Debussy의"Suite Bergramasque"에 관한 분석연구

장혜경 국제 신학 대학원 대학교 2012 국내석사

학령기 아동을 위한 스틸 텅드럼의 연주법에 관한 연구

김은미 수도국제대학원대학교 2023 국내석사

현대사회는 빠른 세계화 및 다양한 가치관이 존재하는 사회로 이런 변화에 대응하는 교육적 방법이 요구된다. 이러한 사회적 요구에 교육과정 또한 지속적으로 개정되고 있으며, 이는 음악 교과에서도 예외가 아니다. 특히, 인지와 표현 능력 등 폭발적 발달을 경험하는 학령기 아동은 가정에 머물렀던 관심을 학교와 또래 집단으로 넓히게 되는데, 이때 자유로운 감정 표현을 유도하고 즐거움과 흥미를 자극시키는 음악 교과가 중요하게 작용한다. 음악 교과는 학생들의 심리, 인지, 사회적 기술의 함양을 도와준다. 이때 학령기 학생들이 쉽게 접근 가능하고 연주를 통해 다양한 표현을 배울 수 있는 것이 바로 타악기이다. 이에 본 연구는 이론적 고찰과 스틸 텅드럼의 개념 이해를 위한 문헌 탐색을 기반으로 학령기 아동을 위한 타악기 수업 지도를 제안하기 위해 스틸 텅드럼을 이용한 커리큘럼을 구체적으로 제안하고자 하였다. 연구의 수행은 다음 절차를 따랐다. 첫째, 학령기 아동의 개념을 이해하고 발달 특성을 이해하였다. 둘째, 학령기 아동에게 적용 가능한 음악 활동을 파악하고 학령기 아동의 심리, 인지, 사회적 발달에서 음악 활동이 가지는 효과를 확인하였다. 셋째, 타악기 음악활동이 학령기 아동에게 미치는 영향을 확인하였다. 넷째, 스틸 텅드럼의 개념을 이해하고 악기의 구조와 명칭, 연주기법을 파악하였다. 다섯째, 상기 문헌 고찰을 기반으로 학령기 아동을 위한 텅드럼 수업 지도방안을 제시하였다. 수업 프로그램은 총 10회기로 구성되며, 각 수업은 도입-전개-정리로 구성되었다. 연주 완성도를 높여 아동의 사회성과 정서 안정을 도모하는 자존감 형성시키고, 타인과의 융합 형성 활동을 통해 타인을 향한 배려를 학습하는 것을 수업 목표로 하였다. 전반기(1-2회기)는 선생님과 아동, 아동과 아동 간 친밀감을 형성하고 스틸 텅드럼에 대한 동기 부여를 형성한다. 중반기(3-8회기)에는 연주기법과 연주법에 대해 배우면서 다양한 곡을 연주한다. 후반기(9-10회기)에는 수업 소감 및 느낀 점 발표가 진행된다. 따라서 향후 음악 교과 과정에서 학교와 교사가 참고할 수 있는 타악기 활용 수업에 대한 기초자료로 활용될 수 있다는 점에서 연구의 의의를 지닌다. Contemporary society is full of diversity among cultures. In this era of globalization, education methodology is asked to respond rapidly to the social changes.In this situation, the Korean educational curriculum is constantly being revised, and the music subjects are no exception. Especially, school-age children who experience remarkable development in cognition and expressive ability expand their interests from home to school and their peer group. Music subjects are helpful by inducing honest emotional expression and by stimulating pleasure and interest. The music curriculum helps students develop psychological, cognitive, and social skills. At this time, percussion instruments allow school-age students to easily approach and to learn various expressions through playing. This study aims to propose a curriculum using the steel tongue drum to suggest the percussion instrument instruction for school-age children based on theoretical considerations and literature search for understanding the concept of the steel tongue drum. Most of all, this dissertation studies the concept of school-age children and their developmental characteristics. Secondly, this project will argue that music activities are applicable to school-age children. I demonstrates the effect of music activities on psychological, cognitive, and social development of school-age children. Third, I will confirm the impact of percussion music activities on school-aged children. Fourth, in this dissertation, I will research the concept of the steel tongue drum, the structure, name, and playing technique of the instrument. Lastly, based on the above literature review, I will propose a method for teaching tongue drum lessons for school-aged children. The program consists of a total of ten sessions. Each class consists of introduction, progression, and wrap-up. The goal of the class is to form self-esteem, to promote children's sociality and emotional stability, and to learn to care for others through activities with others. In the first period (sessions 1-2), intimacy between teachers and children and between children is formed, and motivation for the steel tongue drum is formed. In the middle period (sessions 3-8), various songs are played while learning about playing techniques of steel tongue drums. In the last period (sessions 9-10), class impressions and impressions are shared. Therefore, it is meaningful that it can be used as basic data for lessons using percussion instruments that schools and teachers can refer to in the future music curriculum.

대중음악 보컬을 위한 보컬 트레이닝에 관한 연구

이지우 수도국제대학원대학교 2023 국내석사

With the success of K-pop around the world, more and more people are applying for practical music courses at practical music institutes or universities in Korea to achieve their dreams of becoming musicians. Therefore, vocal trainers who guide them appear in a flurry, and there are not only trainers who provide high-quality information and education. Vocal trainers must always create a solid curriculum through constant practice and repeated research, which introduces the attitude that trainers should have regarding vocal training and ways to help their teaching methods. First, students can effectively understand vocalization only when they have a sufficient understanding of the anatomy and function of the body organs that produce and amplify sound during vocalization, such as the soft palate and hard palate. In addition, students should understand the body organs related to breathing, such as the lungs and diaphragm, and guide them on effective training methods related to breathing. Second, based on knowledge of the body's organs, it should be possible to establish a theory of vocalization and substitute it for practical training. Basic posture is important for proper vocalization, and the type and understanding of breathing methods are needed. Avoid shoulder breathing, which causes shoulders to move up and down, as much as possible, and breathe effectively by mixing rib and abdominal breathing. To this end, abdominal relaxation training and breathing control training for sufficient breathing should be used to control breathing smoothly during singing. In addition, it is necessary to understand the difference in breathing pressure and resonance points required for each voice, such as head voice, chest voice, falsetto, and mixed voice, and to be able to be substituted for singing after sufficient practice with related scale training methods. In addition, vocal agility training should be used to develop the agility of sound movement, and to understand the beats and pronunciation formed in the song so that they can sing effectively. Third, rather than a consistent and rigid attitude as a trainer, each student should communicate with each other in both directions to identify different characteristics and differences and guide with responsibility as a leader. In addition, it is necessary to be able to teach students by referring to the importance of condition management, such as thinking of vocals as an instrument, ensuring constant exercise, sufficient sleep time, and avoiding stimulating eating habits. There are only a few teaching methods based on the theories and considerations presented in this paper. As a leader, trainers should always study and practice steadily to have the right influence on students who dream of becoming future musicians with responsibility. Therefore, I hope to contribute a little to many trainers in Korea. 세계적으로 K-POP이 흥행하면서 자연스럽게 국내에도 뮤지션의 꿈을 이루기 위해서 실용음악 학원이나 대학교의 실용음악 과정에 지원하는 이들이 많아졌다. 따라서 이들을 지도하는 보컬 트레이너들도 우후죽순 생겨나는데, 양질의 정보와 교육을 제공하는 트레이너들만 존재하지는 않는다. 보컬 트레이너는 항상 꾸준한 연습과 거듭된 연구를 통한 견고한 커리큘럼을 만들어야 하는데, 이를 위해 보컬 트레이닝에 관해서 트레이너가 가져야 할 자세와 교수법에 도움이 될 만한 방법을 소개한다. 첫째로 트레이너는 연구개와 경구개, 비강과 구강, 후두와 성대 등 발성 시에 소리를 만들어 내고 증폭시키는 신체 기관들에 대한 해부학적인 이해와 기능에 대한 파악을 충분히 해야만 발성에 관해 학생에게 효과적으로 이해시킬 수 있다. 또한 폐와 횡격막 등의 호흡과 관련된 신체 기관을 이해하여 호흡과 이에 관련한 효과적인 훈련법을 학생에게 지도해야 한다. 둘째, 신체 기관에 관한 지식을 바탕으로 발성에 대한 이론 확립과 실전 훈련에 적용할 수 있어야 한다. 올바른 발성을 위해서는 기본자세가 중요하며 호흡법에 대한 종류와 이해가 필요하다. 어깨가 들썩이는 어깨 호흡을 최대한 지양하고 늑골 호흡과 복식 호흡을 혼합하여 효과적으로 호흡해야 한다. 이를 위해서 충분한 호흡을 위한 복부 이완 트레이닝과 호흡 컨트롤 훈련을 통해 가창 시에 원활하게 호흡을 컨트롤할 수 있도록 해야 한다. 그리고 두성, 흉성, 가성, 믹스보이스 등 성구별로 필요한 호흡의 압력과 공명점의 차이를 이해하고 관련한 스케일 훈련법으로 충분히 연습한 후 가창에 대입할 수 있어야 한다. 또한 보컬 어질리티 훈련으로 음이동의 민첩성을 기르고 곡에 형성되어 있는 박자와 발음 등을 잘 파악해 효과적으로 가창할 수 있도록 연구해야 한다. 셋째, 트레이너로서 일관되고 경직된 자세가 아닌, 학생과 양방향으로 서로 소통하여 학생마다 다른 특징과 차이를 파악하고 지도자로서 책임감을 느끼고 지도해야 한다. 또한 보컬을 악기처럼 생각하고 꾸준한 운동과 충분한 수면 시간 확보, 자극적인 식습관을 지양하는 등 컨디션 관리의 중요성을 학생에게 지도할 수 있어야 한다. 본 논문에서 제시한 이론과 고찰을 바탕으로 한 교수법은 일부에 불과하다. 지도자로서 트레이너는 항상 연구하고 꾸준히 연습해서 책임감을 느끼고 미래의 뮤지션을 꿈꾸는 학생들에게 올바른 영향을 주어야 한다. 이에 국내에 많은 트레이너에게 조금이나마 보탬이 되고자 하는 바람이다.

교회음악에서 전자오르간(electone)의 활용과 연주기법 연구

최진 수도국제대학원대학교 2023 국내석사

Religion and music have been closely related and developed together since the beginning of time. The base of Christian music is the Bible, the word of God, and Christians have a sort of mental attitude that they can honor and thank God through music. Musical instruments and church music have been tools for worshiping, praising, and proving God. However, in modern churches, musical instruments are often used with little understanding of them or of reasons for praise, and it poses risks of blurring the nature of church music and even secularizing Christian music. Therefore you have to thoroughly know correct instrument playing and arrangement skills, and you also have to be fully qualified as a performer or accompanist who leads worship music. With the development of technology and the spread of computers, electronic instruments have been increasingly used in modern church music, as well as classical instruments, and electones are one of them. Worship music uses various musical instruments and consists of songs of various genres. When you arrange a piece of music and play it, it is necessary not to deviate significantly from the original version, and you have to be careful not to forget why you have chosen to use certain instruments. In addition, in order to play it effectively, it is very important to fully understand the characteristics of the instruments and set the tones of the instruments so that they fit the flow of the song. An electone enables you to effectively arrange and play music with its various built-in functions and to replace several instruments and performers with one electone and one professional performer. Its good sound quality also helps you to perform as a “one-person orchestra.” Moreover, it is small enough to be played in small churches. I hope that more and more people will learn about electones’ development possibility and merits, and electones will be used in various genres of music as a unique electronic instrument. Also, I hope this study will be helpful when you play an electon as a professional performer at a church or concert. 인간의 종교 생활과 음악은 태초부터 밀접한 관계를 갖고 함께 발전해 왔다. 기독교음악의 중심은 하나님의 말씀인 성경이며, 음악을 통해 하나님께 영광 돌리고 감사하는 것은 기독교인으로서 마땅히 가져야 할 마음의 자세이다. 과거에 악기는 하나님을 예배하고 찬양하며 증거 하는 도구였고, 현재도 그것이 바로 악기 사용의 이유이자 교회음악의 역할이다. 그러나 현대 교회에서는 찬양을 하는 이유나 사용되는 악기의 이해 없이 무의식적으로 사용되는 경우가 많으며, 이런 현상은 교회음악의 본질을 흐리고 세속화될 수 있는 위험성도 있다. 그래서 교회음악에서의 올바른 악기 사용법과 편곡법을 숙지해야 하며 예배음악을 이끄는 연주자 또는 반주자로서의 역할과 자질도 갖추어야 한다. 현대 교회에서는 클래식 악기들도 사용하지만 기술의 발전과 컴퓨터의 보급으로 전자악기들이 개발되면서 예배에 사용하게 되었고 그중 전자오르간(electone)도 점점 많이 사용되고 있다. 예배 시 사용되는 다양한 음악들은 다채로운 악기 구성과 여러 장르의 곡으로 구성되어 있으며 편곡을 통해 그것을 연주로 표현하기 위해서는 원곡을 크게 벗어나지 않도록 하며, 악기사용의 의미가 퇴색되지 않도록 조심해야 한다. 또 효과적으로 연주하기 위해서는 실제 악기의 특성을 충분히 이해해 곡의 흐름에 맞는 악기 음색의 세팅이 매우 중요하다. 전자오르간(electone)은 악기에서 바로 작업할 수 있는 편집기능과 악기 자체에 내장 되어있는 다양한 편의 기능으로 효과적인 편곡과 연주가 가능해 여러 악기들과 여러명의 연주자를 1대의 전자오르간(electone)과 1명의 전문 연주자로 충분히 대체할 수 있고 ‘1인 오케스트라’로 불릴 만큼 음질의 퀄리티 또한 높다. 경제적인 비용에, 예배에 필요한 모든 역할을 수행할 수 있는 악기이며, 악기의 크기가 작아 좁은 공간이나 소규모의 교회에서도 효과적인 연주와 반주가 가능하다. 앞으로 점점 더 디지털화되는 현대사회에서 전자오르간(Electone)의 발전 가능성과 장점을 더 많은 사람들이 알게 되어서 음악의 다양한 장르와 사회의 여러 분야에 사용되며, 독보적인 전자악기로 자리 잡을 수 있기를 기대한다.

재즈 음악 기법에 관한 연구

신미선 수도국제대학원대학교 2023 국내석사

재즈의 역사는 약 100년의 시간 동안 사회적, 문화적, 경제적, 정치적 배경에 따라 음악적 특성 요소를 발전시켜 왔으며, 대중매체의 발달과 함께 발전하였다. 본 연구의 목적은 재즈의 시대적 배경, 주요사건, 변화과정을 비교 연구하여 시대적 음악을 이해하고 이를 바탕으로 음악적 기법을 분석하고자 하였다. 재즈에서 즉흥연주는 다른 음악과는 차별화되는 중요한 요소이다. 재즈 연주자들은 다양한 방식을 만들어내고 발전시켜나가면서 즉흥연주에 적용하였고 새로운 음악적 기법들이 탄생하게 되었다. 리듬, 화성 요소를 활용하여 사용한 음악적 기법은 즉흥연주와 새로운 음악 장르를 형성하는데 있어 실험적인 도구로 다양하게 쓰이게 되었다. 이러한 다양한 음악적 기법에 따라 연주자들의 개인 기량과 특성을 파악 할 수 있고 장르가 구분되어 진다. 오늘날 현대 음악에 이르기까지 재즈의 다양한 특징적 요소들은 각 시대별로 연주자들과 작곡가들에 의해서 발전을 해 왔다. 현대 대중음악의 요소들을 들여다보면 그 뿌리는 재즈의 초기 시절인 래그타임에서부터 시작되었고 그 역사와 함께 다양한 음악적 기법을 토대로 지속적으로 발전하였다. 현재 재즈는 전 세계를 통하여 연주되고 있으며 연구 활동이 이루어지고 있는 것에 비하여 우리나라에서는 여전히 소수의 애호가들에 의해서 연주가 이루어지고, 재즈를 공부하는 학생들 역시 연주활동과 이론 수업에만 치우치고 있는 실정이다. 그래서 재즈로의 체계적인 접근을 위해 1900년대 초창기 재즈부터 1970년대 퓨전 재즈 시대까지 변천 과정을 통해 발전해 나가는 재즈의 음악적 특징 및 기법을 다양한 학위논문, 서적 등 자료를 바탕으로 한 연구로 진행되었다. 또한, 재즈의 특징적 요소와 기법 연구에 있어서 리듬, 코드, 스케일로 나누어 연구하였고 래그타임, 비밥 재즈, 쿨 재즈, 보사노바의 특징적 요소와 음악적 기법을 살펴보면서 분석하였다. 그 결과 래그타임, 비밥 재즈, 쿨 재즈, 보사노바의 시대는 다르지만 공통적으로 사용한 재즈의 특징적 요소와 음악적 기법들이 있었고 즉흥성과 새로운 시도를 통해 변화를 거듭해 오며 발전해 왔다. 재즈에서 음악적 기법이 도출된 결과를 이론과 실전 연주 및 교육활동에 적용되어 활용되고, 재즈의 외연을 넓히는 시도가 될 수 있을 것으로 생각한다. The history of jazz has developed musical characteristics according to social, cultural, economic, and political back grounds for about 100 years, and has developed along with the development of mass media. The purpose of this study was to understand the music of the times by comparatively studying the historical background, major events, and changing process of jazz, and to analyze musical techniques based on this. Improvisation in jazz is an important element that differentiate s it from other music. As jazz players created and developed various methods, they applied them to improvisation, and new musical techniques were born. Musical techniques using rhythm and harmony elements have been used in various ways as experimental tools in improvisation and forming new musical genres. According to these various musical techniques, performers' personal skills and characteristics can be grasped and genres are classified. Various characteristic elements of jazz, up to today's modern music, have been developed by performers and composers in each era. Looking into the elements of modern popular music, its roots began with ragtime, the early days of jazz, and continued to develop based on various musical techniques along with its history. Currently, jazz is being played all over the world, and while research activities are being conducted, it is still played by a small number of enthusiasts in Korea, and students studying jazz are also focused on performance activities and theory classes. So, for a systematic approach to jazz, research was conducted based on various materials such as theses and books on the musical characteristics and techniques of jazz that developed through the transition process from the early jazz of the 1900s to the fusion jazz era of the 1970s. In addition, in the study of the characteristic elements and techniques of jazz, it was divided into rhythm, code, and scale, and analyzed while looking at the characteristic elements and musical techniques of ragtime, bebop jazz, cool jazz, and bossa nova. As a result, although the eras of ragtime, bebop jazz, cool jazz, and bossa nova were different, there were characteristic elements and musical techniques of jazz that were commonly used, and they have been changing and developing through improvisation and new attempts. I think that the results of musical techniques derived from jazz can be applied and utilized in theory, practical performance, and educational activities, and can be an attempt to broaden the scope of jazz.

켈틱 음악을 통한 틴휘슬의 고찰

고기성 수도국제대학원대학교 2023 국내석사

켈틱 또는 셀틱의 명사적 표현인 켈트는 고대 그리스 작가들이 유럽 북서부에 사는 민족들을 일컫기 위해 만들어낸 지형학적 정의로 BC 2000년부터 BC 1세기까지 유럽 대부분의 지역에 살던 켈트(Celt)족을 의미한다. 켈트 국가란 켈트족의 문화를 공유하는 지역, 구체적으로는 켈트어를 사용하는 사람들이 분포하는 지역을 말한다. 켈트 문화권에서 사용되는 악기로는 켈트 하프, 클라삭 하프, 틴 휘슬, 백파이프, 보란, 아이리쉬 본즈, 일리언 파이프, 아이리쉬 플루트, 콘서티나, 기타, 만돌린, 밴조, 피들, 켈트 스픈 등이 있다. 이들 악기 중에서 틴 휘슬은 선율을 연주하거나 근음을 잡아주는 중요한 역할을 한다. 켈트 문화권 이외의 지역에서 틴 휘슬과 유사한 구조를 가진 악기로는 북아메리카 원주민 피리, 타르카, 반수리, 치스투, 술링, 핀쿨루, 띠유 등이 있다. 이들 악기는 전면에 4~6공 정도의 운지공과 오늘날 리코더와 같은 마우스피스(Mouthpiece)에 블록(Block) 형태의 구조를 가진 유사 민속 악기들과 같이 민속 악기로 분류 되고 있다. 틴 휘슬이란 명칭에서 알수 있듯이 구성되는 재질에 있어 주석(tin,朱錫), 목재(wood,木材), 황동(brass,黃銅), 니켈(Nickel), 알루미늄(Aluminium/Aluminum), 은(silver,銀), 탄소섬유(carbon fiber,炭素纖維), 타이타늄(titanium), 플라스틱(plastic) 등 다양한 재질과 그 재질 특성에서 오는 독특한 음색을 가진 매력적인 악기이다. 가격이 저렴하고 오선보, 그림악보, 숫자악보 등, 악보작성이 쉽고 편리하며 1옥타브의 운지와 2옥타브의 운지가 같아서 운지학습이 용이하고 운지공이 6개뿐이라 컷(Cut), 탭(Tab), 슬라이드(Slide), 비브라토(Vibrato), 롤(Roll) 등의 독특한 연주기법을 표현하기 좋다. 호흡에 대한 반응성이 좋으며 느린곡 뿐만 아니라 속주도 가능하여 지그(gigue), 에어(air), 슬립지그(Slip jig), 슬라이드(Slide), 폴카(polka), 왈츠(Waltz), 마주르카(mazurka), 혼파이프(hornpipe), 릴(Reel), 행진곡(march,行進曲) 등의 다양한 표현이 가능하다. 하지만 휘슬은 반음 표현이 쉽지 않고 실제 듣기 좋은 음역대로는 보통 1옥타브 반 정도의 낮은 음역대(이론상 2옥타브의 음역대)를 가진다. 그럼으로 다양한 음악을 원할히 표현 함에 있어 현실적으로 11가지 종류의 하이 휘슬(High Whistle)과 12가지 종류의 로우 휘슬(Low Whistle), 2가지 종류의 베이스 휘슬(Bass Whistle), 총 25가지 종류의 휘슬이 필요하다. 25가지 종류의 휘슬 중 연주자는 연주에 있어 운지가 편하고 적은 호흡으로 연주할수 있는 휘슬의 키를 선별할수 있어야 한다. 그리고 그에 따른 이조악기의 개념과 연주에 필요한 이조악보를 이해하는 교육 또한 병행할수 있어야 한다. Noun expression of Celtic or Celtic, Celt, is a topographical definition created by ancient Greek writers to refer to ethnic groups living in northwestern Europe and refers to the Celts who lived in most of Europe from 2000 BC to the 1st century BC. A Celtic country is a region that shares Celtic culture, specifically a region where Celtic speakers are distributed. Instruments used in the Celtic culture include the Celtic Harp, Clairseach, Tin Whistle, Bagpipe, Bodhran, Irish Bones, Uilleann Pipes, Irish Flute, Concertina, Guitar, Mandolin, Banjo, Fiddle, and Celtic Spoon. Among these instruments, the Tin Whistle, which plays an important role in playing the melody or catching the root note, is classified as a folk instrument, such as the Native American flute, Tarka, Bansuri, Txistu, Suling, Pinkullu, and Tieu, which are used outside of the Celtic culture, and are today classified as a folk instrument, such as similar folk instruments made of wood or bamboo, which have a Block-shaped structure on Mouthpiece like Recorder, but as the name suggests from the Tin Whistle, in terms of its composition, it is composed of Tin, Brass, Wood, Nickel, Aluminum, Silver, It is an attractive instrument with a unique tone that comes from various materials such as Carbon fiber , Titanium, and Plastic and its characteristics. It is inexpensive, easy and convenient to write scores such as stave, picture, and number scores, and the same one octave and two octaves are easy to learn, and it is good to express unique performance techniques such as Cut, Tab, Slide, Vibrato, and Roll because there are only six finger holes. It is responsive to breathing and can be fast-paced as well as slow songs, so it can be expressed such as Jig, Air, Slip Jig, Slide, Polka, Waltz, Mazurka, Hornpipe, Reel, and Marching. However, it is not easy to express half-tone, and the actual range of sounds that are good to hear is usually about one and a half octaves of low range (in theory, two octaves of range) and a total of 25 types of whistles are needed to express various music, including 11 types of high whistles, 12 types of low whistles, and two types of bass whistles, and education to select easy whistles for performance among 25 types of whistles and to understand the concept of the transposing instrument and the transposition score necessary for performance should be conducted in parallel.

엘렉톤(Electone) 기능을 활용한 관현악(Orchestra) 기법과 엘렉톤으로의 변환 연구 : -조르주 비제 Georges Bizet의 오페라 ‘카르멘’ Carmen 서곡 중심으로-

이은향 수도국제대학원대학교 2023 국내석사

현재 엘렉톤은 소형 뮤지컬, 오페라, 중소형 교회, 합창단공연 등 오케스트라 음색을 필요로 하는 장소에서 많이 쓰이고 있다. 기존의 오케스트라 곡을 구현하려면 총보를 보고 엘렉톤으로 변환할 수 있어야 한다. 이를 위해 오케스트라에 대한 전문적인 지식과 높은 이해도를 가지고 있는 것도 중요하지만 상단건반, 하단건반, 페달 보드의 특징을 알고 악기들을 각기에 효율적으로 배치하는 것도 중요하다. 또한, 엘렉톤의 음색과 기능을 파악해 레지스트를 만들고 연주에 접목할 수 있어야 한다. 하나의 악기라도 내장된 다양한 음색의 악기가 있기에 곡 분위기에 맞게 음색을 고르는 것과 고른 음원을 그냥 입력하는 것이 아닌 다양한 터치 톤 혹은 내장된 이펙터를 각 상황에 맞게 활용해 더 섬세한 소리로 연주할 수 있게 레지스트에 입력하는 것도 중요하다. 이런 상황을 반영하여, 본 연구는 엘렉톤과 그 역사를 알아볼 것이며 엘렉톤의 기능들을 살펴보고 실제 적용방법을 알아볼 것이다. 또한, 현악기의 비브라토, 글리산도, 피치카토, 보잉, 트레몰로, 목관악기의 비브라토, 플라터 텅잉, 금관악기의 글리산도, 트릴 연주법 등 다양한 관현악 기법을 엘렉톤의 기능을 활용하여 섬세하게 구현하는 것과 연구한 관현악 기법을 엘렉톤으로 편곡된 악보에 적용해 효과적으로 연주할 수 있는 것에 초점을 두었다. 연구의 예시를 위해 기존 오케스트라 곡인 ‘Carmen’ 서곡을 사용하였고 분석하기에 앞서 G. Bizet 와 오페라 ‘Carmen’ 서곡에 대해 알아보았다. 엘렉톤으로 변환하기 전 상단건반, 하단건반, 페달 보드의 특징을 살펴보며 각기 효율적인 악기 배치를 위한 오케스트라 변환 방법에 대해 알아본 후, 이를 바탕으로 총보를 보며 효율적인 악기 배치를 연구하였다. 또 곡에 맞는 음색을 찾아 레지스트에 입력하는 연구를 제시하였고 이를 바탕으로 제작한 편곡 악보까지 수록하였다. Currently, electone is widely used in places that require the tone of an orchestra, such as small musicals, operas, small and medium-sized churches, and choir performances. To implement an existing orchestral piece You must be able to look at the total score and convert it to electone. For this purpose, it is important to have professional knowledge and a high level of understanding of the orchestra, but it is also important to know the characteristics of the upper keyboard, lower keyboard, and pedal board and to efficiently place the instruments on each. In addition, you must be able to understand the tone and function of the electone, create a resist, and apply it to performance. Even for a single instrument, the built-in tones of the electone are diverse, so it is important to choose a tone that suits the mood of the song and to create a resist so that you can play with a more detailed sound using various touch tones or built-in effects rather than just using it. In this study, we will reflect this situation and examine the electon and its history, examine the functions of the electon, and find out in what situations it is applied. In addition, the study focused on the use of the electronic organ to create orchestral sounds, including vibrato, glissando, pizzicato, bowing, tremolo, vibrato on woodwinds, flat tonguing, glissando on brass, and trills. The study also explored how these techniques can be applied to orchestral arrangements for the electronic organ to create effective performances. The study used the overture to Bizet's Carmen as an example. Before analyzing the piece, the researchers studied G. Bizet and the opera Carmen. They then examined the characteristics of the upper, lower, and pedal keyboards of the electronic organ, and the methods for converting orchestral arrangements to be played on the organ efficiently. Based on this research, they presented a method for converting the overture to Carmen to the electronic organ, taking into account the efficient placement of instruments and the appropriate tone for the piece. They also included an arrangement of the overture based on this method.

효과적인 우쿨렐레 연주법에 관한 연구

지연희 수도국제대학원대학교 2024 국내석사

우쿨렐레는 19세기 말(1879년) 하와이 사탕수수 농장에서 일하기 위해 이주했던 포르투갈 사람들의 민속악기인 브라기냐(Braguinha)를 본 떠 하와이에서 자생하는 코아나무로 만들어 지며 세계적으로 보급된 악기이다. 우쿨렐레(Ukulele)란 이름은 연주자들의 빠른 손놀림이 벼룩(uku)이 톡톡 튀는(lele) 것처럼 보인다 해서 Ukulele(튀는 벼룩)를 연상하며 지어진 현악기이다. 우쿨렐레는 부드러운 나일론 줄로 되어 있어 비교적 연주가 편하고, 다른 악기에 비해 단시간에 연주 실력을 향상 시킬 수 있으며, 기타에 비해 크기가 작고 가벼워 이동이 쉽고, 노래를 부르며 연주 할 수 있는 악기이다. 다양한 장점으로 인해 초등학교에서는 문화예술 수업과 창의활동 및 동아리 수업에서, 중학교에서는 음악교과와 자유학기제에서도 우쿨렐레 연주법을 다루고 있고, 음악치료에서도 사용되며 온라인 교육에서도 다양하게 진행되고 있다. 본 연구는 우쿨렐레를 지도하는 교육현장에서 학습자들이 주의를 기울여야 하는 부분들을 놓치며 우쿨렐레를 어렵다고 생각하여 중도 포기하는 경우를 접하면서, 우쿨렐레 연주 방안을 모색하고 제시하는데 목적이 있다. 우쿨렐레 입문과정에서 사용되는 대부분 기초 교재는 연주 능력 향상에 초점이 맞춰지다 보니 악기를 처음 접하는 기초 학습자가 연주 준비 과정에서 주의할 점을 배제하고 기능적인 테크닉 단계에 집중하는 경우가 많다. 이러한 학습과정은 우쿨렐레의 실제 연주에서 어려움을 느끼게 한다. 따라서 본 연구는 우쿨렐레를 학습하는 과정에서 주의할 점들을 제시하며 올바른 연주법을 익힐 수 있도록 하였다. 연구의 효과적인 수행을 위해 다양한 우쿨렐레 선행 연구와 교재를 분석하고, 현장경험을 바탕으로 사례를 분석하여 우쿨렐레 연주기능을 향상시키는 데 도움을 주는 방안을 구성하였다. 연구 목적의 달성을 위해 첫째, 문헌연구를 통하여 우쿨렐레에 대한 이해와 기본이론에 대해 알아보며 악기 이름의 유래와 구조 및 명칭, 손가락 번호 등 우쿨렐레 연주를 위해 알아야할 기본 사항과 주의사항에 대해 제시하였다. 둘째, 우쿨렐레 연주 자세와 손가락 번호, 조율시 주의할 점, 타브 악보의 구조를 바르게 이해하여 연주 시 혼돈하지 않도록 제언하였다. 셋째, 우쿨렐레의 연주 주법으로 피킹 주법, 스트로크 주법의 리듬패턴, 커팅주법, 뮤트 주법을 제시하였다. 넷째, 효과적인 코드체인지 연습 방법과 노래 부르기를 통해 우쿨렐레를 학습하는 방법, 말 리듬을 통해 리듬패턴을 습득하는 방법을 제시하였다. 본 연구를 통해 제시하는 우쿨렐레 학습방법을 적극적으로 활용한다면 우쿨렐레 연주 준비 단계부터 연주 시에 주의할 점과 효과적인 방법으로 능동적으로 악기를 학습하고 연주 능력이 증진 되리라 기대된다. The ukulele is a globally popular musical instrument made of coa trees native to Hawaii, modeled after Braguinha, a folk instrument of Portuguese people who migrated to work on a sugar cane farm in Hawaii in the late 19th century (1879). The name ukulele is a string instrument built reminiscent of ukulele because the performers' quick hand movements look like fleas, which are splattered. The ukulele is made of soft nylon strings, so it is relatively comfortable to play, can improve the performance in a short time compared to other instruments, and is smaller and lighter than the guitar, making it easy to move around and play while singing. Due to its various advantages, elementary schools deal with culture and arts classes, creative activities, and club classes, middle schools deal with how to play ukulele in music subjects and free semester systems, and it is used in music therapy and online education. The purpose of this study is to explore and present a way to play ukulele, missing the areas that learners need to pay attention to in the educational field that teaches ukulele, and experiencing the case of giving up the ukulele because it is difficult. Most of the basic textbooks used in the introductory ukulele course focus on improving playing ability, so basic learners who are new to musical instruments often focus on functional techniques, excluding precautions in the preparation process for performance. This learning process makes you feel difficulties in the actual performance of the ukulele. Therefore, this study presented points to be aware of in the process of learning the ukulele and made it possible to learn how to play it correctly. For the effective performance of the study, various ukulele prior studies and textbooks were analyzed, and cases were analyzed based on field experience to help improve the ukulele performance function. To achieve the purpose of the study, first, understanding and basic theory of ukulele through literature research were examined, and basic matters and precautions to know for playing ukulele, such as the origin, structure, and name of the instrument, and finger number, were presented. Second, it was suggested that the ukulele performance posture, finger number, precautions when tuning, and the structure of the tab score should be properly understood so as not to be confused during performance. Third, the picking technique, the rhythm pattern of the stroke technique, the cutting technique, and the mute technique were presented as the performance technique of the ukulele. Fourth, effective code change practice methods, learning ukulele through singing, and learning rhythm patterns through speech rhythm were presented. If the ukulele learning method presented through this study is actively utilized, it is expected that instruments will be actively learned and their performance will be improved in an effective way and precautions when playing from the preparation stage of the ukulele performance.

신중년을 위한 아코디언 교수법 연구 : 베이스주법 중심으로

김경민 수도국제대학원대학교 2024 국내석사

최근 대한민국이 초고령사회로 진입함에 따라. ‘신중년’이라는 신조어가 등장하고 있다. ‘신중년’이란 기대수명 및 여명이 늘어나면서 기존의 ‘노년층’과 구별되는 40대에서 60대 사이의 중장년층이다. 단순한 은퇴세대가 아닌, 활력 있는 생활인으로서 적극적으로 문화생활을 향유하며, 이를 통하여 신체적, 정신적으로 건강한 노후를 준비하려는 욕구가 강한 세대를 의미한다. 이러한 신중년을 대상으로 건강한 노후준비를 위한 음악적 문화 활동 중 특히 ‘악기배우기’는 많은 관심을 받고 있다. 음악 활동 중 악기배우기는 신중년에게 시작된 노화의 현상들을 지연시키는데 많은 도움이 되기 때문이다. ‘악기배우기’는 악기연주를 통해 대근육, 소근육, 눈과 손과 귀의 협응을 증진시키고, 악기를 배우면서 과제수행력, 문제해결력 등의 도움을 줄 수 있다. 그 중 ‘아코디언 연주’는 손의 감각을 최대한 이용하는 연주법으로 인지기능 향상 및 우울증과 치매예방에 많은 도움을 준다. 손가락 하나를 움직이는 것만으로도 대뇌의 손의 운동력은 30% 증가된다. 또한 인지기능과 우울, 치매와 관련된 ‘세로토닌’ 호르몬의 분비를 촉진시켜 노화를 예방하는데 도움이 된다. 노화가 진행되는 신중년에게는 다양한 감각을 자극시켜주는 가장 적합한 음악여가 활동으로 볼 수 있다. 왜냐하면, 아코디언 연주는 손의 감각만으로 건반과 베이스버튼의 위치를 파악하고 눌러야 하고, 손 기능, 시각, 청각, 촉감 등 다양한 감각을 이용하는 악기이기 때문이다. 또한 아코디언은 다양한 음색스위치가 있어서 다양한 소리를 낼 수 있어 다른 악기와 협연이 가능하고, 독주악기의 반주에도 매우 적합한 악기이다. 그리고 악보를 잘 보지 못하여도 손 번호만으로도 멜로디연주가 가능한 장점이 있다. 그러나 아코디언 연 주시 베이스의 다양한 리듬을 활용하지 못하면 완성도 있고 만족스러운 연주를 할 수 없고, 다양한 곡을 소화할 수 없게 된다. 이것이 신중년을 대상으로 한 아코디언 연주의 대중화를 막는 가장 주된 이유가 되고 있다. 이는 신중년 아코디언 연주자들을 대상으로 한 설문조사 결과에서도 나타나고 있다. 이에 본 논문은 신중년의 음악교육활동에 효과적인 아코디언 연주 중, 베이스 교수법을 다음과 같이 제시하였다. 우선 아코디언 베이스 연주의 기본원리를 설명하고, 신중년에 맞추어 단계별 아코디언 연주교수법을 제시하고, 다양한 베이스 리듬연주를 위하여 왈츠부터 탱고까지 종류별 리듬에 대한 교수법을 알아보고, 마지막으로 신중년 학습자가 좋아하는 친숙한 곡을 선정하여 베이스리듬을 적용해보는 맞춤형 교수법을 제시하였다. 본 논문은 신중년의 음악활동에 효과적인 아코디언 베이스 교수법을 설명함으로써, 신중년 음악교육활동에 참여하는 연주자들에게 참고자료가 되도록 노력하였으며, 신중년 학습자들이 아코디언 연주를 보다 재미있고, 쉽게 이해하도록 도움을 주기 위하여 특히 베이스 주법을 중심으로 연주법을 제시하였다. As Korea has recently entered a super-aging society. A new term, ‘new middle age’, is emerging. The ‘new middle-aged’ is a middle-aged group in their 40s to 60s that is differentiated from the existing ‘older generation’ as life expectancy and longevity increase. This refers to a generation that is not simply a retired generation, but a generation that actively enjoys cultural life as an energetic person and has a strong desire to prepare for a physically and mentally healthy retirement through this. Musical and cultural activities, especially ‘learning a musical instrument’ to prepare for healthy retirement, are receiving a lot of attention among the new middle-aged generation. This is because learning a musical instrument during music activities is very helpful in delaying the aging phenomenon that begins in middle age. ‘Learning a musical instrument’ improves coordination of large muscles, small muscles, eyes and hands, ears and hands through playing a musical instrument, and learning a musical instrument can help with task performance and problem solving skills. Among them, ‘accordion playing’ is a playing method that utilizes the senses of the hands to the fullest and is very helpful in improving cognitive function and preventing depression and dementia. This is because playing the accordion requires using only the senses of the hand to identify and press the positions of the keys and base buttons, and is an instrument that uses various senses such as hand function, sight, hearing, and touch. Music can be seen as the most suitable leisure activity for young people who are aging and stimulates their various senses. In addition, the accordion has a variety of tone switches, so it can produce a variety of sounds, allowing it to be played in collaboration with other instruments, and is also an instrument that is very suitable for accompaniment to solo instruments. And even if you can't read sheet music well, you have the advantage of being able to play the melody just by hand numbers. However, in accordion performance, if you do not know the various rhythms of the left-hand bass, you will not be able to play a complete and satisfactory performance and you will not be able to digest a variety of songs. This is the main reason preventing the popularization of accordion playing for middle-aged people. This is also reflected in the results of a survey targeting middle-aged accordion players. Accordingly, this paper attempted to present a left-hand bass teaching method in accordion performance that is effective in music education activities for young and middle-aged children as follows. First, we explain the basic principles of accordion bass performance, present a step-by-step accordion performance teaching method tailored to middle-aged learners, learn about teaching methods for different types of rhythm from waltz to tango for playing a variety of bass rhythms, and finally, introduce a familiar method that middle-aged learners like. We present a customized teaching method that selects a song and applies the bass rhythm. By explaining the accordion bass teaching method that is effective in the music activities of middle-aged people, this paper tried to serve as a small reference material for performers participating in music education activities in the middle-aged, and to make accordion performance more fun and easier for middle-aged learners to understand. To help, I would like to suggest playing methods, especially focusing on left-hand bass playing.

실버세대를 위한 아코디언 교육에 관한 연구

이상욱 수도국제대학원대학교 2023 국내석사

실버세대에게 가장 큰 고통 중 하나는 외로움이다. 전투적으로 살면서 외로움이 무엇인지 몰랐던 때도 있었지만 실버세대가 되었을 때 찾아오는 외로움은 적절한 여가와 취미활동으로 극복할 수 있다. 또한 노화는 거스를 수 없는 자연적인 현상이다. 신체의 기능 저하 및 인지적 노화는 사회, 문화적 변화에 적응을 힘들게 한다. 나이가 들어감에 따라 여러 노인성 질환이나 정서적 어려움이 발생하지만 예방하며 대응해가면 실버세대도 행복하고 건강한 노후를 보낼 수 있다. 이를 위해 노인들이 건강한 생활을 유지할 수 있는 여러 가지의 여가생활이 필요할 것이다. 음악은 뇌에 매우 긍정적인 영향을 미친다. 음악을 감상하거나 악기를 연주하는 것은 뇌를 활발하게 유지하는 데 도움이 된다. 노년기에 건강한 인지 기능은 생활의 질을 향상하는 중요한 요소이다. 또한 음악 활동을 통하여 사회참여를 유도하여 대인관계 및 정서적인 면에서도 긍정적으로 작용한다. 아코디언은 실버세대들의 향수를 자극하며 옛 추억을 생각나게 하는 추억의 악기이다. 심장과 가장 가까운 곳에서 울림을 느끼는 악기여서 감정표현에 탁월한 악기이기도 하다. 무게감이 있는 악기이며 어깨에 메고 가슴으로 안은 후 왼손으로 바람통을 여닫고 오른손으로 연주하여야 하므로 온몸을 다 사용하게 되어 근육운동에도 도움이 된다. 서서 연주하게 되면 하체운동 효과도 느낄 수 있으며 춤과 노래도 같이 할 수 있는 훌륭한 악기이다. 따라서 본 연구는 실버세대의 아코디언 교육 방법을 연구하여 바람직한 노후 생활에 도움이 되길 바란다. One of the biggest pains for the silver generation is loneliness. There were times when I didn’t know what loneliness was while living combatively, but loneliness that comes when I become a silver generation can be overcome with appropriate leisure and hobbies. Aging is also an irreversible natural phenomenon. Decline in physical function and cognitive aging make it difficult to adapt to social and cultural changes. As you get older, you can happy and healthy retirement if you prevent and respond to various senile diseases or emotional difficultes. For this, various leisure lives will be needed for the elderly to lead healthy lives. Music has a very positive effect on the brain. Listening to music or playing a musical instrument helps keep your brain active. Healthy cognitive functioning in old age is an important factor in improving quality of life. It also induces social participation through music activities, which works positiely in terms of interpersonal relationships and emotions. The accordion is a memorable instrument that stimulates the nostalgia of the silver generation and reminds us or old memories. It is also an excellent instrument for expressing emotions because it is an instrument that resonates closest to the heart. It is a weighty instrument, and it is necessary to carry it on the shoulder, hug it with the chest, open the wind tank with the lefr hand, and play it with the left hand, so it is helpful for muscle exercise by using all of your body. If you play while standing up, you can feel the effect of lower body movement, and it is a great instrument that you can dance and sing together. Therefore, it is hoped that this study will study the accordion education method of the silver generation to help desirable retirement life.