극 공간의 확장, 축소, 전이 연구

박화진 상명대학교 문화예술대학원 2009 국내석사

현대무대미술의 표현양식 연구

봉하일 상명대학교 예술디자인대학원 2014 국내석사

Modern and contemporary scenography is the beginning of symbolism practiced by Gorden Crag and Adolphe Appia rejecting the methods of producing theatre that intend to depict objectively and respect reality, namely, reacting to realism. From them, scenography had the meaning of existing as an artist in charge of performing environment of theatre art as creative visual language interpreted by scenographers breaking from stage area that had existed as background function for performing dramatic art. The use of the term ‘Scenography’ was named by Josef Svoboda who succeeded and developed the idea of Crag and Appia, the concept of which was that it should create the overall environment of dramatic art in charge of visual expression such as stage, lights, costumes, props and make ups not that it exists as representation of place for performing dramatic art. Realistic expressive style that scenography traditionally had shows modernity as extended idea from symbolic style, which accords with the features of modernism trend revealed in different time and space art such as literature, art, music, for that reason, the trend term ‘modernism of scenography’ is newly named in this study. The recovery of the mechanic facilities developed by war technology after the World War 2 progressed introduced in architectural designing of ravaged theaters, especially the hydraulic machine and electricity was used to build the active environment of stage setting. This made many stage technology need not physical labor of human any more and become modern and contemporary drama space that has sufficient physical condition for new and experimental expression of scenographer using kinetic energy. Modern and contemporary scenography after war passed through incessant changing procedures taking experimental form of expression to overcome the limitation of traditional dramatic art and Achim Freyer and Robert Wilson who expressed scenography as non-verbal drama space without depending on text can be discussed. Achim Freyer opened painterly scenography that has distinct characteristics of time and space moving to drama space without stopping the painterly technique at visual performance of plane work. Robert Wilson did scenography of image theatre viewing letters in the text as image, drew scenes that came to mind for performing dramatic art, connected several paintings based on that drawings making overall drama situation composed of paintings. Josef Svoboda and Robert Lepage extended form of expression of scenography adopting film language in performance considering drama space as language experimental place using film and cinematic technique. However, reacting expressive style emerged since the signs that acted as image to dramatic art and visual film language broke the linguistic essence and confused identity. Jerzy Grotowski sought for direction of plays practicing ‘poor theater’ to remove subsidiary set up mentioning retheatricalization of plays, Peter Stephen Paul Brook also tried to find essential duty of plays practicing ‘holy theater’ believing the importance of empathizing human elements through language excluding unnecessary artificial set up. Drama space created new stage language using media due to the development of science technology, and it can also be realized that text is replaced by performance text expressed on continuous time line not created in the hierarchial structure of dramatic art, escaping from the play, basic element of theatre. On the other hand, practiced style of ‘retheatricalization’ for the essence of theatre can be reviewed. The features and potential of modern and contemporary scenography are classified into 3 categories based on the discussion about the expressive style of modern and contemporary scenography in this study. First, extension of scenography through deconstruction a text. The central axis of theatre from ancient, middle age till modern times has been text and narrative and the objective of scenography has been moving the meaning of written and verbal language to visual image. However, scenography is to pursue the new stage language of creative behavior re-interpreting the text through deconstruction of traditional literature structure. Also, the performance of scenographer creating actively reflecting contemporary lives is need. Secondly, diversification of scenography expression through media. The existential status of pure art is missing in post-modern society while the meaning is created and the context is reconstructed making relationship with different arts. Scenography at this time should create aesthetic value of new sense and extension of expression. For that purpose, it should adopt variety of expression accommodating and using developed technology through media. Third, there is the dual aspect of scenography through returning to essence. Modern and contemporary scenography diversifying needs to contemplate the style that practice the suggestive theatre focusing on the play and actors removing artificial elements since they caused confusion of essential identity of theatre. However, it is important to have attitude that can think dialectically accommodating base and diversification simultaneously through incessant research about the essence of theatre by individual scenographer not exclusively accommodating experimental media escaping from dichotomous thinking adopting only this kind of return to essence. As scnenographer should provide the vision that expresses human view of the world through the expression of scenographer of their own since dramatic art is ‘one type of window’ watching human being. 현대무대미술은 19세기말 고든 크레이그와 아돌프 아피아가 현실을 존중하며 객관적으로 묘사하려는 연극의 제작방식을 거부하는, 즉 사실주의에 반동을 하며 실천된 상징주의의 시작이었다. 그들로부터 무대미술은 극 예술의 상연을 위한 배경적 기능으로 존재하였던 영역을 탈피하여 무대미술가에 의해 해석된 창조적인 시각 언어로서 공연예술의 환경을 담당하는 예술가로 존립하는 의의를 지닌다. ‘무대미술’의 용어 사용은 크레이그와 아피아의 이념을 계승 발전한 요셉 스보보다에 의해 명명되어졌는데 무대미술이라는 것은 극 예술의 상연을 위한 장소의 재현으로써 존재하는 것이 아닌 무대, 조명, 의상, 소품, 분장 등의 시각적 표현을 담당하여 극 예술의 총체적인 환경을 조성해야 한다는 개념이었다. 무대미술이 전통적으로 지니고 있었던 사실주의적 표현양식은 상징주의 양식부터 확장된 개념으로 근대성을 띠게 됨을 알 수 있고 이점은 문학, 음악, 미술 등 서로 다른 시·공간 예술에서 나타난 모더니즘 사조의 특징들과 부합되고 있기에 본 연구에서 ‘무대미술의 모더니즘’이라는 사조어를 신조한다. 2차 세계대전 이후 전쟁기술로 인해 발전된 기계설비들은 파괴된 극장들의 건축설계에 도입되어 복원이 진척되었는데 특히 유압식 기계와 전기를 이용하여 무대장치들이 동적인 환경을 구축하게 되었다. 이에 많은 무대기술들은 더 이상 인간의 육체적 노동행위를 필요로 하지 않게 되었고 운동에너지를 활용하여 무대미술가들이 새롭고 실험적인 표현을 하기 충분한 물리적 조건을 갖춘 현대적 극 공간이 되었다. 현대무대미술은 서구의 전통적인 극 예술의 한계를 극복하기 위해 실험적 표현형식을 취하며 끊임없는 변모의 과정을 거치게 되는데 텍스트에 의존하지 않고 비언어적인 극 공간으로서 무대미술을 표현한 아힘 프라이어와 로버트 윌슨을 논의 할 수 있다. 아힘 프라이어는 회화적 기법을 평면작업으로 그친 시각적 행위에 멈추지 않고 극 공간으로 이행하여 시·공간적 특수성을 지닌 회화적 무대미술을 펼쳤다. 로버트 윌슨은 텍스트를 문자에서 이미지로 보고 극 예술의 상연을 위해 떠오르는 장면을 드로잉 하고 거기에 바탕을 둔 여러개의 그림을 연결하여 그림으로 이루어진 전체적인 극 상황을 만드는 이미지 연극의 무대미술을 하였다. 요셉 스보보다와 로베르 르빠주는 영상과 영화적 기법을 활용하여 극 공간을 언어 실험적 장소로 보고 공연에 영상 언어를 도입하여 무대미술의 표현형식을 확장시켰다. 하지만 이러한 시각적인 영상 언어와 극 예술에 이미지 적으로 작용하는 기호들은 연극의 언어적 본질성을 해체시키고 정체성의 혼란만을 야기 시키기 때문에 거부하는 표현양식이 나타났다. 예지 그로토프스키는 연극의 재연극화를 언급하며 부수적인 장치들을 제거하는 ‘가난한 연극’을 실천하면서 연극의 방향성을 모색했고 피터브룩 또한 불필요한 인위적인 장치들을 배제하고 언어를 통한 인간적인 요소를 강조하는 것이 가장 중요하다고 믿으며 ‘성스러운 연극’을 실천하여 연극의 본질적 당위성을 찾으려고 했다. 현대무대미술의 표현양식들을 통해 본 극 공간은 과학기술의 발전에 따라 매체를 활용하여 새로운 무대 언어를 창조하였고, 또한 연극의 기본 요소인 희곡을 벗어나서 텍스트는 극 예술의 위계적인 구조 속에서 창조되는 것이 아닌 끊임없는 시간선상 위에 발현되는 퍼포먼스 텍스트로 대체되어 창조 된 것을 알 수 있다. 반면에 연극의 본질성을 위해 ‘연극을 위한 연극’으로 실천된 양식도 살펴볼 수 있다. 이에 본 연구는 현대무대미술 표현양식을 논의 하면서 이를 토대로 현대무대미술의 특징과 발전가능성에 대해 세 범주로 구분하였다. 첫째, 탈 텍스트화를 통한 무대미술의 확장화이다. 고대와 중세는 물론 근대와 현대에 이르기까지 연극의 중심축은 텍스트와 내러티브였으며 무대미술의 목표는 그러한 문자언어와 음성언어의 의미를 시각적인 형상으로 이동하는데 있었다. 하지만 무대미술은 전통적인 문학구조의 해체적 사고를 통해 텍스트를 재해석하며 창조적 행위의 새로운 무대언어를 추구하는데 있다. 또한 동시대적 삶을 반영하여 능동적으로 창조하는 무대미술가의 수행성이 필요하다. 둘째, 매체활용을 통한 무대미술표현의 다양화이다. 포스트모더니즘 사회에서는 개별예술의 존재론적 지위는 상실된 채, 서로 다른 예술들과의 관계 속에서 관계를 맺고 의미를 창출하며 맥락을 재구성하고 있다. 이러한 시점에서 무대미술은 표현의 확장과 새로운 감각의 미적 가치를 창출해 내야 한다. 이를 위해 매체활용을 통해 발전된 기술들을 수용하고 활용하여 표현의 다양성을 취해야 한다. 셋째, 본질로의 회귀를 통한 무대미술의 양면성이다. 다원화되는 현대무대미술은 인위적인 요소들로 연극의 본질적인 정체성의 혼란을 야기 시켰기 때문에 이를 모두 제거하고 희곡과 배우에 중심을 두고 제의적 연극을 실천하는 양식을 바라볼 필요가 있다. 하지만 이런 본질로의 회귀만을 취

극공간 발전방향성 연구 : 4차 산업기술의 활용사례를 중심으로

길고은 상명대학교 일반대학원 2020 국내석사

공연이 이루어지는 ‘극공간’이라는 매개체는 시대의 흐름에 따라 형태적으로 변화되어왔으며, 극공간의 발전과 함께 다양해지는 공연의 표현을 위해서 무대기술 또한 발전해 왔다. 4차 산업혁명으로 접어들면서 극장은 원근법을 이용해 일방적으로 바라보는 전통적인 개념을 벗어나고 있다. 첨단기술로 인한 시각적 효과는 전파와 광학(빛)을 통해 3, 4차원적인 극공간으로 확장되어 관객들이 몰입과 경험을 더해 현실과 상상의 경계를 넘나들고 있다. 이러한 측면에서 공연예술계는 시대의 변화를 받아들이고 그것을 파악해야 할 중요한 시점이 되었다. 따라서 현시대의 성장하는 기술의 방향을 읽고 많은 시도와 활용이 필요하다. 이에 본 연구는 4차 산업기술을 접목한 공연사례를 통해 극공간의 발전가능성에 대해 논의하였다. 첫째, 첨단 기술을 보유한 스튜디오형 극장 시스템을 구축하는 것이다. 4차 산업 분야에서 대기업 시장의 하드웨어, 소프트웨어 등 기술의 잠재적인 성장과 개발의 흐름을 파악해야한다. 가상현실(VR), 증강현실(AR), 혼합 현실(MR)의 기술이 활용된 ‘360도 동영상’, ‘모션 트래킹’, ‘볼류 메트릭 3D캡쳐’ 등 첨단기술을 보유함으로서 최대한의 ‘현장성’을 제공할 수 있다. 송출방식의 발전으로 인한 물리적, 시간적 제한을 받지 않는 온라인 라이브 중계로 인해 장소에 구애받지 않고 어디서든 영상 장치로 구축된 공연을 볼 수 있을 것이다. 더 나아가 수도권을 중심으로 발전한 문화예술이 지역 간의 수준 격차가 줄어드는 효과를 기대할 수 있을 것이다. 둘째, 특수효과와 조명기를 대체하는 드론이다. 불꽃놀이와 같은 화학류는 독성물질, 폭발의 위험성에 대한 안전문제로 완벽한 제어가 어렵기에 극장에서는 쉽게 접할 수 없다. 하지만 이를 드론으로 대체하게 된다면 안정성과 더불어 다양한 움직임의 구현과 시각적인 효과를 제어 할 수 있을 것이다. 또한 극장의 천장에 위치한 배튼(Batten)에 조명기를 행잉(hanging)하는 형식이 아닌 자유로운 컨트롤이 가능해 조명기의 역할을 충분히 수행할 수 있을 만큼 드론의 기술이 발전했다. 이로 인해 배튼이 축소되거나, 배튼이 없는 극장 혹은 특정 공간에 구애받지 않는 조명의 활용이 가능해질 것이다. 더 나아가 드론을 이용해 조명기 자체에 움직임이 부여됨으로써 또 다른 시각적인 효과를 기대해 볼 수도 있을 것이다. 셋째, 지능형 사물인터넷을 무대기계장치에 유입하는 것이다. 이미 많은 교육·의료·산업 분야에서 사물인터넷과 인공지능 등의 융합으로 자율 주행 자동차, 스마트 웨어러블 등이 발명되었다. 이러한 지능형 사물인터넷과 극공간이 융합된 기술을 하부 기계장치에 도입된다면 단순한 데이터 값 입력으로도 하부 기계장치의 움직임이 가능하다. 기계 장치들의 수많은 움직임은 데이터로 남게 되면서 극공간의 기계 안정성의 문제도 극복이 가능하다. 이로 인해 초기 극장설계단계에서 무대 형태에 기반을 둔 기술적 장치에 의한 설계가 아닌 극장의 형태 자체가 단순화될 가능성이 있다. 넷째, 극장에 첨단영상기술을 도입해 LED SCREEN 시스템을 구축해야한다. 과거 영상은 극의 배경을 설명해주는 보조 장치였다면, 현재에는 서사의 진행에 큰 영향을 주는 주된 장치가 되었다. 반면, 현재 우리나라 대부분의 극장의 영상 막, 프로젝션 장치들은 기술의 발전만큼 따라오지 못하고 노후화되어 있는 상황이다. 영상 콘텐츠의 소비가 늘어난 만큼 영상에 대한 중요도가 높아지고 있는 현재에 맞춰 장치적인 부분의 개선과 최신 기술을 받아들여 설치하고 받아들이는 노력이 필요하겠다.

다원적 공연예술 연구 : 무대미술 표현을 중심으로

안상원 상명대학교 일반대학원 2021 국내석사

본 논문은 다원적 공연예술의 무대미술 표현에 대한 연구를 포함하고 있다. 그 흐름은 다원적 공연예술의 특징 도출과 이에 따른 사례 작품 선정, 사례 작품의 무대미술표현 분석, 다원적 공연예술의 무대미술표현 특징 연구로 이어진다. 다원적 공연 사례는 다원주의 미학, 다원예술, 다원적 태도의 세 가지 키워드에서 선행연구 자료를 분석함을 통해 다원적 예술의 현시적 합의점을 도출해내고, 이를 공연예술에 적용시킴으로서 선정하였다. 이에 따라 선정한 사례 작품은 아너 테레사 더 케이르스마커르(Anne Teresa De Keersmaeker)의 『바이올린 페이즈(Violin Phase)』, 펀치드렁크(Punch Drunk)의 『슬립 노 모어(Sleep No More)』, 청키 무브(Chunky Move)의 『글로우(Glow)』, 로얄 셰익스피어 컴퍼니(Royal Shakespeare Company, RSC)의 『템페스트 (The Tempest)』이다. 각 작품의 간략한 연구 주안점은 다음과 같다. 바이올린 페이즈는 음악과 미술, 그리고 무용의 융합적 표현을 중심으로 연구하였다. 특히 스티브 라이히(Steve Reich)의 바이올린 페이즈의 전개에 따른 테레사의 움직임과 플로어 패턴의 변화에 집중하였다. 슬립 노 모어는 극장과 무대 구성에 의하여 유발되는 관객의 감각 경험을 중심으로 연구하였다. 통제된 상황과 마스크 착용에 의한 시각의 제한에서 비롯되는 다른 감각의 적극적인 사용과 신체 운동을 통해 이루어지는 관객의 감상 효과를 포스트드라마의 신체지각화 개념을 통해 논하였다. 글로우는 장면구성과 인터랙티브 퍼포먼스의 특징을 중심으로 연구하였다. 그 특징은 선행연구에 따라 시공간의 확장, 신체의 확장으로 나누었으며, 이들이 글로우의 각 장면에서 어떤 형태로 표현되고 있는지에 집중하였다. 템페스트는 무대구성과 유사 홀로그램 시스템을 중심으로 연구하였다. RSC의 무대 디자이너 스티븐 루이스(Stephen B. Lewis)와 인텔, 이매지네리움 스튜디오의 인터뷰와 관련 자료 조사를 바탕으로 하여 템페스트 무대의 물리적 구성과 디지털 이미지가 어떻게 융합을 이루었는지에 집중하였다. 사례 분석을 통해 도출한 다원적 공연예술의 무대미술표현 특징은 다음과 같다. 첫째, 다중감각적 표현이다. 바이올린 페이즈와 슬립 노 모어는 작품을 감상하기 위해 시각과 더불어 후각, 청각, 촉각 등의 여러 감각을 이용하도록 유도하는 특징을 띠었다. 둘째, 상호작용성이다. 슬립 노 모어와 글로우, 템페스트는 무대미술이 관객이나 배우와 상호작용하며 관객의 감상 효과를 증대시키는 특징을 띠었다. 셋째, 4차 산업기술의 활용이다. 디지털 혁명으로 일컬어지는 3차 산업혁명 기술을 기반으로 한 4차 산업기술 활용을 통해, 글로우와 템페스트는 디지털 이미지의 허상적 성격을 미적으로 활용하여 비물질적 이미지를 구체적인 모습으로 형상화하는 특징을 띠었다. A broad consensus on the Pluralistic Performing Arts can be made by analyzing the three keywords; Pluralistic Aesthetics, Pluralistic Arts and Pluralistic Attitude which were applied to the arts. This study includes cases on the Scenography Expressions tried in the pluralistic performing arts. The selected works are 『Violin Phase』 by Anne Teresa De Keersmaeker, 『Sleep No More』 by Punch Drunk, 『Glow』 by Chunky Move and 『The Tempest』 by Royal Shakespeare Company(RSC). The focuses of the works are summarized below; Violin Phase is the fusion of music, painting, and dance, focusing on the movement of Teresa especially, and the change of the floor pattern according to the development of Steve Reich's Violin Phase. Sleep No More derives the audience's sensory experience induced by the theater and stage composition, focusing on the concept of body perception in post-drama: the active use of other senses and body movement resulting from the limited vision by the controlled situation and wearing a mask. Glow is of the scene composition and the interactive performance characteristics which are divided into the expansion of space-time and the expansion of the human body, by developing the scene in Glow. The Tempest is of the stage composition and similar hologram system. Based on interviews with RSC scene designers Stephen Lewis, Intel, and Imaginarium studios, as well as research on related materials, the focus explained was how the physical composition of The Tempest's stage and digital image had been fused. The characteristics of the stage art expression of the pluralistic performing arts after this study are as follows; First, it is a multisensory expression. Violin Phase and Sleep No More contain a feature that induces the use of multiple senses; sight, smell, hearing, touch, etc. to express the work. Second, it is interactive. Sleep No More, Glow, and The Tempest contain features where the Scenography enhances the audience's sentiment by interacting with the actors on stage. Third, it’s by the use of fourth industrial technology which has come after the third industrial revolution. With the benefit of the new technology which is called the digital revolution, Glow and The Tempest aesthetically utilize the virtual characteristics of digital images to shape the immaterial images into concrete shapes.

무대미술 역할 확장 연구 : 공간재생의 스토리텔링 표현을 중심으로

이윤주 상명대학교 일반대학원 2023 국내석사

본 논문은 공간재생으로의 무대미술 역할 확장에 대한 연구를 포함하고 있다. 그 흐름은 제 2장 공간재생의 이론적 고찰과, 공간재생과 무대미술 간의 연결 고리가 될 수 있는 제 3장 공간 스토리텔링에 대한 연구, 그리고 이를 바탕으로 한 제 4장 사례를 통한 무대미술 표현 연구로 구성된다. 제 2장에서는 본 연구의 적용 대상이 되는 공간재생의 정의와 현대적 특성에 대한 연구를 포함한다. 이에 따르면 공간재생이란 “인간에 의해 사용되던 공간이 더 이상 사용되지 않을 경우 다시금 생명력을 불어 넣는 것”이며, 그 현대적 특성이란 방치된 공간을 현대 건축물과 비슷한 양식으로 보수하는 것이 아니라, 현대 건축물에서 경험할 수 없는 역사적 흔적을 보유한 잠재적 가치가 있는 공간을 활용하여 해당 장소에 머물렀던 이야기를 현대의 흐름에 맞게 새롭게 제안하고, 이를 미래세대까지 전달하는 것이다. 제 3장에서는 선행연구를 바탕으로 공간 스토리텔링에 대해 “공간의 콘텐츠를 돋보이게 가공하여 공간 사용자의 감상을 이끌어내는 것”이라고 정의하며, 공간 스토리텔링의 특성을 각각 체험성, 유희성, 감정몰입성, 비일상성, 복합성, 테마성, 정보성으로 분류한다. 제 4장에서는 위 연구를 실제 사례에 적용한다. 그 결과를 간략히 서술하면 다음과 같다. 퓌뒤푸 테마파크는 장소 특정성이 바탕이 된 시대적 고증에 의한 감정몰입성, 테마성, 비일상성, 스펙타클 무대기술의 적극적 사용을 통한 복합성, 유희성, 이머시브 공연을 통한 체험성이 크게 드러났다. 빛의 채석장은 기존 공간의 조형미 극대화를 통한 비일상성, 프로젝션 맵핑을 활용한 멀티미디어 몰입형 전시를 통한 감정몰입성, 복합성, 정보성, 그리고 자유로운 공간 구성에 따른 체험형 관람 방식의 채택을 통해 체험성, 유희성, 테마성이 크게 드러났다. 슈메이너스 벽화마을은 스토리텔링의 주체로써 벽화를 사용하여 체험성, 테마성, 정보성이, 벽화를 통한 공간 확장을 통해 복합성, 유희성, 비일상성이 크게 드러났다. 결론에서는 본 논문의 연구내용을 바탕으로 공간재생의 공간 스토리텔링으로의 무대미술 역할 확장 당위성을 증명하였으며 이는 아래와 같다. 첫째, 문화예술적으로 공간에 내재되어 있는 역사성과 장소성을 현재 흐름에 맞게 재생시킴으로서 과거와 현재를 자연스럽게 이어주는 가교의 역할을 하며, 나아가서 이러한 가치를 미래에 전달하는 역할을 한다. 둘째, 장소의 특성과 재생된 공간의 목적을 하나로 연결시키는 과정에서 일관된 콘셉트를 형성하여 방문자의 몰입을 향상시키며 공간의 정체성을 확실히 한다. 셋째, 역동적인 시공간을 형성하여 시간이나 공간이 한가지로 고정되지 않고 변화하거나 방문자의 개입에 따라 변화가 가능하여 방문자로 하여금 해당 공간에 흥미를 느끼게 하고 몰입을 유도한다.

현대 뮤지컬 무대미술 공간의 가변성 연구

김지아 상명대학교 일반대학원 2023 국내석사

The performing arts market, which had been suspended since the ‘With COVID-19 era’ began in April 2022, is revitalizing. Performing arts reflect the phases of the times, and scenography also step within totether. Since ancient Greece, theatre space has been composed of moving stage set, but the possibility of variable space expression increases through the combination of modern technology and media that have developed rapidly since World War II, and various expression methods are being studied. Variability is one of the important characteristics along with on-site and temporality, which are the main characteristics of the stage space. According to the variable expression of the stage, the play has liveliness and helps the audience immerse themselves. Therefore, this study aims to research the variable characteristics and expression methods within the stage space. To this end, among the various genres of performing arts, the case was narrowed down and studied focusing on the musical stage. The musical, which accounts for the highest ticket revenue among the domestic performing arts market, is a genre with strong popularity. In addition, it is appropriate to study the variable composition of the stage art space because it had a sense of rhythm and speed based on music and dance. Therefore, performances of modern musical genres since 2000 were selected as case studies, and analyzed their stage components and scenography. Based on research on the variable characteristics of modern space, the variably constructed stage form was classified into a ‘conversional, expandable and ambiguous stage’, and the corresponding cases were analyzed. As a result, an expression method that can be effectively applied in musical stage space was proposed. First, it is the diversification of scene through set transitions. Various theatrical meanings can be created through the movement direction, speed, and overlapping of movement in stage transition. Second, absorb the actor's body into the stage equipment. Using stage costumes and puppets consistently expressed with the concept of scenography, it is possible to express a fluid scenes with only small movements of the actors. Third, it is an expression of an expansion and contraction that utilizes the depth and vertical space of the stage. Using the over stage and under stage maximizes the spatial impression in the scene and directs the eyes of the audience to multiple points of view to add dramatic tension. Fourth, it is a method of expression using the visual style of scenography. Through the design application and conversion process using everyday materials, it is possible to create a visual style that reveals fluidity and variability through the stage itself. Fifth, multiple use of stage equipment through abstract expression. In order to express different theatrical places within limited space, it is possible to use it in various functions and forms by giving the ambiguity and uncertainty of space through the abstract expressive style. Sixth, it can be used in various ways without fixing the position of the stage. If the location of the basic stage is not fixed and the entire 360-degree space inside the theater is used, the audience can be surprised and diversified in their viewpoints. Seventh, as the stage equipment becomes a screen, real actors' movements and cinematic expressions can be combined. By combining video expression, a cinematic expression method, one of the modern art forms, and realism, the strength of performance, it is possible to create a fantastic expression that takes place in front of your eyes. Through this study, the function and development direction of the variable composition were presented. The reason why visual variability in scenic design is important is that stage art is difference from general painting and photography art, which helps the audience immerse themselves and builds a theatrical illusion that is realized only in front of the audience. The variable expression of the scenographic space will continue to develop by creating more diverse scene and lively plays through use of dynamic stages based on automatic theater system and combining with modern technologies such as video projection, holograms, AR, and VR. 2022년 4월 ‘위드 코로나 시대’가 시작된 이후로 멈춰있던 공연 시장은 다시금 활기를 띠고 있다. 공연 예술은 시대상을 반영하며 무대미술 역시 그와 함께 발맞추어 간다. 고대 그리스 시대부터 무대 공간은 가변적 공간으로 구성되었지만, 동적 무대 장치가 발전하기 시작한 2차 세계대전 이후로 급격한 성장을 이룬 현대의 기술과 미디어와의 결합을 통해 가변적 공간 표현의 가능성이 증대되고, 다채로운 표현 방법이 연구되고 있다. 무대 공간의 특성인 현장성, 일시성과 더불어 가변성은 중요한 특성 중 하나이다. 무대의 가변적 표현은 극이 생동감을 갖도록 하고 관객의 몰입을 돕는다. 따라서 본 연구에서는 무대 공간 내의 가변적 특성과 표현 방법에 대하여 논하고자 한다. 이를 위해 공연 예술의 다양한 장르 중 뮤지컬 무대를 위주로 범위를 특정하여 연구하였다. 국내 공연 예술 시장 중 가장 높은 티켓 판매 수익을 차지하고 있는 뮤지컬은 대중성이 강한 장르이다. 또한 노래와 춤을 기반으로 한 리듬감, 속도감이 특징이므로 무대미술 공간의 가변적 특성을 연구하기에 적절하다. 따라서 2000년대 이후 꾸준히 재연된 현대 뮤지컬 장르의 공연을 연구 대상으로 선정하여 실질적으로 현장에서 공연되고 있는 사례 작품의 분석을 통해 무대미술의 가변성을 도출하였다. 가변적으로 구성된 무대 형식인 현대 공간의 가변적 특성을 확인한 선행 연구를 기반으로 ‘전환형 무대’, ‘확장형 무대’, ‘불확정형 무대’로 분류하였으며, 그에 해당하는 사례를 선정하였다. 그 결과로 뮤지컬 무대 공간의 연출에 있어서 효과적으로 적용할 수 있는 표현 방법을 다음과 같이 제안하였다. 첫 번째, 가변 무대를 이용한 무대 전환을 통한 장면 그림의 다양화이다. 무대 전환에 있어서 이동 방향과 속도, 이동의 중첩을 통해 다양한 극적 의미를 창출할 수 있다. 두 번째, 배우의 몸을 무대 장치로 흡수하는 것이다. 무대미술 컨셉과 일관되게 표현된 무대의상과 인형을 활용하면 배우의 작은 움직임만으로도 유동적인 장면 그림을 표현할 수 있다. 세 번째, 무대의 깊이감과 수직 공간을 활용한 확장과 축소적 표현이다. 상부 장치와 하부 장치를 사용하면 장면의 공간감이 극대화되며 관객의 시선을 여러 시점으로 보내어 극적 긴장감을 더할 수 있다. 네 번째, 무대미술의 시각적 양식을 활용한 표현 방법이다. 일상적 소재를 이용하여 디자인적 적용과 변환 과정을 거치면 무대 자체로 유동성과 가변성이 드러나는 시각 양식을 만들어낼 수 있다. 다섯 번째, 추상적 표현을 통한 무대 장치의 다중적 사용이다. 제한적인 공간 내에서 각기 다른 극적 장소를 표현하기 위하여 무대 양식의 추상적 표현을 통해 공간의 다의성과 불확정성을 부여하여 여러 가지 기능과 형태로 이용될 수 있다. 여섯 번째, 무대의 위치를 고정하지 않고, 다양하게 사용한다. 기본 무대의 위치가 고정되지 않은 채 극장 내부의 360도 모든 공간을 무대로 활용한다면 관객들로 하여금 경이를 불러일으키고 시점의 다양성을 제공할 수 있다. 일곱 번째, 무대 장치가 스크린이 되어 실제 배우의 움직임과 영화적 표현의 결합이다. 현대적 예술 양식 중 하나인 영화적 표현 방법인 영상의 활용과 공연의 강점인 현장성의 결합을 통해 눈앞에서 벌어지는 환상적 표현이 가능하다. 본 연구를 통해 무대미술의 가변적 특성의 중요성과 추후 발전 방향을 제시하였다. 시각적 가변성이 중요한 이유는 무대미술이 일반 회화, 사진 예술과 다른 지점에 있는데, 이를 통해 관객의 극적 몰입을 도우며, 관객의 눈앞에서 비로소 실현되는 연극적 환영성이 구축되기 때문이다. 자동화된 극장 기계 설비를 기반으로 한 가변 무대의 다양한 활용과 영상을 비롯한 홀로그램, 증강 현실, 가상 현실 등의 현대 기술과의 결합을 통해 무대미술 공간의 가변적 특성은 더욱 다양한 그림과 생동감 있는 극을 만들어내며 지속해서 발전될 것이다.

매체적 특성에 따른 극 공간의 시각적 표현의 차이점 연구 : 『오빠가 돌아왔다』를 중심으로

임규양 상명대학교 예술디자인대학원 2015 국내석사

무대미술 표현 방법론 연구 : 밀로 라우의 뉴다큐멘터리 연극을 중심으로

이정건 상명대학교 천안캠퍼스 일반대학원 2025 국내석사

무대미술 표현 방법론 연구 : 밀로 라우의 뉴다큐멘터리 연극을 중심으로 본 논문은 밀로 라우의 뉴다큐멘터리 연극에서 나타나는 무대미술 표현 방법의 특징을 도출하며 현대무대미술에서 가지는 의의를 고찰한다. 라우의 무대미술은 단순히 시각적 장식에 머무르지 않고, 극 공간과 오늘날의 현실세계를 연결하며 사회적 변화를 목표하는 표현으로 기능한다는 점에서 동시대 연극의 중요한 위치를 차지한다. 20세기 다큐멘터리 연극은 에르빈 피스카토르와 페터 바이스를 중심으로 사회적 비판과 정치적 메시지를 전달하는 연극 양식으로 발전해왔다. 이후 1990년대 후반, 토머스 이르머에 의해 종전의 다큐멘터리 연극과 대별되는 뉴다큐멘터리 연극은 디지털 매체와 포스트모던적 사유를 통해 동시대적 실재를 포착하고 관객과의 관계를 구축하는 과정을 논의하면서 새로운 연극성을 시도하는 특징을 가진다. 이 같은 흐름 속에서 밀로 라우는 동시대 사건들을 재연 기법을 통해 현재화하며 관객의 비판적 사고와 참여를 유도하는 뉴다큐멘터리 연극을 선보인다. 본 논문에서는 라우의 주요 작품인 <콩고 재판>, <연극의 역사>, <에브리우먼>을 분석하였고, 그의 무대미술에서 도출된 세 가지 특징은 다음과 같이 정리된다. 첫째, 실제 사물로서 다큐멘트가 점유한 수행적 공간이다. 수행적 공간은 사건을 단순히 재현하는 것을 넘어 관객이 사건의 현존성을 직접적으로 체험하도록 만드는 공간이다. 라우는 무대에 실제 사건 현장에서 수집한 증거물, 실제로 기능하거나 개인적 경험이 담긴 사물 등을 무대미술로 표현하였다. 이러한 무대미술은 재현이나 장식미술에 그치지 않고, 관객이 지금, 여기에서 사건을 경험하도록 하는 다큐멘트이자 실제 사물로서 강력한 물질성과 실존성을 드러내며 수행적 공간의 특징을 가지는 비인간 행위자가 되어 기능한다. 둘째, 연극과 영상 사이의 인터미디어 공간이다. 인터미디어의 공간은 연극과 영상 매체 간의 상호작용을 통해 생성되는 차이들 틈새의 공간성, 즉 매체 간의 사이 공간으로서 특징을 가진다. 라우는 무대와 영상의 시각적 차이를 활용하여 동일한 사건을 다른 매체에서 동시에 관찰하도록 하는 인터미디어 공간을 생성한다. 이러한 인터미디어의 특징을 활용한 무대미술은 관객이 단순히 무대의 어느 한 장면에 머물지 않고, 매체 간 차이 속에서 의미를 발견하도록 유도하는 심리적 공간을 창출한다. 셋째, 무대의 연역적 구성 방법에서 드러나는 거리두기 공간이다. 거리두기 공간은 브레히트의 생소화효과에서 기인한 개념으로, 관객이 연극의 허구성을 자각하고 사건을 비판적으로 성찰하도록 하는 공간이다. 라우는 무대미술 제작과정의 노출, 카메라와 마이크를 활용한 공개적인 실시간 촬영을 통해 현재화에 집중한 거리두기 공간을 표현한다. 이러한 무대미술의 요소들은 관객에게 무대가 제작되고 있다는 인식을 주며 브레히트의 거리두기 효과를 동시대 연극의 맥락으로 확장한다. 결론적으로 밀로 라우의 뉴다큐멘터리 연극에서 도출된 무대미술 표현 방법의 세 가지 특징은 허구와 사실의 경계를 교차하며 동시대적 공간을 구축하고, 현대무대미술의 표현양식을 확장하는데 기여한다. 이를 통해 무대미술은 동시대적 맥락 속에서 사회의 문제를 탐색하고 현실적 변화를 제시할 수 있는 시각예술로서 기능한다. 나아가 이러한 무대미술은 관객을 비판적 사고와 사회적 책임의 영역으로 이끌며, 동시대 연극에서 중요한 역할을 하는 다큐멘트로서 발전가능성을 제시한다.

오페라 [돈 조반니] 무대디자인 연구 : 무대공간에서의 형태와 색채의 기능 및 역할

이희순 상명대학교 문화예술대학원 2010 국내석사

The opera, one of the performing art fields, is the generalist art field of music, which is evaluated as the genre that included not only musical element but also all kinds of field such as literature, theatre, art, dances. The stage art that is relativelyfree and easy in the communication for meaning delivery included in it as the textual visual imagination of various structural elements that constitute the opera is the field that is in charge of central role to express some drama visually. Actually, it is being changed in the trend to search for visual symbolism in the general part of social art. In spite of it, in the opera stage setting constituted the trend that shows factually the time and space element was in main current. Many of visual elements inthe drama that were overlooked not the meaning as the background of stage setting to the general part of such cultural art were appeared over the surface, and the stage setting that fills the stage has become the new interest. The modern stage art is not the additional device. The empty space for the stage artists is as the same as a sort of canvass. They are the artists who do not describe the background of dramatist’s work factually, but creates the text of work as visual text in the same way. The visual image created by the stage artists has the same relation and function as the literacy of dramatist’s language and producer’s play. With the autonomy interpretation of the stage artists’ text for such change of stage art function, the attention of audience has moved to the luxury and new stage setting design from the drama’s own entertainment. Like this, with the visual image of performance being the central tool of new theatre, the stage setting figure and color has become the existence that contains more meaning than before, and because of this the stage setting located in the stage requires the constant reinterpretation for the new meaning, and various expressions and its plastic tools. Mozart called [Don Giovanni] as 「drama geo course」 It means the opera with comedy and tragedy. Differently from all kinds of Don Giovanni and his servant Leporello’s funny actions, the protagonist’ fearless and shameless words and actions emit their own attraction. And, by expressing the nature of humanity through different characters and by revealing their existence with tragedy and comedy, it reveals in detail the real aspect of personality. [Don Giovanni] is the best opera of Mozart that extends the drama with lively character and good music. Therefore, the writer analyzes and inquires the function and role of stage setting design through the detailed theoretical analysis of the opera [Don Giovanni] and its examples of performance. Based on such research result, it presents how visualize efficiently the stage setting of the opera [Don Giovanni]with the elements of color contrast, diagonal space, functional conversion of stage, and analyzes the result through the real performance. The stage art is the final result that materialized the work by the visual image through the understanding and analysis of stage designer’s work. Therefore, the future stage should not be limited to one figure, but explain efficiently the stage designer’s searching concept of work by visual image through the stage designer’s maximum use of knowledge and his new expression, and have the stage with not only the stage setting but also all the elements such as the actor’s acting, music, costume, illumination that make one performance in harmony. 공연 예술 분야 중의 하나인 오페라는 음악을 중심으로 한 가장 종합적인 예술 분야로 음악적 요소는 물론 문학, 연극, 미술, 무용 적 요소 등의 각 분야를 총 망라하는 장르로 평가된다. 오페라를 이루는 여러 구성적 요소들 중에서도 텍스트의 시각적 이미지화 작업으로서 그 안에 내재되어 있는 의미 전달의 소통이 비교적 자유롭고 원활하게 이루어지는 분야인 무대미술은 어떠한 극을 시각적으로 표현하는데 중심적인 역할을 담당하는 분야라 할 수 있겠다. 현재는 사회예술 전반에 걸쳐 시각적인 상징성을 추구하는 경향으로 변화되고 있다. 그럼에도 불구하고 지금까지의 오페라 무대장치는 극의 시간적, 공간적인 요소를 사실적으로 보여주는 경향들이 주류를 이루어 왔다. 이러한 문화예술 전반의 변화에 맞추어 무대장치의 배경으로서의 의미가 아닌 그동안 간과되어왔던 극의 많은 시각적 요소들이 표면위로 떠오르게 되었고, 그 중 무대를 채우는 무대장치들은 새로운 관심거리가 되었다. 현대의 무대미술은 단지 부수적인 장치가 아니다. 무대미술가에게 있어 비어있는 무대공간은 일종의 캔버스와 동일하다. 이들은 극작가의 작품의 배경을 사실적으로 묘사하는 것이 아니라, 작품의 텍스트를 시각적 텍스트로서 동일하게 창조하는 예술가인 것이다. 무대 미술가들에 의해 창조된 시각적 이미지는 극작가의 언어와 연출가의 희곡에 대한 해석력과 대등한 관계와 기능을 가진다. 이러한 무대미술의 기능의 변화에 맞추어 무대미술가의 텍스트에 대한 해석이 자율성을 띠게 되면서 관객들의 관심은 극 자체의 재미에 대한 기대에서 무대장치디자인의 화려함이나 새로움으로 옮아가게 되었다. 이처럼 공연의 시각이미지들이 새로운 연극의 중심적인 도구가 되면서 무대장치의 형태와 색채는 그 이전보다 더욱 많은 의미를 내포하는 존재가 되었고, 이로 인해 갈수록 무대에 올려지는 무대장치들은 새로운 의미로 끊임없이 재해석을 요구하고 다양한 표현 양상과 그것을 위한 조형의 도구들을 필요로 하게 되었다. [돈 조반니]를 모차르트는 「드라마 지오코스」라고 불렀다. 희극과 비극을 아울러 갖춘 오페라란 뜻이다. 돈 조반니와 그의 하인 레포렐로가 벌이는 갖가지 우스운 행각과 달리 주인공의 굽힐 줄 모르는 대담하고 뻔뻔한 언행은 특유의 매력을 발산한다. 그리고 어쩔 수 없는 인간의 속성을 여러 등장인물을 통해 다채롭게 표현하여 그들 모두가 희비극을 아울러 갖춘 존재임을 밝힘으로 인간성의 숨김없는 참모습을 적나라하게 드러낸다. [돈 조반니]는 생생한 인물과 훌륭한 음악이 한데 어우러져 극적인 드라마를 펼치는 모차르트 최고의 걸작 오페라이다. 따라서 필자는 오페라 [돈 조반니] 작품의 철저한 이론적 분석과 그동안의 오페라 [돈 조반니] 공연의 사례를 통해 무대장치디자인의 기능 및 역할을 분석, 고찰한다. 이러한 연구의 결과를 토대로 색채면의 대비, 사선으로 구성된 공간, 기능적인 무대의 변환 등의 요소를 사용하여 오페라 [돈 조반니]의 무대장치를 효과적으로 시각화시키기 위한 방법을 제시하고 실제 공연을 통하여 결과를 분석한다. 무대미술이란 무대디자이너의 작품에 대한 이해와 분석을 통하여 작품을 시각적 이미지로 구체화 시킨 최종적인 결과물이다. 따라서 앞으로의 무대는 하나의 형식에 국한되지 않고 무대디자이너 자신이 가진 최대한의 지식의 활용과 새로운 표현을 통하여 무대디자이너 자신이 추구 하고자 하는 작품의 개념을 시각적 이미지로서 효과적으로 설명할 수 있고 무대장치 외에도 배우의 연기, 음악, 의상, 조명 등의 하나의 공연을 만드는 모든 요소가 완전하게 융화된 무대가 이루어져야 하겠다.

한국 무대미술 발전과정 연구 : 조선후기부터 근대를 중심으로

김명희 상명대학교 예술디자인대학원 2013 국내석사

조선은 1392년 태조 이성계(太祖 李成桂, 1335 ~ 1408)에서부터 1910년 마지막 임금인 순종(純宗, 1874 ~ 1926)에 이르기까지 519년간 지속되었던 왕조이다. 조선후기는 외세의 침략으로부터 서구문물을 받아들일 수밖에 없었던 급변하던 시대였고, 마지막 왕조의 공연예술을 연구할 수 있는 중요한 의미를 담고 있다. 조선후기 공연예술은 왕을 중심으로 한 궁중공연예술과 서민을 중심으로 한 서민예술로 볼 수 있는데 최초 실내극장의 설립을 통해 한국 공연예술은 그 형식과 내용면에서 많은 변화를 가져 올 수밖에 없었다. 이에 연구를 위한 사료가 비교적 남아 있는 조선후기의 우수한 공연예술과 최초의 근대식 실내극장 설립 이후의 무대공간과 무대미술의 발전과정을 살펴봄으로써, 현대 공연예술에서의 무대공간과 무대미술을 새롭게 조명해 보고자 한다. 조선후기부터 근대를 중심으로 무대미술을 연구함에 있어 무대공간은 궁중의례 무대공간과 연희마당 무대공간을 연구하였다. 궁중의례 무대공간에서는 궁중정재가 가장 발달했던 시기인 제23대 왕 순조(純祖:1800 ~ 1834) 때 ⌜순조기축진찬의궤⌟를 중심으로 창경궁 명정전 외진찬, 경복궁 자경전 내진찬을, 연희마당 무대공간은 연희마당의 개념과 궁중의례 무대공간과의 차이점과 공통점을 비교분석하였다. 분석 결과, 궁중의 일상공간이 무대공간으로 전환되기 위해서는 월대 위에 보계를 설치해 공간의 확장과 함께 무대와 객석을 구분하였으며, 연회를 주최하는 주최자에 따라 공연의 정재 방식도 무대공간의 설치방식도 다름을 확인할 수 있었다. 좌석의 배치는 엄격한 남녀의 구별과 신분에 따른 차이가 있었고, 정재를 공연하고 관람하는 동안 궁중의례공간은 무대공간으로 전환되었다. 무대공간은 삼면이 둘러싸인 장방형 구조로 엄격한 의례절차에 따라 공연이 진행되었다. 반면, 연희마당 무대공간은 원형구조로 남녀의 구별이나 신분에 따른 객석의 구분은 없었으며, 관객과 공연자의 소통이 중시되었고, 행사의장, 공연의장 등 다기능적 공간의 성격을 가지고 있었다. 무대미술은 고려시대 채붕을 통해 전승되어 온 조선시대 산대를 아극돈의 ⌜봉사도⌟를 중심으로 고찰하였다. 산대는 잡희를 노는 일종의 높은 무대배경이나 무대를 가리키는 말로 왕의 권위와 정치적 안정을 상징했다. 그리고 현재 궁정(궁궐)극장의 모습이 사라진 이유는 일본의 침입과 함께 조선왕조의 몰락으로 궁궐에서 연행되었던 공연문화가 사라지게 되었기 때문이다. 한일합방 이후 경복궁의 소유권이 조선총독부로 인도되면서 조선총독부 미술관, 조선총독부 청사 신축 등 궁궐의 모습과 기능 또한 일본에 의해 변질된 것이다. 창경궁 또한 엄청난 규모의 동물원과 식물원을 개설하면서 그 곳에 있던 창경궁의 건물들이 사라졌으며, 이름도 창경원으로 개칭되었다. 일제강점기라는 상황 속에서 우리의 궁궐 건축과 공연예술을 보여준 궁정 극장의 모습 또한 사라지게 된 것이다. 1902년 실내 상설극장이자 황실극장인 협률사가 설립되면서 최초 실내극장이 등장하였다. 이를 계기로 근대연극 및 공연예술양식이 만들어지기 시작했다. 사실주의 양식의 도입으로 무대공간은 이에 영향을 받아 적용, 발전의 과정을 거쳤으며, 무대미술에서는 배경화를 시도하게 되었는데 사실적, 원근법적, 입체적 배경화로 발전하게 되었다. 전문 무대미술가의 등장으로 한국 근대 무대미술은 새로운 전기를 맞이하게 되었다. 우리의 우수한 공연예술 속 무대공간과 무대미술을 인식하고 최초 실내극장의 설립과 근대 무대미술의 발전과정을 통해 현대 무대미술에서 무대공간과 무대미술을 새롭게 조명하고 발전시키고자 하는 작업이 필요할 것이다. Joseon Dynasty lasted for 519 years from Taejo Lee, Seonggye(太祖 李成桂, 1335 ~ 1408) in 1392 to Sunjong(純宗, 1874 ~ 1926) who was the last king in 1910. In the latter half year of Joseon Dynasty, the fast-changing era, people had to accept culture and products from the West from power invasion. This era is very important and meaningful because of its arts of performance in the last kingdom. The arts of performance in the latter half of Joseon Dynasty can be considered as court arts for kings and arts of folks for people. By establishing the first indoor theater, Korean arts of performance got a lot of changes in terms of its contents and forms. So, prospective studies are required to shed a new light on stage space and Scenography in modern Scenography by researching the process of stage space and Scenography development together as korean arts of arts and first indoor theater appeared and by studying korean traditional arts of performance in the latter half of Joseon Dynasty. Centered in modern times from the half latter of Joseon Dynasty, stage space for court ceremonies and stage space for entertainment yards have been studied. Regarding stage space for court ceremonies, Myeongjeongjeon Ouijinjeon Changgyeong palace and Naejinchan Jagyeongjeon Gyeongbok palace, centered in [Sunjogijukjunchaneuigue] in the 23rd King Sunjo(純祖:1800 ~ 1834) where the court ceremonies were prospered most have been analyzed. And the concept, the differences, and common points of entertainment yards have been analyzed. As a result of analysis, to convert general space of court into stage space, the stage could be extended by installing Bogye on Woeldae. The stage and audience site could be divided. Depending on host for the feast, the ways of dancing and singing and the installation of stage for performance might be different. The arrangement of seats were different depending on gender and status. While watching and performing dances and songs, the space for court ceremony converted into stage space. The stage space was square structure surrounded by three sides. The performance was conducted according to strict process of ceremony. On the other hands, stage space for entertainment yard was circular structure. There was no division depending on gender and status. The communication between audience and performers was considered important. Event stage, performance stage, etc. had different functional spaces. Scenography have been deliberated in terms of [The Degree of Service] by Ah, Geukdon in Joseon Sandae which had been passed since Chaemung in Gorye. Sandae means elevated stage background or stage itself. It symbolized the authority of King and stability of politics. And the reason why the figure of court theater disappeared is because the arts of performance which was invited to the court has been disappeared as Japan evaded and Joseon Dynasty collapsed. After the unification of Korea and Japan, the ownership of Kyeongbok palace was led to the colonial Japanese authorities. The art museum of the colonial Japanese authorities, new building of the colonial Japanese authority office, etc. made the true figure of palace and its function changed by Japan. As Changgyeong palace also opened tremendous zoo and green houses, the building of Changgyeong Palace disappeared. The name was changed into Changgyeongwon. Under the colony situation, the figure of our court theater which showed our buildings of our court and arts of performance also disappeared. The first indoor theater, Hyeopryulsa appeared, which was indoor permanent theater and at the same time the emperor house theater in 1902. Based on it, the modern type of play and the mode of performance arts started to be established. Adopting realism, the stage space was affected. Over the process of development, using background was tried in Scenography. It developed into realistic, cubical, and perspective background paintings. As professional Scenography artists appeared, the Korean modern Scenography faced new era. Recognizing stage space and Scenography in our excellent arts of performance, works to shed a light on Scenography and stage space newly in modern Scenography and to develop it are required over the establishment of the first indoor theater and the process of modern Scenography development.