중국 선협(仙俠) 드라마의 서사 구조 연구 : < 선검기협전 >(仙劍奇俠傳)과 < 장월진명 > (長月燼明)을 중심으로

리우리우 청주대학교 대학원 2025 국내박사

2005년에 <선검기협전>(仙劍奇俠傳)이 방영되면서 '선협극(仙俠劇)'이라는 단어가 인터넷에 등장하기 시작했다. 그 후, 사람들은 '선협극'이라는 이름을 붙였는데, 대부분 소설이나 게임을 각색하고, 줄거리도 선협의 신선무 협드라마이다. 실제로 선협극의 드라마 소재는 '선협극'이라는 개념보다 먼저 존재하였는데, 일찍이1983<신촉산검협전>(新蜀山劍俠傳)은 현재 우리가 말하는 선협극과 기본적으로 같은 특징을 가지고 있지만, 당시에는 사극 판타지극이라고 불렸다. 때까지2005년에 동명의 게임을 각색한 드라마 , <선검기협전>이 일거에 인기를 끌고 나서,'선협극'이라는 표현이 비로소 덩달아 일어났고, 이런 드라마의 하나의 관속적인 명칭으로 변했다. 종합적으로 말하자면, 선협극은 일반적으로 온라인 게임과 인터넷 선협 소설에서 각색한 새로운 드라마를 말하는데, 그것은 전통적인 사극 정극도 아니고, 그러나 중국 전통문화에 뿌리를 두고 있으며, 동시에 현대 유행 요소를 그 속에 융합하고 무협풍, 공상과학풍과 연애풍을 뒤섞어 독특한 선협문화 소재를 형성하고, 선협극의 신기, 주문, 금기, 독문절적 등 기괴한 색채를 크게 증가시켰다. 그 내용은 중국 전통문화, 신화전설, 지괴소설, 무협소설, 그리고 유도석사상문화와 밀접한 관계가 있으며 현대 판타지 소재를 도입하여 수선, 도술, 환상과 신등 초자연적인 요소를 더 하고 배경은 보통 가공의 삼도육계에 설정되어 있으며 주인공은 보통 천하에 올라갈 수 있고 각종 법술과 보배를 가지고 있다. 동시에 '선(仙)'과' 협(俠)'의 특질을 많이 가지고 있으며, 주요 줄거리는 주인공의 성장 과정, 그 과정에서 발생하는 처량한 학대 연애 이야기와 협의를 행하는 정마대전에 있다. 이 글은2000지금까지 대표적인 선협드라마 두 편은 선협드라마의 시작인 <선검기협전>과2023연대폭극 <장월불명>(長月燼明)은 체계적인 분석을 진행하여 그 서사구조의 특징과 변천, 그리고 중국 전통문화와의 관련을 나누어 탐구한다. 또한 선협드라마의 서사구조를 분석함으로써 문화전승과 시청자의 감정공감에서의 중요한 역할을 제시함으로써 중국드라마의 연구에 새로운 시각을 제공한다. In 2005, the TV drama "Chinese Paladin" premiered, and the term "Xianxia drama" emerged on the Internet. Subsequently, people began to name this type of TV drama, which is mostly adapted from novels or games and features both immortal and chivalrous elements, as "Xianxia drama". In fact, the genre of Xianxia drama existed before the concept of "Xianxia drama" was coined. As early as 1983, "The Legend of Zu: Warriors of the Magic Mountain" shared essentially the same characteristics as the current Xianxia dramas, but it was then classified as a costume fantasy drama. It was not until 2005 when the TV drama "Chinese Paladin", adapted from the homonymous game, became a huge hit that the term "Xianxia drama" gained popularity and became the established name for this type of dramas. Overall, Xianxia dramas typically refer to a nascent type of TV drama adapted from online games and online Xianxia novels. They are neither traditional costume dramas in the strict sense but are deeply rooted in Chinese traditional culture while integrating modern popular elements. They combine martial arts, science fiction, and romance, thus forming a distinctive Xianxia cultural theme. Moreover, the magical artifacts, incantations, taboos, and unique skills in Xianxia dramas are highly diverse, significantly enhancing the surrealism and romanticism in the creation of Xianxia-themed works. Therefore, when viewers watch Xianxia dramas, they can boldly project their imaginations, follow the imaginative narrative of the plot, fulfill their fantasy pleasures, and meet the need to relax. The content of Xianxia dramas is closely related to Chinese traditional culture, mythologies, strange tales, martial arts novels, as well as Confucianism, Taoism, and Buddhism. They introduce modern magical themes, incorporate supernatural factors such as cultivation of immortality, Taoist arts, fantasies, and deities. The background is usually set in a fictionalized Three Realms and Six Paths, and the protagonists can usually travel between heaven and earth, possess various spells and magic treasures, and often exhibit both "immortal" and "chivalrous" traits. The main plot focuses on the growth process of the protagonist, as well as the poignant and tragic love story and the battles between good and evil that occur during this process. This article conducts a systematic analysis of two representative Xianxia TV dramas from 2000 to the present: the pioneering "Chinese Paladin" and the highly popular "Till the End of the Moon" in 2023. It explores the characteristics and evolution of their narrative structures and their connection with Chinese traditional culture. Moreover, by analyzing the narrative structure of Xianxia TV dramas, it reveals their significant role in cultural inheritance and evoking emotional resonance among the audience, thereby providing a new perspective for the study of Chinese TV dramas.

미국 드라마 <웨스트 월드> 시리즈의 미학적 특징과 휴머니즘 구현

가오처 청주대학교 대학원 2024 국내박사

Advanced biotechnology is rapidly expanding to humans themselves as a means for humans to expand the world and expand nature. Ethical issues resulting from the rapid development of these technologies have also become a new social condition, including how humans define themselves, how to view the relationship between humans and nature, and changes in social class caused by science and technology. The direction of analyzing these issues provides a future-oriented perspective to dismantle the social composition of human class, gender, and race. With continued advances in advanced biotechnology, humanity has begun to reshape and upgrade itself at all levels. These changes not only have a profound impact on our lives, but also challenge our values and ethical concepts. When discussing these issues, analysis must be performed at multiple levels to obtain a comprehensive understanding. Traditionally, humans have been considered masters of nature, but as technology advances, we may gradually realize that the connection between humans and nature is closer. This article analyzes how, from the perspective of human justice, advances in advanced biotechnology can enable humanity to reexamine its place in the biological and natural worlds. It looks back at the social construction of human societies in terms of class, gender and race. With the help of technology, we must find out how we can eliminate this division of society and promote equality and justice. At the same time, it is necessary to think about how to develop science and technology within an ethical and moral framework, and how to ensure the sustainable and healthy development of the future of mankind. In the introductory part, the first chapter introduces the purpose and necessity of the study, theoretically organizes and analyzes the main contents of the thesis, and starts from two key points: American science fiction film, humanism in drama, and humanism in the drama < West World > series. Finally, in the introduction part of the text, the research direction and research method of the text are summarized. Chapter 2 mainly consists of three parts: the history of American sci-fi dramas, the humanism of American sci-fi dramas, and the relationship between drama < Westworld > and humanism. The theoretical perspective on SF dramas was introduced from top to bottom in the drama < West World > series, which is the main text to be analyzed in this thesis. In Chapter 3, Jang analyzes the narrative aesthetics of the American science fiction drama < West World > series. In this chapter, the narrative and aesthetic characteristics of the drama < West World > are analyzed from the aesthetic point of view of narrative, and the analysis is mainly performed in three aspects: narrative technique, plot narrative, and character narrative. Chapter 4 analyzes the visual aesthetics of the American science fiction drama < West World > series. In this chapter, the unique aesthetic characteristics of the drama < Westworld > series were analyzed in terms of photography and composition, lighting and color, sound and editing, based on the content of the main body of the film, such as audiovisual language, as the main theoretical basis. Chapter 5 is an analysis of the time and space of < West World >, and < West World > is a sci-fi drama that provides a different time and space experience to viewers across various times and spaces. This chapter mainly analyzed the temporal and spatial characteristics of < Westworld > and analyzed the comprehensive spatiotemporal characteristics of < Westworld >. Chapter 6 analyzes the humanism shown in the drama < West World > series. The American sci-fi drama < West World > series shows the concept of the unique human nature of the creator through the genre characteristics of sci-fi dramas, and the human nature shown in the drama has a certain influence on the creation of future film and television dramas and the development of human nature. Crazy. The humanism of the American sci-fi drama < West World > series was analyzed in three aspects: artificial intelligence technology, humanism of bicameral mentality, and coexistence between humans and nature. The last part is the conclusion part. Summarizing the study based on its conclusions points out the limitations of the study and presents suggestions for follow-up studies. 첨단 바이오 기술은 인간이 세계를 확장하고 자연을 확장하는 수단으로서 인간 자신에게도 빠르게 확장되고 있다. 이러한 기술의 급속한 발전으로 인한 윤리적 문제도 인간이 자신을 어떻게 정의 할 것인가, 인간과 자연의 관계를 어떻게 볼 것인가, 그리고 과학기술에 의한 사회 계급의 변화를 포함하는 새로운 사회 상태가 되었다. 이러한 문제를 분석하는 방향은 인간의 계급, 성별, 인종적 측면의 사회구성을 해체하려는 미래지향적 시각을 제공한다. 첨단 생명 공학의 지속적인 발전으로 인류는 모든 수준에서 스스로를 개조하고 업그레이드 하기 시작했다. 이러한 변화는 우리의 삶에 지대한 영향을 미쳤을 뿐만 아니라 우리의 가치와 윤리적 개념에도 도전한다. 이러한 문제를 논의할 때 포괄적인 이해를 얻으려면 여러 차원에서 분석을 수행해야 한다. 전통적으로 인간은 자연의 지배자로 여겨졌지만 기술이 발전함에 따라 인간과 자연 사이의 연결이 더 가깝다는 것을 점차 깨닫게 될 수 있다. 이 글은 인간 정의의 관점에서 첨단 생명 공학의 발전으로 인류가 어떻게 생물계와 자연계에서 자신의 위치를 재검토 할 수 있는지를 분석한다. 인간 사회의 계급, 성별 및 인종 측면에서 사회적 구성을 되돌아본다. 기술의 도움으로 우리는 어떻게 이러한 사회 분화를 없애고 평등과 정의를 촉진 할 수 있는지 찾아야 한다. 동시에 어떻게 하면 윤리적이고 도덕적인 틀 안에서 과학기술을 발전시킬 수 있는지, 그리고 인류의 미래가 지속적이고 건강하게 발전 할 수 있도록 보장할 수 있는지에 대한 고민도 필요하다. 1장에서은 연구의 목적과 필요성을 소개하고, 논문의 주요 내용을 이론적으로 정리하고 분석하며, 주로 미국 SF 영화, 드라마 휴머니즘, 드라마 <웨스트 월드> 시리즈의 휴머니즘이라는 두 가지 핵심 포인트에서 출발한다. 마지막으로 본문의 연구 방향과 연구 방법을 요약한다. 2장에서는 주로 미국 SF 드라마의 역사, 미국 SF 드라마의 휴머니즘 및 드라마 <웨스트 월드>와 휴머니즘의 관계 세 부분으로 구성되어 있으며, 미국 SF 드라마에서 시작하여 <웨스트 월드>의 휴머니즘에 이르기까지, 휴머니즘와 미국 SF 드라마에 관한 이론적 관점을 본 논문에서 분석해야 할 주요 텍스트인 드라마 <웨스트 월드> 시리즈에 위에서 아래로 도입한다. 3장에서는 미국 SF 드라마 <웨스트 월드> 시리즈의 서사미학에 대한 분석한다. 이 장에서는 서사의 미학적 관점에서 드라마 <웨스트 월드>의 서사적 미적 특성을 분석하며, 주로 서사 기법, 줄거리 서사 및 캐릭터 서사의 세 가지 측면에서 수행된다. 4장에서는 미국 SF 드라마 <웨스트 월드> 시리즈의 영상미학에 대한 살펴본다. 이 장에서는 시청각 언어와 같은 영화 본체의 내용을 주요 이론적 근거로 하여 사진 및 구성, 조명 및 색상, 사운드 및 편집에서 드라마 <웨스트 월드> 시리즈의 독특한 미학적 특성을 분석한다. 5장에서는 <웨스트 월드> 의 시간과 공간성에 대한 분석하며, <웨스트 월드>는 SF 드라마로서 다양한 시간과 공간에 걸쳐 시청자들에게 색다른 시공간 경험을 제공한다. 이 장은 주로 <웨스트 월드>의 시간적 특성과 공간적 특성을 분석하고 <웨스트 월드>의 종합적인 시공간적 특성을 분석한다. 6장에는 드라마 <웨스트 월드> 시리즈에서 보여준 휴머니즘을 분석한다. 미국 SF 드라마 <웨스트 월드> 시리즈는 SF 드라마의 장르적 특성을 통해 창작자의 독특한 인간 본성에 대한 개념을 보여주며, 드라마에 나타난 인간 본성은 향후 영화 및 텔레비전 드라마 창작 및 인간 본성의 발전에 일정한 영향을 미친다. 인공지능 기술, 이원심지(Bicameral mentality)의 휴머니즘, 인간과 자연의 공존 등 세 가지 측면에서 미국 SF 드라마 <웨스트 월드> 시리즈의 휴머니즘을 분석한다. 마지막 결론 부분에서 연구의 결론을 바탕으로 요약하면 연구의 한계를 지적하고 후속 연구에 대한 제안을 제시한다.

봉준호 감독 <기생충>의 서사 특징에 대한 연구

라한명 청주대학교 대학원 2020 국내석사

2019년 5월 25일 한국감독 봉준호의 영화<기생충>은 칸 국제영화제 황금종려상을 수상했다. 이 것은 한국 영화 역사상 최초로 현재 세계에서 가장 권위 있는 영화 대상을 받은 것이다. 수상 후에 문재인 한국 대통령은 바로 가장 빠른 시간 안에 소셜 플랫폼(social platform)에서 공개적으로 글을 올려서<기생충>의 제작진에게 축하의 뜻을 전달했다. 2020년 2월 10일 <기생충>은 또다시 제 92회 아카데미 시상식에서 최우수 작품상, 최우수 감독상, 최우수 국제 영화상, 최우수 원작 각본상 4개 부문의 대상을 모두 거두어들여서 이번 아카데미에서 최대 승자가 되었다. 또한, 역사상 최초로 최우수 작품상을 받은 비영어 영화가 되었다. 영화는 지하실에 살아 있는 기택가족이 생존을 위해 상류층에 기생하여 뜻밖에 기생계획의 최대 걸림돌인 빈부격차와 계급갈등 때문에 빈부 두 가정의 비극적 갈등을 초래하는 스토리를 다룬다. 봉준호는 한국의 유명한 감독과 각본가이다. 미국 영화 언론매체는 봉준호 그 자체가 바로 하나의 영화 유형이라고 높이 평가한 적이 있었다. 다른 감독과 다른 것은 봉준호의 영화는 하층 생활, 계급 격차, 자본 착취 등 현실사회의 주제로 하층민의 형상화를 통해 시대적 상처 밑의 공동 기억을 밝여 낸다. 최근 몇 년간 봉준호 감독은 국제 영화계에서 두각을 나타내면서 각종 유명 국제 영화제에서 관심을 많이 받고 상업 분야와 예술 영화 분야에도 영향을 크게 미친다. 본 논문은 주로 영화<기생충>의 서사 주제,서사 내용, 서사 구성, 시청각 언어, 영화적인 가치를 통해 봉준호 감독 영화의 특징을 분석하기로 한다. 논문의 내용은 다음과 같이 총 7장으로 나뉜다. 서론인 제 1장은 논문 제목 선정의 연구 배경과 의미, 영화<기생충>의 연구현황, 연구 방법과 범위를 소개한다. 영화<기생충>의 서사 주제인 제 2장은 상류층에 기생하는 것을 주요 줄거리로 함, 인간적 욕구와 사회 현황의 갈등, 블랙코미디로 사회에 대한 비웃음의 세 부분을 포함한다. 영화<기생충>의 서사 내용인 제 3장은 주로 인물을 중심으로 한 서사, 줄거리를 중심으로 한 서사, 현실적인 제재를 중심으로 한 서사의 세 가지 측면으로 연구를 진행한다. 영화<기생충>의 서사 구성인 제 4장은 영화<기생충> 서사에 대한 서스펜스(suspense)분석, 디테일(detail)분석, 리듬(rhythm)분석으로 전개한다. 영화<기생충>의 시청각 언어인 제 5장은 다양화의 배경 소리, 언어 서사의 예술적인 매력, 감정 풍부한 색채 예술을 위주로 해서 시청각 언어를 통해 영화의 서사특징을 분석한다. 제 6장은 영화<기생충>의 상업 가치, 예술 가치와 문화 가치의 분석을 통해 사람들을 더 효과적으로<기생충>의 영화 의미와 영화가치를 이해하게 한다. 제 7장은 본 논문의 연구에 대한 총결과 <기생충>이 영화인들에게 준 가르침, 마지막으로 본 연구의 한계점을 분석한다. <기생충>은 감독의 창작에 의한 작품으로 실증을 찾기 어려워 본 연구에서 영화의 매력을 충분히 나타내지 못해 매우 유감스럽다. On May 25, 2019, the film <Parasite> directed by South Korean director Bong Joon-ho won the Golden Palm at the Cannes Film Festival. This is the first time that a Korean film has won a trophy of the world's highest gold content film. After winning the award, South Korean President Moon Jae-in congratulated the <Parasites> crew immediately in public. On February 10, 2020, the <Parasite> won the 92nd Oscar for Best Film, Best Director, Best International Film, and Best Original Screenplay. As the biggest winner of this Oscar, it also became the first foreign language movie ever to win Best Picture at the Oscars. The film tells the story of a Kize family living in a semi-basement in order to survive in the upper society. Unexpectedly, the gap between the rich and the poor and the class contradictions became the biggest obstacle to the parasitic plan, and eventually caused the family of the rich and the poor to die. Bong Joon-ho is a famous director and screenwriter in South Korea. The American film media has given him a highly complimentary remarks. The American media said that `Bong Joon-ho is a type of movie in himself.' What makes him different from other directors is that Bong Joon-ho's film focuses on real society issues such as life at the bottom, class differences, capital exploitation and other issues, and uncovers the common memories of the trauma of the times through the shaping of the small people at the bottom. Director Bong Joon-ho has emerged in the international film industry in recent years. The major international film festivals have paid attention to him who has have great influence in the commercial field and the art film field. The thesis is divided into seven chapters, mainly analyze the narrative characteristics of the film directed by Bong Joon-ho by analyzing the narrative theme, narrative content, narrative composition, audio-visual language and the value of the film <Parasitic>. The content structure of this paper is as follows: The first chapter is an introduction, introducing the research background and significance of the selected topic, the research status, research methods and scope of the film <Parasis>. The second chapter is the narrative theme of the film <Parasitics>, which includes three parts: the parasitic upper stream, the conflict between human needs and social status, and the mocking of society under black humor. The third chapter is the narrative content of the film <Parasitics>. This chapter mainly studies from three aspects: the narrative around the characters, the narrative around the plot, and the narrative around the realistic theme. The fourth chapter is the narrative composition of the film <Parasitic>. This chapter analyzes the narrative suspense, narrative details and narrative rhythm of the film <Parasitic>. The fifth chapter is the audio-visual language of the film <Parasitic>. Through the diversified background sounds, the artistic charm of the language narrative and the emotionally rich color art, the narrative characteristics are analyzed through the audio-visual language. The sixth chapter is through the analysis of the commercial value, artistic value and cultural value of <Parasite>, to understand the meaning and value of the film <Parasite> effectively. The seventh chapter is the conclusion of this study. Firstly, it summarizes the whole study. Secondly, the inspiration of <Parasite> to filmmakers. Finally, it analyzes the shortcomings of this study.

게임(Game)적 요소가 영화 서사에 미치는 영향에 대한 연구 : <레디 플레이어 원>, <쥬만지:새로운 세계>를 중심으로

비원원 청주대학교 대학원 2024 국내박사

With the development of CG technology, motion capture technology, facial motion capture technology, and other film production techniques, the production techniques of games and films have become more and more similar. The cultural industry is a commercial behavior centered on the production of entertainment content. The demand for capital appreciation has led film production companies and game development companies to expand their business scopes into each other's domains. Many large cultural production companies are already engaged in both film and game production activities. The convergence of technology and industry has led to the convergence of content between films and games. Adaptations between games and films have become a new normal. In this context, films can no longer be defined as imitations and reproductions of the real world. The presentation of imaginary virtual worlds has become an important content of films. Focusing on the impact of game elements on film narratives, the purpose is to analyze how game elements enter films, which game elements can bring positive effects to film narratives, expand the expressive power, and enhance the attractiveness of films. Which game elements are not suitable for excessive use in films to avoid negative effects on the expressive power and attractiveness of films. This thesis analyzes the impact of game elements on film narratives from the perspectives of game studies and narrative studies. Firstly, it expands the scope of film research and promotes the integration of game research and film narrative research. Secondly, it adds depth to the research on the relationship between games and films in the context of relatively few related studies in Korea. Thirdly, starting from specific cases, it summarizes relevant experiences in order to discover the rules of game elements entering film narratives, and thereby guide films to better absorb game elements and promote their own development. The first chapter of the thesis mainly reviews the current research status, and it is found that there are significant differences in the emphasis on the research on the relationship between games and films in the United States, Korea, and China. Korea has conducted more research on how films influence games, but there is less research on how games influence films. China pays attention to the two-way interaction between the two, and the United States has more research on how games influence films. Based on the review of relevant literature, the starting point and objective of the research are established. The second chapter of the thesis analyzes game elements based on the game theory of Johan Huizinga and the current creation of video games. In particular, it analyzes the game rules, game space, and game visuals, and based on this, it provides preliminary explanations of the game rules in films, game space in films, and game visuals in films. In the third chapter of the thesis, the perspective is expanded to the entire film and game industry, and representative cases of game adaptations, films with game elements, and films with games as the main narrative content are selected for analysis. The overall process of the role of game elements in films is analyzed. The fourth and fifth chapters of the thesis analyze the role of game elements in the films "Ready Player One" and "Jumanji: Welcome to the Jungle". In the analysis process, it not only focuses on the role of game elements in each film but also answers specific external or internal performance requirements, revealing the differences in the use of game elements in these two films. In the sixth chapter of the thesis, the impact of game elements on film narratives is analyzed from both positive and negative perspectives. The thesis believes that the positive impact of game elements on film narratives is reflected in enriching narrative content, adapting narrative discourse, and transforming the relationship between adapted films and audiences. The negative impact of game elements on film narratives includes making films excessively entertaining, weakening critical spirit, and losing humanity. Targeted suggestions are proposed, which emphasize the core of narrative, human care, and the expansion of the inter-narrative capability of films in order to better absorb beneficial elements of games and promote the development of films. Finally, the thesis summarizes the shortcomings of the research, explains the direction of the next step of expansion, and clarifies the significance of this research. CG기술, 모션캡처기술, 표정 캡처 기술 등 영상 제작기술의 발달로 게임과 영화는 제작기술 분야에서 점점 더 결합하고 있으며, 문화산업은 엔터테인먼트 콘텐츠 생산을 핵심으로 하는 상업행위로서 자본증식의 수요로 영화제작 업체와 게임개발업체는 모두 상대방의 영역으로 경영범위를 넓히기 시작했고, 많은 대형 문화 생산업체들은 이미 영화와 게임 생산활동을 동시에 진행하고 있다. 기술과 산업의 융합은 영화와 게임이 콘텐츠 부분에서 서로 가까워지기 시작하도록 촉진했으며 게임과 영화의 상호 개편은 새 일상이 되었다. 이런 배경에서 영화는 단순히 현실 세계의 모방과 재현으로 한정되지 않고 상상 속의 가상 세계를 구현하는 것이 영화의 중요한 내용이 되었다. 게임 요소가 영화 서사에 미치는 영향에 초점을 맞추고, 게임 요소가 영화 서사에 어떻게 진입했는지, 게임 요소가 영화 서사에 진입한 후 어떤 것이 영화 서사에 긍정적인 영향을 미쳐 영화의 표현력을 확장하고 영화의 매력을 높일 수 있는지 분석하는 것은 본 연구의 목적이다. 어떤 게임 요소가 영화의 표현력과 매력에 부정적인 영향을 미치지 않도록 영화에서 과도하게 남용되는 것을 피해야 하는 것에 대한도 분석하였다. 본 논문은 게임학과 서사학의 관점에서 게임적 요소가 영화 서사에 미치는 영향을 분석하는데, 하나는 영화 연구의 범위를 확장하고 게임 연구와 영화 서사 연구의 결합을 촉진하는 것이고, 다른 하나는 한국 관련 연구가 비교적 적은 배경에서 게임과 영화의 상호 관계 연구의 깊이를 증가시키고, 세 번째는 구체적인 사례에서 시작하여 관련 경험을 총결산하여 게임적 요소가 영화 서사의 관련 법칙에 진입하여 영화가 게임 관련 요소를 더 잘 흡수하도록 지도하여 영화 산업의 발전을 촉진하는 것이다. 논문의 제1장은 주로 관련 연구 현황을 정리한 것으로 구성되었다. 미국, 한국, 중국이 게임과 영화의 상호관계 연구에 중점을 두고 있는 점이 매우 다르다는 것을 발견했으며, 한국은 영화가 게임에 어떻게 영향을 미치는지에 관한 연구가 비교적 많고, 게임이 영화에 어떻게 영향을 미치는지에 관한 연구 성과는 적으며, 중국은 주로 영화와 게임의 쌍방향 상호작용에 주목하고 있으며, 미국은 게임이 영화에 어떻게 영향을 미치는지에 대한 성과가 비교적 많다는 것을 발견하고, 관련 문헌을 정리하는 기초 위에서 논문 연구의 출발점과 목표를 확립하였다. 제2장은 존 허이진하의 게임 이론과 현재 비디오 게임의 창작을 바탕으로 게임 요소를 분석하였다. 특히 게임 펀치 규칙, 게임 시공간, 게임 화면을 분석하였으며, 이를 바탕으로 영화 속 게임 규칙, 영화 속 게임 시공간, 영화 속 게임 화면 등 영화 속 게임의 요소를 초보적으로 해석하였다. 제3장에서는 영화와 게임 전반으로 시야를 넓히고 대표적인 게임 각색 영화, 게임 요소가 있는 영화, 게임을 주요 서사로 하는 영화를 선정해 영화 속에서 게임적 요소가 어떻게 작용하는지를 전반적으로 분석하였다. 제4장과 제5장은 <레디 플레이어 원>, <쥬만지:새로운 세계> 두 가지 사례를 바탕으로 두 영화에서 게임적 요소가 어떻게 작용하는지를 분석하였다. 분석 과정에서 각 영화에서 게임적 요소가 어떻게 작용하는지에 주목하면서 구체적으로 어떤 외적 또는 내적 표현 요구 사항인지 답해 두 영화가 게임적 요소를 적용했을 때 차이를 보였다. 제6장은 영화에서 게임적 요소의 비판적 수용을 분석하였으며, 본 연구는 영화의 게임적 요소 수용 효과는 서사 내용을 풍부하게 하고, 서사 담화를 각색하며, 영화와 관객의 관계를 각색하는 세 가지 부분에서 나타났다. 영화의 게임적 요소에 대한 비판은 과도한 오락화, 비판 정신 약화, 인문학적 소멸의 세 가지 부분이 포함되며, 영화가 게임의 유익한 성분을 더 잘 흡수 하도록 하기 위해서는 서사를 핵심으로 하고 인문학적 배려를 중시하며, 영화의 상호작용 서사 능력을 확장해야 한다는 것을 제안하였다. 본 연구는 마지막으로 연구의 단점을 요약하고 연구의 다음 확장 방향을 설명하고 연구의 시사점을 명확히 제시하였다.

실크로드 영화의 공간에 나타난 향토콤플렉스 연구 : <인생>, <리버 로드>, <깨끗한 물속의 칼>을 중심으로

스원원 청주대학교 대학원 2024 국내박사

1980년대 이후 실크로드 영화는 주로 역사상의 실크로드 이야기, 실크로드 인물, 실크로드 예술 문화를 표현함으로써, 세계에서 중국 실크로드 문명, 우수한 전통문화, 중국 정신과 실크로드 정신을 전파하였다. 한편, 현대 실크로드 이야기와 실크로드 인물을 표현함으로써 도시화 과정에서 실크로드 주변의 도시와 농촌의 진흥과 새로운 농촌의 이미지를 반영하고 실크로드 주변의 도시 현대화를 반영하여 번창하는 새로운 도시 모습과 발전 추세를 보여주는 영화이다. 21세기에서 실크로드 영화도 그 모습과 내면에 새로운 변화가 생겼다. 21세기의 실크로드 영화는 실크로드 콘텐츠의 유무와 실크로드 주변 지역의 영화업체가 투자하여 촬영하는 것에 구애받지 않고, 영화의 표현 내용, 미학적 특징, 예술적 풍모를 기준으로 삼는다. 중국 실크로드 주변 지역의 문화, 민속, 생활상태를 표현한 영화나, 중국 실크로드 지역의 자연경관과 인문 경관을 집중적으로 표현한 영화, 심지어 실크로드 지역을 이야기의 배경으로 한 영화까지도 실크로드 영화라고 할 수 있다. 향토 콤플렉스는 중국 문화의 중요한 지점으로 중국인의 집단 무의식으로 맺어지지만 특정 시공간에서는 일종의 집단 의식으로 나타난다. 향토 콤플렉스는 특정 장소, 특정 사람, 사물을 가리키는 것이 아니라, 시공간을 초월하여 문화적 바탕에 기초한 정신적 소속으로 사람의 생명 가치와 밀접한 관련이 있는 상징으로 바뀌는 경우가 많다. 구체적으로 말하면, 향토 콤플렉스는 일종의 생명의 기호이자 고향에 대한 감정이며, 민족정신을 구축하고 민족 구심력을 생성하는 아름다운 정신으로 된다. 본 연구는 중국 국경 내부에서 실크로드를 배경으로 한 산시성을 대표하는 영화 <인생(人生)>, 간쑤성을 대표하는 영화 <리버 로드(家在水草豐茂的地方)>, 닝샤 자치구를 대표하는 영화 <깨끗한 물속의 칼(清水裏的刀子)>을 각각 연구대상으로 선정하여 공간 서사의 관점에서 이 세 영화의 공통 특징인 향토 콤플렉스를 탐구하고자 한다. 본 연구는 이러한 측면에서 실크로드 영화 공간 표현에서의 향토 콤플렉스를 구체적으로 분석하고, 문화 연구의 관점에서 그 문화적 함의를 간략하게 분석하여 실크로드 영화의 미래 발전 경로를 탐구하고자 한다. 논문은 총 7장으로 나뉜다. 제1장은 서론 부분이다. 본 논문의 주제 선정, 연구 목적 및 필요성, <인생(人生)>, <리버 로드(家在水草豐茂的地方)>, <깨끗한 물속의 칼(清水裏的刀子)>의 선정 이유,연구 범위 및 연구 방법, 관련 선행 연구를 중점적으로 서술하였다. 지리 공간으로 볼 때 실크로드는 산시성 서안에서 시작하여 200km를 거쳐 간쑤성으로 들어간 다음 허시 회랑을 거쳐 둔황에 이르렀고 둔황에서는 남북으로 나뉘기 시작하였다. 간쑤성와 닝샤 자치구도 지리적 위치 때문에 실크로드의 황금 지역이 되었다. 영화 내용을 보면 <인생>, <리버 로드>, <깨끗한 물속의 칼> 이 세 편 영화는 실크로드의 산시, 간쑤, 닝샤 세 지역에 걸쳐 있는데, 영화에는 각각 중국의 시기별 향토 콤플렉스가 담겨 있다. 제2장에서 제6장까지는 논문의 본문 부분이다. 제3장에서는 공간서사, 영상미학, 향토 콤플렉스 구현 세 가지 방면에서 영화 <인생>의 향토 콤플렉스 분석 집중 분석하였다. 도시와 농촌 간의 장벽과 침투, 현대 문명과 전통 개념의 충돌 등 중국 개혁개방 초기 도시와 농촌의 교차지대의 많은 사회 문제와 모순을 분석합니다. 제4장에서는 공간서사, 영상미학, 향토 콤플렉스 구현 세 가지 방면에서 영화 <리버 로드>의 향토 콤플렉스 분석 집중 분석하였다. 가족 3세대의 다원적 향토와 고민, 향토정신의 단절과 지키는 분석합니다. 전통적인 향토 인륜은 현대의 발전에 따라 많이 달라졌다. 제5장에서는 공간서사, 영상미학, 향토 콤플렉스 구현 세 가지 방면에서 영화 <깨끗한 물속의 칼>의 향토 콤플렉스 분석 집중 분석하였다. 가족 3세대의 다원적 향토와 고민, 향토정신의 단절과 지키는 분석합니다, 전통적인 향토 인륜은 현대의 발전에 따라 많이 달라졌다. 중국식 죽음과 민족적 경지를 구성하기 위해 간결한 표현을 분석합니다. 제5장에서는 실크로드 영화 향토 콤플렉스의 가치와 발전. 제7장은 결론이다. 연구 요약 및 의의, 연구 한계점 및 시사점 두 방면에서 논문 전체를 정리한다. Since the 1980s, Silk Road films have mainly been used to convey Chinese Silk Road civilization, excellent traditional culture, Chinese spirit and Silk Road spirit to the world by expressing historical Silk Road stories, Silk Road figures.In the 21st century, Silk Road films are not limited to the content of Silk Road and the investment of film companies and film and television companies along the Silk Road.Films depicting the culture, folklore and living conditions along the Silk Road, films focusing on the natural and cultural landscapes of the Silk Road, and even films based on the story of the Silk Road region can be called Silk Road films. As an important fulcrum of Chinese culture, the local complex condenses into the "collective unconsciousness" of the Chinese people, but in a certain time and space, it appears as a "collective consciousness".The "local complex" does not point to a particular place, a particular person or thing. Often, the local complex transcends time and space and becomes a spiritual belonging based on culture and a symbol closely related to the value of human life.Specifically, the local complex is a kind of life brand, is a kind of strong feeling of hometown, but also is a kind of national spirit, the formation of national centripetal force, come down to building a harmonious home. In this paper, Shaanxi film Life on Silk Road, Gansu film Home in a Plenty of Water Plants and Ningxia film Knife in Clear Water are selected as the research texts.This paper analyzes the local complex in the space expression of film under the background of Silk Road from these aspects, and analyzes its cultural meaning from the angle of cultural research.The following seven chapters are devoted to study. The first chapter is the introduction, the research objectives and the necessity of the subject, and the first research, including the present situation of Silk Road film research, film space narration research.In terms of geographical space, the Silk Road originated in Xi'an, Shaanxi Province, entered Gansu via 200 kilometers, then came to Dunhuang via the Hexi Corridor, where it began to divide into two roads.Gansu and Ningxia also became prime areas of the Silk Road because of their geographical location.From the content of the film, "Life", "Home in a Plenty of Water Plants", "Daozi in Clear Water" and three films span three important areas of the Silk Road, Shaanxi, Gansu and Ningxia. Chapters two to six are the body of the paper.The second chapter is the definition of the rural complex, which is based on the differentiation of the rural complex, the expression of the Chinese rural complex and the cultural roots of the Chinese rural complex.The third chapter is the analysis of the local complex of the movie Life.This paper analyzes the social problems and contradictions of urban-rural intersection in the early period of China's reform and opening-up, such as the gap and infiltration between urban and rural areas, modern civilization and traditional ideas.The fourth chapter analyzes the local complex of "Home in a Plenty of Water and Grass" from three aspects: space narrative, image aesthetics and rural complex.Analysis of the three generations of multi-native and "nostalgia", the rupture and adherence of the local spirit, the traditional local people's relationship in the context of modernization encountered a dilemma.Chapter five analyzes the local complex of the movie "Daozi in Clear Water" from three aspects: space narration, image aesthetics and rural complex. This paper analyzes the construction of Chinese-style death and national artistic conception by using minimalist expression.The sixth chapter is the value and development of the Silk Road background film. This paper mainly analyzes the image presentation and creativity of Silk Road Scenery in film, the innovative way of Silk Road film telling Silk Road story well in new era, and the spreading way of Silk Road film development in new era. Chapter VII is the conclusion.This paper combs the whole thesis from the aspects of abstract, meaning, limitation and enlightenment.

영화 사운드의 미학적 요소와 서사적 기능에 대한 연구 : 영화 <홍등(大红灯笼高高挂)>, <붉은 수수밭(红高粱)>을 중심으로

싱잉 청주대학교 대학원 2024 국내박사

건축, 조각, 회화, 문학, 서사학, 희곡, 음악, 촬영 등 종합적인 시청각 예술을 포함하는 영화는 인간의 생활양식뿐 아니라 사고방식을 변화시키며 현대 사회에서 인간 정신생활의 가장 중요한 부분이 되었다. 영화의 사운드는 영화 예술의 중요한 구성 요소이자 영화의 충실한 동반자이며, 어떤 의미에서는 영화에 정신과 영혼을 부여한다고도 말할 수 있다. 헝가리의 영화 이론가 발라즈는 "사운드는 단순히 화면의 부산물이 아니라 주제가 될 것이고, 행위의 원천이자 원인이 될 것이며 화면 못지않게 행동을 자극하는 역할을 할 것'이라고 언급하였다. 발라즈의 이러한 발언은 영화 사운드의 중요성과 독특한 역할을 강조한다. 영화 사운드는 지각 차원에서 관객들의 청각적 체험을 풍부하게 할 뿐 아니라 감정과 의미 차원에서 영화의 주제와 의미를 독특하게 표현한다. 영화 사운드의 미학적 요소는 영화 예술에서 없어서는 안 될 중요한 요소로 언어(음성), 음악, 음향의 세 가지로 구성된다. 이들 요소는 영화 사운드의 서사 체계를 구성하며, 영화의 성공 여부를 측정하는 데 중요한 역할을 한다. 강력한 서사 요소로서 사운드는 영화의 줄거리를 전개하고 분위기를 조성하는 중요한 기능을 한다. 사운드는 영화 속 인물의 이미지를 형상화하고 줄거리의 발전을 이끌 수 있다. 또한 언어(음성) 표현, 음악의 선율과 음향의 분위기 조성을 통해 영화의 서사가 더욱 일관성 있고 매끄러워지도록 한다. 사운드는 분위기를 고조시키고 감정을 표현함으로써 영화의 감화력을 높이고 주제를 전달함으로써 영화의 깊이를 더할 수 있다. 이러한 사운드의 미학적 요소들은 영화 서사에서 조화를 이루며 상호의존적인 유기체를 형성하여 관객에게 풍성하고 다채로운 영화 경험을 제공한다. 이 논문은 영화 사운드의 미학 이론과 영화 사운드의 서사 기능 이론을 바탕으로 장이머우(张艺谋)가 연출한 두 편의 영화 <홍등(大红灯笼高高挂)>과 <붉은 수수밭(红高粱)>을 사례로 선정하여 영화에 나타나는 언어(음성), 음악, 음향 등 3대 사운드 미학 요소를 해석함으로써 영화 사운드의 영화 서사 기능을 탐구한다. 먼저 연구의 배경과 의미, 선행연구 검토 및 연구 방법을 통해 영화 사운드의 미학적 요소와 서사 기능에 관련된 연구를 분류하고 요약한다. 다음으로 영화 사운드의 미학적 요소와 영화 사운드의 서사 기능의 개념과 정의, 내용, 역할 및 활용 가치를 연구함으로써 영화 사운드의 미학적 요소와 서사 기능에 대한 이론적 토대를 분석하고 정리한다. 마지막으로 영화 사운드의 미학적 요소와 서사 기능 관련 이론을 영화의 실제 사례에 접목하여 언어(음성) 서사, 음악 서사, 음향 서사를 심도 있게 분석하고 영화 서사에서 사운드의 줄거리 전개 및 분위기 과장 기능을 정리함으로써 영화 사운드 제작 분야의 발전과 연구에 참고가 될 만한 이론적 결과를 제시하고 영화 창작에 도움이 되고자 한다. Film is a comprehensive audio-visual art form that encompasses architecture, sculpture, painting, literature, narrative studies, drama, music, photography, and more. It not only changes human lifestyles, but also alters human ways of thinking, becoming an essential part of contemporary human spiritual life. Sound is an important component of film art, a faithful companion and an integral part of film, and in a sense, it imparts spirit and soul to movies. Decades ago, Hungarian film theorist Béla Balázs predicted, "Sound will not only be a product of images, but it will become the subject, the source, and the cause of actions. The role of sound in inspiring actions is no less significant than that of images." Béla Balázsi's remarks highlight the importance and unique role of sound in the film, which not only enriches the audience's auditory experience at the perceptual level, but also provides a unique way of expression for the theme and connotation of the film at the emotional and meaningful level. The aesthetic elements of film sound are an indispensable and important part of film art, which includes three major aspects of language (vocals), music and sound, which together constitute the narrative system of film sound and play a vital role in measuring the success of a film. As a powerful narrative factor, sound has an extremely important propulsion and rendering function in film. It can not only shape the characters in the movie, but also promote the development of the storyline, through the expression of language (vocals), the melody of music and the atmosphere of sound, making the narrative of the film more coherent and smooth. In addition, sound can also enhance the appeal of the film by rendering the atmosphere and expressing emotions, and deepen the connotation of the film by expressing the theme of the film. The aesthetic elements of these sounds merge with each other in the film narrative to form an interdependent synthesis that presents the audience with a rich and wonderful cinematic experience. This thesis is supported by the aesthetic theory of film sound and the theory of sound's narrative function in film. It selects two films by Zhang Yimou, "Raise the Red Lantern" and "Red Sorghum," for case analysis, interpreting the language, music, and sound effects that appear in the films based on sound design and narrative concepts. This study further explores the narrative function of film sound. First, it organizes and summarizes relevant research on the narrative function of sound in film through an examination of the background, significance, literature review, research methods, and innovative points. Then, it establishes the theoretical foundation for the aesthetic elements and narrative function of film sound based on related concepts, styles, functions, and application values of film sound and narrative. Next, the thesis focuses on the deep analysis of the three aesthetic elements of film sound (language, music, and sound effects) and their narrative function, involving case studies and combining theoretical understanding with film examples. It summarizes the significance of sound in advancing and enhancing film narrative, providing theoretical achievements for the development and exploration of film sound production and better service for filmmaking.

중국영화 속에 등장하는 황하(黃河)의 기호학적 분석 : <황하요>,<황하절애>,<황하경사>를 중심으로

런치위 청주대학교 대학원 2024 국내박사

In the history of Chinese cinema, the Yellow River, as an image logo, has been endowed with rich cultural connotations and value implications. Geographically speaking, the Yellow River is the second largest river in China, running from east to west. The Yellow River Basin is the earliest developed area in China, and the industrious and brave Chinese people have created the ancient and heavy Yellow River culture with their hardworking hands on this land, and nurtured the splendid Chinese civilization, so it is also called the "Mother River" of the Chinese people. In terms of history and culture, the meandering Yellow River shows the continuity of history and preserves the cultural genes with a long history; the ever-flowing Yellow River shows the vigorous vitality and reflects the historical vicissitudes of the national culture. From the level of image symbols, many directors take the Yellow River as the background carrier or the subject of expression, encode the Yellow River in the narrative text, and express the artistic discourse through audio-visual language, which expands and strengthens the meaning of the Yellow River, and better presents the Chinese civilization and the spirit of national culture. There are seven chapters in this paper. The first chapter is mainly through reviewing the literature, combing through the theories of film semiotics and the prior research on the Yellow River symbols appearing in Chinese films, and elaborating the reasons for the selection of The Ballad of the Yellow River, The Yellow River Desperate Love, and The Yellow River Happiness. Chapter 2 focuses on outlining the theories of semiotics and film semiotics, and provides specific explanations of the three film semiotics theories used in the thesis. Chapter 3 describes the manifestations of the Yellow River symbol in Yellow River-themed films and analyzes the historical changes of the Yellow River symbol in Yellow River-themed films. Starting from the Yellow River symbols appearing in Chinese films, the audiovisual construction of the Yellow River in films is traced, focusing on the analysis of lens language, color tone, costume styling, and ethnic music, etc., to dig out the emotional expression behind the picture from the perspective of visual language and auditory language, and then to explore the memory construction in multi-dimensional contexts in the presentation of different emotions. The fourth, fifth and sixth chapters are mainly combined with specific film works to analyze the presentation of character images, audiovisual symbols and spatial images related to the Yellow River in the film, to show the unique spiritual outlook of people living in the Yellow River Basin, and to explore the mirror production and sound symbols of the image of the Yellow River as well as the changes of spatial symbols in the narrative space of the film, so as to embody the heavy cultural heritage and national connotation of the Yellow River. Chapter 7 is the conclusion part, reviewing the research lineage of this paper, summarizing the research results in a focused manner, exploring the limitations and revelations of the research on the semiotics of the Yellow River in Chinese films, and making better efforts for the inheritance and innovation of the Yellow River culture. 중국 영화의 발전 역사에서 황하는 영상의 상징으로서 풍부한 문화적 함의와 가치를 부여받았다. 지리적 측면에서 볼 때, 황하는 중국을 동서로 관통하는 중국의 두 번째로 큰 강이다. 황하 유역은 중국에서 가장 먼저 개발된 지역으로, 용감한 중국인들이 이 땅에서 근면한 손으로 고대하고 무거운 황하 문화를 창조하고 화려하게 빛나는 중화 문명을 조성하였다. 따라서 중국인의 어머니 강이라고도 불린다. 역사와 문화의 측면에서 볼 때, 구불구불한 황하는 역사의 연속성을 나타내며, 오랜 문화적 유전자를 보존하고 있다. 황하는 활기찬 생명력을 보여주며, 민족 문화의 역사적 변동을 반영하였다. 영상 상징의 측면에서는 많은 감독들이 황하를 배경이나 표현의 주체 로 사용하여, 황하에 대한 인코딩을 수행하며, 시청 언어를 통해 예술적 표현을 하였다. 황하의 지칭 의미를 확장하고 강화하여 중화 민족 문명과 민 족 문화 정신을 더 잘 나타냈다. 이 연구는 총 7 장으로 구성되어 있다. 제1장에서는 주로 문헌을 참조하여 영화 기호학 이론과 중국 영화에서의 황하 기호에 대한 선행 연구를 정리하였다. <황하여>, <황하결련>, <황하경사> 3편 영화의 선택 이유를 설면하였다. 제2장에서는 주로 기호학과 영화 기호학 이론을 정리하고, 논문에 적용 된 세 가지 영화 기호학 이론에 대해 구체적으로 설명한다. 제3장에서는 황하를 소재로 한 영화에서 황하 기호의 표현 방식을 설명하고, 이러한 영화에서 황하 기호의 역사적 변화를 분석하였다. 중국 영화에서의 황하 기호를 중심으로, 황하가 영화에서 어떻게 시각적, 청각적으로 구성되는지를 추적하며, 카메라 언어, 색체, 의상 디자인, 민족 음악 등의 측면에 중점을 둔다. 시각적 및 청각적 관점에서 이미지 뒤의 감정 표현을 연구하고, 다양한 감정 맥락에서의 기억 구축을 탐구하였다. 제4장, 제5장, 제6장에서는 주로 특정 영화를 기반으로 황하와 관련된 인물 이미지, 시청각 기호 및 공간의 영상 표현 분석하였다. 황하 유역에 거주하는 사람들의 독특한 정신적 모습을 보여주며, 황하 이미지의 반영 및 사운드 구성, 그리고 영화 내러티브에서의 공간 기호의 변화를 논의하여 황하의 깊은 문화적 의미와 민족적 함의를 반영하였다. 제7장, 결론에서는 연구의 구조를 회고하고 연구 결과를 집중적으로 정리하였다. 중국 영화에서의 황하 기호학 연구의 한계와 통찰력을 논의하며, 황하 문화의 유산 및 혁신을 더 효과적으로 기여하기 위해 노력한다.

영화<러빙 빈센트>에 나타난 회화와 애니메이션의 융합

송슈 청주대학교 대학원 2024 국내박사

영화산업의 발전은 기술 발전에 크게 의존하고 있으며 예술과 기술의 융합은 영화 자체의 예술적 속성을 보다 높은 수준으로 승화시켰다. 영화는 단순한 시각적 체험일 뿐만 아니라 예술적 만족을 추구하는 정신적 수요이다. 영화 <러빙 빈센트>는 기술과 예술을 융합하는 동시에 오늘날의 다원적 애니메이션 기술과 유화 예술 형식을 사용하여 크로스오버 융합을 이루면서 애니메이션, 유화, 영화 사이의 예술적 경계를 허물고 예술 혁신 시도를 대대적으로 전개하였다. 이 영화가 주목받는 이유는 영화 소재가 고흐라는 유명한 IP사용하는 데 그치지 않고 유화를 한 프레임 한 프레임씩으로 그려 이 탁월한 화가의 일생을 재현했기 때문이다. 현대 글썽들썽한 사회 배경에서 이런 창작 방식은 특히 진지하고 성의가 넘친다. 영화 <러빙 빈센트>는 유화, 애니메이션, 영화 등 다양한 예술 형식을 융합해 독특한 시각 스타일과 표현 기법을 만들어내는 데 성공하였다. 본 연구는 영화와 회화의 융합을 심도 있게 탐구하기 위해 네덜란드 후기 인상파의 대가인 고흐의 예술을 바탕으로 한 영화 <러빙 빈센트>를 연구 대상으로 삼는다. 상세한 분석을 통해 이 글은 영화 속 유화와 애니메이션 요 소의 시너지 표현에 대해 논의하고 이 융합이 영화 미학에 미치는 깊은 영향을 깊이 연구한다. 요약은 연구의 배경과 목적에서 시작하여 관련 선행 연구를 돌이켜 보며 연구 방법과 범위를 명확하게 정하여 전체 연구의 틀을 구축한다. 먼저 영화 <러빙 빈센트>의 제작 배경, 제작 역사, 고흐의 생애를 탐구하려는 동기 및 다른 나라의 창작 경험을 살린 요소 등을 상세히 소개하였다. 또한 이 연구는 영화에서 보여지는 다양한 예술 스타일에 중점을 두고 탐구한다. 예를 들어 고흐 회화 스타일의 재현, 유화 형식과 디지털 미디어 애니메이션의 만남과 같은 요소들은 다차원적인 시각 및 지각 화면을 보여주었다. 특히 타자의 시각, 다원적 스타일 표현, 창작 형식을 도입하는 등 영화에 채택된 영상 특징을 강조한다. 둘째, 손으로 그린 애니메이션, 회전식 카메라, 동적 유화 등 영화 속 애니메이션 예술의 혁신 요소와 이러한 요소가 어떻게 영화에 독특한 시각적 효과와 서사적 표현을 부여하는지에 대해 더 깊이 연구 한다. 동시에 애니메이션 혁신이 영화의 서사 구조를 어떻게 재구성 하고 영화의 경지를 풍부하게 하며 영화 예술의 새로운 방향을 확장 하는지를 연구 및 분석한다. 셋째, 영화 <러빙 빈센트>에서 유화 형식 아래의 영상 표현에 있어 애니메이션에서의 빛과 색의 재현, 필치가 캐릭터 형성에 미치는 영향, 음향 효과가 감정 표현에 미치는 중요한 역할에 대해 자세히 논의한다. 동시에 연구는 구도 언어, 색채 언어 및 청각 언어를 포함한 시각 언어와 감정 표현을 강조하고 이러한 요소가 관객의 감정 경험 깊이를 어떻게 만들어내는지를 강조한다. 몽타주 언어에 대한 분석은 은유 몽타주, 심리 몽타주, 시간 몽타주를 포괄하며 영화 속 복잡한 감정과 서사 구조 전달에 이러한 기술 역할을 강조한다. 또한 본 연구는 포스트모던 기술과 유화 예술의 융합을 깊이 연구하고 포스트모던 기술의 다양한 응용 방식과 영화에서 유화 형태의 구체적인 표현을 탐구한다. 이러한 융합은 영화의 시각적 효과를 향시시킬 뿐만 아니라 영화의 경지를 넓히고 영화의 서사 구조를 재해석하며 영화 미학의 영역을 더욱 넓혔다. 마지막으로 예술의 경계 확장 및 미학 가치 분석 측면에서 영화에서 예술의 경계가 어떻게 확장되는지에 대해 논의하고 영화에서 다양한 형태의 예술이 융합된 미학 가치에 대해 논의한다. 이 영화의 예술적 가치가 어떻게 기술적 성취를 넘어섰는지, 그리고 그것이 예술을 더 폭넓게 이해하는 데 어떻게 도움이 되었는지를 탐구한다. 종합적으로 <러빙 빈센트>는 유화, 애니메이션, 영화 등 세 가지 예술 형식을 성공적으로 융합해 독창적인 예술 스타일을 선보이면서 동시에 예술의 경계를 확장하고 깊은 의미와 가치를 담고 있다. 영화 <러빙 빈센트>중 예술의 혁신과 융합을 더 잘 이해하고 그 이면의 사상, 문화, 예술적 가치를 탐구할 수 있는 것은 현대 영화 예술의 발전에 중요한 의미를 갖는다. The development of the film industry depends on the technological progress, and the fusion of art and technology makes the film itself sublimated at a higher level. Film is not only a visual experience, but also a spiritual desire for artistic satisfaction. The film "Loving Vincent”combines technology with art, but also uses today's diverse animation technology and oil painting art forms to cross-border fusion, breaking the artistic boundaries between animation, oil painting and film. The film is not only about Van Gogh's high-profile super-famous IP, but also about the life of an outstanding painter using a frame-by-frame oil painting. In the background of impetuousness in today's society, this kind of creative method appears especially sincere and sincere. The film "Loving Vincent”has successfully blended various art forms such as oil painting, animation and film to create a unique visual style and expression method. The purpose of this study is to explore the fusion between film and painting, based on the art of Dutch post-impressionist Vincent van Gogh, "Loving Vincent.” Through careful analysis, this paper discusses the synergistic performance of oil painting and animation elements in the film, and deeply studies the far-reaching influence of this fusion on film aesthetics. Based on the background and purpose of the research, this paper reviews the relevant prior research, defines the research methods and scope, and constructs the framework of the whole research. Firstly, the author introduces the background of the film, including the film's production history, its motivation to explore Van Gogh's life and the elements of absorbing the experience of other countries. In addition, the research focuses on the various artistic styles presented in the film, such as the reappearance of Van Gogh's painting style and the intersection of oil painting and digital media animation. Particular emphasis is placed on the image features adopted in the film, including the introduction of the "other”perspective, multi-form expression and creative forms. Secondly, it further studies the innovation of animation art, including hand-drawn animation, rotary camera and dynamic oil painting, and how these elements give the film a unique visual effect and narrative expression. At the same time, the paper analyzes how the innovation of animation reconstructs the narrative structure of film, enriches the artistic conception of film and expands the new direction of film art. Then, in the film "Loving Vincent,” the visual expression of light and color in animation, the influence of stroke texture on character formation, and the key role of sound in emotional expression are discussed in detail. At the same time, the study emphasizes visual language and emotional expression, including composition language, color language and auditory language, and how these elements together create the depth of the audience's emotional experience. The analysis of montage covers metaphorical montage, psychological montage and temporal montage, emphasizing the use of these techniques in film to convey complex emotions and narrative structures. Furthermore, this study also deeply studies the fusion of post-modern technology and oil painting art, explores the various applications of post-modern technology and the specific presentation of oil painting in film. This fusion not only enhances the visual effect of the film, but also expands the artistic conception of the film, reinterprets the narrative structure of the film, and further broadens the field of film aesthetics. Finally, in terms of artistic boundary development and aesthetic value analysis, this paper discusses how artistic boundary is expanded in film, and discusses the aesthetic value of combining various artistic forms. Explore how the film's artistic value transcends its technical achievements and how it contributes to a broader understanding of art. To sum up, the film "Loving Vincent”has successfully blended oil painting, animation and film into three art forms, showing a unique artistic style, but also expanding the boundaries of art, and contains profound significance and value. It is of great significance to the development of contemporary film art to better understand the innovation and integration of art in the film "Loving Vincent”and explore the thought, culture and artistic value behind it.

지아장커(贾樟柯)와 봉준호의 하층계급 서사 미학 연구

동루잉 청주대학교 대학원 2024 국내박사

중국의 6세대 감독인 지아장커와 한국의 봉준호 감독은 모두 사회 하층민에 초점을 맞춘 영화 작품으로 유명하며, 주로 현실적인 주제를 바탕으로 사회 하층민과 소외 계층의 실존적 상황을 조명하고 현대 사회 문제를 비판적으로 고찰한다. 두 감독은 각각 중국과 한국 영화계에서 독특한 스타일을 대표하는 감독으로, 국제 영화제에서 여러 차례 작품성을 인정받은 바 있다. 지아장커와 봉준호에 관한 개별 연구는 두 감독의 창작 스타일, 주제, 영향력에 초점을 맞춘 수많은 연구가 있었다. 그러나 두 감독의 작품을 직접 비교하고 두 감독이 영화에서 하층민의 사회적 서사를 어떻게 표현했는지를 탐구한 연구는 거의 없었다. 이에 본 연구는 비교 연구를 통해 두 감독의 유사점과 차이점, 그리고 그들이 하층민을 어떻게 다른 방식으로 표현했는지를 밝히고자 한다. 이 연구는 문헌 연구와 사례 연구 분석을 결합한 방식을 채택했다. 먼저 지아장커와 봉준호의 개인적 성장 경험, 창작 이력, 그들이 살았던 사회적 시대를 살펴봄으로써 두 감독의 창작 배경과 영향력을 밝히고자 한다. 본 연구는 크게 다섯 가지 측면에서 출발하는데, 첫째는 하층민 적 삶의 주제 표현으로 두 감독의 작품을 분석하여 빈곤, 상실, 딜레마, 욕망의 표상 등 하층민 적 삶의 주제를 어떻게 표현하고 있는지 살펴본다. 두 번째는 하층민 캐릭터의 묘사로, 두 감독이 여행자, 취약한 여성, 농민공, 청소년, 범죄자, 사회 소외 계층 등 하층민 캐릭터를 어떻게 창조하여 그들의 내면과 사회성을 탐구하는지 살펴본다. 셋째, 시각적 언어에 담긴 사회 비판 의식. 두 감독의 촬영 기법, 사진 스타일, 색채 구성 등 시각적 언어를 심층 분석하여 사회 문제에 대한 비판과 성찰을 이미지를 통해 어떻게 전달하고 있는지를 밝힌다. 넷째, 현실 사회를 조명하는 공간적 표현 두 감독이 모바일 공간, 유흥 공간, 자연 공간, 현실 공간, 이질적 공간 등 하층민 공간의 구성을 살펴봄으로써 공간을 통해 사회의 진정성과 다양성을 어떻게 제시하고 있는지를 밝힌다. 다섯째, 하층 이미지의 가치 창출에서는 지아장커와 봉준호 감독의 영화 작품이 사회 현실과 문화, 관객의 정서에 미친 영향을 살펴봄으로써 하층 이미지의 가치와 의의를 밝힐 것이다. 지아장커와 봉준호 작품에 나타난 하층민의 사회성과 서사 미학에 관한 연구를 통해 하층민 서사 표현의 공통점과 차이점을 살펴본다. 두 감독 작품의 배경과 방식, 의미를 분석함으로써 두 감독의 영화가 관객과 사회에 어떤 영향을 미치는지, 하층민 이미지가 현대 영화에서 어떤 가치를 창출하는지를 더 잘 이해할 수 있을 것이다. 또한 이 연구는 사실주의 영화, 사회적 하층민 이미지, 중국과 한국 영화 연구에 새로운 이론과 방법을 제공할 것이다. Sixth-generation Chinese director Jia Zhangke and Korean director Bong Joon-ho are both famous for their film works focusing on the underclass social groups, which are often based on realistic themes, highlighting the existential situation of the little people at the bottom of the ladder and the marginalised in the society while critically examining contemporary social issues. Both directors represent unique styles in the Chinese and Korean film fields, respectively, and their works have been recognised at international film festivals on numerous occasions. There have been numerous individual studies on Jia Zhangke and Bong Joon-ho that focus on the creative styles, themes and influences of the two directors. However, very few studies have directly compared their works and delved into how the two directors represent underclass social narratives in their films. This is one of the motivations for this study, which hopes to reveal the similarities and differences between the two directors and how they present the underclass in different ways through comparative studies. This study adopts a combination of literature research and case study analysis. Firstly, it examines Jia Zhangke's and Bong Joon-ho's personal growth experience, creative history and the social era in which they lived in order to reveal the creative backgrounds and influences of the two directors. Then this study starts from the following five aspects: firstly, the presentation of the theme of underclass life, by analysing the works of the two directors, we explore how they present the theme of underclass life, including the representation of poverty, loss, dilemma, and desire. The second is the portrayal of underclass characters. This study focuses on how the two directors create underclass characters, including travellers, vulnerable women, migrant workers, youth, criminals, and the marginalised in society, in order to explore their inner world and sociality. Thirdly, social critical consciousness in visual language. This study analyses in depth the visual language of the two directors, including filming techniques, photographic styles, and colour compositions, in order to reveal how they communicate their critique and reflection on social issues through their images. Fourthly, the spatial presentation that illuminates the real society. This study reveals how the two directors present the authenticity and diversity of the society through space by examining the construction of the underclass space, including the mobile space, the entertainment space, the natural space, the real space, and the heterogeneous space. Fifthly, the value generation of the underlying images, this study will explore the impact of Jia Zhangke's and Bong Joon-ho's film works on social reality, culture, and audience's emotions, in order to reveal the value and significance of these underlying images. Taken together, the study of the sociality and narrative aesthetics of the underclass in the works of Jia Zhangke and Bong Joon-ho will reveal their commonalities and differences in the representation of underclass narratives. By analysing the backgrounds, methods, and connotations of the works of the two directors, a better understanding will be gained of how the films of the two directors affect the audience and the society, and how these images of the underclass generate value in contemporary cinema. This study will also provide new theories and methods for the study of realist cinema, social underclass images, and Chinese and Korean cinema.

한국 웹 예능프로그램의 중국 현지화에 따른 시청자 만족도 연구 : <신서유기>,<신유기>를 중심으로

천쓰위 청주대학교 대학원 2023 국내박사

중국의 인터넷 웹 예능프로그램 시장은 초기 계몽 단계부터 현제 단계까지 발전해 왔지만, 관객들의 행동 의도는 여러 요인에 의해 영향을 받다. 본 연구의 목적은 시청각적 동기부여, 프로그램 혁신, 현지화, 만족도 및 지속적 이용의도 간의 관계를 분석하는 것이다. 한국의 웹 예능프로그램에 대한 만족도와 다시 시청하려는 의도는 다양한 상황에서 시청자 만족을 위한 중요한 영향을 미친다. 따라서, 본 연구는 한국의 웹 예능프로그램과 중국의 인터넷 예능프로그램을 시청하는 중국 시청자들의 만족도에 초점을 맞췄다. 본 논문에서는 지속적으로 프로그램을 사용하고자 하는 시청자의 의도를 판단하기 위한 이용과 충족이론을 바탕으로 프로그램을 시청하는 시청자의 만족도를 평가하였다. 첫째, 시청자의 시청동기 구조는 네트워크 예능프로그램에서 나타내며, 이는 오락수익, 정보수익, 사회수익의 3가지 요소로 구분할 수 있다. 또한 한국의 웹 예능 프로그램과 중국 웹 예능프로그램을 시청하려는 동기는 시청자의 만족도와 지속적으로 이용하려는 의도에 긍정적인 영향을 미친다. 둘째, 본 연구는 기존의 연구결과를 바탕으로 사용자의 지속적인 사용의도에 영향을 미치는 요인들을 근본이론을 활용한 후, 이용자 만족도와 지속적인 사용의도의 모형을 구성하였다. 결과는 사용자의 지속적인 사용의도는 주로 콘텐츠 혁신, 현지화, 사용자 만족도에 영향을 받으며, 오락 수익 → 만족도 → 지속적인 사용의도 등 여러 가지 방법이 있는 것으로 나타났다.  마지막으로 시청자 만족을 목표로 하는 중국 예능 프로그램들이 한국의 인터넷 예능 프로그램을 특정 장르로 적극적으로 연구해야 할 것이다. 새로운 형태의 한국 인터넷 오락 프로그램은 긍정적인 영향을 미칠 것으로 기대된다. 관객 만족도와 대중문화 형성을 통한 지역사회 전반의 시너지 창출하고자 하였다. 본 연구의 관객중심 분석을 통해 관객동기와 관객만족도는 밀접한 관계가 있으며, 긍정적인 관객만족도가 높을수록 긍정적인 동기를 갖는 것으로 나타났다. 동시에 프로그램의 혁신과 현지화는 프로그램을 지속적으로 사용하려는 청중의 의지에도 영향을 미친다. 그리고 본 논문은 연구결과를 바탕으로 이용자 만족도 및 지속적 이용의도 향상을 위한 몇 가지 제언을 제시하였다. China's Internet variety show market has developed from the initial enlightenment stage to the take-off stage, but the audience's behavior intention is influenced by many factors. The purpose of this study is to analyze the relationship between audience's audiovisual motivation, program innovation, localization, satisfaction and continuous use intention. Satisfaction with Korean Internet entertainment programs and intention to watch them again provide important cooperation factors for audience satisfaction in different situations.Therefore, the study focused on the satisfaction of Chinese viewers watching Korean Internet programs and Chinese Internet entertainment programs. In this paper, the audience's satisfaction in watching the program is based on the use and satisfaction theory to judge the audience's intention to use the program continuously. First of all, the audience's viewing motivation structure reveals the network entertainment program viewing motivation structure, can be subdivided into three elements, entertainment income, information income, social income.In addition, the motivation to watch Korean Internet entertainment programs and Internet entertainment programs has a positive effect on the satisfaction of viewers and the intention to continue using them. Secondly, on the basis of the existing research results, this study uses the root theory to excavate the factors influencing the users' continuous use intention, and then constructs the model of audience satisfaction and continuous use intention.The results show that users' continuous use intention is mainly influenced by content innovation, localization and user satisfaction, and there are many ways such as entertainment income → satisfaction → continuous use intention.  Finally, Chinese entertainment programs, which aim at audience satisfaction, should actively study Korean Internet entertainment programs as a specific genre.The new form of Korean Internet entertainment programs is expected to have a positive impact.Audience satisfaction and the formation of popular culture to create synergy in the community as a whole. Through the audience-centered analysis of this study, it is found that there is a close relationship between audience motivation and audience satisfaction, and the more positive the audience satisfaction, the more positive the motivation.At the same time, the innovation and localization of the program also affect the audience's willingness to use the program continuously. Based on the research results, this paper puts forward some suggestions for improving user satisfaction and continuous use intention: deep cultivation content production, highlighting the local characteristics of network entertainment program.