이다. 메트너는 14개의 피아노 소나타, 38개의 메르헨(Märchen) 그리고 3개의 피아노 협주곡을 포함하여 다수의 피아노곡을 남겼는데, 그의 작품에서 피아노 음악은 매우 중요한 위치를 차지하고 있다. 다양한 개성의 표현과 새로운 음악적 시도들이 주를 이루었던 20세기 음악사조 속에서 메트너는 전통적인 작곡 기법을 바탕으로 자신만의 음악적 색채를 지닌 낭만음악을 구현하였다. <Sonata in E minor Op. 25, No. 2 “Night Wind”>에는 러시아 낭만주의 시인 튜체프의 시 <밤바람이여, 왜 울부짖는가?(O Chem tyvoeschj, veter nochoj?)>가 곡의 서문에 인용되어 있다. 이는 메트너의 문학에 대한 깊은 관심으로부터 기인한 것인데, 메트너에게 문학이란 그의 음악관을 포함한 미학적인 관점을 표현하는 수단이었다. 메트너는 자신의 철학적인 생각을 가장 함축적이고 명료하게 나타낼 수 있는 튜체프의 시를 통해 <Sonata in E minor Op. 25, No. 2 “Night Wind”>의 음악적 아이디어를 표현하고 있다. 본 논문에서는 곡의 분석에 앞서 메트너의 생애와 문학적 배경을 포함한 음악어법의 특징을 알아보고 주요한 피아노 작품을 소개하였다. 또한 시가 인용된 <Sonata in E minor Op. 25, No. 2 “Night Wind”>의 이해를 돕기 위해 튜체프의 시 <밤바람이여, 왜 울부짖는가?>의 번역을 포함하였다. <Sonata in E minor Op. 25, No. 2 “Night Wind”>에서는 튜체프의 시 <밤바람이여, 왜 울부짖는가?>의 영향이 나타났다. 2연으로 구성된 시의 구조는 두 개의 소나타 알레그로 형식의 조합으로 이루어진 단악장 소나타에 반영되었으며, 시의 내용은 곡 안에서 다양한 방식으로 표현되었다. e단조의 어두운 색채를 이용하여 밤의 분위기를 나타냈으며, 반음계의 사용을 통해 바람의 이미지를 형상화하였고, 다양한 리듬 변화를 사용하여 내재적인 불안과 혼란의 감정을 표현하였다. 본 논문에서는 메트너의 작곡 기법의 특징인 “Muse Theme”이 <Sonata in E minor Op. 25, No. 2 “Night Wind”>에서 어떻게 활용되었는지 살펴보았으며, 주제변형기법에 기반을 둔 주제들 간의 연관성을 중심으로 이 곡을 분석하였다. 서주에서 나타난 하강하는 e단조 코드로 이루어진 모토와 으뜸음 E에서 상승하는 선율을 가진 주제 A 및 그 요소들은 전·후반부의 제시부에서 등장하는 주제 B, 주제 C, 주제 D, 주제 E에 영향을 주었으며, 이러한 주제들 간에 형성된 유기적인 관계는 곡에 통일감을 부여하였다. 또한 주제변형기법의 사용을 위하여 음의 확대와 축소, 전위, 스트레토, 카논 등 대위법적 기법과 부점, 당김음, 폴리리듬, 헤미올라, 약박에서의 악센트 등의 다양한 리듬 변화, 그리고 빈번한 반음계 하행선율을 사용한 것이 특징으로 나타났다. 또한 후반부에서는 앞서 등장했던 주제들이 여러 성부에서 동시에 나타나며 결합되는 기법도 살펴볼 수 있었다. 본 논문에서 이루어진 <Sonata in E minor Op. 25, No. 2 “Night Wind”>의 분석 연구는 연주자와 청중들이 메트너의 음악 어법을 보다 잘 이해하여 그의 작품을 한층 가까이 접할 수 있는 계기를 만든다는 것에 의의를 가진다. 주제어: 메트너, 밤바람 소나타, 주제변형기법, 후기 낭만주의, 튜체프

<거울(Miroirs)>에 나타난 라벨의 작곡기법에 관한 연구

오명선 단국대학교 대학원 2014 국내박사

라벨(Maurice Ravel, 1875-1937)은 근대 음악사에서 독창적인 작곡가라는 평가를 받는 인상주의 음악의 대표적 작곡가이다. 프랑스 출신의 아버지와 스페인 출신의 어머니를 둔 라벨은 두 나라의 문화적 유산을 이어 받아 이를 자신의 음악에 반영하였다. 그리고 파리 음악원 재학 중, 1889년에 열린 파리 만국 박람회에서 이국적인 음악을 접하였으며 그 중 동양음악과 러시아 음악에 매료되어 자신의 작품에 이를 표현하였다. 파리 음악원 시절의 스승의 가르침과 젊은 음악가들의 모임인 ‘아파슈(Les Apaches)’는 여러 분야의 예술가들, 문학 작가들과 교류를 가능케 하였는데, 이는 라벨의 음악세계를 구축하는데 있어 큰 토대를 이루게 된다. 이후 유럽 여러 지역과 미국 연주 여행 등을 통하여 새로운 음악을 접하였고, 이는 작품에 대한 영감과 자극이 되어 라벨의 독자적인 음악이 형성되는 음악적 배경이 되었다. 라벨은 당시 인상주의 음악 작곡가들과는 달리 전통적 형식을 고수하여 신고전주의적(Neo classicism)경향을 보이는데, 전통적 형식을 그대로 사용하지 않고 자신만의 어법으로 변형시켜 경계선이 모호한 인상주의 음악의 특징을 보여주었다. 라벨의 피아노 작품 <거울(Miroirs)>은 이러한 인상주의 음악의 경향이 강하게 나타나는 작품으로 각기 다른 제목을 가진 5개의 곡으로 이루어졌다. 이 작품은 로마대상 대회의 1등상 수상 실패 직후인 1905년에 완성되었고, 이 작품은 마치 당시 대회의 심사위원들과 보수적 성향을 지닌 음악가들에게 대항하는듯한 성격의 급진적인 면을 보여준다. 이 작품에 나타난 전반적 특징은 인상주의 음악의 일반적 특징으로, 소재는 사람이 아닌 자연과 이국적인 정서를 채택하였으며 형식은 전통적 형식인 소나타 형식을 변형시킨 복합 3부 형식, 2부 형식, Arch form 등을 다양하게 사용하였다. 화성은 7, 9, 11, 13화음과 4도 화음(quartal harmony), 공허 5도(empty 5th), 해결시키지 않은 불협화음의 병진행 기법(parallel motion) 등으로 색채를 강조하였고, 선율은 온음음계(whole-tone scale), 반음계(chromatic scale), 5음음계(pentatonic scale), 8음음계(octatonic scale), 교회선법(church mode) 등을 사용하여 조성감이 모호해졌다. 이 외에도 다른 성격의 선율을 동시에 사용하여 대위법적인 구성을 보여주었으며, 선법을 이용하여 이국적인 정서를 표현하였다. 그리고 춤곡의 리듬과 복합 박자(poly-meter), 잦은 변박, 헤미올라(hemiola) 등을 사용하여 박자와 마디의 경계를 모호하게 하였다. <거울(Miroirs)>에 등장하는 곡의 주요 특징을 살펴보면 제 1곡 ‘나방(Noctuelles)’은 장식적 음형과 불규칙한 리듬, 잦은 변박의 사용으로 형식의 경계선이 모호해졌다. 제 2곡 ‘슬픈 새들(Oiseaux Tristes)’은 각기 다른 새소리의 모티브가 여러 성부에 제시되었고, 다른 성격의 불협화음을 동시에 사용되어 화성적 색채 표현이 강조되었다. 제 3곡 ‘대양위의 조각배(Une Barque Sur l' Ocean)’에서 라벨은 하나의 동기를 곡 전체에 사용하여 곡의 통일성을 부여하였고, 아르페지오 음형과 잦은 변박의 사용은 바다의 모습을 표현하여 회화적인 면을 부각시켰다. 제 4곡 ‘어릿광대의 아침노래(Alborada del Gracioso)’는 스페인 음악을 소재로 취하였으며, 스페인 음악의 민속 리듬, 멜로디, 악기의 연주법 등을 사용하여 이국적인 정서를 표현하였다. 마지막 곡인 제 5곡 ‘종의 골짜기(La Vallee des Cloches)’ 역시 이국적 정서를 소재로 채택하였고, 자유로운 리듬을 가진 모티브를 여러 층에서 제시하여 대위법적인 구성을 보여주었다. 또한, 다양한 불협화음과 잦은 변박의 사용 등으로 앞의 4곡에서 사용한 모든 작곡 의도와 어법을 반영하여 표현하였다. 이와 같이 <거울(Miroirs)>은 라벨의 음악적 배경과 특징이 모두 반영된 작품으로 자신이 가진 이론적인 작곡기법을 시도한 작품임을 알 수 있다. 그리고 이를 직접적으로 나타낸 것이 아니라 작품의 제목인 ‘거울’을 통하여 자신의 음악세계를 반영된 모습으로 표현하였다. 주제어 : 라벨, 거울, 인상주의 음악, 상징주의 문학, 동양음악과 러시아 음악 I examine <Miroirs(1904-1905)> composed by Maurice Ravel who is a representative and impressionistic pianist-composer in the twentieth century. His compositional technique in <Miroirs> not only expands numerous possibility of the keyboard but also widens flexibility of musical language. Several factors are based on his musical style. First, his music is originated from his parents with two different cultural heritages, France and Spain. Second, he as a student at the Paris Conservatoire learned exotic music, especially oriental and Russian music, in Paris Exhibition. Third, Les Apaches enabled him to interact with various people such as musicians, artists and writers in France. Lastly, numerous concert tours via Europe and America guided to inspire and stimulate to form his own musical style. Unlike Impressionists and in the spirit of Neo-classicism, <Miroirs> was composed right after his failure to the first prize for Prix de Rome and reveals radical characteristics. <Miroirs> consists of five small pieces with each different title, revealing prominent features originated from Impressionism. General features providing compositional freedom and a vague boundary of traditional rules are following. Usually found in Impressionism, <Miroirs> also provides a general feature in which Ravel has introduced musical subjects from the Nature and exotic sentiments, not from the human being. For formality, he used binary form, compound ternary form, and arch form. In terms of harmony, extended chords, quartal harmony, empty 5th chord, and parallel motion are used. With respect to melody, the work shows long and lyrical melody lines and using short passages with whole-tone scale, chromatic scale, pentatonic scale, octatonic scale and church mode. For counterpoint, the work is an example to create vivid depictions between various voices. Lastly, in terms of rhythm and tempo, he was captivated by using dance-rhythm, compound meter, changing meter, and hemiola, which weaken the clarity of bars. <Miroirs> consists of five distinct pieces and provides various characteristics. 'Noctuelles' entails embellishing figures, irregular rhythms, and frequent changing meters. 'Oiseaux Tristes' depicts different singing birds on several voices and uses various dissonances in representing the tone color. 'Une Barque Sur l'Ocean' uses one motive to the unity of piece and using arpeggiated motions and changing meters to describe sea. 'Alborada del Gracioso' combines dance rhythm, folk meoldy, and performance techniques of Spanish music. Lastly, 'La Vallee des Cloches' chooses an exotic theme and shows several independent layers of sound while frequent dissonances and changing meters that used in the former pieces. To summarize, <Miroirs> was composed to reflect not only musical backgrounds but musical characteristics of the century in an attempt to thoroughly use his own compositional skills and techniques upon <Miroirs>. Additionally, Ravel chose to express his own musical view in an indirect way via the title, <Miroirs> rather than to show it directly.

J. S. Bach의 <Italian Concerto BWV 971>에 관한 연구

허다영 단국대학교 대학원 2016 국내석사

요한 세바스찬 바흐(Johann Sebastian Bach, 1685-1750)는 바로크시대를 대표하는 작곡가이다. 그는 대위법을 사용하여 수많은 곡을 작곡했을 뿐만 아니라 다른 작곡가들의 음악양식을 적용하여 자신만의 독창적인 작품들을 탄생시켰다. 그 중 비발디(Antonio Vivaldi, 1678-1741)의 이탈리아 협주곡 양식에 매력을 느껴 자신의 작품에 적용하였고, <Italian Concerto BWV 971>이 예로 들 수 있는 대표적인 작품 중 하나이다. 바흐의 <Italian Concerto BWV 971>은 2단 쳄발로 독주곡으로 1734년 바흐가 라이프치히에서 활동하고 있을 당시 작곡된 곡이며 1735년 클라비어 연습곡집(Klavierübung) 제2부에 프랑스풍의 서곡(French Overture)과 함께 수록되어 출판되었다. 이 곡은‘빠르게-느리게-빠르게’의 3악장 구조로 이탈리아 협주곡의 전형적인 양식을 따르고 있다. 제1악장은 총주와 독주가 교대로 나타나는 리토르넬로 형식을 취하고 있으며 총주와 독주의 대비가 뚜렷하게 나타나는 악장이다. 제2악장은 2부 형식으로 하성부에 지속저음(Pedal Point) 반주가 나타나고 상성부에는 서정적인 아리아 선율이 나타나는 악장이다. 제3악장은 제1악장과 같은 리토르넬로 형식으로 제1악장에 비해 주제가 짧고 단순하며 총주와 독주가 서로 동등한 주제적 요소를 지니고 있다. 바흐의 <Italian Concerto BWV 971>은 건반악기인 2단 쳄발로에서 협주곡 양식을 가지고 오케스트라 효과를 표현하기 위해 작곡된 바흐의 독창적인 작품이다. 본 논문은 바로크 시대의 협주곡과 바흐의 건반협주곡의 전반적인 특징을 살펴보고 그의 건반악기 작품인 <Italian Concerto BWV 971>의 형식을 분석함으로써 이 작품을 이해하는데 초점을 두고자 한다. 주제어 : 바흐, 이탈리안 협주곡, 바로크시대 협주곡 Johann Sebastian Bach(1685-1750) is one of the greatest composers of the Baroque period. He was a prolific composer who wrote well over a thousand works, many of them contrapuntal. He has been revered through the ages for his stylistic innovations, which he was able to accomplish by taking existing forms and ideas and transforming them to his own. One of the examples is his <Italian Concerto BWV 971>, which was the result of J. S. Bach’s adaptation of Antonio Vivaldi’s(1689-1750) Italian Concerto form and structure. The <Italian Concerto BWV 971> by J. S. Bach is written for a two-manual harpsichord solo. It was composed during Bach’s Leipzig years, and was published in 1735 as the first half of Klavierübung, Part II along with the French Overture. The work follows the traditional ‘fast-slow-fast’ three-movement formal structure of the Italian concertos. The first movement is in ritornello style, in which a rigorous alternation between solo and tutti is evident. The second movement features lyrical aria-like melody line above a pedal-point accompaniment. And the third movement is also in ritornello style, just like the first, albeit shorter and simpler motives than the first movement, with the solo and tutti part bearing equivalent dominance of the key motives. In conclusion, <Italian Concerto BWV 971> is an innovative composition by J.S. Bach to successfully display an orchestral effect based on the concerto form to be performed on a two-manual harpsichord. This study focuses on reviewing the work by a formal analysis of J. S. Bach’s solo keyboard composition, <Italian Concerto BWV 971>, and by examining general characteristics of the keyboard concertos of Bach and those of other Baroque concertos. Keyword: J. S. Bach, Italian Concerto, Baroque concertos

음악사와 음악감상을 연계한 수업지도방안 연구

류재연 단국대학교 2009 국내석사

음악을 감상한다는 것은 듣기만 하는 것이 아니라, 음악을 듣고 느끼고 생각하는 활동을 말한다. 하지만, 교생실습을 경험한 것에 비추어보면 음악 감상 수업이 형식적으로 이루어지는 것을 알 수 있었고, 이렇듯 우리나라 중학교 음악 감상 수업은 부족하고 아쉬운 부분이 많다. 이 논문은 좀 더 효과적인 음악 감상 수업이 이루어질 수 있도록 돕고자, 서양음악사와 음악 감상을 연계한 감상지도 방안을 연구한 것이다. 제 7차 교육과정에 의한 중학교 2, 3학년 음악교과서에 수록된 감상곡 중 서양음악사의 전개에 따른 시대별로 작품 3곡을 선정하였다. 그 곡을 토대로 하여 수업지도안을 작성하였다. 고전주의에서는 대표적 기악곡 형식인 소나타 형식을 이해하고자 하는 바람에서 모차르트 피아노 소나타 K.545를 선정하였고, 감상을 통해 소나타 형식을 이해하고 고전주의의 음악적 특징을 이해할 수 있도록 하였다. 낭만주의에서는 여러 교과서에 가장 많이 수록되어 있고, 다양한 악기의 소리를 들을 수 있기 때문에 슈베르트 피아노 5중주 “숭어”를 선정하였다. 악기의 변화에 따라 곡의 분위기가 변하는 것과, 원곡인 성악곡과의 비교를 통해 학생들로 하여금 다양성을 느끼게 할 수 있다. 인상주의에서는 인상주의를 대표하는 작곡가 드뷔시의 베르가마스크 모음곡 중 “달빛”을 선정하였다. 인상주의는 미술에서 시작된 예술 사조이므로, 수업 초반에 그림을 보여주어 음악에서의 인상주의적 특징과 미술 작품을 연계하여 느낄 수 있게 하고, 전체적인 느낌에 따라 연상되는 색, 그림 등을 표현할 수 있게끔 도와주도록 하였다. 음악을 감상하는 것은 듣기만 하는 것으로 그쳐서는 안 된다. 음악을 들으면서 느끼는 것뿐만이 아니라, 서양음악의 흐름과 그에 따른 음악적 특징 등을 이해할 수 있도록 해야 한다. 이처럼 서양음악사와 음악 감상이 병행되어 수업이 진행된다면, 좀 더 효과적인 수업이 될 수 있을 것이다. 그런 의미에서 이 논문이 중학교 감상 수업에 도움이 될 수 있었으면 한다.

상호 문화적 음악교육을 위한 프로젝트 수업 설계 : 아시아 민요를 중심으로

김윤경 단국대학교 교육대학원 2012 국내석사

상호 문화적 음악교육은 문화의 여러 갈래 중 한 맥락으로 구성되어 있는 전통적인 요소를 통해 나라간의 문화적 특성의 비교와 음악적 활동으로 그 나라 문화의 가치를 인정하는데 목적을 두고 있는 음악교육이다. 일반적으로 음악교육은 제제곡을 중심으로 한 음악이론과 실음위주의 교육이 보편화 되어 있으나 상호 문화적 음악교육은 그 나라의 문화적 가치를 존중하는 차원에서 그 나라가 가지고 있는 독특한 문화의 배경과 함께 음악활동을 하는 것에 중점을 둔다. 즉 음악이 형성된 주요 사회적 배경과 그 음악의 특징을 살펴보며 음악활동을 통해 상호간 문화의 차이점과 공통점을 찾는 과정에서 나라마다 갖고 있는 독특한 요소와 그 가운데에 유사점을 발견하여 서로 비슷한 점이 있다는 사실에 하나의 공통된 감정을 느끼게 하는 것이다. 이와 같이 상호 문화적 음악교육은 음악 외․내적인 탐구와 음악활동의 병행이 이루어지며, 비교와 활동을 통해 문화의 가치를 존중하도록 하는 교육이다. 이와 함께 병행되어지는 프로젝트 학습은 “전심을 다하는 유목적적 활동” 아래 학습자의 흥미와 관심을 고려하여 자신의 주제 및 과제의 선택에서 자유롭게 설정되며 또한 지식을 알아 가는데 있어서 학습자의 탐구와 활동을 통해 주어진 과제를 수행하는 가운데 지식의 습득이 자연스럽게 이루어지는 학습이다. 본 연구자는 중학교 음악교과서에 서 제시된 ‘아시아 음악(민요)’을 주제로 프로젝트 학습을 위한 수업 설계를 구안하였다. 각 나라의 문화이해하기에서 비교문화를 탐구영역으로 그리고 활동영역에 있어서는 음악적 활동에 중점을 맞춰 상호 문화적 음악교육과 프로젝트 ‘브로셔 만들기’와 ‘음악작품 발표회’를 통해 문화의 이해에 필요한 지식과 감정을 느끼게 하였다. 이 연구를 통해 학습자들이 ‘브로셔 만들기’와 ‘음악 작품 발표회’를 통해서 아시아 지역의 이해가 이루어질 수 있도록 하는 것이 이 논문의 목적이다. An Inter-cultural musical education has as its purpose the recognition of the cultural values of a particular country by comparing the cultural characteristics of each country. Presently, the music education in Korea is centered around the music theory contained in the textbooks and listening. An inter-cultural music education, however, emphasizes the unique cultural background of a particular country along with carrying out of various music activities such as performances, plays and dances. Namely, the purposes of the inter-cultural music education are examining the background of the music development of said country and the characteristics of said music, discovering each other's differences and similarities, and having listeners feel the common emotions. Through an inter-cultural music education, an effort is made to promote respect for the cultural of a particular country though comparisons and activities. A project method is a study geared toward bringing about interest and attention of students by having them select topics freely and by having them learn the subjects more naturally. The project method outline has been prepared utilizing the Asian Music (folk songs) contained in the textbook. Regarding the activities, an effort was made to have the students learn and understand the culture of a particular country by brochure making and music piece presentations.

F. Schubert 〈Piano Sonata in A Major D664 Op.120〉에 관한 이해

김주란 단국대학교 2015 국내석사

Schubert(1797~1828) is a significant composer to represent early Romantic era and as a composer to link the Classical and Romantic period. Schubert composed twenty three piano sonatas over his lifetime. His piano sonatas can be categorized into early, middle, and later stages of his musical career. These stages are based off of the voided stage of Schubert's struggling time to find his own style. In Schubert's music, melody takes up the significant part and appears exquisitely in all of his compositions. This includes sonatas which are classical form of instrumental music. Schubert was influenced by Beethoven more than any other composers. Although his Piano Sonata in A Major D664 Op.120 is one of his early sonatas, it clearly shows his own musical features. This sonata highlights melodies that have vocal elements and it is shorter and smaller in scale. The theme melody in Schubert’s sonata is long and progresses in a sequence. Harmonies change colors through prelude with various use of rhythms such as syncopation, triplets, appogiatura, and pedal points. In trms of dynamics, sudden shift of contrasting motif and freely used pauses create some tensions. Schubert has a significant role of meaning in his time as an important early Romantic period composer as he uses the sonata form with lyrical melodies and colorful harmonies in his musical style. In this thesis, Schubert’s early Sonatas of romantic and classical style are discussed as well as the new approaches he incorporated with sonara forms in his last composition, Piano Sonata in A Major, D664, Op.120. 슈베르트(Franz Schubert, 1797~1828)는 고전주의와 낭만주의를 연결하는 작곡가로서 초기 낭만시대를 대표하는 중요한 작곡가이다. 슈베르트는 평생에 걸쳐 20여곡의 피아노 소나타를 작곡하였다. 그의 피아노 소나타는 초기, 중기, 후기 세 시대로 나누었으며 자신의 개성을 찾으며 고뇌하는 공백기를 기준으로 구분하였다. 슈베르트의 음악에 있어서 특히 선율은 큰 의미를 가지고 있으며, 성악곡에서 뿐만 아니라 기악 소나타에서도 나타난다. 그의 피아노 소나타는 고전주의적 형식 위에 자신만의 서정적 선율과 풍부한 화성의 색채감을 도입함으로써 새로운 낭만주의 소나타의 표본을 제시하였다. 또한 그는 다른 작곡가에 비해 특별히 베토벤의 영향을 받았는데 <피아노 소나타 in A Major D664 Op.120>는 초기 소나타이지만 그의 독창성이 분명하게 나타나는 소나타이다. 이 소나타는 선율이 돋보이는 곡으로 성악적인 요소가 두드러져 보이는 규모가 작은 짧은 소나타로 3악장 구성으로 이루어져 있다. 슈베르트의 소나타의 주제는 순차 진행하는 긴 선율로 구성되었으며 전조를 통해 화성적 색채를 바꾸기도 하였다. 부점, 3연음부, 아르페지오, 스케일, 전타음, 지속음(Pedal point) 등을 다양하게 사용하였다. 다이내믹에서도 갑작스런 강약의 대조나 자유로운 휴지의 사용으로 곡에 긴장감을 주었다. 슈베르트는 소나타형식을 바탕으로 서정적 선율과 다양한 화성의 색채감을 자유로이 다루었던 낭만주의로 이어가는 작곡가로서 중요한 의의를 갖는다. 본 논문은 슈베르트의 초기 소나타에 반영되는 고전성과 낭만성을 살펴보고 그의 피아노 소나타에 어떤 새로운 시도를 했으며 소나타 형식을 얼마나 자유로이 다루었는지 초기 피아노 소나타인 <피아노 소나타 in A Major D664 Op.120>를 통해 연구하였다.

중학교 1학년 음악수업의 피아노 활용방법 연구

이혜선 단국대학교 교육대학원 2010 국내석사

피아노는 음악을 처음 접할 때 가장 먼저 배우는 악기 중의 하나이며, 많은 학생들이 초등학교 시절에 학원이나 개인레슨을 통하여 피아노를 배운 경험을 가지고 있다. 피아노는 서양음악 학습에 있어서 기본이 되는 악기로 독주, 반주, 합주 등 다양하게 활용될 수 있으며, 감상, 가창, 창작, 기악 학습의 모든 영역에서 필수적이고 실용적인 악기이다. 음악 수업은 교육과정에서 제시한 바와 같이 학생들에게 다양한 음악적 경험을 제공하여 음악 활동의 기본적인 능력과 음악성을 기르고 풍부한 음악적 정서를 함양하도록 도와주어 음악을 생활화하는 태도를 기르도록 해야 하며, 이를 위하여 교사는 피아노라는 악기를 매개체로 하여 학생들이 연주와 감상에 있어서 직접적으로 음악을 경험 하고, 정서의 순환이 이루어지도록 지도해야 한다. 본 논문에서는 피아노의 교육적 활용 가치를 정리하고 2007 개정 교육과정과 16권의 개정 교과서를 분석하고 이를 바탕으로 중학교 1학년에서 피아노를 통해서 학습이 가능한 내용들을 음악의 기초이론, 피아노 반주법, 창작, 3가지로 제시하였다. 피아노를 활용한 음악이론 학습은 서양음악의 기보체계와 기초 이론을 이해하기 쉽도록 해주며, 음악의 기초이론 학습을 통해서 감상, 창작, 가창학습을 할 때도 도움을 받을 수 있다. 또한, 개정 교과서에 많은 대중음악들이 수록되어 있고, 2007 개정 교육과정에서 음악의 생활화를 강조하고 있다. 따라서 피아노 반주법 학습은 아이들에게 실용적이고 효과적이며 필요한 내용이라고 할 수 있다. 피아노 반주법 수업을 통해서 아이들은 직접 교과서 곡을 반주해보고 스스로 좋아하는 곡들을 피아노 치면서 '음악을 생활화하는 태도'를 기를 수 있다. 음악의 기초 이론과 피아노 반주법 학습을 바탕으로, 2007 개정 교육과정 7학년에서 제시한 즉흥적으로 연주하기와 간단한 형식의 가락 짓기의 창작 학습으로 배운 내용을 적용하고 심화 시킬 수 있는데, 창작 활동에서도 피아노를 활용하여 선율과 반주를 함께 창작해 보도록 지도할 수 있다. 교육과정에서 제시한 바와 같이 음악 교사는 재량껏 음악 수업을 이끌어 나갈 수 있으므로 피아노를 음악 수업에서 다양한 방법으로 활용할 수 있다. 이를 위해서 교사는 교육과정과 교과서를 바탕으로 체계적이고 연계된 수업을 할 수 있도록 장기적인 지도 계획을 세우고, 아이들이 피아노를 실용적으로 활용할 수 있도록 쉽게 지도할 수 있는 방법을 연구하고 적용해야 한다. 음악이론과 개념은 실제 소리를 통해서 이해하도록 지도하고, 기악과 감상 영역을 통합적으로 다루어야 하며, 수업에서 다루게 될 악곡들을 신중하게 선택하여 지도할 수 있어야 한다. 본 논문을 통해서 피아노가 교육현장에서 실용적으로 다양하게 활용될 수 있기를 기대한다. Piano is the first instrument which a person gets to learn when coming into contact with music for the first time. Many students during their elementary school years have had experiences of learning to play piano by taking private lessons or from attending piano educational institutions. Piano is the most important and basic instrument in western music. It can be used as a solo instrument, as an accompanying instrument or in chamber music. Thus, piano is the essential musical instrument in learning western music. It is also necessary for all fields of studies such as listening, singing, composing. The music instruction as noted in the educational process needs to provide to the students diverse musical experiences, which can lead to development of basic musical activities and musicality and cultivation of music in a daily life by fostering rich musical sentiments. To do that, teachers need to have students experience directly the music regarding performance and listening by utilizing the piano as means and have them develop music sentiments. In this thesis, a study was made of the educational value of the usage of a piano, an analysis was made of the 2007 revised educational curriculum and the 16 revised textbooks, and based on such studies, suggestions have been made on studies in three categories of basic theories of music, piano accompaniment and composing which are possible through piano learning at 7thgrade. A music theory lesson utilizing a piano facilitates an understanding of the basic structure and the basic theory of the western music as well as the study of listening, creation and vocalism based on a study of the basic musical theory. Also, in the revised textbooks, there are many popular music pieces. In the 2007 revised educational curriculum, an emphasis is made of the importance of music in one’s daily lives. Accordingly, it can be said that a piano accompaniment is a practical and an effective medium for the students. Through a piano accompaniment lessons, students can themselves play pieces contained in the textbooks and learn to cultivate music in their daily lives by playing pieces they like. 2007 revised educational curriculum of the 7thgraders suggests that with the basic musical theory and basic accompanying skills, students can improvise simple accompaniment or compose simple melodies. In teaching of the western music study, a piano is a basic instrument which can be utilized for a solo playing, an accompaniment or an ensemble. It is also necessary for all fields of studies such as listening, vocalism, composition, and instrument learning as well as being a practical instrument. As suggested in the educational curriculum, a music teacher has a discretion in how to conduct a class in music teaching. As such, the teacher can utilize the piano in various ways. To accomplish this, a teacher needs to prepare a long term lesson plan which will allow for a systematic and linked lessons based on the educational curriculum and the textbooks. Also, a teacher needs to research ways to easily teach piano to students so that they can practically utilize the piano. Thereafter, the teacher needs to implement the methods derived from his research. Students should be taught the music theories and concepts through actual sounds. Instruments and listening aspects need to be taught together. Also, those pieces which to be included in the curriculum need to be selected carefully and taught. It is hoped that the comments contained in this thesis contributes to the utilization of a piano in the educational field more practically and diversely.

Chopin Ballade No.4 Op.52의 연구와 이해

손정화 단국대학교 2015 국내석사

Chopin Ballade No.4, Op.52의 연구와 이해 단국대학교 대학원 음악학과 피아노전공 손 정 화 지도교수: 조 영 방 낭만시대를 대표하는 음악가 쇼팽은 피아노를 통하여 자신의 독창적인 음악을 완성하였다. 특히 자신의 무한한 감성을 그대로 표현 하는 것에 주력하였다. 그런 그의 노력으로 조국 폴란드를 위하는 마음, 화려한 피아니스트로서의 삶, 슬픈 사랑과 병약한 육체로 인한 쇼팽의 모든 감정이 그의 음악에 녹아져 있다 해도 과언이 아닐 것이다. 본 논문은 쇼팽의 작품 중에서도 완숙미가 돋보이는 Ballade No. 4의 형식을 분석하고 쇼팽 음악의 독창적인 특징을 고찰하여 쇼팽의 감성이 실현될 수 있는 연주에 도움이 되고자 하였다. 쇼팽은 세 부분으로 나눌 수 있는 형식으로써 소나타 형식의 틀을 취하였고, 그 안에서 주제가 되는 두 악절을 다양하게 순환시킴으로써 소나타 형식과 악절이 반복, 순환하는 특징이 공존하고 있는 자신만의 새로운 형식을 창안 하였다. 또한 두 주제를 다양한 관계조로 엮은 자유로운 조성관계와 악절의 여러 형태에 의한 반복으로, 곡 전체의 통일감과 짜임새를 만들어 낸 것은 전에 없던 자유롭고 새로운 형식이라 할 수 있다. 또한 곡 전반에서 볼 수 있는 쇼팽만의 독특한 선율, 리듬, 화성, 페달은 그의 서정성을 반영하고 있다. 이런 요소를 통해 그의 무한한 감성을 서정적이며 완벽하게 표현할 수 있으며 그의 독창적인 음악을 나타내는데 큰 역할을 하고 있다. A Study on Ballade No.4 Op.52 of F. Chopin Jung Hwa Son Department of Piano Graduate School of Music Dankook University Advisor:Professor Young Bang Cho Fryderyk Chopin is one of the renowned musicians of the Romantic era. Chopin developed his unique style of music and especially, he devoted his energy to express his unbounded emotions. Chopin’s music is full of his emotions from his love for his country Poland, glamorous life as famous pianist, sad love stories and even his sickliness. Ballade No. 4 is seen as one of mature work of Chopin. Throughout this study, musical forms of Ballade No. 4 are thoroughly analyzed considering distinctive features of Chopin’s music. Purpose of the study is to give better understanding in his musical forms and features and thus to help players to realize Chopin’s emotions on playing. Chopin invented his own form which exists together with Sonata form and repeated, circulated Periods. Using the structure of Sonata form as a basis, Chopin repeated two Periods which become a theme in various ways and circulated in several places. In the progress of relative keys between two themes, it seems to follow a Sonata form, generally have a dominant relation. Furthermore the repeated Periods create an architectonic beauty and systematic efforts which then can be seen as a free Sonata form. Moreover, in Ballad No.4 Chopin featured number of unique musical elements such as: fine melodies; applying Polish traditional rhythm; using well Tempo Rubato; epochal harmony relations; and freely command of pedal which all together bound perfectly to express his complex emotions. As a result, both Chopin’s musical form and his exceptional music elements play important roles in creation of his unique style of music.

슈만의 카니발 작품 9에 관한 연구 : 작품 배경과 표제 해석을 통한 음악적 특징의 고찰

주성희 단국대학교 대학원 2012 국내박사

슈만은 형식의 자유로움과 주관적 감정표현을 추구한 낭만주의의 대표적 작곡가이며 그의 음악성은 문학적 재능과 결합하여 많은 표제음악 작품으로 표출되었다. 이 표제적 요소는 슈만의 독창성으로서 그를 낭만주의의 다른 작곡가들과 구별짓는 요인으로 작용하기도 하며 초년기부터 심취해 있던 작가 장 파울로 인한 문학적 사고(思考)가 배경이 된다. 이는 소설에 제목과 등장인물, 내용이 존재하듯, 음악작품에 인물을 등장시켜 상황을 전개하며 각각의 악장에 음악적 내용을 상징하는 표제를 붙여 한데 묶는 ‘음악소설’의 형태로 나타나게 된다. 카니발 작품 9는 이러한 특징이 잘 드러난 슈만의 대표적인 표제음악 작품이며 21개의 성격소품들로 구성된 모음곡이다. 카니발의 표제들은 주로 축제에 참가한 인물과 상황을 나타내며 분위기나 형식에 따라 2곡 이상씩 서로 대조되거나 연관을 갖는다. 이에 본 연구는 카니발 작품 9의 표제를 해석하고 이를 음악적 특징과 연관시켜 조명함으로써 작품 해석의 깊이를 더하며, 나아가 낭만주의 음악에 대한 이해를 돕는 목적으로 진행되었다. 표제를 해석하기 전에 카니발의 형식적 특성인 성격소품, 표제음악, 모음곡 등이 발생하게 된 배경과 작곡 동기를 낭만주의 음악의 도래와 함께 기술, 이를 본론 첫 장으로 하였다. 이어 다음 장에서는 21개의 성격소품을 표제의 성격과 분위기에 따라 인물, 상황, 춤곡, 그 외의 것의 4가지로 분류하여 분석한 것을 내용으로 하였다. 카니발은 슈만의 뛰어난 음악성이 장 파울로부터의 문학적 형식을 통해 시적 환상으로 표출된 작품이며 당시의 기교만을 쫓던 음악풍토에 대립, 음악의 본질을 추구하고자 했던 그의 열정과 의지가 담긴 곡으로, 표제에 함축된 각 소품들의 성격과 분위기가 변화로운 선율과 화성, 반음계, 당김음, 헤미올라 리듬 등의 자유로운 작곡기법을 통하여 묘사되어 있는 낭만주의의 대표적 표제음악이다.

슈만의 「크라이슬레리아나, Op. 16」에 담긴 호프만의 크라이슬레리아나

조윤정 단국대학교 대학원 2011 국내박사

호프만의 소설 「크라이슬레리아나」와 같은 제목을 가진 슈만의 피아노 작품 「크라이슬레리아나, Op.16」는 “크라이슬러의 작품세계”를 뜻하며, 작품의 타이틀에서 느껴지는 것처럼 호프만의 소설에서 커다란 영향을 받았다. 음악작품을 이해하는데 있어서 구조와 형식을 분석하는 것 뿐 아니라, 음악의 외적인 요소에서 작품의 중심 개념을 발견하는 것은 매우 중요하다. 이 연구는 슈만의 피아노 작품 「크라이슬레리아나, Op.16」와 슈만이 많은 영감을 받았던 호프만의 소설과의 연관성을 살펴보고 작품에 대한 깊이 있는 음악적 이해와 성찰의 기회를 통해 의미 있는 연주에 도움을 주고자 하는 데 그 목적을 갖는다. 이러한 목적을 달성하기 위하여 호프만의 소설 「크라이슬레리아나」와 「카터무어」의 내용을 파악하고, 슈만의 피아노 작품 「크라이슬레리아나, Op.16」을 분석한 후, 관련 문헌과 비교함으로써 세 작품 간의 연관성을 중심으로 논의하고 기술하였다. 19세기 낭만주의자들은 현실에 존재하지 않은 이상세계, 환상세계를 동경하였고, 그들의 작품 안에서 그것을 표현하고자 하였다. 소설 속에 등장하는 호프만의 제2의 자아 ‘크라이슬러’는 전형적인 낭만주의자로 슈만의 작품세계에 많은 영향을 미쳤다. 슈만의 「크라이슬레리아나, Op.16」와 호프만의 두 소설 「크라이슬레리아나」, 「카터 무어」간의 내용과 구성면에서의 공통점은 ‘판타지’로, 판타지적 요소는 이원성, 모호성, 일관성으로 함축된다. 슈만은 두 소설에서 받은 영감을 그의 피아노작품 「크라이슬레리아나, Op.16」에서 조성, 모티브, 순환구조, 그리고 감정과 분위기 등을 통해 나타내고 있다. 소설 속에서 ‘이원성’은 악장 크라이슬러의 현실세계와 이상세계에서의 내적 갈등, 주인공의 자아와 분열된 자아, 예술에 대한 사랑과 그로 인한 고통, 카터무어부와 크라이슬러부, 등장인물과 사건의 대칭적 구조 등의 대조적인 모습으로 나타났다. 슈만의 필명 플로레스탄과 오이제비우스도 또한 이중적인 모습을 갖고 있다. 이러한 ‘이원성’의 모습은 피아노 작품 속에서 음악 흐름의 절정에서 대조적 분위기 또는 새로운 주제가 등장하거나, 분위기와 조성의 변화로 나타났다. 또 크라이슬러의 분열된 자아 정체성의 모호함, 독자가 느끼는 공간적 혼란, 또 두 텍스트의 혼합으로 인한 이야기의 시작과 끝의 불확실성, 갑작스런 종결 등과 같은 소설속의 ‘모호함’은 피아노작품 「크라이슬레리아나, Op.16」에서도 갑작스러운 시작과 끝, 열린 종지, V화음 선상에서의 시작과 종지 등으로 나타났다. 마지막으로 소설 속에서 시종일관 흐르는 주인공들의 사랑의 감정은 피아노 작품 속에서도 클라라에 대한 사랑의 감정으로 나타났다. 슈만은 클라라모티브와 관계조의 조성연결, 순환구조로 이러한 ‘일관성’을 나타냈고, 이것은 곡 전체에 통일성을 부여하고 있다. 이와 같이 슈만의 피아노 작품 「크라이슬레리아나, Op.16」의 난해한 구조와 내용을 이해하기 위해서는 먼저 호프만의 소설 속에 담겨진 내용과 구조, 일관된 감정을 이해해야 한다. 호프만의 소설은 슈만의 「크라이슬레리아나, Op.16」에 나타난 음악적 언어와 감정을 이해하고 작품에 대한 성찰을 할 수 있는 기반이 되기 때문이다. Diese Dissertation gibt Auskünfte über das bedeutsame Stück „Kreisleriana, Op.16” von R. Schumann. Als R. Schumann das Klavierwerk „Kreisleriana, Op.16” komponierte, bekam er Inspirationen von den Romanen „Kreisleriana” und „Kater Murr”, geschrieben von Hoffmann. Um dieses Klavierstück wirklich zu verstehen, muss man zunächst die Romane „Kreisleriana” und „Kater Murr” und Schumanns „Kreisleriana, Op.16” analysieren und verstehen lernen. Im 19. Jahrhundert hatten die romantischen Künstler Sehnsucht nach ihrer Fantasie und der idealen Welt, die real nicht existierte. Sie wollten das in ihren literarischen Werken beschreiben. Genau so einer war der berühmte Schriftsteller Ernst Theodor Amadeus Hoffmann. Er schrieb die Romane „Kreisleriana” und „Kater Murr”, in denen seine künstlerische, musikalische Gedanken beschrieben wurden. „Kater Murr” wurde als Doppelroman geschrieben. „Kater Murr” hat strukturell zwei Romane, den „Kater Murr” Teil und den „Kreisler” Teil. Die zwei Teile sind inhaltlich miteinander und im Kontrast verbunden. Kreisler, der die Hauptrolle in diesen zwei Romanen Hoffmanns ist, war das zweite Ich des Hoffmanns. Kreisler war der typische, romantische Künstler. Er war der wahre Künstler, aber er wanderte zwischen der idealen und realen Welt hin und her. Er liebte Julia, die ihm die Musik zeigte, so wie Schumann Clara im gleichen Maße liebte. Von dem Charakter „Kreisler” und von der Struktur des Romanes inspiriert komponierte Schumann „Kreisleriana, Op.16”. Die Gleichartigkeit zwischen den Stücken „Kreisleriana”, „Kater Murr” und „Kreisleriana, Op.16” sind “die "Fantasie". Und die Fantasie besteht aus der Dualität, Unklarheit und Konsequenz. Diese drei Elemente wurden in den Klavierstücken durch ihre Tonart, Motive, kreisende Form-ABA, offene Schlusskadenz und Stimmung betont. Um die schwierige Struktur und den Inhalt des Schumanns „Kreisleriana, Op.16” zu verstehen, muss man zunächst die Form, den Inhalt und die Stimmung des Hoffmann Romans „Kreisleriana” und „Kater Murr” verstehen, da Hoffmanns Roman die Basis für die musikalische Sprache und Stimmung des Schumann Stückes „Kreisleriana, Op.16” darstellt.