시모어 번스타인의 ≪새들 1권≫에 나타난 새의 특징과 음악의 상관관계 분석 및 연주력 향상을 위한 달크로즈 교수법의 적용

김하림 한세대학교 일반대학원 2023 국내박사

시모어 번스타인(Seymour Bernstein, 1927-)은 미국 출신 피아니스트, 작곡가 겸 피아노 교수학자로서 피아노 교육에 관하여 심도 있게 연구해온 인물이다. 특별히 자연과 동물을 좋아했던 그는 동물을 표제로 한 교육용 작품을 즐겨 작곡하였는데 그 중에서도 ≪새들 1권≫(Birds: A Suite of Eight Impressionistic Studies for Piano Solo, 1971)은 동물과 관련된 주제로 작곡되고 출판된 첫 번째 교육용 피아노 작품이다. ≪새들 1권≫은 8가지 종류의 새의 이름이 표제로 사용되었고 새의 특징적인 움직임이나 소리를 2-3개의 동기로 제시하여 표현한 후 다양한 음악적 요소를 조합해 동기를 반복하거나 변형시키는 형태로 음악이 전개된다. 따라서 그가 작품에 담아내고자 했던 새들의 특징을 이해하는 것은 이 작품의 효과적인 연주를 위해 우선되어야 하는 필수 과제로 주어진다. 무엇보다 새의 특징적인 움직임과 유사한 신체 동작을 연주자가 직접 적용하여 움직여 보는 것은 각 작품에서 요구되는 테크닉을 해결하는데 많은 도움이 된다. 이에 연구자는 이 작품의 연주를 돕는 연습 방안으로 총 7단계: 1) 영상 감상을 통하여 새의 특징을 관찰하는 단계, 2) 음악에서 새의 특징이 묘사된 악구를 분석하는 단계, 3) 각 악곡의 음악적인 연주를 위해 필요한 학습과제들을 요약하는 단계, 4) 달크로즈 교수법을 적용한 다양한 연습 활동을 경험하면서 학습과제를 해결하는 단계, 5) 작품 분석을 토대로 이야기 창작을 통해 작품을 이해하는 단계, 6) 플라스틱 아니메를 활용하여 음악을 입체적으로 경험하고 표현하는 단계, 7) 앞선 활동들을 적용하여 피아노를 연주하며 종합 정리하는 단계를 제시하였고, 이 연습 과정은 달크로즈 교수법의 이론을 바탕으로 계획되었다. 달크로즈 교수법을 적용한 연습 활동은 달크로즈가 신체 움직임의 원리로 중요하게 생각한 ‘시간-공간-에너지’의 관계를 이해하고 경험하는 것에 중점을 두고 구성되었다. 제시된 활동은 신체 두드리기, 걷기, 지휘하기, 손뼉치기, 스캣하기, 노래하기 등을 포함하고, 소도구 사용 및 그림 그리기, 음악 분석을 기초로 한 이야기 창작 등도 함께 소개하였다. 본 연구자는 위에서 제시한 모든 활동을 경험한 후 이러한 활동을 종합적으로 정리하는 플라스틱 아니메를 수행하였는데, 피아노 연주 영상과 플라스틱 아니메 작업 영상을 함께 편집하여 QR코드로 제시하였다. 따라서 피아노 연주 연습 이외의 다양한 활동을 제안한 본 연구는 반복적인 연습에서 탈피하고자 하는 연주자 혹은 교사들에게 유익한 자료로 제공될 것으로 여겨진다. 또한 ≪새들 1권≫과 같이 표현력 있는 참신한 교육용 레퍼토리들이 보다 활발히 연구되고 신체 움직임을 활용한 연습 방법을 제안하는 연구가 계속해서 이어질 수 있기를 기대해본다.

한국적 정체성을 담은 교육용 피아노 작품 분석과 창작 및 활용을 위한 제언 : 세종음악경연대회 피아노부문 유치부·초등부 지정곡을 중심으로

차선희 한세대학교 2023 국내박사

외국의 경우 자국의 문화유산을 담은 교육용 피아노 작품 창작이 활발히 이루어지고 있고, 자국인이 창작한 작품들이 교육 현장에서 적극적으로 사용되고 있다. 그러나 국내에서는 교육용 피아노 작품 창작과 활용이 아직 미흡하다. 이러한 현실에서 시카고에 소재한 세종문화회는 2004년부터 한국 음악적 특징을 담은 교육용 피아노 작품을 지정곡으로 채택하는 세종음악경연대회를 진행하여 한국인뿐 아니라 외국인들에게까지 한국 문화를 소개해오고 있다. 세종음악경연대회는 유치부, 초등부, 중등부, 고등부 4개 부문으로 구분되어 진행되었고, 지난 19년간 이 경연대회의 피아노 부문 지정곡으로 채택된 작품은 총 59곡, 이 작업에 참여한 작곡가는 29명으로 나타났다. 학생의 수준별 특징을 고려한 다양한 작품이 발굴된 것, 한국인뿐 아니라 다양한 국적의 참가자들에게 한국적 정체성을 지닌 작품을 소개한 것은 이 경연대회의 중요한 성과로 여겨졌다. 이에 연구자는 59곡의 작품 중 실제 교육 현장에서 가장 쓰임이 많은 유·초등부의 지정곡 20곡을 분석하여 작품 속에서 적용된 한국 전통 음악의 요소들을 제시하고자 하였다. 2010년부터 초등부가 신설된 이후 지금까지 채택된 초등부의 피아노 지정곡은 총 12곡, 참여 작곡가는 7명이었고 2012년부터 2019년까지 진행되었던 유치부의 피아노 부문 채택 지정곡은 8곡, 참여 작곡가는 5명으로 나타났다. 유·초등부의 지정곡 창작에 활용된 원곡은 민요 11곡, 전래동요 4곡, 한국 가곡 1곡으로 한국적 정체성을 담은 작품 창작을 위해 한국 전통 민요와 전래동요의 선율을 활용한 것으로 발견되었다. 원곡과 창작곡의 음계를 비교분석 한 결과 전통 음계는 다양한 방법으로 적용되었는데, 창작곡 전체에 전통 음계를 사용한 경우와 전통 음계와 다른 음계를 조합한 경우로 구분되었다. 또한 창작곡에 적용된 세마치, 굿거리, 자진모리 등의 장단은 여러 가지 박자를 통해 적용되었고, 장단의 분위기와 즉흥성은 구체적인 지시어와 나타냄말 등을 사용하여 강화된 것으로 나타났다. 한편, 모노포니 음악에 기초한 전통 선율은 토리의 구성음으로만 이루어진 반주, 그리고 토리에 다양한 서양의 화성 어휘를 적용한 반주와 결합 되면서 이색적인 분위기의 음악으로 재창조된 것이 발견되었다. 그 외, 메기고 받는 가창 방식, 민속적 소재, 전통 악기 음향 등은 한국의 정체성을 드러내는 중요한 요소로 적용되었다. 이러한 분석을 통해 국내에서도 한국적 정체성을 가진 교육용 피아노 작품의 창작과 활용이 활발하게 이루어져야 할 필요성을 느끼게 되었다. 이에 앞으로 국내 음악 교육 현장에서 개선되어야 할 방안으로 1) 교육과정 개선과 인식의 전환을 통한 작곡가 발굴, 2) 교재출판 및 음원 제작, 3) 콩쿠르 혹은 급수자격검증을 위한 지정곡으로 창작 작품 사용, 4) 다양한 플랫폼을 통한 홍보 및 데이터베이스 구축 등을 제시하였다. 이 연구를 통해 국내 음악 교육계가 위와 같은 작업의 중요성을 인식하는 계기가 마련되고, 한국적 정체성을 담은 교육용 피아노 작품들이 활발하게 활용되는 작업이 속히 시행되기를 기대한다.

Dalcroze 솔페즈 교수법을 적용한 피아노수업이 음악성 및 정서함양에 미친 효과 검증

강지혜 한세대학교 2017 국내박사

최근 국내외의 피아노 교육은 예술적인 기본 소양을 기르고 긍정적인 정서 함양을 목적으로 어린 학습자들부터 성인에 이르기까지 폭넓게 시행되고 있다. 하지만 어린 피아노 학습자가 음악학습을 지속적으로 수행할 수 있도록 기초적인 역량을 키우는 목적의 구조적이고 실질적인 수업 모형에 관한 연구가 미비하여 피아노 교사들은 학생들을 지도하는 과정에서 많은 어려움을 겪게 된다. 이에 본 연구는 사교육 음악현장의 중심이 되는 초등학생들의 음악성 향상을 위한 효과적인 지도 방안을 개발하고 본 연구를 통해 개발된 피아노수업이 음악성 및 정서 함양에 미치는 효과를 검증하고자 이루어졌다. 효과적인 연구를 위하여 피아노수업의 주제 선정 후, 현재 피아노교육현장에서 사용되는 교재의 작품을 활용하여 음악 요소 분석을 실시하였고, 그것을 토대로 12차시의 Dalcroze 솔페즈 교수법을 적용한 피아노수업지도안을 구성하였다. 구성된 피아노수업지도안은 학생들의 음악성 향상을 위하여 초견과 청음, 이론, 연주 그리고 창작의 영역을 고루 경험할 수 있도록 구성하였다. 특별히 본 수업지도안은 Piaget의 발달이론에 근거하여 구체적 조작기에 해당하는 초등학생 학습자에게 적합한 Dalcroze 솔페즈 교수법을 근간으로 개발하였다. 개발된 수업지도안을 Dalcroze 국제공인자격증 소지자 5인에 의해 내용 타탕도를 검증한 후, 실제 교육현장에 적용하였고 연구에 참여한 학생들의 일반적인 특성과 음악 교육 배경에 따른 음악적성과 학업적 자기효능감, 정서지능 그리고 자아존중감의 변화를 살펴보고자 독립표본 t검정 및 일원변량분석을 사용하였으며, 일원변량분석의 경우 집단 간 차이가 있었을 때 Scheffe 사후검정을 통해 효과 검증을 하였다. 연구 결과에 의하면 연구 대상자에 음악성과 정서 영역이 긍정적인 변화를 보인 것으로 나타났고 학생들의 학년과 피아노 교습 기간, Dalcroze 수업 기간이 음악성과 정서 영역 결과에 영향을 미치는 요인으로 분석되었다. 구체적으로는 학생들의 음악성에 있어서 음악 적성과 초견, 청음, 이론, 연주, 창작 영역에서 수업 참여 전과 비교하였을 때 더 많이 향상된 것을 발견할 수 있었고 정서 영역에서는 학업적 자기효능감, 정서지능 그리고 자아존중감 검증 결과에서 유의미한 변화를 보인 것으로 나타났다. 분석 결과에 비추어 볼 때, Dalcroze 솔페즈 교수법을 적용한 피아노수업은 학생들의 음악성과 정서 함양에 효과적인 것임을 알 수 있었다. 따라서 기초 사교육현장에 본 연구를 통해 개발된 수업 지도안을 적용한다면 학생들의 음악성 향상과 더불어 심리·정서 영역에 긍정적으로 기여할 것이라 사료된다. 마지막으로 본 연구는 연구 대상이 20명의 소수인 것과 편의집단이며 단일집단 설계에 의해 적용된 것이 연구의 제한점으로 남는다. 따라서 후속 연구는 다양한 학습자를 대상으로 확장하여 검증이 이루어지길 기대한다. Recently, piano lessons have been used to develop basic artistic groundings and cultivating positive emotions to a wide range of people from children to adults. However, there is a lack of studies on the practical and structured lesson model for children to study music continuously that piano teachers have much trouble from teaching them. However, there is a lack of studies on the practical and structured lesson model for children studying music continuously. Hence, this study developed an effective teaching method for the musicality improvement of elementary school students, who are the majority in the private education field, and verified the developed piano lesson's effectiveness in musicality and emotional cultivation. For this study, after selecting subjects for piano lessons, an analysis was performed with musical elements from current textbooks in the private education field. Based on this analysis, the plan of Dalcroze Solfège Applied 12 Piano Lessons was developed. The plan was designed to have even experiences in sight reading, aural training, theory, performance, composition, and improvisation for musicality improvement. Particularly, this plan was developed based on the Dalcroze method for elementary school students that are in the concrete operational stage of Piaget's theory of cognitive development. The plan was validated by 5 Dalcroze licensees before being applied. Independent sample T-tests and one-way ANOVA were used to seek changes in musical aptitude, academic self-efficacy, emotional intelligence, and self-esteem varying on general characteristics and musical education background. If there was a difference in the result of one-way ANOVA, Scheffe's method was used for post hoc analysis. The results showed that the length of piano lessons and the length of the Dalcroze Method produced a positive change in a participant’s musicality, emotions, and grades. Concretely, for participants' musicality, musical aptitude, sight reading, aural training, theory, performance, composition, and improvisation showed much improvement compared to pre-participation. Their emotions, academic self-efficacy, emotional intelligence, and self-esteem showed meaningful changes in the test results. Based on the analysis, Dalcroze Solfège applied piano lessons was recognized to be effective in a student’s musicality and emotional cultivation. Thus, it was considered to have positive contributions on students' musicality and psychological emotion when the developed plan was applied in the basic private education field. Lastly, this study is limited to a single study group of 20 participants and convenience sampling. Thus, it is expected to be verified with diverse participants in the succeeding studies.

국내 음악대학 및 예술중·고등학교 피아노 전공 입시곡에 대한 연구

하예라 한세대학교 2016 국내박사

Audition repertoires are not only a key element of music school admission, but also the educational materials for the essential learning process offered at music schools. This study offers an overview of the current situation of audition repertoires used by music schools in Korea and analyzes the repertoires to evaluate whether these currencies are proper for students who are majoring in piano or not. This study focuses on audition repertoire pieces used between 1987 and 2016 by Korean music colleges (38 in 1987, 72 in 2016), arts high schools(5 in 1987, 22 in 2016) and arts middle schools(2 in 1987, 6 in 2016), and analyzes the selected pieces by format, genre, period, and composer. Further, this study also compares such audition repertoires with those used in foreign music colleges. Based on such analysis, this paper aims to examine of how admissions criteria affect the selection of audition repertoires and further offer a way forward to improving admissions by showing the educational impact of such choices. Upon examining thirty years' worth of audition repertoires, for music colleges the most common format was the free choice piece whereby students are free to choose an audition piece without limitation, followed by the limited choice piece which the student chooses from a particular genre, period, or composer's works. Pre-selected pieces were relatively rare. For music high schools, limited choice pieces were the most common, followed by optional pre-selected pieces, mandatory pre-selected pieces, and free choice pieces. Music middle schools had a strong showing for optional pre-selected pieces, followed by limited choice pieces, mandatory pre-selected pieces, and free choices pieces, showing that the choice of audition repertoire rests more and more with the student from middle school to college. By genre, music colleges preferred etudes, then sonatas, with miscellaneous genres remaining below 5% of all repertoire pieces. Music high schools also preferred sonatas and etudes, in that order, with miscellaneous genres under 4%. However, middle schools preferred miscellaneous genres, followed by sonatas, with etudes under 1%. By period, college pieces showed romantic, classical, modern, impressionist, and baroque, in order. Music high schools showed classical, romantic, baroque, and modern pieces but no impressionist pieces. Middle schools preferred romantic, classical, and baroque, with no impressionist or modern pieces. The total number of composers represented across repertoires came to 19 for colleges, 8 for high schools, and 12 for middle schools. The most common composer for colleges was Chopin, with Beethoven and Chopin for high schools and middle schools respectively. For foreign music colleges, the most common format was the limited choice format, the limitation being that the student should choose at least three different pieces from different periods with a diverse showing of tempo or style. European and Chinese colleges also test basic skills such as music theory or aural tests to evaluate comprehensive musicianship. Korean music schools seem to overemphasize sonatas and etudes of the classical and romantic periods, leading to relatively less diversity in repertoire. The student is offered more agency in selecting pieces from middle school to college. However, this would appear to be more related to music schools' increased competition and desire to attract students than to a true vision of student choice. Comprehensive musicianship, such as the basic theory and aural tests aforementioned, is almost never tested. Further, when considering the audition repertoire as a whole from middle school to college, high school and college repertoires are almost identical, offering no educational direction for students. Therefore, there is a need to improve the selection of audition repertoire for Korean schools. First, by increasing the number of pieces evaluated, schools can increase the diversity of periods and genres represented. Dividing the admissions exam stages (for example, as many foreign schools do by adding a prescreen where students send in recordings for evaluation before a live audition) may also be considered. If increasing the number of pieces is realistically difficult, alternating genres and periods across different school years may be a possible compromise. Second, schools may consider relying more on the limited choice format. The limited choice format allows schools to emphasize a particular genre or period while also offering students agency in choosing the actual piece. Mandatory pre-selected pieces can be used to direct students towards relatively new repertoire pieces. Third, some evaluation of comprehensive musicianship should be included. In particular, if comprehensive musicianship is evaluated at the college level through basic music theory or aural tests, this will trickle down into the middle school and high school curriculum as well, leading to a more well-rounded curriculum for all students. Audition repertoires are an essential part of musical education. This study hopes to offer guidance to students and educators by examining the trends of the past thirty years, and to illuminate at least part of the path forward for our music schools and admissions criteria. 입시곡이란 음악학교 입학을 위한 중요한 요소인 동시에 필수적으로 학습해야 할 레퍼토리로 다루어지는 교육적 자료이기도 하다. 이에 본 연구는 국내 음악대학 및 예술중․고등학교의 입시곡 현황과 지금까지의 흐름을 분석하고, 그것이 가지는 교육적 의미를 고찰하여 현재 입시곡 선정 양상이 피아노를 전공하는 학생들의 교육에 바람직한 형태인지, 또한 그러한 방향으로 나아가고 있는지 가늠하기 위해 이루어졌다. 본 연구의 대상은 1987-2016년의 총 30년간 국내 음악대학(1987년 38개교-2016년 72개교), 예술고(1987년 5개교-2016년 22개교) 및 예술중(1987년 2개교-2016년 6개교)의 입시곡이며, 조사한 입시곡들을 형태별, 장르별, 시대별, 작곡가 및 작품별로 분석하였다. 또한 국외의 음악학교 입시곡 현황을 통해 국내의 경우와 비교했다. 이러한 분석 결과를 토대로 입시제도가 학교별 입시곡에 미친 영향, 입시곡 제시의 교육적 의미를 통한 개선 방향을 제언하고 있다. 국내 음악학교의 30년간 입시곡을 분석해본 결과, 음악대학의 경우 입시곡의 형태는 자유곡이 가장 많았으며, 곡의 장르, 시대 또는 작곡가에 제한을 두는 제한적 자유곡의 형태가 그 다음을 따랐고, 지정곡의 비율이 가장 낮았다. 예술고는 제한적 자유곡이 가장 높은 비중을 차지하며, 선택적 지정곡, 필수 지정곡, 자유곡 순이었다. 예술중은 선택적 지정곡, 제한적 자유곡, 필수 지정곡, 자유곡 순으로, 중학교에서 대학으로 갈수록 곡의 형태가 자유로워짐을 알 수 있었다. 장르의 경우 음악대학은 에튀드가 가장 많고 소나타가 그 다음이었으며 기타 장르는 5%대에 머물렀다. 예술고는 소나타, 에튀드 순이었으며 기타 장르는 4%대였다. 반면 예술중은 기타 장르가 가장 많았으며 그 뒤를 소나타가 따랐고, 에튀드는 1%대였다. 시대의 경우 음악대학은 낭만, 고전, 근현대, 인상, 바로크 순으로 높은 비중을 보였다. 예술고는 고전, 낭만, 바로크, 근현대 순이었으며 인상 시대는 제시되지 않았다. 예술중은 낭만, 고전, 바로크 순이었고, 인상과 근현대 시대는 제시되지 않았다. 제시된 작곡가의 수는 음악대학 19명, 예술고 8명, 예술중 12명으로 대학이 가장 많았고 예술고가 가장 작았다. 가장 많이 제시된 작곡가는 음악대학의 경우 쇼팽, 예술고는 베토벤, 예술중은 쇼팽이었다. 국외 음악대학 입시곡의 경우 제한적 자유곡의 형태가 가장 많았으며 주로 성격이나 빠르기가 대조되는 3시대 이상의 곡을 제시하고 있었다. 또한 유럽과 중국의 학교들은 음악 이론 및 시창 청음 등의 기초 실기 시험을 통해 포괄적 음악성을 평가했다. 국내 음악학교의 입시곡은 장르와 시대가 소나타와 에튀드, 낭만과 고전에 편중되며 다양성이 제한된 편이다. 자율성은 중학교에서 대학으로 갈수록 자유곡 비중이 늘어나며 확대되고 있다고 볼 수 있다. 그러나 이러한 자율성은 학생들의 선택권을 넓혀 학생 유치를 보다 원활하게 하기 위한 불가피한 선택에 기인한 것으로 보인다. 기초 음악이론 및 시창 청음 등의 포괄적 음악성 평가 또한 거의 이루어지지 않고 있다. 또한 예중, 예고, 대학으로 이어지는 교육과정 및 입시곡의 흐름을 봤을 때 예고와 대학의 입시곡은 매우 흡사하여 점진적 방향성은 낮은 편이었다. 이상의 연구 결과를 종합하여 연구자는 다음과 같은 개선 방언을 제언한다. 첫째, 입시곡의 수를 늘림으로 더 다양한 시대와 장르를 제시할 수 있다. 국외처럼 녹음을 통한 사전 심사제를 통해 입시의 단계를 늘릴 수도 있다. 여건상 곡의 수를 늘리는 것이 어렵다면 해마다 시대나 장르의 제시를 다르게 하는 것도 하나의 방법이 된다. 둘째, 입시곡의 제시 형태를 제한적 자유곡으로 전환하는 방법이 있다. 이를 통해 학교가 원하는 장르나 시대의 작품을 연주할 수 있고, 학생이 그 안에서 작품을 선택하는 과정을 통해 자율성을 키울 수 있다. 필수 지정곡의 경우 새로운 레퍼토리를 제시하는 목적으로 쓰일 수 있다. 셋째, 포괄적 음악성에 대한 평가를 실시한다. 대학 입시에서 기초 이론 및 시창 청음 등의 포괄적 음악성 평가를 실시하면 중고등학교 과정에서 이 항목들을 비중 있게 다루어 음악적 균형을 이룰 수 있을 것이다. 입시곡은 음악 교육에 있어 필수적인 항목으로 자리잡아왔다. 이 연구가 지난 30년간의 흐름을 통해 앞으로 입시를 앞둔 전공생들과 교육자들에게 도움이 되고, 현재까지의 입시곡 분석을 통해 더욱 발전된 입시 제도를 마련할 기틀을 제공하는 역할을 하길 기대한다.

데니스 알렉산더의 《스플래시 오브 컬러》 (A Splash of Color) I, II, III에 나타난 색과 소재의 음악적 표현기법 연구

민효인 한세대학교 일반대학원 2023 국내박사

데니스 알렉산더(Dennis Alexander, 1947- )의 《스플래시 오브 컬러》(A Splash of Color) I, II, III는 학생들의 공감각적 심상을 불러일으키기 위해 색과 음악을 결합하여 작곡된 작품이다. 중급 난이도로 작곡된 총 3권에는 표제에서 제시된 색의 독특한 정서를 담고 있는 18개의 피아노 작품이 수록되어 있다. 이에 본 연구는 색의 정서를 음악으로 표현하기 위해 적용된 알렉산더의 특징적 작곡 기법을 발견하는 것을 목적으로 이루어졌고, 작품 분석 그리고 2022년 10월부터 2024년 6월까지 5회에 걸친 작곡가와의 이메일 인터뷰를 통해 연구가 진행되었다. 연구 결과 알렉산더는 18개의 작품에 서 12가지의 색(분홍, 주황, 노랑, 녹색, 파랑, 보라, 갈색, 흰색, 검정, 회색, 금색, 은색)을 사용하였고, 색 고유의 이름뿐 아니라 색의 정서와 어울리는 소재를 자연, 음식, 금속, 음악 장르 등에서 가져와 표제를 만든 것이 발견 되었다. 그리고 1) 다양한 음계(장·단조뿐 아니라 선법, 온음음계, 반음계, 복조, 무조, 블루스 음계)의 선별적 사용, 2) 낭만주의 및 재즈를 포함한 현 대적 화성 어휘의 적용, 3) 색과 소재의 특징이 반영된 음악 요소(박자, 리 듬, 아티큘레이션, 빠르기, 나타냄말, 음역과 셈여림)의 선택을 통해 각 곡의 표제에서 제시된 색이 가진 특징적 정서를 표현한 것으로 나타났다. 이러한 연구 결과는 이 작품을 연주하는 이들이 상상력을 가지고 작품을 해석하는 것을 돕는 자료로 제공될 것이고, 음악 외적 요소를 활용한 교육용 작품 창작 아이디어를 탐색하는 이들에게도 영감을 줄 것으로 기대한다. 주제어: 데니스 알렉산더, 색과 음악, 《스플래시 오브 컬러》, 공감각, 중급 피아노 작품

선법학습을 위해 작곡된 로버트 D. 밴달의 《모달 익스프레션》과 《모드와 무드》에 나타난 창작기법 연구

최은경 한세대학교 일반대학원 2023 국내박사

밴달은 피아노 교사로 활동하며 많은 교육용 피아노 작품을 남긴 미국 의 작곡가이며, 피아노 학습초기부터 다양한 음계를 학습할 수 있는 작품 들을 남겼다. 그 중 1989년에 작곡된 《모드와 무드》와 2000년에 작곡된 《모달 익스프레션》은 중급과 초급 수준의 학생들이 선법을 흥미롭게 학 습할 수 있도록 각각 7개의 작품으로 구성된 모음곡이고, 각 곡마다 학습 목표가 분명하게 드러나는 특징을 보여준다. 이에 본 연구는 두 작품집 분 석을 통해 각 선법의 특징을 살리는 창작 기법과 초·중급 학습자들의 수준 을 고려한 밴달의 음악어법이 무엇인지 발견하는 것을 목적으로 이루어졌 고, 14개의 작품을 같은 선법별로 묶어 비교 분석한 결과는 다음과 같이 요약된다. 첫째, 7개 선법의 구별된 특징을 효과적으로 드러내기 위해 종지 음과 특징음이 강조된 선율과 화성 진행을 사용하였다. 둘째, 재즈적 요소 가 발견되는데, 페달 포인트 및 텐션 음의 빈번한 사용, 엇박, 당김음, 불규 칙 박을 사용한 리듬의 변화 그리고 워킹 베이스를 이용한 선율 진행 등이 다. 셋째, 학생들의 수준을 배려한 교수학적 아이디어의 적용이 보이는데, 각 선법의 구별된 정서를 표현한 표제의 사용, 손가락의 교차와 이동을 최 소화한 선율 진행, 단순한 선율 동기를 음역, 셈여림, 템포 및 반주 패턴의 대비를 통해 변형시킨 것, 프레이즈 및 형식 학습을 돕는 악곡 구조, 타란 텔라와 미뉴에트 등의 다양한 음악 장르의 적용 그리고 섬세한 페달 표기 등을 꼽을 수 있다. 이 모든 내용은 피아노 교수학자이면서 작곡가였던 밴 달이 초·중급 학습자들이 선법의 아름다움을 느끼면서 피아노 연주에 부담 을 느끼지 않고 즐겁게 연주할 수 있는 방법을 실험하면서 만들어진 것이 었다. 학습자의 수준을 고려하여 단순한 패턴을 다양하게 변형시켜 만든 14곡의 분석을 통해 밴달의 창작 기법을 분석한 본 연구는 그의 작품을 가르치는 교사들에게 혹은 작품을 연주하는 이들 그리고 교육용 작품을 창작 하고자 하는 연구자들에게 유의미한 정보로 제공될 것으로 여겨진다. 또한 본 연구를 통해 국내에 잘 알려지지 않은 밴달의 교육용 작품 및 선법에 기초한 피아노 음악에 관심을 가지는 계기가 마련되기를 기대한다. 주제어: 로버트 D. 밴달, 모달 익스프레션, 모드와 무드, 선법, 교육용 피아노 작품 Robert D. Vandall was one of the famous composers of educational piano works, including pieces that introduce students to various scales from the earliest stages of piano learning in America. Two noteworthy collections, 《Modes and Moods》(1989) and 《Modal Expressions》(2000), are suites composed of seven pieces each that include various ideas so that students at the elementary and intermediate levels can learn joyfully learn about modes. Each piece shows characteristics that clearly reveal the learning goal. The purpose of this study was to discover the creative techniques that utilize the characteristics of each mode and Vandall’s musical vocabulary considering the level of beginner to intermediate learners through the analysis of the two collections. The results of the comparative analysis of 14 works grouped by the same mode are summarized as follows. First, Vandall employs melodic lines and harmonic progressions characterized by the emphasis on finalis and characteristic notes to effectively revel the distinguishing features of the seven modes. Second, the infusion of jazz elements is discernible, evidenced by the recurrent use of pedal points and tension notes, off-beat, syncopation, changes of rhythms including unequal beat, and melodic progressions with walking bass. Thirdly, these pieces display various pedagogical devices that are considered appropriate for elementary and intermediate-level students. Vandall used titles expressing the distinctive sentiment of each mode, and minimized finger crossing and movements in melodic progression. He altered simple melodic motives with the register, dynamics, tempo, rhythm, the accompaniment pattern. In addition, he used compositional technique aiding in learning forms as well as phrases, and employed various genres of music such as tarantella and minuet. Lastly, detailed pedal notations can be highlighted. Vandall's dual role as a piano pedagogue and composer is evident in these compositions, wherein he experimentally strived to create pieces that enable elementary and intermediate-level students to apprehend the aesthetic attraction of modes and facilitate a manageable and enjoyable piano experience. The analysis of these 14 pieces, marked by creative variations of simple patterns tailored to the learners' levels, provides valuable insights for educators teaching Vandall's works, performers interpreting these compositions, and researchers desiring to create educational pieces. Furthermore, through this study, it is expected that research on Vandall’s educational works, which are not well known in Korea, will be actively studied, and that piano teachers and students alike will be interested in piano music based on mode. Keywords: Robert D. Vandall, Modal Expression, Modes and Moods, Mode, Educational Piano Compositions

《산루카르 데 바라메다: 피아노를 위한 회화적 소나타》 Op. 24 분석을 통해 발견한 투리나의 음악 어법

백주연 한세대학교 일반대학원 2023 국내박사

19세기 중반에 시작된 민족주의 운동은 펠리페 페드렐과 페데리코 올메다에 의해 스페인에서도 각광받기 시작하였다. 그들은 스페인 민속 어휘들을 수집하고 적극적으로 음악에 적용하며 스페인 민족주의 음악의 초석을 만들었고 이러한 영향으로 스페인의 대표 민족주의 작곡가인 이삭 알베니스, 엔리께 그라나도스, 마누엘 데 파야 그리고 호아킨 투리나가 배출되며 스페인 건반 음악의 르네상스를 가져왔다. 이러한 부흥을 이끈 작곡가 중 한 명인 투리나가 1921년에 작곡한 ⟪산루카르 데 바라메다⟫Op. 24는 ‘피아노를 위한 회화적 소나타’라는 부제가 붙어 있는 작품으로 투리나의 특징적 음악 어법인 신고전주의, 인상주의, 그리고 민족주의적 작곡기법을 모두 발견할 수 있는 의미 있는 작품이다. 따라서 본 연구는 ⟪산루카르 데 바라메다⟫Op. 24를 분석함으로 작곡가로서의 투리나를 조명할 수 있는 계기를 마련하고, ‘투리나에게 영향을 미친 20세기 음악 사조는 무엇인지’ 그리고 ‘투리나 피아노 작품 전반에 나타나는 특징적 작곡 기법은 무엇인지’ 마지막으로 ‘투리나의 창의적 음악 어법이 어떻게 ⟪산루카르 데 바라메다⟫Op. 24에 녹아들어 있는지’를 살펴보는 것을 목적으로 이루어졌다. 연구 결과 투리나의 특징적 작곡기법은 신고전주의적 특징과 인상주의적 특징, 민족주의적 특징으로 나타났다. 이러한 요소들은 ⟪산루카르 데 바라메다⟫Op. 24에서 모두 등장하며 투리나만의 독특한 음악 어법을 만들어냈는데 그가 적용한 두드러지는 작곡기법은 1) 순환형식의 적용, 2) 푸가 기법과 형식의 적용, 3) 회화적 타이틀의 적용, 4) 인상주의적 색채감이 풍부한 화성 어휘의 사용, 5) 교회선법과 민속 음계의 사용, 6) 스페인 민속춤에서 파생한 박자와 리듬의 적용, 7) 스페인 민속 악기의 음향과 주법의 모방 등으로 나타났다. 따라서 본 연구가 스페인 음악에 친숙하지 않은 이들에게 지적 호기심을 불러일으키는 자료로 사용되어, 국내에 잘 알려지지 않은 투리나의 피아노 작품들이 연주자들의 새로운 레퍼토리로 활용될 수 있기를 기대한다. Nationalism, which began in the mid-19th century, was spotlighted in Spain by Felipe Pedrell and Federico Olmeda. They collected Spanish folk vocabulary and proactively applied it to music, laying the cornerstone of Spanish nationalist music. This resulted in the appearance of Spain’s leading nationalist composers, Issac Albeniz, Enrique Granados, Manuel de Falla, and Joaquin Turina, bringing about a renaissance in Spanish keyboard music. ⟪Sanlúcarde de Barrameda⟫ Op. 24, subtitled “Sonata pitoresca para piano” and composed in 1921 by Joaquin Turina, who was one of the representative Spanish composers of the 20th century, is a meaningful work with all of his distinct musical syntax: neo-classicalism, impressionism, and nationalistic compositional techniques. Therefore, by analyzing ⟪Sanlúcarde de Barrameda⟫Op. 24, this study aimed to shed light on Turina as a composer, the musical trends of the 20th century that influenced him, the characteristic compositional techniques that appeared in his piano works in general, and how his creative musical language was absorbed into ⟪Sanlúcarde de Barrameda⟫Op. 24. The results suggested that Turina’s characteristic compositional techniques were: neoclassical, impressionistic, and nationalistic. These elements are all found in ⟪Sanlúcarde de Barrameda⟫Op. 24, and developed into his own unique composition style. The noticeable compositional techniques he applied were: 1) the application of a cyclic form, 2) the application of techniques and forms of fugue, 3) the application of pictorial titles, 4) the use of a harmonious vocabulary rich in impressionist colors, 5) the use of melodies based on church modes and Spanish traditional scales, 6) the application of meters and rhythms derived from Spanish folk dance, and 7) an imitation of the sound and playing techniques of Spanish folk instruments. It is hoped that this study will be used as material to stimulate intellectual curiosity to those who are not familiar with Spanish music, and that Turina’s piano works, which are not well known in Korea, can be used as a new repertoires for musicians.

영국·캐나다·중국 피아노 급수평가요목 비교를 통한 국내피아노 급수평가제도 개선방안 모색

김단하 한세대학교 대학원 2014 국내박사

국문초록 영국․캐나다․중국 피아노 급수평가요목 비교를 통한 국내피아노 급수평가제도 개선방안 모색 김 단 하 급수평가제도는 제한된 인원만 상을 받는 콩쿠르와는 달리, 자신의 실력을 평가 받고 학생들로 하여금 그 다음 단계를 도전하는 계기를 제공하여 성취감을 갖게 하는 평가방법이다. 급수평가제도를 잘 활용하면 학생들은 연주회나 콩쿠르에 참여하는 것과는 차별된 학습동기를 가지게 되고, 이를 통해 매우 긍정적 학습효과를 거둘 수 있게 된다. 국내의 경우 1987년부터 피아노 급수평가제도가 도입되었고 현재 음악분야 뿐 아니라 다양한 분야에서 급수평가제도가 시행되고 있다. 이에 본 연구에서는 국내 피아노 급수평가제도를 발전적으로 변화시킬 수 있는 방안을 모색하기위해 피아노 급수평가제도를 모범적으로 운영하고 있는 여러 나라의 급수평가제도의 특징을 조사하고, 우리나라의 급수평가제도와 어떤 차이점을 가지고 있는지 비교분석하는 작업이 이루어졌다. 연구를 위해 오랜 역사와 전통을 가지고 급수평가제도를 발전시켜온 영국의 ABRSM, 캐나다의 RCECP, 그리고 중국의 급수평가제도를 비교분석하였고, 이 과정에서 각 급수평가기관에서 제시하는 평가요목(syllabus)을 토대로 시험의 구성방법을 알아보았다. 특히 연주평가의 특징을 파악하기 위해 연주지정곡교재에 수록된 작품들을 다각도로 분석하는 작업이 중점적으로 이루어졌다. 이를 위해 제시된 작품들의 작곡가를 국가별, 시대별로 분류하여 그 특징을 분석하는 작업이 이루어졌고 급수별 연주교재 장르 분석도 동시에 이루어졌다. 또한 연주평가항목과는 별도로 시행되고 있는 테크닉․시창․청음․초견 평가 항목의 분석도 더불어 이루어졌다. 분석 결과 나라마다 시대별, 국가별로 매우 다른 양상을 보이는 작곡가들의 작품을 수록한 것으로 나타났다. 특히 우리나라의 급수 교재를 제외하고 3개국 모두 현대 작곡가의 작품이 상당한 비중을 차지하고 있는 것으로 나타났다. 또한 현대 작곡가 중에서도 현존작곡가의 비율이 높고 자국 작곡가의 수가 많은 것으로 나타나 급수평가제도를 통해 학생들에게 자국 작곡가의 작품을 알리고 접할 수 있는 기회를 제공하고 있다는 것을 알 수 있었다. 또한 지정곡의 장르 비교에서 영국, 캐나다, 중국 모두 표제음악이 가장 많은 비중을 차지한 반면 한국은 소나타가 가장 많이 수록되어 수록곡의 장르 구성에서도 차이를 보였다. 한편, 피아노 실기 능력으로만 급수를 매기는 한국과는 달리 영국, 캐나다, 중국의 평가 기관에서는 테크닉, 이론, 초견, 청음, 시창 평가가 추가적으로 시행되어 다각도로 학생들의 실력을 평가하는 것으로 조사되었다. 이를 통해 각 급수평가기관이 학생들의 연주 실력 향상 뿐 아니라 균형 잡힌 음악성 개발에도 중요성을 부과하고 급수평가요목을 발전시켜오고 있다는 것을 알 수 있었다. 또한 한국을 제외한 다른 모든 나라는 급수평가제도가 음악학교와의 연계를 통해 이루어져 체계적인 급수제도의 운영을 위한 연구가 지속적으로 이루어지고 있었다. 영국의 경우 영국왕립음악대학연합회(ABRSM)산하로 교재 연구팀을 두고 2년마다 급수 평가 곡을 수정하거나 업데이트 하고 자체 출판사를 통해 다양한 연구물을 출판하고 있었다. 캐나다의 경우 왕립음악원 교수진들이 프로그램개발 작업에 관여하고 있었고, 급수 평가 제도를 처음 시작할 때부터 교재 출판을 담당한 프레드릭해리스 출판사가 모든 교재의 구성을 책임지면서 학생들이 현존 작곡가들의 새로운 작품들을 공부할 수 있는 기회를 체계적으로 제공하고 있었다. 중국의 경우 중앙음악대학에 급수평가 운영기관을 두고 중국 교육 실정에 맞는 곡을 선별하여 수록하는 작업이 이루어지고 있었고 자국 작곡가의 작품을 교재에 상당 수 수록한 것으로 나타났다. 선진 외국의 피아노 급수평가제도를 비교해 본 결과 지속적으로 균형 잡힌 평가요목을 연구 개발할 수 있는 교수학자, 훌륭한 교재를 지속적으로 출판해 내는 출판사, 그 교재를 가르칠 수 있는 우수한 교사, 학생들의 수준에 맞는 다양한 스타일의 작품을 작곡할 수 있는 작곡가, 그리고 좋은 시스템을 유지하고 발전시켜 나갈 수 있는 행정가들의 협력을 통해 급수평가제도가 성공적으로 정착된 것으로 나타났다. 또한 이러한 급수평가제도의 발전과 더불어 피아노교육도 동반 성장한 것으로 드러났다. 본 연구를 통해 교육기관 및 학회, 급수시행기관, 그리고 출판사들 간의 긴밀한 연계 작업이 이루어져 국내 피아노 급수평가제도의 발전적 모색이 이루어지기를 바란다. 더불어 현존작곡가들과 피아노 교수학자들의 피아노교육용 작품 창작이 활성화되어 피아노를 배우는 학생들이 보다 다양한 레퍼토리를 경험할 수 있게 되기를 기대한다.

강문예(Chiang Wen-Yeh)의 《북경 만화집》 Op. 22와 《향토 절기 시》 Op. 53에서 발견되는 민족적 요소와 서양 작곡 기법의 결합

LUO WANSHU 한세대학교 일반대학원 2020 국내박사

민족적 요소와 서양 작곡 기법을 결합하여 그만의 독창적 예술세계를 펼쳐낸 중국 작곡가 강문예 (Chiang Wen-Yeh, 1910-1983)는 중국 근·현 대음악의 발전에 많은 영향을 끼쳤다. 북경의 명승고적과 풍경을 소재로 한 10개의 소품으로 이루어진 《북경 만화집》 Op. 22는 강문예가 일본에 서 중국으로 이주하면서 창작 인생의 전환점을 맞이한 1938년에 작곡한 작 품이고, 중급 수준의 학생들이 피아노 연주를 통해 중국 문화를 접할 수 있도록 작곡되어 교육용으로도 활용가치가 높은 작품이다. 그리고 중국의 1년 12달의 풍경을 담아 작곡된 《향토 절기 시》 Op. 53은 그가 작곡가로 서 정점에 달한 시기인 1950년에 작곡한 작품으로 중국의 사계절과 절기 및 전통적 풍습을 소재로 작곡되었고, 높은 테크닉을 요구하는 고급 수준 의 작품이다. 12년의 간격을 두고 작곡된 두 작품은 중국의 민족적 요소와 서양 작곡 기법을 융합하기 위해 평생 노력을 기울였던 강문예의 작곡 기 법이 어떻게 발전되고 무르익어갔는지 비교할 수 있는 의미 있는 작품들이 라 할 수 있다. 따라서 본 연구는 《북경 만화집》 Op. 22와 《향토 절기 시》 Op. 53을 분석함으로써 작곡가로서의 강문예를 조명할 수 있는 계기 를 마련하고, ‘강문예가 난이도가 다른 두 곡에서 어떻게 차별되게 민족적 요소를 구사하였는지?’ 그리고 ‘민족적 요소가 어떻게 서양 작곡 기법 속에 녹아들어 있는지?’를 살펴보는 것을 목적으로 이루어졌다. 연구결과 민족적 요소를 적용한 강문예의 특징적 작곡기법은 1) 명승고적, 자연경관, 절기 및 전통적 풍습, 그리고 중국인들의 일상생활을 소재로 사용, 2) 중국과 일본의 전통 음계 적용, 3) 중국 전통 악기의 음향 모방, 그리고 4) 중국 민 요 선율 및 전통 기악곡의 선율 차용으로 나타났다. 이러한 민족적 요소들 은 서양 작곡 기법과의 결합을 통해 동양적 색채를 지닌 동시에 현대적 음 향을 가진 작품으로 탄생되었다. 이를 위해 그가 적용한 두드러진 작곡 기 법은 1) 서양 음악의 전조 기법을 전통 음계의 전조 과정에 적용, 2) 전통 과 현대를 아우르는 음향 창출을 위한 음계, 음정 및 화음의 사용, 3) 전통 적 선율의 효과적인 표현을 위한 박자와 리듬의 적용, 4) 대립적이면서 상 호보완적 관계를 가진 셈여림, 템포, 음역, 그리고 아티큘레이션의 적용, 5) 한 악장 내에서 주제 선율을 변형시켜 발전시키는 주제 변형 기법의 적용, 6) 서양 음악에서 사용되는 다양한 형식의 적용 등으로 나타났다. 따라서 본 논문의 연구 결과는 새로운 레퍼토리를 탐색하는 연주자 및 학생들뿐만 아니라, 민족적 요소와 서양 작곡 기법의 융합을 통한 작품 창작에 관심 있는 연구자들에게 유용한 자료로 제공될 것으로 기대한다. Chiang, Wen-Yeh(1910-1983) was a Chinese composer that unfolded his original world of arts based on the fusion of national characteristics and Western composition technique—both of which had huge impacts on the development of modern and contemporary Chinese music. He wrote <Beijing Myriorama> Op. 22, which is a collection of ten works about scenic spots, places of historic interest, and landscapes in Beijing. In 1938, he moved from Japan to China and had a turning point in his creative life. He composed in a way that students at the intermediate level could play his piece on the piano and experience the Chinese culture. For this reason, <Beijing Myriorama> Op. 22 is considered to be of high educational value. In 1950, at the peak of his career, Chiang wrote <Twelve Poems on Folk Festival> Op. 53, which depicts the landscapes of China throughout 12 months of the year. It is about the four seasons and traditional customs of China and a high-level work requiring advanced techniques. The 12-year interval between these two works is meaningful in that their comparison helps to understand how his composition techniques developed and matured as he devoted his entire life to the fusion of China's national elements and Western composition techniques. This study thus sets out to analyze <Beijing Myriorama> Op. 22 and <Twelve Poems On Folk Festival> Op. 53 by of feringa chance to shed light on Chiang as a composer and examining the following factors: how differentiated he was in the command of national characteristics between the two works of different levels of difficulty, and how Chinese characteristics melted into Western composition techniques. The findings show that he used his own characteristic composition techniques by applying the following national elements: 1) he found his materials in scenic spots and places of historic interest, the four seasons, traditional customs, and daily lives of Chinese people; 2) he used the traditional scales of China and Japan; 3) he mimicked the sound of traditional Chinese instruments; and 4) he borrowed melodies from Chinese folk songs and traditional instrumental music. The harmonious application of these national characteristics and Western composition techniques gave birth to his works of modern sound as well as East Asian colors. For this purpose, he applied many composition techniques, which include the following prominent ones: 1) he applied the modulation technique of Western music to the modulation process of traditional scales; 2) he used scales, tunes, and chords to create sound encompassing both traditional and modern elements; 3) he applied beats and rhythms for the effective expression of traditional melodies; 4) he applied dynamics, tempo, range, and articulation with confronting and complementing relations; 5) he applied the technique of theme change to alter and develop the theme melodies within a movement; and 6) he applied various forms used in Western music. The findings of the study will hopefully serve as useful materials for researchers interested in the creation of works based on the fusion of national characteristics and Western composition techniques as well as players in search of a new repertoire.

쿠나우(Johann Kuhnau) 「성서소나타」의 해석을 위한 이야기와 음악과의 연관성 분석 연구

원소연 한세대학교 대학원 2017 국내박사