접힘 구조의 섬유 조형 연구

부서연 홍익대학교 대학원 2017 국내박사

투명소재 섬유조형구조의 '키네틱 에너지' 연구

문선영 홍익대학교 대학원 2016 국내박사

Fiber art has been expanded to fine art rather than limiting itself to weaving crafts after Bauhaus’s experiment on finding new forms and extension of materials. The variation of the traditional method and the technical development were also the reasons for this but the introduction of new materials was the biggest driving force to a drastic change in fiber art. These new materials in contemporary fiber art have been mostly industrial materials such as plastic, rubber, metal and glass, which allowed fiber art to deviate from a surface and also present in a three dimensional form. Although fiber art have an influence on contemporary fine art, the position of fiber art has been vague in the traditional term of art, divided into painting, sculpture and architecture, so that it just becomes one of the kinds depending on how it is suggested. Thus, the researcher examines the features of visual perception in a fiber artwork, especially made with transparent material, as reconsideration of the identity of contemporary fiber art, and studies what meanings are derived from these features. Firstly, how a new material is introduced in contemporary fiber art and how the concept of a space is extended from the introduction of a new material are examined to process the study. Diverse kinds of new materials have brought interesting effects with unique gloss and textures, and led the conceptual development, connoting three-dimensional space and time in three-dimensional works. Also, how the transparent material, used in the researcher’s work, is manifested as a meaning of ‘Kinetic Energy’ in contemporary art is analyzed with its relationship with ‘Kinetic Art’. Secondly, based on the analysis made earlier, the types of the ‘Kinetic Energy’ structure, presented in contemporary fiber art, are studied in two kinds of perspectives: the visual and perceptual motility, recognized by properties of light and materials, and the life force, created by the repetition and multiplication of forms. The visual and perceptual mobility is easily triggered because light materials move easily as they are, and transparent or glittering materials often give visual instability to observers with a feeling of lightness. Also, how the situation that a certain unit is repeated like in the crochet technique can be understood as the multiplication in a living organism tells that it is an appropriate method of expressing ‘Kinetic Energy’ of a living organism. Thirdly, Lenore Tawney (1907-2007) and Kay Sekimachi (1926-) are chosen as reference artists and examined to see how ‘Kinetic Energy’ is presented in their works. The works of Lenore Tawney show ‘Kinetic Energy’ by making soft light through the unwoven thread and hanging her works in the air. The works of Kay Sekimachi visualizes ‘Kinetic Energy’ by expressing silence, lightness and flexibility through the complicate structure and understated colors of transparent nylon monofilament yarns. Lastly, the subject of this dissertation, how ‘Kinetic Energy’ is visualized as the semantic structure, is examined by analyzing the researcher’s works based on what the contents has examined earlier. The suggested works are divided into four different characteristics: ‘the soft geometry type from the effect of light’ occurring from the relationship of multilayered nylon monofilament crocheted fabrics and light, ‘the effect of the cellular structure from the crochet technique’ implying that crochet has the similar tendency with the growth of a cell and a living organism’s complicated forms, ‘the transformation and multiplication of organic structures’ suggesting that a multiplicative and variable crochet work has the similar characteristic with the feature of an organism, and how ‘Kinetic Energy’ is examined from the psychological perspective by hanging a work in the air, ‘the rising and floating in the form of a mobile’. This dissertation seeks for a possibility of expression that can be achieved only by fiber art among various forms of contemporary art through this series of the researcher’s analyses. 바우하우스 이후 이루어진 새로운 조형형식의 실험과 재료의 확장으로 섬유미술의 영역은 직조공예에 국한되지 않고 순수조형예술의 범위로까지 확대되었다. 전통 기법의 변형이나 기술적인 발전도 한 몫을 담당하였지만, 기존에 사용되지 않던 신소재의 도입은 섬유미술의 변혁을 견인한 가장 큰 원동력이다. 현대 섬유미술에서 즐겨 사용되는 신소재는 플라스틱, 고무, 금속, 유리 등과 같은 산업적 재료들이 대부분이다. 이러한 재료들의 등장은 섬유미술작품이 벽면에서 벗어나 입체와 설치 등 3차원의 공간으로 나아갈 수 있도록 하였다. 현대 조형예술의 표현기법에 끼친 섬유미술의 영향에도 불구하고 회화, 조각, 건축으로 대분(大分)되는 전통적인 조형예술의 분류에서 섬유미술은 작품이 제시되는 방식에 따라 이 분야들 중 어느 한쪽에 해당되거나 쓰임을 강조하는 공예의 범주로 위치되는 등 애매한 정체성으로 정의되어왔다. 이에 연구자는 현대 섬유미술의 정체성에 대한 재고(再考)로서 투명소재로 표현된 섬유미술작품의 시지각적 특성에 대해 고찰하고 그러한 특성이 어떠한 의미를 파생시키는지 살펴보았다. 본 연구의 과정으로서 첫째, 현대 섬유미술에서 신소재 도입의 흐름과 이에 따른 공간개념의 확장에 대해 조사하였다. 다양한 신소재들은 평면작품에서는 특유의 광택이나 질감으로 흥미로운 표면효과를, 입체작품에서는 3차원의 공간과 시간성까지 내포하는 개념적 발전을 이끌었다. 또, 연구자의 작품에 사용되고 있는 투명소재가 현대 미술 속에서 어떠한 방식으로‘키네틱 에너지(Kinetic Energy)’라는 의미로 발현되는지‘키네틱 아트(Kinetic Art)’와의 관계를 통해 분석하였다. 두 번째로 앞에서 분석한 내용을 기준으로 현대 섬유조형에서 나타나는‘키네틱 에너지’구조의 유형을 빛과 소재의 물성에 의해 인지되는 시지각적 운동성과 형태의 반복과 증식에 의한 생명력이라는 두 가지 관점에서 연구하였다. 가벼운 소재는 그 자체로 쉽게 움직이고, 투명하거나 반짝거리는 소재들은 가벼움의 느낌과 함께 시각을 불안정하게 만드는 경향이 있기 때문에 쉽게 시지각적 운동성이 유발된다. 또, 크로셰(crochet) 기법과 같이 일정한 단위가 반복되는 상황은 생명체에서 찾을 수 있는 증식의 맥락으로 이해할 수 있으며 이것은 생명의‘키네틱 에너지’를 표현하는 적절한 수단임을 예증(例證)하였다. 세 번째는 본인의 작품 분석에 논리적 타당성을 부여하기 위해서 르노어 타우니(Lenore Tawney, 1907-2007)와 카이 세키마치(Kay Sekimachi, 1926-)를 표본작가로 선정하고, 이들의 작품에‘키네틱 에너지’가 어떠한 양상으로 드러나고 있는지 알아보았다. 르노어 타우니의 작품은 직조되지 않은 실들에 의한 빛의 부드러운 투과와 공중에 매다는(hang) 방식의 설치로 상승하는‘키네틱 에너지’를 느끼게 해주었다. 카이 세키마치의 경우는 투명 나일론(nylon) 모노필라멘트사(monofilament yarn)에 의한 복잡한 구조와 절제된 색상에서 고요함과 가벼움 그리고 유동성이 표출되며, 공간 속의‘키네틱 에너지’를 시각화하였다. 마지막으로 앞서 살펴 본 내용을 토대로 연구자의 작품 분석을 통하여 본 논문의 주제인‘키네틱 에너지’의 시각적 의미구조를 고찰하였다. 제시된 작품들은 다음의 네 가지 특성으로 분류되었다. 여러 겹으로 이루어진 나일론 모노필라멘트 편물과 빛의 관계로부터 발생하는‘빛의 효과에 의한 부드러운 기하형태’, 크로셰는 세포의 성장이나 생명체의 복잡한 형식과 운동성을 닮아 있다는 내용의‘크로셰 기법의 세포구조 효과’, 반복적으로 증식하고 가변적인 크로셰 작품은 유기체의 특성과 비슷한 맥락을 가진다는 점을 피력한‘유기적 구조의 형태변이와 증식’그리고 작품을 공중에 매달아 설치하는 방식을 통해 나타나는‘키네틱 에너지’를 심리적 측면과 함께 살펴본‘모빌 형식을 통한 상승과 부유(浮遊)’이다. 이와 같은 일련의 분석적 과정을 통하여 본 연구는 다양한 형식의 현대 미술 속에서 섬유조형구조만이 달성할 수 있는 표현의 가능성을 모색해 보았다.

스펀지를 이용한 자연흐름의 조형 표현 연구

오현욱 홍익대학교 대학원 2016 국내석사

미술은 아름다움을 표현하며 작가가 전달하고자 하는 내면의 의미를 전달하는 것을 목적으로 한다. 본인은 자연의 아름다움을 연구하여 자연이 주는 일상의 느낌들을 작품으로 표현하고자 한다. 자연흐름은 끊임없는 에너지 순환으로 팽창, 축소, 변화하는 과정을 거치고, 이러한 과정 중 순간순간들의 형태를 포착하여 작품을 제작 한다. 파도, 바람, 구름 과 같은 자연 스스로가 만들어 낸 유기적인 흐름을 단순화된 선의 모습으로 이미지화 하고, 이를 점과 점을 잇는 최단거리인 직선으로 재구성하여 표현하였다. 스펀지 블록(Block)을 구조적으로 배치하는 모자이크(Mosaic)기법을 통해 조형성을 연구한다. 연구자는 흐르고 있는 동적인 형태를 고착시켜 작품으로 나타냈다. 순간을 작품으로 담기위해 무(無)의 의미로 죽음을 상징하는 검은 색과 스펀지의 가벼운 무게감을 사용하고, 작품의 형태를 집중하기 위해 크기를 동일하게 잘랐다. 또한 스펀지의 특성인 탄성을 통해 자연의 유연함을, 인공물과 자연물의 조화를 나타내기 위해 다공성 물질과 같은 특성에서 소재의 적합성을 찾았다. 모자이크기법은 여러 측면으로 조형성을 표현 할 수 있다. 기본적으로 점, 선, 면의 조형원리를 기본으로 사용하고, 행위적으로 스펀지를 자르고 다듬고 붙이는 행위에서 자연의 형태를 해체, 재배치하고 조합하는 인간의 행위를 의미한다. 또한 효과적으로 사물 그대로의 형태가 아닌 작가의 의도에 따라 자연흐름 형태를 새롭게 만들고 왜곡, 착시현상을 줄 수 있다. 연구를 통해 자연의 유기적 흐름을 육면체의 인공적인 조형 이미지로 화면에 이끌어냄으로써 연구자의 작품 세계를 구축하고자 하였다. 또한 공산품인 스펀지 소재에 의미를 담아 섬유미술에서 소재의 다양성과 자유로운 표현으로 독창적인 예술 활동의 발전에 일조하기를 바라며, 현대사회에 바쁜 일상 속에 자연흐름의 아름다움을 한 번 더 인식하고, 유심히 관찰할 때 그 형태를 알아볼 수 있는 육면체의 작은 픽셀과 같이 일상에서 지나치는 자연의 아름다움에 관심을 가지는 기회가 되기를 바란다. Art aims to express beauty and deliver an artist’s message. The researcher studies on the beauty of nature and tries to express feelings of everyday life existing in nature through the researcher’s practice. The flow in nature repeatedly goes through the process of expanding, downscaling and transforming and the researcher’s practice captures moments of these processes. The organic flows of nature such as a wave, wind and cloud are visualized by simplifying into lines and they are rearranged into straight lines that can connect dots in the shortest distance. The mosaic technique that can structurally arrange sponge blocks is used to study on formativeness. The researcher shows dynamic forms of the flows in the researcher’s practice by fixing them in lines. While capturing moments, the researcher uses a black color to represent lightweight, meaning emptiness, and death, and cuts sponges in the same size in order to focus on a form of the final work. Moreover, the suitability of the researcher’s main material, a sponge, is on its characteristic, porosity, so that flexibility of nature and the harmony of artificial and natural objects are presented. The mosaic technique enables to express formativeness in semantic, behavioral and effectual aspects. At first, in the semantic aspect, the principles of a form, a dot, line and surface, are used as a base, and secondly, the actions of cutting, trimming and gluing sponges represent the human behaviors that disband and rearrange nature. Also, the flows of nature can be newly created and have distortion and optical illusion depending on the researcher’s intention rather than the fixed forms. Through this study, the researcher wants to establish own perspective in art by bringing out the organic flows of nature into an image of an artificial form, a cube. Moreover, the researcher expects this research to play a role in the development of creative art by suggesting diverseness of materials for textile art with the use of an industrial product, a sponge, and to give an opportunity to be interested in nature around people’s daily life like a little pixel of a cube can be only observed when looked carefully.

펠트소재를 이용한 감성적요인과 증식형태

최서윤 홍익대학교 대학원 2016 국내박사

대중 매체의 발달, 그리고 현미경이나 사진 기술 등의 과학 기술의 발달로 인해 오늘날의 시각 체계에는 많은 변화가 일어났다. 20세기에 들어와서, 이미 이러한 시각 체계의 변화는 예술에 직접적인 영향을 주었다. 가장 직접적인 영향을 받은 것은 미디어 아트 분야지만 회화와 같은 평면 예술이나 조각을 비롯한 물성을 이용하는 입체 조형 작품에도 영향을 끼쳤다. 대표적인 사례로 형태의 외관을 픽셀과 같은 모듈(Module) 이미지로 표현한 예술의 등장과 대중 매체를 통해 눈으로 파악할 수 없었던 세포와 같이 생물학, 과학, 천문학, 의학 등의 전문적인 분야의 이미지의 미세한 형태들을 들 수 있다. 이러한 점에서 본 연구는 생물 세포의 증식 이미지를 모티프로, 섬유미술에서 오래 전부터 사용해 온 펠트(Felt) 소재를 새로이 접목해 보고자 한다. 연구자의 증식 형태 작품을 중심으로 감성과 촉각에 대해 현대 섬유미술 소재 가운데 수세기 동안 사용되어온 펠트 소재를 구체적으로 논의하고, 급속도로 진화되고 있는 미디어 시대와 함께 섬유미술에서 표현된 유사 개체들의 증식 형태에 대해서 설명한다. 연구자의 작품을 보다 객관적으로 살펴보기 위해 픽셀(Pixel) 형태를 통해 확장과 증식의 설치 작업을 보여주는 코헤이 나와(Kohei Nawa), 그리고 펠트 소재에 의한 공간 설치 작업을 보여 주는 마졸렝 달링가(Marjolein Dallinga)라는 두 작가를 표본작가로 선택하였다. 코헤이 나와의 경우, 문명과 정보사회가 무한히 증식되는 모습을, 세포의 증식과 확장을 모티브로 한 설치 작업을 발표하고 있다. 그리고 마졸렝 달링가는 펠트를 이용하여 생명체의 증식 형태를 직관적 불확실성 요소에 의한 공간에서의 설치 작업을 보여 주고 있다. 이와 같은 선행연구 분석을 통하여 연구자의 작품과의 유사성을 찾아 분석하였고, 세포의 증식 형태가 섬유미술 형태로서 표현 가능성이 될 수 있음을 확인하였다. 연구자는 선행연구 분석을 바탕으로 작품 재료인 펠트 소재가 선택되어진 이유와 어떤 방식으로 작품이 제작되었는지에 관하여 설명하였다. 또한 미시적인 관점에서 연구자의 작품 속에 드러난 생물학적 형태를 어떻게 접목시켰는가에 대하여 서술하였다. 세포 분열과 확장의 조형성에 초점을 두어 작품으로 표현하였다. 즉 연구자가 작업을 시작한 시점부터 해 오던󰡐섬유세포(Fiber Cell)'의 연작을 제작하고, 생물학적 세포 분열되는 형태와 테크놀로지와의 융합과 더불어서 관련된 인터랙션 디자인, 그리고‘세포 복제(Cell Cloning)’와 샬레(Schale)의 증식 형태에서 영감을 받은 작품들을 분류하여 작업의 형식과 과정 내용 등의 요소들을 통하여 견해를 밝혔다. A visual system has embraced numerous changes such as microscopic or photographic technology through the development of mass media, science and technology. These changes have had a direct impact on the art especially media art as well as painting and sculpture from the 20th century. For example, the exterior of the artwork can be expressed as the module image like pixels and the micro-forms in biology, astronomy, medicine and etc. can be applied to the artwork. This study considers the image of cell proliferation as the motive and incorporates the felt as the material of choice. Centering on the author’s proliferation form artworks, this study describes the felt material in detail and explains about the proliferation forms of similar objects described in fiber arts along with the rapidly evolving media age. In order to look at the artworks more objectively, Kohei Nawa who shows the installation works of extension and proliferation in the form of pixels and Marjolein Dallinga who displays the space installation works using felt are chosen as the sample artists. Kohei has been exhibiting installation works that show the infinitely proliferating forms in Civilization and information society through cell division and proliferation as the motive. Marjolein uses the felt material and shows installation works in the space with intuitively uncertain factors. An analysis of the previous studies helps the author to find the similarities in the author’s artworks and confirms the possibility of using the cellular proliferation forms in fiber arts. The author explains the reason why the felt was chosen and the ways in which the artworks were produced. In addition, the study also describes how the biological forms are grafted into the author’s artworks from a microscopic point of view. The artworks are expressed by focusing on cell proliferation and formativeness. The series of Fiber Cell, the interactive design that fuses the biologically proliferating cellular forms and the technology, Cell cloning, the works that are inspired by the proliferation forms found in the petri dish and etc. are categorized. The forms and the processes are also described.

쌓음과 비움의 ‘겹’ 표현연구

장미선 홍익대학교 대학원 2017 국내박사

In this study, the researcher examines 'layered structure of quilts' and investigates 'the spirit of quilts' that was formed during the process. Specifically, the researcher examines how an increase or a decrease in layer is expressed in quilts as a layered structure is kept and added, as well as changes in shape and texture on the surface of quilts. The researcher's works of quilts are examined from various perspectives based on theoretical review and case studies of other artists. First, as a background to the study, the researcher examines the structure of layer and the spirit. The researcher investigates basic structure and characteristics of traditional quilts, and discuss various roles of 'layer' as a skin, as a building, and as an environment that surrounds us. The researcher shows that the structure of a skin that has a function of protecting us from the external environment also has a psychological role in forming a relationship. In architecture, it is found that exposing the structure of a building on the exterior could be one way of expression, and that the process of stacking small objects to form a structure is relevant to quilting for its decorative elements. In the researcher's works of quilt, layers of fabric are sewn together and then cut off layer by layer, leading to gradual augmentation as layers of fabric are structurally stacked and removed, filled and emptied. The expression of layer that forms the hierarchical structure of the environment that surrounds us can be related to the principle of trilateral unison (samhap) in the Oriental philosophy, which means that three elements should come together to maintain structural stability. The researcher quotes a film 'American Quilt' to show how quilts can appeal to people and understand the spirit of quilts. Pieces of quilt represent a person's life with love, happiness, pain and unhappiness, and they should be carefully sewn together for harmony even though there is no clear rule. The ambivalent nature of quilts found in the relationship among needle work, fabric, needle and thread develops into naturalness and a way of communication as the work of quilt is made, and the ambivalence is altered to purification. Based on this discussion on 'layer' and the spirit of quilts, the researcher's works of quilt are examined that have multiple layers that serve as a structure, and show that the layers help to form a relationship like a skin, facilitate communication, and enable purification of ambivalent feelings, going beyond its role as a boundary between the outside and the inside. The researcher also conducts case studies of other artists. Michael James combined quilt and technology to express layers, Hundertwasser introduced the theory of five skins, and practiced it in architecture and various other works of art throughout his life, and Kim Taeho overlays several layers of paint on a canvas and scraps them off with a chisel to fill the canvas with grid-like structures, creating a rhythm of life through augmented space of proliferation. Works in these case studies are compared to the researcher's variety of expressions, layered structure and augmented space of proliferation. In the researcher's works of quilt, structured layers are final outcomes, but the process of creating them is a journey of discovering oneself and finding self-identity in life in terms of 'the present and my location' and 'actions and thoughts.' In this process, each work of art produces unique layers, and combined together, the structure and form develop into intangible 'spirit of quilts.‘ 'Layer as accumulating' starts from expression of desire, and the self is expressed in objet of furniture, forming a grid structure. Second, furniture represents an isolated self, and as it reveals its will to dismantle covered layers to escape from the room toward the outside, the meaning of layer changes to the 'layer as emptying.' The cross-section of layered structure that is made in the process of piling and then removing layers of fabric is replaced with the meaning of emptiness. Third, the 'layer as dissolution and proliferation' is a stage of making the layered structure visible by repeating the process of emptying out through dismantling. To empty out layers made from piled layers of fabric, they are cut with a pair of scissors. As time passes, fabric becomes naturally frayed at the edge, and the frayed threads are intertwined again to create a new grain, and this stands for 'dismantling' and 'emptying out' in our life. To the researcher, quilting is a journey to self-discovery through the use of fabric, needle and sawing machine. The quilting activity is enjoyable and entertaining, and it is a channel for feeling free and ecstatic even when the work is hard and demanding. It brings realization that the researcher is leading a feminine life—compared to impersonal life as an individual—socially, and expressing oneself in work of quilts brings out the feeling of beauty, sense of ownership and leads to expansion of relationships to let people around me live more comfortable and happier life. Quilting is more than a mere repetition of following traditional, geometric patterns, and develops into the world of art where people discover and express themselves. Going further beyond self-expression, self-understanding, and self-communication, work of quilts spills into the social realm and eventually to the world of infinity, to the spirit of quilt to complete oneself. 본 논문은 연구자의 퀼트 작업을 통하여 ‘겹 구조의 퀼트’를 인지하고,이에 대한 답을 찾는 과정에서 형성된 ‘퀼트 정신’에 대한 연구이다. 겹구조가 유지되고 덧 씌워지면서 생기게 되는 겹의 증감과 표현기법의 접근방식이 이끌어 내는 형태와 질감에 대한 변화를 살펴보고자 하였다. 더불어 이를 뒷받침하는 이론적 고찰 및 관련 작가들의 사례 연구를 통해 연구자의 퀼트를 다각적으로 분석하고자 하였다. 작품 형성 배경으로서의 겹의 구조와 퀼트 정신을 먼저 살펴보았다. 전통적인 퀼트의 기본 구조와 형태적인 특징 등을 파악하고, 겹의 의미를 피부의 기능으로서의 겹, 건축물의 기능으로서의 겹, 우리를 둘러싼 환경으로서의 겹의 기능으로 고찰하였다. 외부 환경으로부터 인체를 보호해주는 피부의 구조가 기능적인 측면과 심리학적으로 관계형성의 역할로 확장됨을 고찰하였다. 또한 건축 표현에 있어서, 건축물 외벽에 구조를 그대로 마감재로 노출시키는 것이 또 다른 표현 수단임을 알 수 있었으며, 작은 단위의 물체가 쌓여서 형성되는 축조 과정 등이 장식미로서 퀼트와 연관될 수 있음을 파악하였다. 이는 연구자의 퀼트 표현에서 천을 여러 겹 박은 후 다시 한겹씩 잘라내는 과정을 통해, 여러 겹의 천이 구조적으로 더하고 덜어냄으로서 채우고 비움으로서 점진적인 증강의 표현으로 나타나는 과정이다. 이 밖에 우리를 둘러싼 환경적 층위의 구조를 형성하고 있는 겹의 표현은, 동양사상의 삼합의 원리와 연결되는데 이는 세 개가 합쳐야 구조적으로 안정감을 유지할 수 있는 원리이다. 또한 퀼트 정신을 이해하고자 퀼트가 어떻게 사람들에게 다가가는지 영화《아메리칸 퀼트》를 통하여 살펴보았다. 영화속에서 퀼트의 조각들은 삶으로 상징되고 있다. 한 개인의 삶과 희노애락 등 일상의 조각들이 섞여있어 일정한 규칙은 없지만, 조화롭게 이어 붙여야 하므로 신중하게 결정을 해야 하는 것이다. 더불어 퀼트는 바느질 행위 자체와 천, 바늘, 실 등 소재와의 관계에서 발생하는 양면성이 작품을 완성해가면서 자연스러움과 의사소통의 표현 방법으로서 전환되며 양가 감정이 정화에까지 이르게 된다. 이상의 작품 형성 배경으로서의 겹과 퀼트 정신을 통해 다층의 겹이 존재하며 구조적인 역할을 하는 연구자의 퀼트 작품이, 피부의 겹으로 관계를 형성하고 의사소통의 역할을 하며 외부와 내부를 분리하는 경계면의 역할을 넘은 양가 감정의 정화에 까지 이르게 됨을 살펴보았다. 퀼트와 테크놀로지의 결합을 통하여 겹을 표현한 마이클 제임스, 5겹의 피부이론을 주장하고 이를 건축 및 다양한 작품을 통하여 전 생애동안 보여준 훈데르트바서, 캔버스위에 물감 층을 여러 겹 쌓고 그 겹을 끌 칼로 벗겨내어 그리드 형태의 구조가 캔버스 가득 채우게 표현함으로써 확장된 증식의 공간을 통한 생명의 리듬을 나타낸 김태호 등 표본 작가들의 사례연구를 통하여, 연구자의 표현의 다양성, 겹 구조, 확장된 증식의 공간들과 비교하여 분석하였다. 연구자의 퀼트 작품에서 드러난 구조적인 겹의 형태는 결과물이지만 작품제작의 과정을 통하여 자아를 발견하고 자신의 ‘현재 위치’‘행위와 사유’등 삶 속에서 자아를 찾아가는 여정이 되었다. 이 과정에서 작품은 각각의 유형적인 겹을 이루고 있지만, 그것이 합쳐 이루어진 구조와 형태는 변화를 겪게 되면서 ‘퀼트 정신’이라는 작가관을 형성하게 된다. 첫째, 욕망의 표현으로 시작된‘쌓음으로의 겹’인 자아가 가구의 형상을 재구성하여 이미지로 표현하고 이 쌓음의 겹이 격자 구조를 지니게 된다. 둘째, 고립된 자아로 표상되는 가구는 방 안에서 벗어나 외적공간을 향해 자신에게 씌워진 겹들을 해체해가는 의지를 드러내며‘비움으로서의 겹’으로 변화된다. 원단을 켜켜이 쌓고 비워내는 과정에서 보이는 겹 구조의 단면들은 비움의 의미로 치환된다. 셋째, ‘해체와 증식으로서의 겹’은 해체를 통한 비움의 과정이 반복되어 겹 구조가 육안으로 드러나게 되는 단계이다. 천들이 쌓여 이루어진 겹을 비워내기 위하여 가위로 잘라내어 겹 공간구조를 창출하게 된다. 이러한 과정에서 작품의 표면에서는 시간이 지나면서 자연스럽게 나타나게 되는 천의 올 풀림 현상과 풀린 그 올들이 다시 서로 엉기며 결을 만들어 내게 되는데 이는 인간 삶의 과정으로서 해체와 비움을 상징한다. 연구자의 퀼트는 천과 바늘, 재봉틀에 의한 작업으로 자아를 발견하는 과정으로써 퀼트 행위를 즐기며 고된 작업조차도 자유롭게 느끼고 희열을 느끼게 되는 통로이다. 사회적으로 개인보다 여성적인 삶을 살고 있는 자기를 발견하고, 스스로 아름다움을 느끼게 되는 작품의 표현은 거기에 머물지 않고 개인의 주체성을 찾으며, 주변 사람들의 삶까지도 편안하고 행복하게 이끌어 주는 관계의 확장까지 이어지게 되는 것이다. 따라서 퀼트로 행해지는 행위는 전통적이고 기하학적인 패턴의 반복을 넘어 자아를 발견하고 자신을 표현하는 작품의 세계로 이어지게 된다. 이것은 자기표현, 자기이해, 자기소통을 넘어 사회적인 영역으로 까지 확대되고 궁극적으로 무한한 세계로 다가가며 자아를 완성하는 ‘퀼트 정신’으로 승화되는 것이다.

옻칠과 밀랍을 활용한 한지표현 연구

이정신 홍익대학교 대학원 2017 국내박사

The objective of this research is to analyze the artworks based on the state of mind inherent in the material characteristics of Hanji, traditional Korean paper, along with a spiritual background of Buddhist’s middle-way philosophy, and then to propose the extension of source materials and presentation techniques of Hanji. The progression of paper-making skills in Korea had a strong relationship with the propagation of Buddhism. Temples had the ability to produce Hanji for the purpose of Buddhist Scriptures dissemination. Hanji being used as a primary material for recording has been manufactured using various names, depending on the source of raw materials, colors, thickness, luster, usages, places of origin, and so on, combined with the wisdom of those who made Hanji and those who used it. More recently, as the interest in natural materials has increased, Hanji has emerged in a wide variety of applications. First, based on the history of Hanji and the manufacturing processes, the state of mind inherent in Hanji and its spiritual connection to the Buddhist’s middle-way philosophy are examined. In order to understand the natural materials employed in traditional Hanji, various Hanji artifacts and handicrafts are classified according to the materials involved, and their characteristics are investigated. Hanji has been regarded as a material that reflects the lives in the natural environment, history, and culture of the Korean Peninsula, and its internal characteristics are intimately related with our lives. Moreover, it turns out that Hanji is spiritually connected to the Buddhist’s middle-way philosophy residing in the author’s mind. It is also confirmed that the natural materials such as lacquer, raw material for natural dyes, oil, and beeswax used in Hanji not only have enhanced its durability, but also have provided additional functions according to the characteristics of each material. Second, the world of artworks of Ham Sup and Han Kijoo is particularly chosen for the study, and carefully examined due to the fact that they have used Hanji since the 1980s in recognizing it as a formative material encapsulating Koreans’ sensibility. Ham Sup perceived Hanji as "a feeling of stability and mildness obtained when embracing the viewer's eye," and has largely expressed the extroverted tendency contained in Koreans’ emotional temperament in his artworks. On the other hand, Han Kijoo considered Hanji to be "a feeling of cozy warmth that holds tastes of life and a material that treats one’s wound," and has largely exploited the introverted tendency residing in Koreans’ emotional frame of mind. Third, by reflecting the theoretical backgrounds and studies on the artworks of the sampled artists, the author’s own artworks are presented. The expression methods and skills utilizing the natural materials are proposed. Hanji is recognized as a material for warmth, calmness, comfort, relaxation, and complete regeneration, particularly for people like the author who regards life as a long process of practice, self-reflection, and enlightenment obtained by sympathizing and sharing healing experiences. The author has experienced self-reflection through concentration and repetition in the process of producing the artworks, and felt sympathy and healing emotion when communicating with the inner world of the spirits inherent in Hanji. This study suggests the usage of natural materials such as Ottchil, Korean lacquer, raw material for natural dyes, and beeswax for enhancing the durability of Hanji. The utilization methods of Hanji are extended by applying an Ottchil technique in Hanji, a dyeing skill using the iron corrosion and an Encaustic technique using beeswax. In this study, Hanji is verified to be an appropriate formative material for expressing the spirits of Koreans through a sequence of investigations of Hanji materials, artworks of those who work with Hanji and the author’s artworks of the author. The modern methodology for utilizing the natural materials and their presentation skills are proposed. This study is an example of the healthy self-discovery in search of the way of self-practices while working on a artwork. The possible expansion of expression materials and utilization techniques are investigated for the sake of those artists who are using Hanji as a formative material. 본 연구의 목적은 전통한지(傳統韓紙)의 재료적 특성에 내재된 정신성과 연구자의 정신적 배경인 불교의 중도사상을 기반으로 작품을 분석하고 재료와 기법의 확장을 제안하는 것이다. 우리나라에서 제지술의 전래는 불교의 전파와 깊은 연관이 있다. 사찰들은 불경보급을 위한 용지의 자급을 위해 한지 생산능력을 갖추고 있었다. 기록을 위한 바탕재로 사용되던 한지는 세월을 거듭하면서 한지를 만드는 사람들과 사용하는 선조들의 지혜를 담아 원료, 색, 두께, 광택, 용도 및 생산지 등에 따라 다양한 이름의 한지로 제작되었다. 현대에는 천연재료에 대한 관심이 높아지면서 다양한 분야에 한지가 활용되기 시작하였다. 본 연구는 첫째, 한지에 투영된 역사와 제작과정을 통해 재료의 특성에 내재된 정신성을 살펴보고 불교의 중도사상에 대해 고찰하였다. 그리고 한지에 사용된 전통적인 천연재료들을 알아보기 위해 한지를 사용한 유물과 공예품들을 재료별로 분류하고 특징을 살펴보았다. 한지는 한반도의 자연환경과 역사, 문화 속에서 우리의 삶이 투영된 재료이며 한지의 내면적 특성은 우리의 삶과 닮아 있음을 알 수 있었다. 또한 연구자의 삶에 내재된 불교의 중도사상과도 일맥상통함을 알게 되었다. 그리고 한지에 사용된 옻, 천연염재, 기름과 밀랍 등의 천연재료들은 공통적으로 내구성을 증진시킬 뿐 아니라 재료별 특성에 따라 다른 기능도 더해졌음을 확인하였다. 둘째, 1980년대부터 한지를 한국적 감성이 담긴 조형재료로 인식하고 작품에 사용한 함섭과 한기주를 표본작가로 선정하여 이들의 작품을 연구하였다. 함섭은 한지를 ‘보는 이의 시선을 품어 안음으로 느껴지는 안정과 포근함’으로 인식하며 작품에는 한국인의 감성기질 중 외향적 특징이 주로 표현되었음을 파악하였다. 반면 한기주는 한지에 대해‘삶의 기호를 담을 수 있는 포근함과 상처를 보듬어 주는 소재’로 인식하며 작품에 한국인의 감성기질 중 내향적 특징이 주로 반영됨을 확인하였다. 셋째, 이론적 배경과 표본작가에 대한 고찰을 바탕으로 연구자의 작품을 분석하고 천연재료를 활용한 표현방법을 제시하였다. 삶을 수행과 자기성찰, 치유의 경험을 공감하고 나누면서 깨우침을 얻는 과정으로 보는 연구자에게 한지소재는 따뜻함, 포근함, 안정감, 휴식 그리고 완전한 재생(再生)으로 인식된다. 연구자는 작품 제작과정에서 집중과 반복을 통한 수행으로 자기성찰을 하고 한지에 내재된 정신성을 통해 내면세계와 소통함으로써 치유되고 공감하게 됨을 경험하였다. 또한 한지의 내구성을 증진시킬 수 있는 옻칠화 기법과 철의 부식을 이용한 염색방법 및 밀랍을 재료로 한 엔코스틱 기법을 활용하여 한지의 표현방법을 확장하였다. 본 논문은 한지에 대한 고찰과 한지를 사용한 작가의 작품에 대한 연구 및 연구자 작품 분석 등의 과정을 통하여 한지가 한국인의 정신을 표현할 수 있는 적절한 조형재료이며 잠재된 가능성을 지니고 있음을 확인하였다. 또한 한국적 감성이 담긴 한지에 사용되었던 천연재료들을 살펴보고 현대적인 기법과 융합된 표현방법을 제시하였다. 이 같은 연구는 작품 제작과정에서 자신의 수행방법을 찾아 정진하여 건강한 자아를 발견해가는 사례이며 한지를 조형재료로 사용하는 작가들을 위하여 표현재료와 기법의 확장에 대해 탐구한 연구이다.

세계지도 이미지를 이용한 디지로그 아트 연구

이승주 홍익대학교 디자인콘텐츠대학원 2017 국내석사

오늘날 컴퓨터는 다양하고 복잡한 현대사회의 모든 부분에서 없어서는 안 되는 중요한 존재가 되었다. 디자인과 예술분야에서도 기존의 표현 방식을 새롭게 창조하려는 많은 시도가 나타나면서 컴퓨터와 인터넷, 디지털프린팅, 디지털카메라 등의 여러 디지털 기술의 발전에 힘입은 디지로그 아트가 하나의 흐름으로 자리 잡고 있다. 디지로그 아트는 붓, 물감, 오브제 등을 사용하는 기존의 회화 표현방식 대신 컴퓨터, 태블릿, 디지털카메라, 스캐너 등의 도구의 변화를 통해 텍스타일디자인, 그래픽디자인 등의 디지털 아트와 순수 회화적인 아트를 동시에 표현할 수 있다. 연구자는 이러한 작업에서 상업성, 실용성, 예술성의 가치를 높이고자 하였다. 연구 작품의 메인 모티브로 활용한 세계지도 이미지는 지구본과 평면지도 그리고 세계지도 일부분을 차용하였다. 연구자는 지구본 원의 이미지를 소중한 존재로 인식하였으며 인간의 삶이 모나지 않고 원만하고 평범한 모습으로 형상화하여 표출하였다. 평면적인 세계지도 이미지는 지구속의 일상생활에서 희로애락(喜怒哀樂)을 느끼면서 살아가고 있는 우리들을 다시 한 번 되돌아보자는 의미가 있다. 그리고 광활한 우주의 아주 작은 일부분인 지구에 살고 있는 우리 인간을 미미하지만 소중한 존재로 표현 하고자 하였다. 또한 현대사회의 물질만능과 지구의 환경 및 자원 낭비를 경고하는 것으로도 표현하였다. 세계지도 일부분을 모티브로 사용한 작품에서는 현대사회의 화려한 삶과 인간의 생각이 서로 틀린 것이 아니라 다름을 나타내었다. 작업방식은 세계지도에 나와 있는 국가명이나 여러 기호 등의 레터링과 높이와 깊이를 입체적으로 표현하는 부분의 색상 등을 디지털 작업으로 완성하였다. 그런 후 캔버스에 디지털 프린트를 하고 그 위에 붓, 나이프를 사용하여 회화적인 터치로 아날로그 작업을 하였다. 그리고 큐빅, 스팽글, 광섬유 등의 오브제를 더하여 우주의 찬란한 빛과 현대사회의 물질만능주의와 인간 내면의 희로애락을 표현하였다. 이와 같은 방법으로 작업을 마무리 한 후 야광 물감을 사용하여 하나의 작품 속에 또 다른 숨겨진 작품을 만들어냄으로써 작가가 추구하는 내면의 이미지를 표현하는 페인팅 작업을 하였다. 야광 물감으로 페인팅 작업을 하는 경우 칠해지는 부분이 눈으로 보이지 않기 때문에 작업자의 감각에 의지해야 하므로 기능적인 테크닉이 많이 필요하다. 이는 연구자가 표현하고자 하는 내면의 세계가 야광 물감으로 우주 속의 신비하고 무한한 깊이 그리고 화려한 빛으로 형상화되었다. 본 연구는 세계지도 이미지를 이용하여 디지털 프린팅과 아날로그 기법을 혼합하여 독창적으로 실험하고 표현해 봄으로써 디지로그 아트의 발전 가능성과 앞으로 나아가야할 방향을 제시하고자 하였다. Computer technology has become a necessity for any area in a diverse and complex modern society today. Many attempts have been made in the literature of designs and arts to recreate the traditional method of expression, and Digilog Art is holding its place with the help of computer technology, such as Internet, digital printing, and digital camera. Digilog Art is capable of simultaneously expressing pure pictorialization as well as digital art like textile designs and graphic designs by using the tools of computers, tablets, digital cameras, and scanners instead of by using the traditional methods of brushes, colors, and objects. This is mainly aiming at enhancing its commercial, practical, and artistic value. Images of a world-map used as a main motif of research works were partially taken from a globe, a mercator chart, and a world map. The image of a globe is preciously perceived as the only thing in this world to shape the fact that the human life is plain. Images on the mercator's charts have the meaning of self-examining ourselves with full of our own triumphs and tragedies in our daily lives. And they represent the fact that human beings, living like a little frog on this planet in the expansive universe, are marginal but priceless. In addition, they serve as a reminder of warning about modern society's materialism and its environmental pollution, including human's wasteful use of resources. Another case of works, using parts of a world map as their motif, shows the relationship between modern society's luxurious life and human's thoughts isn't wrong but different. Its method is firstly to make a lettering of its country names and legends shown in the world map, and secondly to complete the coloring works of expressing their height and depth tridimensionally. And then the analogic works are done with pictorial touch by using both brushes and knives on the canvas printed digitally. Some objects such as cubics, spangles, and optical fibers are added to express a brilliant light and modern materialism, including human's up and down. After completing the work in this way, noctilucent paints are added to show another one hidden in the work, which is intended to let the painter's inner image shown to the audience by painting with luminous painting materials. It takes great and delicate skills to paint with luminous paints. Since most of the painting works are invisible, they are mainly depending on only the painter's sense. This way the inner world that the researcher wishes to express is shaped as the mysterious and endless depth as well as splendid light. This study aims to show the potentiality of Digilog Art and its promising prospective by expressing with the experiment of the hybrid works of digital printing and analogical technology.

인체의 제스처에 나타난 일상성 표현연구

박지선 홍익대학교 디자인콘텐츠대학원 2017 국내석사

인간을 중심으로 반복되어지는 현상들은 현대사회의 모습을 반영한다. 연구자는 일상생활과 도시환경을 일상성(Allteglichkeit)과 연결 지어 사람들의 모습에서 나타나는 제스처를 고찰하였다. 이에 촬영한 각 사진의 이미지들은 시공간에서 일어나는 조화와 균형 속에서 실행하는 삶의 포착이자 단순한 시각적 포착보다 어떤 느낌의 포착을 의미한다. 예상치 못했던 모순된 상황과 개인적인 자극의 요소로 인한 여운들이 만드는 순간, 이러한 우연과 만남을 기록한 것이다. 관람자는 작가가 현실에서 대상을 선택해 선별하여 표현한 작품화면 속 공간을 단일적인 시공간으로 재인식하여 받아들이고 주변에서 인식하지 못한 일상생활 속에 모습을 확인한다. 이는 사진이 지닌 매체의 특성을 이용한 회화성의 확장과 작품을 인상짓게 하는 소통의 영역이다. 작품에서 일상의 오브제들은 시대적, 공간적 배경을 그대로 표현하고 있다. 이는 모더니티를 반영하고 있으며 자신의 경험에서 흔히 볼 수 있는 현실세계를 제공하고 있는 것이다. 작품에서 사람들의 제스처를 집중시키기 위한 요소로서 선의 조형을 도입하여 스티치드로우와 라인드로잉을 혼용하였다. 이는 사람들의 관계를 연결하고 제스처의 동적인 느낌을 강조하여 표현하고자 한 것이다. 이러한 수작업은 작가의 서정적인 여감을 다변적인 텍스추어의 섬유매체를 통해 드러내고자 하였다. 본 연구에서는 첫째, 현대사회의 일상성에 대한 고찰을 통해 현대인의 삶의 형태를 살펴보았다. 사회학자 앙리 르페브르의 일상성을 바탕으로 대중문화는 반복된 일상을 통해 형성된 지속성을 가지고 있으며, 시대적 환경을 가진다는 것을 확인하였다. 작품에 나타난 오브제들은 일상성을 나타내며 동시에 현대사회를 이해할 수 있는 현대성을 가지고 있는 것을 살펴보았다. 둘째, 일상생활은 사회와 개인을 유지시키고 존속시키는 삶의 토대가 된다. 개인은 다양한 관계 속에서 소속감도 형성하며 소통하고 있다. 연구자의 작품에서 일상의 인물들은 삶이라는 공통된 배경 안에서 관람자가 대입할 수 있는 공통적 연결점을 갖고 있고 이러한 특징은 일상의 상호작용의 성격과 연관 지을 수 있었다. 여기서 제스처(Gesture)는 내면적인 심리과정의 표현이자 신호이다. 그것은 타자에게 반응을 유도하기 위해 취하는 자극으로서의 행위이며 그것에 반응하게 될 대상을 상정하고 있다. 또한 그 반응이 본인에게도 적용되어 상호작용을 성립시킨다. 인간과 사회적 관계는 바로 이러한 상징적 교환을 통한 의미를 공유함으로써 성립되는 것이다. 셋째, 작품에서 연구자는 위의 연구를 토대로 주위환경과 일상생활의 커뮤니케이션을 중점으로 기록한 이미지를 사용하여 포토 콜라주의 형태로 작품화 하였다. 작품의 재료와 기법은 실은 사용한 스티치의 형태이다. 이는 선의 흐름을 통해 시간의 흐름을 표현하고, 실은 선으로 이루어져 있는 오브제로 유사성을 확인하였다. 작품의 콜라주 형태는 사진기를 사용하여 순간을 포착하였고 디지털 이미지 파일을 선택하고 취하는 형식으로 조합과 재구성의 과정을 거쳤다. 이는 사진기를 사용해 외부세계의 일상 이미지를 재현해냄으로서 작품을 통해 작가와 관람자 간에 소통을 실현시키고 섬유의 물성을 활용하고 수작업을 더하여 새로운 텍스추어를 갖는다. 이러한 작업들을 통해 각 예술의 장르의 경계를 확장하고 더 나아가 섬유예술의 새로운 가능성을 확인할 수 있기를 기대한다. The everyday phenomena that are repeated around human beings reflect how things look like in contemporary society. This researcher connected people's daily life and the urban environment with everydayness and looked into what would people look like. The photographed images include the accumulated time and have a new time and space through the artist’s collage work. The audience accepts a new area of communication that re-recognizes the space on the artwork as a single space and time. In this work, the objects of everyday life express the time setting and spatial background as they are. It reflects modernity, not a life that is merely being repeated. It was also confirmed that the work provides a real world which can be often seen in his or her own experience. First, this study looked into the types of people's lives today through the examination of the everydayness of contemporary society. Based on the sociologist Henri Lefebvre’s everydayness, it was confirmed that popular culture has continuity, established through repeated daily routines, and time settings. The objects shown in the work show everydayness and, at the same time, have modernity to understand contemporary society. Second, everyday life is the basis of life that maintains and sustains society and individuals. Individuals belong to and communicate in various relationships. In the researcher's work, characters in daily life have a connection point that the audiences can put themselves in the characters’ shoe via a common background called life, and these characteristics could be related to the nature of daily interaction. Gestures are used by humans to emphasize expressions or to substitute particular words. They are a form that uses the body to perform the language function, the most basic function in communication. This is called an utterance of gesture, and it was confirmed that the form of the gesture used in form in the work was based on the gesture for communication. Third, based on the research above, the researcher made a photo collage using images that were recorded with the focus on the social communication of the surrounding environment and everyday life. As for the materials and techniques of the work, it is in the form of stitches which used a thread. It expresses the flow of time through the flow of the line, and because a thread is an object made of the line, the similarity could be demonstrated. The collage form of the work captured the moment by using a camera and underwent the process of combination and reconstruction in the form of selecting and using digital image files. It reproduces the everyday image of the outside world using a camera to make communication between the artist and the audience possible via the artwork, and come to have new texture by utilizing the properties of the fiber and adding handwork. It is expected that this study would tear down the boundaries of each genre in art and, by extension, explore new possibilities of fiber art.

기억촉감의 형질 변환을 이용한 작품 연구

손단비 홍익대학교 대학원 2017 국내석사

Works produced by researchers are products about strangeness of unfamiliar things occurred by inconsistency between conventional understanding of forms and materials. Actual size and visual images from objects was similarly represented in terms of actual size and visual images. On the contrary, emotional materials were utilized in terms of physical properties. By producing and reinterpreting objects in mass produced, cold, and solid physical properties as warm-hearted, soft, and emotional materials due to the technological innovation in modern society, they evoke surrealistic and synesthetic emotions because of original visual images and the inconsistency of reinterpreted touch information. People in turn appreciate works and actual objects from new perspective by breaking up conventional touch, weight, meaning, and emblems of objects. In this way, they focus on destroying conventional understanding, seeing life from updated perspectives, and further past situations and minds of researchers as well as people are healed. Modern art starts to deviate from the notion that emphasizes the past visual recognition and satisfies appreciators with visual, touch, auditory, olfactory senses. People are encouraged to terminate sense frames routinely accumulated in their memories and accept new synesthetic sense. Vision accepts information passively, yet recognizing information recognition through the sense of touch interacts actively so that they came to see daily life from new standpoint. The introduction of new synesthetic memory does not end with recognizing visual images of works. Instead, people watch their reminiscence and emotion spontaneously commingled with works by being aware of emotion and situation through five senses. The active access to objets through five senses not only composes mind, but enables you to have interests for communication by stimulating sympathy on others and their lives. “Memory tactility” refers to “experienced” “emotional” sense of touch through five senses and it was used as a major notion in this analysis. The author gave accounts on the difference between sense of touch and touch and further examined its characteristics in this study. “Memory sense of touch” in “material imagination” that refers to the elimination of restriction through Gaston Bachelard’s imagination and the expansion of the possibility of materials influenced over human beings in terms of physiology and psychology. This study will reconceptualize vision based on sense of touch, explore the definition of Luce Irigaray’s concept of the “sensible transcendental” who studied sense of touch as mediating sense, and study psychological effects of touch as cognitive sense based on research on visual reconceptualization. Moreover, it investigated the implication and concepts of objets symbolized by artistic intention through the modification of characters. Works are produced by converting memorable touch having solid physical properties into contrary soft textiles. The difference between remembered information and newly recognized information regenerates synesthetic memories. In the course of alteration and reawareness, works have a single emblem. This study and work represent textile art, which is an emotional art with which people feel and interact physically, by utilizing a tapestry technique that weaves natural textile materials such as wools and cottons one by one in order to express benignancy and coziness. Although a single thread has a color and texture, it is represented into textile art that retains various senses and emotions by commingling with other different threads. Just as various colors and textures create new physical properties, textile art is expected to expand the possibility of modern art as a communication channel where diverse thoughts and emotions are mixed and represented into new senses. 연구자의 작품은 형태의 관습적 이해와 재질의 불일치로 인해 일어나는 낯익은 것들의 낯섦에 대한 작업이다. 작품의 외관은 실재하는 사물의 크기와 시각적인 이미지를 비슷하게 재현하지만, 물성적인 면에서는 대조적인 감성을 주는 소재를 사용하였다. 현대사회의 기술 혁신으로 대량생산된 차갑고 딱딱한 물성의 일상 속 오브제들을 따스한 감성의 부드러운 재료로 재해석하여 제작함으로써, 본래의 시각적 이미지와 재해석 된 촉각 정보의 불일치로 인하여 초현실적이고 공감각적인 감성을 느끼게 한다. 이로 인해 관람자는 사물에 대해 관습적으로 이해되던 촉감과 무게, 그 사물이 지니고 있던 의미와 상징성을 깨고 새로운 관점으로 작품과 실재하는 사물을 바라보게 된다. 일련의 과정을 거친 관람자는 현실의 관습적 이해를 깨고, 새로운 관점과 시각으로 관람자 삶을 바라보고, 나아가서는 작품을 제작한 연구자와 관람자의 상처받은 과거의 상황과 마음을 치유받는 것을 목적으로 하였다. 현대 예술은 과거의 시각적 지각을 위주로 강조했던 개념에서 벗어나 시각, 촉각, 청각, 후각 등 다양한 감각으로 관람자에게 만족을 준다. 이러한 오감의 자극을 통해 관람자는 기억 속에 일상적으로 축적되었던 감각의 틀을 깨고 새로운 공감각적 감각을 수용하게 된다. 시각은 정보를 수동적으로 받아들이지만, 촉감을 통한 정보의 인지는 능동적으로 접촉하고 교류하여, 새로운 관점으로 일상을 바라보는 경험을 하게 한다. 새로운 공감각적 기억의 수용은 작품의 시각적 이미지를 인지하는 것으로 끝나는 것이 아니라, 오감을 통하여 감성과 상황을 인지함으로써 관람자가 능동적으로 자신의 추억과 감정을 작품 속에 어우러져 바라보게 한다. 오감을 통한 사물(Objet)에 대한 능동적 접근은 마음속 안정을 줄 수 있을 뿐만 아니라 나아가서는 타인과 그들의 삶에 대한 공감을 불러일으켜 소통을 위한 관심이 생기게 한다. 오감을 통하여 ‘경험’된 ‘감성’적 촉감 감성을 의미하는 단어를 ‘기억 촉감(Memory Tactility)’라고 명명하였고, 작품 분석의 주요 개념으로 사용하였다. 이에 본 논문에서는 촉각과 촉감의 차이점과 특징에 대해 설명하고, 기억 촉감이 가지는 특성을 고찰하였다. 그 후 가스통 바슐라르(Gaston Bachelard)의 상상력을 통해 제한을 없애고, 물질의 가능성을 확장시키는 의미의 ‘물질적 상상력’ 속 ‘기억 촉감’개념이 인간에게 생리적, 심리적으로 영향을 준다고 보았다. 이와 함께 본 연구는 촉각성에 근거하여 시각을 재 개념화하고, 매개하는 감각으로서 촉감을 연구한 루스 이리가라이(Luce Irigaray)의 ‘감각적 초월’의 정의를 살펴보고, 시각의 재 개념화의 연구를 토대로 인지하는 감각으로서의 촉감의 심리적인 효과에 대해 연구한다. 그런 다음 형질의 변환을 통한 예술적 의도에 의해 상징성을 가지게 된 오브제가 가지는 의의와 개념에 대해 살펴보았다. 연구자의 작품은 딱딱한 물성 특성을 지닌 기억 촉감을 대조적인 형질의 부드러운 섬유로 변환하는 방식으로 제작한다. 이 기억된 정보와 새롭게 인지된 정보의 차이가 공감각적 감각기억을 재 생성하게 되고, 변화되고 재 인지되는 과정에서 작품은 하나의 상징성을 가지게 된다. 본 논문과 작품은 따스함과 포근함을 표현하기 위해 천연 섬유소재인 울사(Wool), 면사(Cotton)를 위주로 실을 한 올 한 올 엮어 제작하는 태피스트리(Tapestry) 기법을 이용하여, 몸으로 느끼고 소통하는 감성 예술인 섬유예술에 대해 이야기한다. 하나의 실은 한 가지 색과 질감 밖에 없지만, 여러 가지 실들이 서로 얽히고 엮여지면서 다양한 감각과 감성을 가진 섬유예술로 표현된다. 다양한 색과 질감의 실들이 어우러져 새로운 물성을 만들어 내듯이 섬유예술은 현대사회의 다양한 생각과 감정들을 엮어 새로운 감각으로 표현해 낼 수 있는 소통의 창구로서 현대 예술의 가능성을 확장시킬 수 있을 것이라고 기대한다.

반사소재 아트월 작품의 시지각적 공간 연구

정수경 홍익대학교 대학원 2017 국내박사

The modern society communicates with art and the approach to raise one's aesthetic sense and cultural awareness is embedded in our society. Unlike the past in which only functionality was stressed, it can widely be construed that human nature pursuing beauty is popularized through an expression called aesthetic sense. From a broad perspective, the change of values are promoted in our public lives and when viewed from a narrow perspective, in our individual lives which has brought about a change of lifestyle belonging to a cognitive medium called 'space', the essential base of our aesthetic instincts. The ‘wall’ is the most basic space component that divides the scope and decides the outside and inside of a space. The wall is a medium that realizes senses such as sight and touch from the space, and the morphological existence of the space’s visual perception. The wall has various value potentials. It plays a functional role called the space constitution, and works as the base that becomes the basics of the mind and body such as stabilization, harmony, health, and conducts functional and aesthetic expressions such as delivery, record, design, and color. In other words, the wall exists according to the environment and usage and in recent days, as cultural thinking heightens, it is being reborn as an existence called ‘Artwall’, a compound word of art and wall. In early 2000s when Artwalls started to be mentioned, it was expressed as a form of visual structure that focused on the color or motif in a plane structure with an artistic feeling. However, the figure of Artwall has developed into the three-dimensional form as a pivot of the architectural space and sculpture space recently. It implies that Artwalls are expanding from its original concept as part of a contemporary space and it absorbs and reflects the flow of the developing era as it is. In this study, the reflective material of the Artwall which is a complex medium of space art and life, formative constitution in the plane, three-dimensional form, sentimental motif, and visual perceptive space and change are considered. The ultimate purpose of art is to arouse the appreciator’s imagery. The material that becomes the background of the work plays an important role becoming the basic foundation in constituting the work in process. The reflective material bears the inherent property that directly reflects and projects everything visible. It is the most appropriate medium that can deliver the significance of the work the artist wants to convey without color. The Artwall consisting of the reflective materials is composed in a three-dimensional and plane way to arouse the new visual stimulus depending on the point of view. The appreciator experiences the visual perceptive optical illusion in the difference between reality and the space perceived from the reflected surface through the Artwall work. The space that was created by optical illusion causes the aesthetic motive to interpret the space newly from the appreciator, and attracts various imageries depending on the appreciator’s subjective environment. In addition, the expression technique such as the pattern and motif inside the optical illusion space provides a multi-dimensional and successive visual perceptive stimulus on the material and constitution form. In this study, the sample artists associated with the space change of the researcher’s work are selected and their works are analyzed to examine the characteristics and elements of the change in detail. American artist Alyson Shotz, who handles light and space by using a reflective material constitutes the projected or reflected phenomenon in a three-dimensional form to change the visual perceptive space. The visual perceptive space caused by the reflective material is expressed in a multidimensional way through the nature of the reflective material. Tricia Guild, called the queen of patterns and magician of color sublimates the simplicity in life into art by color contrast and the proper harmony of patterns. She applies flowers of drastic form and geometrical patterns into the design by using bold and strong colors. She makes a vivid effect in the multidimensional space by creating the atmosphere of the sentimental space while letting the appreciator have a visual experience. Finally, the meaning of a visual perceptive space of a reflective material Artwall is examined by analyzing the researcher’s work on the basis of the contents mentioned above. In regards to the researcher’s own reflective material techniques expressed in the work, the concept of the common space is defined in light of the reflective material. The optical illusion and space created by the reflective material is emphasized by constituting the overall atmosphere of work through expressions such as illusions or phantom. It is possible to define comprehensively that all of these are the images from a visual perceptive error and the combination of subjectively inherent images. Each imagery from the perspective of viewing the work is based on the nature of the material. The plane and three-dimensional constitution and arrangement, expression of sentimental motif, change and effect of the visual perceptive space follows the researcher’s intrinsic expression. This study interprets the change elements of the formation and sequence of the space based on the visual perceptive change through a reflective material. The significance as a general artwork and the meaning each work bears will be discussed by adding the researcher’s own expression to prove the ArtWall’s value and its development possibility. 현대 사회는 예술과 소통하고 스스로의 미적 감각과 의식을 높이는 문화적인 사고를 내포하고 있다. 기능과 실용이 중시되던 과거와는 달리, 아름다움을 추구하는 인간의 본성이 예술적 표현과 함께 대중화되고 있다고 넓게 해석할 수 있다. 개인의 삶부터 크게는 공공에 이르기까지 모든 부분에서 발생되는 예술적 가치의 변화는 ‘공간’이라는 인지적 기본 매체로 귀속되어 새로운 생활양식과 라이프 스타일의 변화라는 결과를 가져왔다. 벽(壁)은 영역을 구분하고 공간의 외부와 내부를 결정하는 가장 기본적인 공간 구성요소이다. 벽은 공간으로부터 시각, 촉각 등의 감각을 실현화 한 매체(媒體)이며 또한, 다양한 가치적 잠재성을 지닌 공간 시지각의 형태적 존재(形態的 存在)이다. 공간 구성이라는 기능적인 역할부터 안정, 조화, 건강 등 심신의 기본이 되는 터전 그리고 전달, 기록, 디자인, 색채 등의 전달의 도구 그리고 미적 표현의 출구로까지 자리하고 있다. 다시 말해, 문화적 사고가 높아지는 근래에 들어 벽은 과거 주변 환경에 따른 기능적 쓰임을 목적으로 한 모습에서 예술과 벽의 복합체를 나타내는 아트월(ArtWall)이라는 존재로 발전되어 거듭나고 있다는 것을 말한다. 아트월이 거론(擧論)되기 시작한 2000년대 초기에는 예술적인 느낌의 평면 구도로 색이나 모티브 중심으로 제작된 시각구도의 형태로 표현되었다. 그러나 최근 아트월은 건축공간이자 조각공간의 한 축으로써, 그 모습이 입체적 형태로까지 발전하였다. 이것은 아트월이 현 시대의 공간을 구성하는 일부요소로써 본래의 개념으로부터 확장되고 있다는 것을 말하며, 발전하는 시대의 흐름을 그대로 흡수하고 반영한다는 것으로 이해 할 수 있다. 본 연구에서는 공간 예술의 주요한 요소로 거듭나고 있는 아트월을 상세히 살펴본다. 아트월의 소재와 평면적·입체적 형태의 조형구성, 감성적 모티브 그리고 그에 따른 시지각적 공간과 변화를 고찰한다. 예술의 궁극적 목적은 감상자의 심상(心像)을 불러일으키는 것이다. 그 과정에서 작품의 바탕이 되는 재료는 작품을 구성하는데 기본적 토대가 되는 중요한 역할을 한다. 반사소재는 보여지는 모든 것을 직접 반사하여 투영시키는 고유물성을 지니고 있다. 이것은 작가가 전달하고자 하는 작품의 의의를 여과없이 전달할 수 있는 가장 적합한 매체이다. 반사소재로 구성된 아트월은 평면적 그리고 입체적으로 구성되어 보는 시점에 따라 새로운 시각적 자극을 불러일으킨다. 감상자는 아트월 작품을 통해 반사된 표면으로부터 인지되는 공간과 현실과의 차이에서 시지각적 착시를 경험한다. 착시로부터 생성된 공간은 감상자로 하여금 공간을 새로이 해석하고자 하는 미적 동기(動機)를 야기시키며, 감상자의 주관적인 환경에 따라 다양한 심상을 이끌어낸다. 뿐만 아니라, 착시된 공간 내의 패턴과 모티브 등의 표현기법은 소재와 구성형태 위에서 차원적이며 연속적인 시지각적 자극을 제공한다. 본 연구에서는 연구자 작품의 공간 변화와 관련하여 연관성을 지닌 표본 작가를 선정하고 그들의 작품을 분석하여 변화의 특성과 요소들을 살펴본다. 반사소재를 이용하여 빛과 공간을 다루는 미국출신의 설치 작가 엘리슨 쇼츠(Alyson Shotz, 1964-)는 투과되거나 반사되어 보이는 현상을 입체적인 형태로 구성하여 시지각 공간을 변화시킨다. 반사소재로 인한 시지각 공간은 반사소재의 고유 물성과 조형적 구성 등을 통해 다차원적으로 표현된다. 색채의 마술사이며 패턴의 여왕으로 불리는 영국출신의 텍스타일 디자이너 트리시아 길드(Tricia Guild, 1946-)는 색의 대비와 패턴의 적절한 조화로 생활 속의 제품을 예술로 승화시킨다. 그녀는 대담하고 강한 색채를 사용하여 과감한 형태의 꽃과 기하학적 패턴을 디자인에 적용한다. 감상자에게 시각적인 경험과 함께 감성적 공간의 분위기를 연출하며 다차원적인 공간에서의 생동감 있는 효과를 만들어 낸다. 벽과 공간이라는 인지적 매체를 기반으로 한 내용들을 토대로 연구자의 작품을 분석하여 반사소재 아트월 작품의 시지각적 공간과 그의 의미를 살펴본다. 작품에 표현된 연구자의 반사소재 기법들(평면적·입체적 구성과 배치, 감성적 모티브의 표현, 시지각 공간의 변화와 효과 등)은 통상 이뤄지는 공간에 대한 개념을 반사 소재에 비추어 재정의 한다. 환상이나 환영과 같은 표현으로 전체적인 작품의 분위기를 구성하기 때문에 반사소재 아트월로 생성된 시지각적 착시와 공간은 일반 공간과 차별화되어 표현된다. 연구자의 작품들은 소재의 특성을 기반으로 한다. 소재의 특성은 감상자에게 빛이 다차원적으로 반사되는 자극을 제공하며 시지각적 착시를 가져오게 한다. 반사소재 아트월 작품으로부터의 심상은 시지각의 오류인 착시로부터 발생되었다. 그러나 주관적으로 내재되어 있는 상(象)들의 결합을 만들어내는 집합적인 효과를 가져오기 때문에 아트월과 생성된 공간은 시지각의 포괄적 착시를 기반으로 하는 예술이라고 이해 할 수 있다. 본 연구는 반사소재를 통한 시지각적 변화를 기반으로 공간의 형성과 연속 등의 효과들을 상세히 해석한다. 총체적 예술 작품으로서의 의의와 연구자의 작품들이 지니는 의미를 논증하여 반사소재 아트월의 가치와 그 발전 가능성을 입증(立證)하고자 한다.