프로코피에프 플루트 소나타 라장조에 대한 분석 연구

양재관 인제대학교 일반대학원 2015 국내석사

국문초록 프로코피에프 플루트 소나타 라장조에 대한 분석 연구 양재관 (지도교수:오신정) 음악학과 세르게이 프로코피에프(Sergei Prokofiev 1891-1953)는 러시아를 대표하는 피아니스트이자 작곡가이다. 또한 프로코피에프는 스트라빈스키(Igor Stravinsky,1882-1971), 힌데미트(Paul Hindemith, 1895-1963), 프랑스6인조 등과 함께 대표적인 신고전주의 작곡가이다. 20세기 사회, 정치, 경제 등 모든 분야에서 격변의 시기를 보내던 와중에도 많은 작품들을 남기며 교향곡, 협주곡, 발레곡, 다양한 악기의 소나타 등에 있어 음악사 적으로 큰 영향을 미친다. 그중 프로코피에프의 플루트 소나타는 독일과 소련 전쟁 시기에 만들어 졌으며 프로코피에프가 작곡한 유일한 플루트 소나타이다. 1942년 9월 러시아의 중부지역 알마아타에서 착수되어, 1943년에 하리코프스키의 플루트 연주와 피아니스트 리히테르(Sviatoslav Richter, 1915-1997)에 의해 초연된 이후 바이올린 곡으로 개편되어 더욱 유명해졌다. 그리고 프로코피에프의 플루트 소나타는 그의 작품들 중에서도 신고전주의 성향이 많이 들어나는 곡으로 본 논문을 통하여 프로코피에프의 생애와 시대적 배경, 신고전주의적 표현, 리듬, 선율의 진행, 플루트 연주기법, 바이올린 소나타와의 비교 등을 연구하여 연주에 도움을 얻고자 한다.

Jaques Ibert의 「Concertino da Camerad」에 관한 분석 연구

원훈식 인제대학교 2020 국내석사

트럼펫의 음색변화 : 고전에서 현대까지 트럼펫의 종류와 음색 및 연주기법의 비교연구

김민규 인제대학교 일반대학원 2025 국내석사

트럼펫의 음색변화 : 고전에서 현대까지 트럼펫의 종류와 음색 및 연주기법의 비교연구 김민규 (지도교수 : 오신정) 음악학과 인제대학교 대학원 이 연구는 고전 시대부터 현대까지 트럼펫의 음색 변화를 분석하고, 그에 따른 연주기법과 악기의 발전 과정을 비교하는 것을 목표로 한다. 트럼펫은 고대부터 의식과 군악, 나아가 예술음악에 이르기까지 다양한 용도로 활용되어 왔으며, 시대적 요구와 음악 양식의 변화에 따라 음색과 표현 방식에도 뚜렷한 변화를 겪어왔다. 본 연구에서는 자연 트럼펫(Natural Trumpet), 키 트럼펫(Key Trumpet), 밸브 트럼펫(Valve Trumpet) 등의 악기적 변화를 살펴보고, Bb트럼펫, C트럼 펫, Eb트럼펫, 피콜로트럼펫(Piccolo Trumpet), 플뤼겔혼(Flugelhorn) 등 현 대 트럼펫의 다양한 형태와 특성을 분석한다. 또한, 시대별로 트럼펫의 음색과 연주 기법이 어떻게 변화했는지를 연구하기 위해 대표적인 교향곡과 협주곡을 중심으로 악보 분석을 수행하였다. 이를 통해 바로크, 고전, 낭만, 현대 음악에서의 트럼펫 연주의 차이점을 규명하고, 음향적 특성과 연주 기법이 시대적 요구에 따라 어떻게 발전했는지 논의한다. 이 연구는 트럼펫의 음색 변화를 단순한 기계적 진화로 보지 않고, 시대적 미 학과 연주 기술의 상호작용 속에서 형성된 결과로 해석하며, 이를 통해 현대 연 주자 및 작곡가에게 트럼펫의 표현 가능성에 대한 통찰을 제공하고 시대별 트 럼펫의 음색 변화와 연주 기법에 대한 깊이 있는 이해를 제공하는 데 기여할 것이다. This study investigates the evolution of trumpet timbre from the Class ical period to the modern era, with a focus on the development of perf ormance techniques and the instrument's structural transformations. Th e trumpet, having served a wide range of functions—from ancient cere monial and military uses to its prominent role in art music—has underg one significant tonal and expressive changes in response to shifting aes thetic values and musical demands across historical periods. The research traces the progression of trumpet design by examining key historical variants, including the Natural Trumpet, Key Trumpet, an d Valve Trumpet, and further analyzes the characteristics of modern tr umpet types such as the Bb Trumpet, C Trumpet, Eb Trumpet, Piccolo Trumpet, and Flugelhorn. To contextualize these changes, selected symphonies and concertos re presentative of the Baroque, Classical, Romantic, and Contemporary per iods were analyzed, focusing on timbral qualities and performance pract ices. Rather than viewing these developments as mere mechanical or techno logical advancements, this study interprets the transformation of trumpe t timbre as a dynamic outcome of the interplay between evolving music al aesthetics and the expansion of technical capabilities. Ultimately, this research offers valuable insights into the expressive potential of the tr umpet for contemporary performers and composers, and contributes to a deeper understanding of the instrument's tonal and stylistic evolution throughout music history.

플루트를 위한 2개의 표제음악 연구 : C. Reinecke sonata "Undine" Op. 167 for flute and piano, O. Messiaen "Le merle Noir" pour flute et piano

이은신 인제대학교 2023 국내박사

본 논문은 19세기 이후 작곡된 플루트 작품 중 두 개의 표제음악, 독일 작곡가 칼 라이네케(Carl Reinecke, 1824~1910)의 소나타 《Sonata “Undine”Op. 167 for Flute and Piano》와 20세기 프랑스를 대표하는 작곡가 올리비에 메시앙(Olivier Messiaen, 1908~1992)의 작품《“Le Merle Noir”pour Flute et Piano》를 연구한다. 라이네케의 작품은 물의 요정 “운디네(Undine)”에 대한 소설을 플루트와 피아노를 위한 소나타로 창작하였고, 소설 속 운디네와 기사 훌트브란트의 슬픈 사랑이야기를 음악으로 표현하였다. 푸케의 소설을 바탕으로 창작된 작품은 라이네케의 작품 이외에도 오페라, 발레음악 등이 있는데, 그 중 에른스트 호프만(Ernst Theodor Amadeus Hoffmann, 1776~1822)의 오페라와 플루트 소나타에 사용된 장면들의 음악적 표현을 각각 살펴보며 비교한다. 또한 플루트 소나타의 각 악장을 분석하며 표제의 소설 속 장면들이 어떻게 묘사되고 표현되었는지 살펴본다. 메시앙은 20세기의 프랑스 현대음악을 대표하는 한 사람이며, 자연으로부터 깊은 영감을 받아 본인만의 음악 세계를 구축하였다. 그로 인해 당시 음악계의 어느 계통에도 속하지 않고 그만의 독특한 음악적 시도로서 현대음악의 발전에 기여한 그는 어렸을 때부터 가까이에 있는 산에서 자연을 체험하고, 파리 음악원에 들어간 이후부턴 새소리를 오선지에 기록하기 시작하였으며, 그 새소리를 바탕으로 창작된 작품들 중 한 작품이 본 논문에서 살펴 볼 플루트와 피아노를 위한 “Le Merle Noir”이다. 이 작품을 기점으로 메시앙의 4번째 작곡 시기가 시작되며, 표제 그대로 검은 티티새의 지저귐을 채보한 것을 바탕으로 대화하는 느낌의 교환 기법을 사용하여 작곡되었다. 라이네케의 플루트 소나타는 총 4개의 악장으로 이루어져 있으며, 19세기 신고전주의를 대표하는 작곡가로서 낭만주의의 자유로운 표현 기법과 풍부한 화성 및 선율로 소설 속 이야기를 잘 묘사함과 동시에 보수적인 고전주의의 대위, 모방 기법도 잘 드러난다. 이 작품은 고전주의의 전통적인 소나타 형태인 4악장 구조이지만, 악장 배치는 빠른 악장과 느린 악장이 바뀌어 2악장이 빠른 론도형식, 3악장이 느린 3부 형식으로 배치되었으며, 1악장은 소나타형식, 4악장은 3부 형식으로 이루어져 있다. 메시앙의 “검은 티티새”는 3부분으로 나눠볼 수 있다. 제 1부분은 플루트와 피아노가 각각 주제 선율을 모방 반복 진행하며 새들이 대화하는 것과 같은 묘사를 보이는 것이 특징이며, 제 2부분은 제 1부분을 반복 변주 진행하는 것처럼 보이지만 모방 반복되던 앞부분과는 달리 1부분이 발전 되어 그만의 독특한 캐논 기법이 사용되는 것을 알 수 있다. 마지막인 제 3부분은 메시앙의 순열을 사용하여 피아노의 오른손, 왼손의 순열에 따라 리듬가치가 여섯 번씩, 모두 24가지의 리듬이 나오는 기법을 사용한 것을 살펴보며, 이외에도 각 부분마다 사용된 표현기법과 리듬, 선율, 화성 등을 연구한다. This dissertation is about two program music among the flute pieces of music composed late 19th century and 20th century; German composer Carl Reinecke (1824-1910)'s 《Sonata "Undine" Op. 167 for Flute and Piano》 and 《"Le Merle Noir" pour Flute et Piano》 by French composer Olivier Messiaen (1908~1992) in the 20th century with comparision studied. Reinecke's work was composed of a novel of the same name about the Water Spirit “Undine” into Sonata “Undine” Op.167 for Flute and Piano. and the sad love story of Undine and the knight Huldbrandt in the novel was expressed through music. In addition to Reinecke's works, works re-created based on the novel of the same name include Opera and Ballet Music, among them, the musical expressions of scenes used in Opera "Undine" by Ernst Theodore Amadeus Hoffmann(1776–1822) and Flute Sonata by Reinecke are compared. It also analyzes Flute Sonata's each movement to find out how the scenes in the novel are described and expressed. Messiaen was one of the 20th century French Modernism's leading compositors, and was inspired deeply by nature to build his own compositing skills. As a result, Messiaen, who did not belong to any lineage in the music industry at the time and contributed to the development of modern music as a unique musical attempt, experienced nature in the mountains nearby from an early age and, after entering Paris Conservatoire, birdsong began to be on the write music on manuscript paper, one of the works created based on the sound of the birds is "Le Merle Noir pour Flute et Piano" to be examined in this dissertation. Starting with this work, Messiaen's fourth composition period began, and it was composed using an exchange technique that felt like chatting with sound of singing black birds as the title suggests. Reinecke's flute sonata consists of four movements, and as a representative composer of Neoclassicism in the 19th century, he describes the story in the novel well with his free expression technique and rich harmony and melody, while also revealing the counterpoint and imitation tequnique of conservative classicalism. Classicism's traditional Sonata Form has a structure of 4 movements, but the movement arrangement has been changed to fast movement and slow movement, so the second movement are placed in a fast rondo form, the third movement is placed in a slow ternary form, and the first movement consists of sonata form and the fourth movement consists of ternary form. Messiaen's "Le merle Noir" can be divided into three parts. The first part is characterized by the flute and piano imitating the theme and repeating it, respectively, and showing the same description as birds talking, the second part seems to be repeating variation the first part, but unlike the previous part that was repeated imitation, the first part was developed and Messiaen's unique canon rhythm technique is used. The last part uses permutation of the Messiaen to examine the use of a technique in which 24 rhythms are produced, six times in rhythm value according to the permutation of the right hand and left hand of the piano. In addition, the expression techniques used in each part and Rhythm, Melody, and Chord are examined and studied.

플루트를 위한 2개의 표제음악 연구 : C. reinecke sonota "Undine" Op. 167 for flute and piano, O. Messiaen "Ld Merle Noir" pour flute et piano

이은신 인제대학교 일반대학원 2023 국내박사

F. P. Schubert-플루트와 피아노를 위한《시든 꽃》주제에 의한 서주와변주곡 D.802의 작품 분석 연구

조영서 인제대학교 일반대학원 2025 국내석사

프란츠 페터 슈베르트 는 낭만주의 음악을(Franz Peter Schubert) 대표하는 작곡가로 그의 작품은 , 서정성과 시적 감성이 두드러진다. 특히 그의 가곡과 기악작품은 긴밀한 연관성을 가지며 동일한 음악적, , 주제가 서로 다른 방식으로 변형되고 확장되는 특징을 보인다 본 . 연구는 슈베르트의 대표적 연가곡집 아름다운 물방앗간의 아가씨 에 포함된 가곡 시든 꽃 을(Die schöne Müllerin) (Trockne Blumen)중심으로 이를 주제로 한 플루트와 피아노를 위한 변주곡 과의, (D.802) 음악적 연관성을 탐구하는 것을 목적으로 한다. 연구를 통해 두 작품 간의 형식 화성 선율적 유사성과 차이점 을 분석하고 슈베르트가 가곡의 정서를 기악음악으로 어떻게 확장했는, 지를 살펴본다 또한. , 피아노 반주와 플루트 역할을 비교하여 그의 변주 기법과 서정적 감정 전달 방식에 대한 특징을 규명한다. 아울러 슈베르트의 음악적 특징을 정리하며 그의 , 서정적인 선율과 음악 구조의 발전 과정을 분석한다 연구를 통해 . 시와 음악의 유기적 결합 서정적인 선율의 전개 방식 화성 및 조성의 변화 변주기법을 통한 감정의 극대화 그리고 음악형식의 구조적 명확성, 을 밝히고자 한다. 이를 통해 그의 음악이 단순한 선율 변형을 넘어 서정적 감성을 극대화하는 방식으로 발전했음을 규명하고 기악 음악과 예술 가곡 , 간의 상호 연관성을 고찰한다. 본 연구는 슈베르트 음악의 서정성과 변주 기법에 대한 학문적 접근을 제공하며 그의 음악을 보다 깊이 이해하고 , 연주 및 해석에 도움을 줄 것이다. 이를 통해 슈베르트의 예술가곡이 기악 음악으로 확장되는 과정에서 유지되는 음악적 일관성과 감정적 표현 방식을 분석하고자 한다. Franz Peter Schubert is one of the most representative composers of Romantic music, known for his outstanding lyricism and poetic sensibility. His songs and instrumental works are closely related, sharing the characteristic of transforming and expanding the same musical themes in different ways. This study aims to explore the musical connection between the song "Trockne Blumen" from Schubert's song cycle Die schöne Müllerin and the Introduction and Variations for Flute and Piano (D. 802) based on the same theme. By analyzing the similarities and differences in form, harmony, and melody between these two works, this research examines how Schubert expanded the emotional depth of the original song into an instrumental variation. Furthermore, by comparing the role of the piano accompaniment and flute, the study identifies Schubert’s variation techniques and expressive methods for conveying emotions. Additionally, this study categorizes the development of Schubert’s lyrical melodies and musical structures. Through the analysis of the organic integration of poetry and music, melodic progression, harmonic and tonal changes, expressive variation techniques, and structural clarity, this research aims to demonstrate that Schubert's music goes beyond simple melodic transformation to maximize emotional expression. It also explores the interrelationship between instrumental music and art songs in his compositions. This study provides an academic approach to Schubert’s lyricism and variation techniques, offering a deeper understanding of his music while aiding in interpretation and performance. Furthermore, it examines the musical consistency and emotional expression maintained as his art songs transition into instrumental music.

효과적인 연주를 위한 플루트 연주 자세와 신체 단련방안 연구

임한나 인제대학교 일반대학원 2022 국내박사

본 논문은 플루트 연주자들이 효과적인 연주를 위해 필요한 연주 자세와 이를 위한 신체 단련방안에 관한 연구이다. 기존에 정의된 자세의 범위를 확대하여 자세를 완성하는 과정과 이상적인 자세를 위해 사용되는 근육의 쓰임을 포함한 포괄적인 범위를 연구하였다. 자세를 만드는 순서에 따라 제시하였으며 연구를 통해 세부적이고 자세한 연주 자세를 제안한다. 또한 자세별로 잘못된 자세를 설명함으로써 이해를 돕고 실질적으로 가장 효과적인 자세를 얻을 수 있도록 하였으며 나아가 연주 자세에서 사용되는 근육을 돕는 신체 단련방안을 소개한다. 자세는 신체의 정렬을 맞추고 이완 상태에서 시작하며 이를 돕는 알렉산더 테크닉의 지시어를 제시한다. 다음으로 플루트를 들고 고정하는 상체 자세와 그에 따른 근육의 쓰임, 힘의 방향, 원활한 호흡을 가능하게 하는 머리와 얼굴의 각도를 설명하고 이를 돕는 운동으로 팔굽혀펴기를 제안한다. 다음으로 안정감을 느끼는 양발의 너비를 만드는 하체 자세와 하체 근육의 쓰임을 설명하고 이를 돕는 스쿼트 운동을 제안한다. 다음으로 운지를 움직이는 양 손가락의 모양과 위치, 악기를 고정하는 손가락 근육 쓰임을 설명하고 호흡에 사용되는 호흡근의 쓰임을 플루트 연주 자세로서 설명한다. 마지막으로 자세의 안정성과 효과적인 호흡을 위해 사용되는 코어를 설명하고 이를 돕는 운동으로 플랭크를 제안한다. 이 모든 연주 자세를 효과적으로 관리하고 지속하기 위해 연주나 연습 후에 시행하는 정리운동으로서 에비안스-함베르크의 자가 스트레칭을 제안한다. 이를 통해 플루트 연주 자세에서 가장 피로감을 느끼는 상체, 어깨, 팔, 손가락 근육을 효과적으로 이완시키고 비대칭 자세로 인한 불균형을 해소시킬 수 있으며 효과적인 연주 자세를 유지하고 관리하는 방안으로 사용할 수 있다. This dissertation is a study on the playing posture required for effective performance of flute players and recommended body training methods. By expanding the range of previously defined postures, I studied a comprehensive range including the process of completing the posture and the use of muscles used in the posture. Postures were presented in the order of the process, and I suggested detailed playing postures throughout the study. In addition, by explaining incorrect postures for each posture, it was helpful to understand and to obtain the most effective posture in practice. Furthermore, a body training method was proposed to develop the muscles used in the playing posture. The beginning of the flute playing posture starts with the body aligned and relaxed, and for this, 'Direction' of Alexander Technique is suggested. Next, the upper body posture for holding and fixing the flute, the use of muscles, and the direction of force are explained, and the angles of the head and face that enable smooth breathing are presented. For this, I suggest push-ups. Next, the lower body posture with both feet width to feel stable and the use of lower body muscles are explained, and squat exercises are suggested for this purpose. Next, the shape and position of both fingers for fingering, the use of the finger muscles to fix the instrument, and the respiratory muscles used for breathing and correct posture are explained. Finally, the core used for posture stability and effective breathing is explained, and plank is proposed as an exercise for this purpose. In order to effectively manage and sustain all of these playing postures, Evjenth-Hamberg Auto Stretching is proposed as a cool-down exercise after a performance or practice. It can effectively relax the muscles of the upper body, shoulder, arm, and finger, which feel most fatigued in the flute playing posture, and resolve the imbalance caused by the asymmetric posture. Also it can be used as a way to maintain and manage an effective playing posture.

오페라원곡 주제에 의한 플루트 환상곡 작품들에 대한 연구 「La Traviata」,「Carmen」,「Freis chutz」를 중심으로

안나영 인제대학교 일반대학원 2025 국내석사

본 연구는 오페라 주제에 의한 플루트 환상곡의 음악적 특징과 발전 과정을 고찰하였다. 플루트는 18세기 J. J. Quantz의 연주법 체계화와 19세기 Theobald Böhm의 악기 개량을 통해 음정의 정확성과 편리한 운지법을 확보하며 독주 악기로서의 입지를 확립하였다. 이러한 발전은 플루트 연주자들에게 다양한 가능성을 열어주었고 오페라의 주제를 바탕으로 한 환상곡의 작곡과 편곡이 활발하게 이루어졌다. 본 논문에서는 G. Verdi의 《La Traviata》, G. Bizet의 《Carmen》, C. M. von Weber의 《Der Freischütz》를 기반으로 한 P. A. Génin의 《Fantaisie sur La Traviata》, F. Borne의 《Fantaisie brillante sur Carmen》 , P. Taffanel의 《Fantaisie sur le Freischütz》를 비교 분석하였다. 이 작품들은 원작 오페라의 핵심 주제를 변주곡 형식으로 연결하며 리듬과 조성의 변화, 장식음, 셈여림, 꾸 밈음을 활용해 플루트의 화려한 기교와 섬세한 표현력을 극대화하였다. 특히, 오페라의 레치타티보가 플루트로 편곡될 때 원곡의 감정을 섬세하게 재현함으로써 플루트만의 독특한 음색과 다양한 아티큘레이션을 통해 오페라의 극적 요소와 정서를 새롭게 해석하는 데 성공하였다. 결과적으로, 오페라 주제에 의한 플루트 환상곡은 플루트의 기량과 음악적 잠재력을 극대화하면서도 오페- ii -라의 서사를 새로운 형태로 재창조한 중요한 음악적 유산이라 할 수 있다. 본 연구는 이러한 환상곡들이 현대에도 여전히 연주자와 청중에게 깊은 감동과 영감을 제공하며 향후 연주자들이 더욱 다채롭고 창의적인 해석을 시도해 나가길 기대한다. This study examines the musical characteristics and developmental process of flute fantasies based on opera themes. The flute secured its position as a solo instrument through the systematization of performance techniques by J. J. Quantz in the 18th century and the instrumental innovations of Theobald Böhm in the 19th century, which enabled improved intonation accuracy and more convenient fingerings. These advancements opened up diverse possibilities for flutists, leading to the active composition and arrangement of fantasies based on operatic themes. This paper provides a comparative analysis of P. A. Génin’s Fantaisie sur La Traviata, F. Borne’s Fantaisie brillante sur Carmen, and P. Taffanel’s Fantaisie sur le Freischütz, which are based on G. Verdi’s La Traviata, G. Bizet’s Carmen, and C. M. von Weber’s Der Freischütz, respectively. These works link the main themes of the original operas in a variation form, employing changes in rhythm and tonality, - iv -ornamentation, dynamics, and embellishments to maximize the flute’s virtuosic technique and delicate expressiveness. In particular, when recitatives from the operas are arranged for the flute, the emotional nuances of the originals are delicately reinterpreted. Through the unique timbre of the flute and its wide range of articulations, these arrangements successfully offer a new perspective on the dramatic elements and sentiments of the operas. Consequently, flute fantasies based on opera themes can be regarded as significant musical legacies that both highlight the instrument’s technical and expressive potential and reimagine operatic narratives in a new form. This study anticipates that these fantasies will continue to inspire and move performers and audiences alike, encouraging more diverse and creative interpretations in the future

Carl Reineke flute sonata op. 167 “Undine”에 대한 분석과 표제음악에 관한 연구 : Carl Reineke flute sonata op. 167 “Undine”에 대한 분석과 표제음악에 관한 연구

김예빈 인제대학교 일반대학원 2025 국내석사

본 논문은 라이네케의 플루트 소나타 Op. 167 “Undine”의 음악적 구성과 표제 음악적 특징을 분석한 논문이다. 칼 라이네케(Carl Heinrich Reinecke, 1824– 1910)는 독일의 피아니스트, 지휘자겸 작곡가이다. 라이네케는 19세기 낭만주의 시대의 중요한 인물로, 그의 작품은 감성적이고 서정적인 표현을 중시하며, 특 히 표제음악 장르에서 두각을 나타냈다. "운디네" 소나타는 독일 문학가 프리드 리히 드 라 모트 푸케(Friedrich de la Motte Fouqué, 1777-1843)의 동화 '운디 네'에서 영감을 받아 작곡되었으며, 물의 요정 운디네가 인간의 사랑을 얻기 위 해 인간이 되고자 하는 신화적 이야기를 음악으로 표현한 작품이다. 낭만주의 음악은 독창성, 개성, 감정의 자유로운 표현, 자유로운 형식 등을 특 징으로 한다. 더불어, 19세기 산업혁명으로 인한 악기 제작 기술의 발전은 작곡 가들에게 새로운 표현의 가능성을 제공하였으며, 플루트의 구조적 개선과 음역 확대는 연주 기법의 다양성을 가져왔다. 표제 음악 또한 낭만주의 시대에 특징 중 하나로 나타난다. 표제 음악은 음악 이 이야기나 감정을 묘사하는 장르로, 19세기 낭만주의 작곡가들이 자주 사용했 던 기법중 하나이다. 본 논문에서 연구하고자하는 라이네케의 “플루트 소나타 Op. 167 <!-- Not Allowed Tag Filtered --><Undine>”가 표제음악의 대표적인 예로 꼽힌다. 이 작품은 총 4개의 악장으로 구성되어 있으며, 각 악장은 소설의 서사와 감정 을 음악적으로 묘사하고 있다. 먼저 1악장은 소나타 형식으로, 피아노와 플루트가 레가토와 도약 음형, 분산 화음을 사용하여 물의 움직임과 운디네의 천진난만하고 자유로운 성격을 표현 한다. 2악장은 론도 형식으로, 16분음표의 빠른 음형과 스타카토 주법을 통해 경쾌한 선율을 연주하며, 피아노는 8분음표 붓점 리듬으로 역동적인 리듬감을 강조한다. 이는 운디네와 훌트브란트 사이의 사랑, 기쁨, 불안, 갈등이 내포된 복잡한 감정을 표현한다. 3악장은 복합 3부 형식으로, 플루트와 피아노의 서정 적인 선율이 두드러지며, 급격한 템포 변화와 레가토 기법을 통해 운디네의 애 절함과 내면의 고뇌를 표현한다. 4악장은 복합 3부 형식으로, Allegro molto agitato ed appassionato, quasi Presto의 빠르고 격렬한 전개를 통해 훌트브란 트의 배신과 운디네의 비극적 운명을 음악적으로 표현한다. 이 악장은 다양한 조성 전환과 급격한 다이내믹 변화, 불안정한 화성 진행을 통해 극적인 긴장감 과 감정의 변화를 부각시킨다. 본 연구를 통해 연주자들은 플루트 소나타 Op. 167 “Undine”의 문학적 배경과 음악적 구조를 깊이 이해함으로써, 각 악장의 서사적 흐름과 감정선을 파악하 고, 이를 통해 작품의 서사와 감정을 더욱 효과적으로 표현할 수 있도록 도움을 줄 것이다. This paper analyzes the musical structure and programmatic characteristics of Reinecke's Flute Sonata Op. 167 “Undine”. Carl Heinrich Reinecke (1824–1910) was a German pianist, conductor, and composer who played a significant role in Romantic music. His works emphasized emotional and lyrical expression, particularly excelling in the genre of program music. This work was inspired by the fairy tale “Undine” by the German author Friedrich de la Motte Fouqué, which tells the mythological story of the water nymph Undine who wishes to become human in order to gain human love. Romantic music is characterized by originality, individuality, free expression of emotions, and flexible forms. Additionally, the advancements in instrument-making technology due to the Industrial Revolution in the 19th century provided composers with new possibilities for expression, and the structural improvements and expanded range of the flute brought about greater diversity in playing techniques. Program music also emerges as one of the characteristics of the Romantic era. Program music is a genre in which music depicts a story or emotion, and it was one of the techniques frequently used by 19th-century Romantic composers. The "Flute Sonata Op. 167 <!-- Not Allowed Tag Filtered --><Undine>" by Reinecke, which is the focus of this paper, is considered a representative example of program music. This work consists of four movements, and each movement musically depicts the narrative and emotions of the novel. The first movement, in sonata form, uses legato and leap figures with broken chords to depict water's movement and Undine's innocent character. The second movement, in rondo form, features fast sixteenth-note figures and staccato, portraying the complex emotions of love, joy, anxiety, and conflict between Undine and Holtbrandt. The third movement, in compound ternary form, uses lyrical melodies and tempo changes to express Undine's sorrow and inner turmoil. The fourth movement, also in compound ternary form, conveys Holtbrandt's betrayal and Undine's tragic fate through intense, fast development and dramatic shifts in harmony and dynamics. This study will help performers better understand the literary background and musical structure of the Flute Sonata Op. 167 "Undine," enabling them to express the narrative and emotions more effectively.

Telemann methodical sonatas에 나타난 바로크 시대 장식음 분석과 Telemann 12 fantasias for flute 장식음 적용

김성식 인제대학교 일반대학원 2022 국내박사

바로크 시대 기악음악은 작곡가가 선율을 작곡하고 연주자가 즉흥적으로 장식음을 넣어 연주하는 것이 일반적이었다. 이것은 연주자의 작곡 능력이 필요하였고 연주자마다 어떠한 장식음을 넣는지에 따라 곡의 매력을 바꿀 수도 있었다. 이러한 시대적 특징은 현대 연주자들이 바로크 시대 음악을 연주할 때 반드시 알아야 하는 부분이며 연주자들에게 장식음 작곡 능력을 요구한다. 바로크 시대 음악의 대표적인 작곡가인 텔레만은 자신이 작곡한 소나타에 장식음을 첨가한 버전의 선율을 함께 넣어 출판하였다. 이것이 ‘Methodical Sonata’인데 그는 장식음을 작곡하는 방식을 직접 제안하여 아마추어 연주자들이 어려워하는 부분을 돕고자 하였다. 텔레만은 여러 악기를 능통하게 다루는 연주 실력을 갖추고 있었기 때문에 이 작품을 통해 우리는 작곡가의 시각뿐 아니라 연주자의 시각으로도 볼 수 있다. 그래서 Methodical Sonata는 이름 그대로 연주자들에게 방법론적인 참고서다. 이 곡의 장식음들을 분석하여 현대 연주자들에게 장식음 작곡 능력을 향상하는 것에 도움을 주고자 하였다. 바로크 시대 장식음은 종류에 따른 장식음에 트릴, 초기 바로크 앞장식음, 긴 앞장식음, 짧은 앞장식음, 이중 앞장식음, 돈장식음, 복합장식음, 리듬적 변화를 주는 장식음이 있다. 직접 작곡자가 원하는 장식음을 기보한‘디미누토’가 있고 연주자 의도에 따른 장식음으로서 기보되어 있지 않은 ‘파사지오’가 있다. 이를 이해하고 Methodical Sonata를 분석하였고 그 내용을 바탕으로 텔레만의 또 다른 작품인 플루트를 위한 12개의 무반주 판타지에 본 연구자의 장식음을 삽입하여 methodical sonata처럼 기본선율과 대비하여 제안하였다. 연주자들이 갖는 장식음 작곡 능력에 대한 부담감을 이 연구를 통해 해소하고 본 연구자가 적용한 작품의 예시를 통해 더욱 자세한 안내가 되었다. In the Baroque era, it was common for composers to compose melodies and performers improvise ornament to perform. Performers were required to have this kind of composing ability, and they could change the charm of a song depending on what kind of ornaments each player puts in. These characteristics of the Baroque music are a part that modern players must know when performing baroque music, and players must have the ability to compose ornaments. Telemann, a representative composer of Baroque music, published a version of his sonata with ornaments added along with the melody. That's the 'Methodical Sonata'. He tried to help amateur players by suggesting a way to compose ornaments. Through this work, we can see not only Telemann's perspective as a composer, but also Telemann's perspective as a performer who was fluent in musical instrument performance. Baroque ornaments include Trill, Appoggiatura, Turn, Compound ornamentation. There is ‘Diminuto’, in which the composer directly notifies the ornaments desired by the composer, and ‘Passagio’, which is made by improvisation of the performer. In addition, based on the analyzed content, I suggested my own ornaments in 12 fantasy for the flute, another work of Telemann, and it was contrasted with the basic melody like a methodical sonata. This study relieved the burden on the performers' ability to compose ornaments, and provided more detailed guidance through examples of works applied by this researcher.