다문화 미술교육 관점에서의 전통미술 단원 내용 분석 : 2015 개정 고등학교 미술교과서를 중심으로

김찬샘 국민대학교 교육대학원 2021 국내석사

  1990년대 이후 국내사회의 변화와 다문화교육의 유입은 전통미술교육에 새로운 방향을 제시해 주었다. 다문화교육의 일환으로 새로이 주목받은 전통미술교육은 우리 문화를 바탕으로 하는 문화적 정체성의 함양과 다양한 문화의 이해라는 목적을 가지고 발전해왔다. 꾸준한 발전에도 불구하고 전통미술교육은 동화주의적 접근과 피상적인 다문화교육에 그치고 있다는 비판을 받아왔다. 또한 본 연구자의 학습 경험에서도 기존의 전통미술교육은 다문화교육으로서 다양한 문화를 이해하거나 문화적 정체성을 함양하는 수업으로 전개되지 못했었다. 이러한 문제의식을 바탕으로 전통미술교육의 현황을 진단하고 앞으로의 개선 방향을 모색하기 위해 본 연구는 전통미술교육의 내용과 접근이 어떻게 이루어지고 있는지 알아보고자 한다.    이를 위해 현행 2015 개정 고등학교 미술 교과서 속 전통미술 단원을 연구대상으로 삼았다. 분석준거로는 오늘날 전통미술교육의 배경을 제공해 주었던 다문화 미술교육을 제시해 앞선 연구목적을 ‘다문화 미술교육 관점에서 2015 개정 고등학교 미술 교과서 속 전통미술 단원의 내용분석’으로 구체화하여 연구를 진행하였다.  연구 분석에 앞서, 이론적 배경으로 다문화교육으로서 전통미술교육이 가지는 의의를 살펴보았다. 그 결과 전통미술교육은 다문화교육으로서의 가치와 가능성을 충분히 지니고 있으나 접근 방향과 내용 전개에 혼란이 있음을 알 수 있었다. 동시에 미술과에 한정해 다문화교육의 방향과 접근유형을 살펴보았다. 문헌고찰을 통해 다문화 미술교육의 핵심 방향이 미술을 사회·문화적 결과물로 바라보고 그 과정에서 여러 하위문화와 사회구조적 차별을 가시화하는 것임을 알 수 있었다. 추가로 에플랜드, 프리드먼, 스터의 다문화 미술교육 접근유형과 안혜리의 국내 다문화 미술교육 접근 대안을 통해, 주류를 중심으로 하는 ‘모더니즘’과 ’동화주의’ 접근부터 다양한 타자와 민주주의사회 실현을 중시하는 ‘사회재건주의’ 접근까지 다양한 다문화 미술교육 접근 유형과 방법이 있음을 확인할 수 있었다.   다문화 미술교육의 방향과 접근 유형을 토대로 ‘사회·문화적 맥락에서의 접근과 사회구조의 가시화가 이루어지고 있는가?’와 ‘다문화 미술교육 접근유형을 기준으로 어떠한 접근 양상이 주를 이루고 있는가?’를 본 연구의 분석기준으로 제시했다. 이러한 기준을 적용한 전통미술 단원의 내용 분석 연구 결과와 결론은 다음과 같다.  첫째, 전통미술 단원은 우리만의 고유한 사회·문화적 배경을 중심으로 전통미술을 바라보고 해석할 것을 중요시하고 있다. 그러나 전통미술 속 다양한 하위문화나 사회구조의 가시화는 부족했다. 교과서라는 형식이 지닌 분량의 제한과 국가단위 교육과정의 반영이라는 제도적 한계 속에서 전통미술은 ‘전통’과 ‘우리’ 속에 존재하는 다양한 하위문화와 사회구조를 가시화하지 못 하고 있다.  둘째, 전통미술 단원의 활동은 표현기법을 중심으로 ‘모더니즘’ 접근과 ‘동화주의’ 접근이 주를 이루고 있으며, ‘사회재건주의’ 또는 ‘다문화적·사회재건주의 접근’ 유형의 활동은 제시되지 못하고 있다. 결국 다문화 미술교육 관점에서 현행 교과서 속 전통미술 단원은 다양한 타자와의 교류와 사회정의의 실천을 충분히 제시하지 못하고 있다.  따라서 본 연구는 다문화 미술교육으로서 앞으로의 전통미술교육이 전통미술 속에 숨은 다양한 하위문화와 사회적 구조를 가시화하고 비판적 사고와 사회정의를 실천하는 방향으로 후속 연구가 진행될 것을 제안한다.  본 연구는 다문화 미술교육 관점에서 2015 개정 고등 미술 교과서에 반영된 전통미술교육의 현황과 방향을 고찰했다. 이를 통해 기존의 선행연구에서 밝히지 못했던 전통미술교육의 문제를 발견하고 앞으로의 방향을 제안했다는 것에 의의가 있다. Since the 1990s, changes in Korea domestic society to multicultural society and the influx of multicultural education have given a new way to the traditional korean art education. Traditional korean art education, which has received new attention as part of multiculural education, has been developed with the purpose of cultivated cultural identity based on korean culture and understanding multicultural society. Despite steady development, Traditional korean art education has the problem of its superficial multicultural education for assimilation approach. Also, in the experience of researcher, the existing Traditional korean art education could not be developed as a class to understand own cultural identity or the diversity in multicultural society. Based on this problem, the purpose of this study examines the contents and approaches of traditional korean art education to diagnose the current state of Traditional korean art education and find a new way for improvement. For this purpose, traditional korean art units in the 2015 revised high school text books was selected as the research subject. As the basis of analysis, multicultural art education, which provided the background of today’s Traditional korean art education, was presentend. So the purpose of study was embodied as ‘Content Analysis of Traditional Korean Art Units from The Perspective of Multicultural Art Education: Withe the Focus on 2015 Revised High School Art Textbooks’. Prior to content analysis, the significance of traditional korean art educatuion as multicultural education was first examined. As a result, it was found that traditional korean art education has sufficient value and potential as a multicultural education, but there is confusion in the approach direction and content development. At the same time, examined the direction and approach to multicultural education limited to the art department. Through advanced research review, it was found that the core direction of multicultural art education is to view art as a social and cultural outcome, and to visualize various subcultures and social structural discrimination in the process. In addition, through Efland, Freedman, and Stuhr's approach to multicultural art education and Ahn Hye-ri's alternative approach to the korea's multicultural art education, It was found that there are various types and methods of approach from the mainstream-centered 'modernism' and 'assimilation' approaches to the realization of a democratic society 'social reconstruction' approach. Based on the direction and approach to multicultural art education, present the analysis criterion for this study that was 'how the textbook's content was represented in approaches to social and cultural contexts and visualization of social structures?', ' what is the popular approach as multicultural art eduaction?' The results of the content analysis of the traditional korea art unit applying these criteria are as follows. First, the traditional korea art unit’s content places importance on viewing and interpreting based on our unique social and cultural background. However, the visualization of various subcultures and social structures in traditional art was insufficient. Within the institutional limitations of the format in textbooks and the reflection of national curriculum, Traditional korea art could not visualize the various subcultures and social structures that exist and hide in 'tradition' and 'us' Second, the aspects of the traditional art unit are mainly 'modernism' and 'assimilation approaches’ and aspects of 'social reconstructionism' or 'multicultural·social reconstructionist approach' are not suggested. In the end, from the perspective of multicultural art education, the traditional korea art units in the 2015 revised textbooks do not sufficiently present the practice of social justice and exchanges with others. Therefore, this study suggests that the future traditional korea art education as a multicultural art education will visualize the various subcultures and social structures hidden in traditional korea art, and follow-up studies on the direction of practicing critical thinking and social justice. This study examines the current status and direction of traditional korea art education in the 2015 revised high school art textbook from the perspective of multicultural art education. Through this, this study has meaningful in that it discovered the problem of traditional korea art education that had not been revealed in previous studies and suggested a direction.

‘미술가-교사’의 정체성에 관한 현상학적 연구

정윤희 국민대학교 교육대학원 2014 국내석사

통계에 따르면, 오늘날 우리나라에서는 거의 대부분의 미술가들이 미술을 가르치는 일을 병행하고 있다. 그리고 미술교사 중 많은 수가 미술창작활동을 병행하고 있으며, 여건 상 실천하지는 못하고 있지만 창작을 희망하는 경우까지 더한다면 대부분의 미술교사들이 미술창작 실천을 추구하고 있다고 할 수 있다. 그럼에도 이와 같이 미술창작활동을 하는 미술교사나 미술교수활동을 하는 미술가 즉, 미술가-교사에 관한 연구는 국내에서 아직 미비한 상황이다. 이러한 맥락에서 본 연구의 목적은 연구에 참여한 미술가-교사들의 미술창작활동과 미술교수활동 병행의 의미와 정체성을 파악하는 것에 있다고 하겠다. 이를 위해 연구자는 먼저, 역사적으로 미술가와 미술교사의 역할이 어떻게 이루어져 왔으며 또한 어떤 통합과 분리의 과정을 겪어왔는지에 초점을 맞추어 미술과 미술교육의 역사를 개괄하였다. 다음으로, 미술가와 미술교사 그리고 미술가-교사의 정체성에 관한 일반적 인식과 사회적 담론들을 살펴보았다. 그리고 본 연구 주제와 관련한 연구들을 통해 미술가-교사의 개념에 관한 다양한 논의들을 살펴보았다. 다음으로, 본 연구를 위해 모집한 4명의 미술가-교사를 대상으로 그들의 예술관, 그리고 미술창작활동과 미술교수활동 간의 상호작용 및 정체성에 관한 심층면접을 실시하여 그 진술들에 기초한 분석을 시도하였다. 이에 대한 참여자들의 경험에서 비롯된 의미들을 종합하면 다음과 같다. 먼저, 이들에게 미술이란 ‘공동체적 삶을 위한 미술’인 것으로 드러났다. 그러한 미술의 성격을 훨씬 더 직접적으로 드러내는 교수활동을 통해 참여자들은 두 활동이 공통적으로 지향하는 요소를 발견하였다. ‘인간 이해’, ‘관찰’, ‘놀이’라는 세 가지 공통 요소는 모두 자기 외 존재와 관계를 맺는 방식이라는 점에서 ‘관계지향성’을 띄는 것으로 해석할 수 있다. 그리고 이러한 점은 미술창작활동과 미술교수활동을 동일한 본질의 활동으로 인식하도록 하였다. 또한, 미술창작활동이 미술수업 연구를 촉진시키고 미술적 탐구의 독창적 안목을 형성하며 전문가적 교사에 대한 학생의 존경심을 고취시킨다는 면에서 미술교수활동에 긍정적 작용을 한다고 보았다. 그리고 미술교수활동은 먼저, ‘관계 맺음’의 요소가 창작활동의 독단적 측면을 보완한다고 보았다. 더불어, 교육적 관계 속의 학생들이 동반탐구자 역할을 함으로써 자신의 창작활동을 자극하며, ‘자기 교육’과 ‘자기 성찰’ 기회를 제공하고, 경제적 지원을 한다는 점에서 역시 미술창작활동에 긍정적 작용을 하는 것으로 보았다. 이와 같이 상호간 발전을 가져오는 각 활동의 여러 가지 긍정적 작용은 두 활동의 세 가지 공통요소와 함께 미술창작활동과 미술교수활동 간 ‘시너지(synergy)’ 작용을 일으키는 것으로 분석되었다. 이것은 미술창작활동과 미술교수활동이 하나의 유기적 활동으로 통합되며 발전할 수 있는 가능성을 제시한다. 참여자들은 이러한 경험을 기반으로 미술가와 미술교사 역할 병행의 어려움을 극복하며 미술가와 미술교사의 정체성을 형성해간다. 이러한 과정을 통해 연구자는 참여자들이 ‘‘관계지향적 미술-교육’이라는 하나의 활동을 하는 미술가-교사’와 ‘‘온전한 미술가’와 ‘온전한 미술교사’를 지향하는 미술가-교사’라는 정체성을 형성해가는 것으로 추론하였다. 결론적으로 이 두 정체성의 내용을 ‘관계지향적 미술가-교사’라는 개념으로 종합하였다. 이러한 결론을 바탕으로, 미술창작을 중심으로 하는 미술의 영역과 미술교수를 중심으로 하는 미술교육 양쪽 영역에 대한 각각의 시사점을 논하였다. 마지막으로 기존에 정해진 미술가와 미술교사의 경계를 넘나드는 실험적 태도를 제안하며 이들의 역할과 정체성 통합의 가능성에 대해 논하였다.

현대판화의 확장된 영역에 기초한 중학교 부조 판화 수업 연구 : 한지 캐스팅을 중심으로

정지은 국민대학교 교육대학원 2014 국내석사

판에 대한 확장된 개념으로 정의되는 현대판화의 양상은 전통 판화에서 판면을 찍어내는 종이와 밑판이 될 수 있는 목판, 석판 등의 전통적 소재를 다양한 양식으로 폭넓게 확대시켰다. 이것은 특정 이미지를 찍어내거나, 떠내거나, 전사하는 등의 간접적 표현 행위 자체에 주목하고, 이러한 조건을 충족시키는 일체의 예술 장르를 판화의 범주 안에 포함하는 태도에서 비롯된 것이다. 이러한 확장 개념을 바탕으로 하는 현대판화의 작업 양상은 크게 두 가지로 정리되는데, 하나는 전통적 판화기법에 근본을 두고 여러 가지 새로운 시도를 통해 판화가 안고 있던 기존의 제약을 극복하는 작업 형태이고, 다른 하나는 복제 기계나 컴퓨터 프린트 등의 새로운 미디어를 활용한 작업 형태이다. 본 연구에서 다루고자 하는 캐스팅(casting)은 전자의 작업 형태에 포함될 수 있는 것으로 주조법이라고도 불리는 금속·조소영역의 조형기법 중 하나이며, 넓은 의미에서 틀을 사용해 결과물을 떠내는 간접 표현의 작업 양식을 통칭하는 말이다. 캐스팅은 그 표현의 간접성과 에디션의 제작이 가능한 특수성으로 오늘날 판화적 양식의 하나로 분류되고 있으며, 작가들은 이를 활용한 본격적 입체물 및 저부조의 작품을 쏟아내며 장르의 경계를 넘나드는 새로운 모습의 판화를 선보이고 있다. 이러한 변화의 가속화는 오늘날의 판화 교육에 새로운 과제를 부여한다. 그러나 현 중학교 미술 교과서는 이러한 현대판화의 동향을 충분히 담아내지 못하고 있는 것으로 드러났다. 2009개정 교육과정에 따라 새롭게 배포된 중학교 인정 미술 교과서 10종의 판화영역을 조사한 결과 볼록판화, 오목판화, 평판화, 공판화 등의 전통판화를 중심으로 한 학습 내용이 여전히 주를 이루고 있으며, 판화의 확장 개념에 대한 충분한 이론적 설명과 이를 기초로 한 다양한 표현 활동이 매우 부족했다. 이처럼 기존의 한정된 양식에 근거한 학습 구성은 학생들에게 판화에 대한 고정관념을 심어주어 폭넓은 미적 안목의 향상을 저해하고, 창작 활동에 대한 흥미를 떨어뜨릴 수 있다. 본 연구는 새로운 판의 개념이 적용된 한지 캐스팅을 활용하는 표현 활동 위주의 판화 수업을 제시함으로써 단편적 지식 전달이 아닌 체험을 통해 현대판화의 확장된 영역에 대한 이해를 돕고, 이를 바탕으로 한 전통적 제작 방식과의 소통을 통해 더욱 폭넓은 교육적 효과를 내는 것에 그 목표를 두었다. 현장에 적용해 본 결과 판화에 대한 새로운 인식과 함께 시각적·촉각적 체험으로 판화 학습에 대한 흥미 향상, 창의적 표현력의 신장, 미적 안목과 비평력의 향상 및 끈기, 인내심, 집중력, 신중함 등의 인격 형성에 필요한 요소까지 종합적으로 기를 수 있는 부차적인 교육적 가능성을 발견할 수 있었다. 또한 복잡한 판화의 학습 과정에서 또래 학생들 간의 상호작용과 협동심이 유용하게 작용됨을 확인할 수 있었으며 여학생들에 비해 회화적 표현에 소극적인 남학생들도 흥미를 잃지 않고 참여할 수 있었고, 수업 시 안전하고 손쉽게 구할 수 있는 재료와 용구의 사용, 까다로운 작업절차에 흥미로운 태도로 적응하는 모습으로 미루어 실제 중학교 학교 현장에서 유용하게 적용될 수 있는 수업이라 판단되었다. 본 연구는 확장된 현대판화의 영역을 기초로 한지 캐스팅을 활용한 부조 판화 수업을 제시함으로써 지식 전달 위주로 짧게 구성된 중학교 현대 판화 교육을 활성화 시키고자 했다는 점에서 그 의의를 지닌다. 앞으로 학교 현장에 맞는 보다 실제적인 구성, 다양한 재료의 개발로 현대판화의 새로운 영역을 체험할 수 있는 수업 연구가 지속적으로 이루어져야 할 것이다.

다양한 이미지 표현 방식을 통한 디지털 판화수업에 관한 연구 : 고등학교 미술교과서 분석을 중심으로

이현서 국민대학교 교육대학원 2013 국내석사

As Information Communication Technology develops, digital media have been actively used as tools of information transmission and communication in overall culture, economy, and daily life. Moreover, they have become new expressive tools as they expanded to the field of art. In modern art, various genre has appeared that took advantages of digital media such as photo, graphic, and image. Similary, digital printmaking appeared as making use of digital media as the plate in printmaking. Digital printmaking is printmaking that makes use of digital printing techniques and depending on the purpose of the artist it is made with the course of compiling and printing image through computer programs. Digital printmaking satisfies pluralism, indirectness and uniqueness that are basic attributes of traditional printmaking in the point of utilizing digital media. In addition, it came to have the original attributes of digital image such as full replication, immediate accessibility, manipulation possibilities, interactivity and networking. With these attributes in digital printmaking, a visual representation became possible that was not seen in traditional printmaking with the realistic representation, unlimited replication and adjustment of image. Moreover, with the flow of postmodernism, printmaking expanded its area by intergrating with other genre such as painting, installation work, or by being produced in the form of bookart turning out into various works. However, in the case of normal high school art class digital printmaking is not fully understood because it is based on the textbook in which contents are mainly about traditional printmaking techniques. Examining the five kinds of 'Art' textbooks and the five kinds of 'Art and Life' textbooks of current 2007 curriculum, we can realize the contents mainly consist of traditional printmaking such as convex printmaking, concave printmaking, flat printmaking, and stencil. The explanation about the making process is limited to its particular techniques as well. Despite the inclusion of digital printmaking in textbooks, it is difficult for students to understand digital printmaking as expanded form of printmaking and it is rare for students to directly experience it because textbooks lack the explanation of concepts and techniques. Likewise, digital printmaking lessons which are not able to offer experiences about various techniques can discourage students' interests in creative activities. Thus, this study presents three ways, assorted above, to improve these situations using digital media in printmaking class. Through Digital printmaking, mage replication and transformation, digital printmaking integrated with pictures or installation work, digital printmaking of the bookart form, students are more likely to be interested in producing piece of work by paying attention to their surroundings and expressing it visually. Furthermore, by making a piece of art beyond genre and form, students can understand and experience modern art and by exhibiting and appreciating their own work with the Internet students can freely interact with viewers. This study has educational significance in the point of activating highschool digital printmaking class by presenting the class that applies a representing way of image specifically. 정보통신기술이 발달하면서 디지털 매체는 정보 전달의 수단이자 소통의 도구로서 문화, 경제, 일상생활의 전반에서 활발하게 사용되고 있으며, 나아가 예술 영역으로 확대되면서 새로운 표현의 도구가 되었다. 현대 미술에서 사진이나 그래픽, 영상 등 디지털 매체를 활용한 다양한 장르가 생겼으며 판화 역시 디지털 매체를 하나의 판으로 활용하면서 디지털 판화가 등장하였다. 디지털 판화란 디지털 프린팅 기법을 활용한 판화로 작가의 의도에 따라 컴퓨터 프로그램을 통해 이미지를 편집하고 인쇄하는 과정을 거쳐 제작된다. 디지털 판화는 디지털 매체를 활용한다는 점에서 전통 판화의 기본적인 속성인 복수성, 간접성, 고유성을 모두 충족시키며 디지털 이미지의 특성인 완전 복제성, 즉각적 접근가능성, 조작가능성, 상호작용성, 네트워크성 등 고유의 특성을 가지게 되었다. 이러한 특성으로 인해 디지털 판화는 전통 판화와 달리 이미지의 사실적인 표현과 무한한 복제, 수정이 가능해지면서 전통판화에서 볼 수 없었던 시각적 표현이 가능해졌다. 또한 포스트모더니즘의 흐름과 함께 타 장르와의 접목을 통해 표현 영역이 확장되면서 디지털 판화는 회화 또는 설치 작업과 접목되기도 하고 북아트 형식으로 제작되기도 하면서 다양한 작품들이 등장하게 되었다. 그러나 일반적으로 고등학교 미술 수업의 경우, 전통 판화 기법중심으로 구성된 교과서 내용을 토대로 하기 때문에 디지털 판화에 대한 이해가 부족하다. 현행2007 교육과정의 ‘미술’ 교과서 5종과 ‘미술과 생활’ 교과서 5종을 살펴보면 볼록 판화, 오목판화, 평판화, 공판화 등 전통판화를 중심으로 학습내용이 구성되어 있으며 제작 과정에 대한 설명 역시 특정 기법에 한정되어 있음을 알 수 있다. 또한 교과서 안에 디지털 판화가 수록되어 있음에도 불구하고 개념과 기법적인 설명이 부족하기 때문에 학생들은 확장된 판화로서 디지털 판화를 이해하기 어려우며 직접 체험해볼 수 있는 기회가 없다. 이렇듯 다양한 기법에 관한 체험을 제공하지 못하는 디지털 판화수업구성은 학생들의 창작활동에 대한 흥미를 떨어뜨릴 수 있다. 따라서 본 연구에서는 이와 같은 문제점을 개선하기 위해 위에서 분류한 세 가지 표현 방식에 따라 디지털 판화 수업안을 제시하고자 한다. 이미지 복제와 변형을 통한 디지털 판화, 회화 또는 설치 작업과 접목한 디지털 판화, 북아트 형식의 디지털 판화를 통해 학생들은 자신의 주변 환경에 관해 관심을 갖고 시각적으로 표현해냄으로서 작품제작에 대한 흥미를 느낄 수 있다. 또한 탈 장르, 탈 형식의 작품을 제작해봄으로서 현대 미술을 이해하고 체험할 수 있으며, 인터넷을 활용하여 자신의 작품을 전시하고 감상함으로써 관람객과 자유롭게 의사소통을 할 수 있으리라 생각한다. 본 연구는 현대 미술에서 볼 수 있는 이미지 표현방식을 구체적으로 적용한 수업을 제시함으로써 고등학교 디지털 판화 수업을 활성화 시키고자 했다는 점에서 교육적 의의를 지닌다.

추체험을 활용한 미술사 수업에서 청소년의 공감능력 신장에 관한 연구

심재희 국민대학교 2016 국내석사

타인의 감정을 잘 파악하고 공감할 줄 아는 능력은 이타적 사고와 친사회적 행동을 유발하며 원만한 교우관계를 형성할 수 있어 청소년기의 학생들에게 반드시 필요한 능력이다. 그러나 지나친 경쟁 위주의 사회구조와 입시 중심의 교육환경 탓에 청소년들은 자신과 관련된 것에만 관심을 가지고 타인의 입장이나 감정을 파악하는 데 둔감해지고 있다. 현재 우리 사회의 심각한 문제로 떠오른 학교폭력도 피해 학생의 고통에 공감할 수 있는 공감능력의 부재에 기인한다고 주장하는 연구들이 나오고 있다. 따라서 본 연구는 청소년기에 공감능력을 신장하는 교육이 절실히 필요하다고 보아, 추체험과 공감의 관계성을 살펴보고, 추체험을 활용한 미술사 수업을 통해 청소년들의 공감능력을 신장할 수 있는지 고찰하였다. 이를 위하여 역사 교과에서 주로 활용되는 추체험의 방법을 미술사 수업의 특성에 맞게 적절하게 변형 및 재구성하여 수업을 개발하고 실행한 후, 공감적 측면에서 교육적 가치가 있는지 살펴보았다. 본 연구에서 개발된 미술사 수업은 2015년 10월 24일부터 11월 7일까지 총 8차시로 이루어졌으며, 경기도 고양시 소재 J고등학교에서 방과후 미술부 활동을 하고 있는 고등학교 1학년 여학생 6명, 남학생 2명 총 8명을 대상으로 수업이 진행되었다. 다양한 수업 매체를 통해 이루어진 작가에 대한 이해 학습을 바탕으로 작품제작 이전 작가의 사고과정을 추체험하는 활동을 미술사 수업에 도입하였으며, 사전·사후 검사와 활동지 및 학생 작품, 인터뷰 분석을 통해 나타난 연구결과는 다음과 같다. 첫째, 미술사 수업에 추체험 활동을 도입한 결과 연구에 참여한 고등학생들의 공감능력이 신장되었다. 공감능력에 대한 사전·사후 검사 분석을 통해 추체험을 활용한 미술사 수업이 학생들의 공감능력 향상에 효과적이었음을 알 수 있었다. 둘째, 추체험 활동을 통해 작품을 보는 관점이 변화함에 따라 작품에 대한 이해력이 함께 향상되었다. 수업에 사용되었던 활동지 및 학생 작품을 분석한 결과, 작가의 입장에서 작품을 감상하는 추체험 활동은 학생들이 작품을 보다 정확히 해석하고 이해할 수 있게 한 것으로 나타났다. 셋째, 미술사 수업에 대한 학생들의 긍정적인 인식을 이끌어냈고, 학생들의 흥미를 높여 수업 참여를 장려하였다. 사후 인터뷰 내용을 분석한 결과, 수업에 참여한 대부분의 학생이 추체험 활동을 활용한 본 연구의 미술사 수업에 적극성과 작품 감상에 대한 자신감을 보인 것으로 나타났다. 본 연구는 추체험을 활용한 미술사 수업을 통해 작가의 입장에서 작품의 내용과 표현 방법을 생각해보고 이해하는 기회를 제공함으로써 지식 전달 위주의 방법에 국한되었던 기존의 미술사 수업에 공감능력 신장의 가능성을 제시했다는 점에서 의미 있는 시도이다. 또한, 추체험 활동이 학습자의 지적 발달뿐 아니라 인성적 발달에도 도움을 줄 수 있다는 것을 밝힘으로써 기존의 선행연구들과 차별화된다는 점에서도 가치가 있다. 앞으로도 추체험의 학습 방법을 적용하여 학습자들의 공감능력을 신장시키고자 하는 다양한 미술사 수업이 지속적으로 시도되어야 할 것이다.

포스트모던 사진자화상의 전략을 활용한 표현지도방안 연구 : 고등학생을 중심으로

박준희 국민대학교 2016 국내석사

오늘날의 대다수 청소년들은 자신을 둘러싼 급변하는 사회문화적 환경 속에서 청소년기의 발달과업인 자기정체성을 확립하지 못한 채 살아가고 있다. 청소년기의 정체성 교육은 다른 어떤 교육보다 우선적으로 선행되어야 하므로, 이를 효과적으로 도울 수 있는 방안이 필요하다. 연구자는 미술 수업 안에서의 사진 교육을 통해 그것이 실현 가능하다고 본다. 왜냐하면 사진은 이 시대를 살아가는 청소년들이 자신을 둘러싼 주변 세계를 이해하고 탐색하며 자기만의 창의적이고 독창적인 제작활동을 할 수 있는 표현도구이기 때문이다. 따라서 본 연구는 학생들에게 포스트모던 사진자화상의 전략을 활용한 표현지도 방안을 제안함으로써 사진 수업에 대한 흥미와 긍정적인 인식을 심어주고, 자신의 정체성에 대해 다양한 경험과 새로운 탐색을 할 수 있는 시간을 가질 수 있도록 하는데 목적을 두었다. 또한, 학생들이 쉽게 다룰 수 있고 학생들의 생각을 즉각적으로 표현 할 수 있는 사진매체를 통해 표현력과 표현전략의 향상을 도모하고자 하였다. 본 연구는 2015년 10월 18일부터 11월 1일까지 총 5차시 수업을 통해 이루어졌으며, 서울시에 있는 7군데 고등학교에서 참여를 희망하는 여학생 5명, 남학생 2명 총 7명을 대상으로 수행되었다. 이 학생들은 사진의 전체적인 역사적 흐름 속에서 포스트모던 사진의 등장 배경과 포스트모던 사진 자화상의 의미에 대하여 알아보고, 사진 자화상의 전략과 표현된 정체성을 토대로 한 포스트모던 사진자화상 작가들의 작품 특징에 대하여 이해하였다. 그리고 표현활동을 통하여 학생들 자신의 관심과 흥미를 끄는 작가를 선정한 후, 그 작가의 전략을 활용한 자신의 작품을 계획하여 촬영해보도록 하였으며 연구결과는 다음과 같다. 첫째, 포스트모던 사진자화상의 개념 및 표현전략에 대한 이해력이 향상되었다. 사전 인터뷰에서 포스트모던의 개념을 알지 못했던 학생들은 본 연구를 통해 포스트모던 사진자화상의 특성을 말할 수 있게 되었으며, 다양한 개성을 지닌 사진작가들의 표현전략을 통해 학생들의 사진작품에 대한 시각도 새롭게 변화되었다. 둘째, 포스트모던 사진자화상에 대한 표현 및 학습에 대한 흥미가 향상되었다. 학생들은 사진이라는 매체에 대한 두려움 없이 자신의 생각을 표현하는 것에 흥미를 느꼈으며, 다양한 작가의 전략을 학습하여 다양한 방법으로 자신을 표현함이 가능함과 앞으로도 자신만의 표현전략을 활용한 무한한 표현의 가능성이 있음을 알게 되었다. 셋째, 포스트모던 사진자화상 수업을 통해 미술수업에 대한 학생들의 인식이 긍정적으로 변화하였다. 이것은 본 연구가 기존의 미술수업에서 하지 못했던 매우 적극적인 사고와 행동을 유발하였기 때문에 활동적이고 즉각적인 청소년기의 학생 특성에 적합하였고 그들의 생각이 긍정적으로 바뀔 수 있었다. 포스트모던 사진자화상에 대한 선행논문에서는 포스트모던 사진자화상 작가를 제시하여 각각의 특성을 설명하는 것에 그쳤지만, 본 연구에서는 포스트모던 사진자화상의 범주를 확대하고, 다양한 작가들의 사진작품을 분류하여 학생들이 선택한 그룹에 속한 작가의 표현기법을 활용하여 자신의 정체성을 표현해봄으로써 실제적으로 수업에 적용할 수 있는 지도안을 연구하였다. 그러므로 이와 같은 수업은 의미 있는 시도라고 할 수 있고, 앞으로 이러한 포스트모던 사진자화상 수업을 통해 청소년기 학생들의 사진에 대한 긍정적인 인식이 향상되고, 다양한 사진자화상 수업 활동이 개발되어야 하겠다.

프레지를 활용한 디지털스토리텔링 : 고등학교 맥락주의 미술사수업

위선영 국민대학교 교육대학원 2014 국내석사

2015 개정 중학교 미술교과서 내 협동학습 내용분석 : 전수적 관점, 교류적 관점, 변혁적 관점 중심으로

김소정 국민대학교 2022 국내석사

Today's society has a form of cooperation that creates common values by division of labor for efficiency and fulfilling roles with one achievement goal. Therefore, cooperative learning is essential before moving into society. The purpose of this study is to diagnose the current perspective of cooperative learning in the 2015 revised middle school art textbooks and to find the direction of the future teaching perspective. Before analyzing cooperative learning in the 2015 revised middle school art textbook, we will learn about the concept of cooperative learning, the background and characteristics of cooperative learning, and why the teacher's perspective is important in cooperative learning based on this theoretical background. Afterwards, the necessity of cooperative learning is identified based on the relationship between cooperative learning and the essential competencies revised in 2015, and the perspectives and effects of various cooperative learning art programs are analyzed to find out the necessity of cooperative learning in current art education. This researcher conducted a study by analyzing the contents of cooperative learning in the 2015 revised middle school art textbooks. In order to understand how much cooperative learning is reflected in middle school art textbooks, analysis questions are created based on the concept of cooperative learning suggested by Cohen(1994), and the proportion of cooperative learning in art textbooks is analyzed using questions. After that, similar types of cooperative learning activities for each subject are analyzed to divide the commonalities and differences of the learning content. The last analysis method is to create an analysis question based on Brody's(1998) three perspective tables of cooperative learning perceived by teachers, and then analyze cooperative learning activities in the 2015 revised middle school art textbook from a total perspective, an exchange perspective, and a transformational perspective. The results of the research analysis are summarized as follows. First, as a result of analyzing a total of nine 2015 revised middle school art textbooks based on the classification analysis questions of cooperative learning and non-cooperative learning based on Cohen's(1994) concept, cooperative learning accounted for 11.5% of the total textbooks. This analysis shows the results of not many cooperative learning in the revised middle school art textbooks in 2015. Second, as a result of analyzing the proportion of cooperative learning in the 2015 revised middle school art textbook, it was possible to classify the frequently appearing topics into five types among cooperative learning activities. The five types of cooperative learning were cooperative learning using natural objects, school improvement cooperative learning, design production cooperative learning, video production cooperative learning, and exhibition planning cooperative learning, and the average number of cooperative learning activities by type was 11. In addition, these activities differ only in the name of the activity, but the contents of the class are the same, showing the result that various cooperative learning activities for each textbook were not presented. Third, as a result of analyzing cooperative learning activities in the 2015 revised art textbooks from three perspectives, balanced content organization was not achieved. The proportion of the analysis results was 54.9% from the transmissional perspective, 32.5% from the transactional perspective, and 12.5% from the transformational perspective. These results show the results of recognizing cooperative learning as a teaching strategy rather than effective cooperative learning in cultivating future competencies presented in the 2015 revised general theory and organizing the 2015 revised middle school art textbooks. This study has the following significance. It is meaningful that it is possible to discuss limitations and improvement measures by analyzing the activities of cooperative learning in the 2015 revised middle school art textbooks in a total of three ways. Finally, by analyzing the cooperative learning activities in the current textbook from three perspectives, it was found that most cooperative learning was centered on a transmissional perspective. In order to improve this problem, it is necessary to explore various directions of activities to which teaching-learning method should be conducted, and it is expected that follow-up studies such as 'development of cooperative learning programs centered on transactional and transformational perspectives' will be conducted. 오늘날의 사회는 하나의 성취 목표를 가지고 여러 사람이 효율성을 위해 분업화하며 역할을 이행함으로써 공동의 가치를 창출하는 협동의 형태를 가지고 있다. 따라서 사회로 나아가기 전 협동학습은 필수적이다. 본 연구는 2015 개정 중학교 미술교과서 속 현행 협동학습의 관점을 진단해보고 앞으로의 수업관점 방향을 모색하는 데 연구의 목적을 둔다. 2015 개정 중학교 미술교과서 내 협동학습을 분석하기에 앞서 협동의 개념과 협동학습의 개념, 등장 배경과 특징, 원리에 대해 알고 이러한 이론적 배경을 바탕으로 협동학습에서 교사의 관점이 중요한 이유에 대해 알아본다. 이후 협동학습과 2015 개정 필수역량의 관계를 바탕으로 협동학습의 필요성에 대해 파악한 후 현 미술교육에서 협동학습의 필요성을 알아보기 위해 다양한 협동학습 미술 프로그램 사례들의 관점, 효과성을 분석하여 본 연구의 토대를 마련한다. 본 연구자는 2015 개정 중학교 미술교과서 내 협동학습 내용분석으로 연구를 진행하였다. 분석 방법은 중학교 미술교과서에서 협동학습을 얼마나 반영하고 있는지 파악하기 위해서 Cohen(1994)이 제시한 협동학습의 개념을 바탕으로 분석 질문을 만들고 질문을 활용하여 미술교과서 내 협동학습 비중을 알아보는 것이다. 이후 주제별 비슷한 유형의 협동학습 활동들을 분석하여 학습 내용의 공통점, 차이점을 나누어본다. 마지막으로 Brody(1998)가 제시한 교사가 인식하는 협동학습의 3가지 관점 표를 바탕으로 분석 질문을 만든 후 질문을 활용하여 2015 개정 중학교 미술 교과서 내 협동학습 활동을 전수적 관점, 교류적 관점, 변혁적 관점으로 분석한다. 연구 분석의 결과를 종합한 내용은 다음과 같다. 첫째, Cohen(1994)의 개념을 바탕으로 만든 협동학습과 비협동학습의 구분 분석 질문을 토대로 총 9종의 2015 개정 중학교 미술교과서를 분석한 결과 협동학습이 교과서의 전체에 11.5%를 차지하고 있었다. 이러한 분석은 2015 개정 중학교 미술교과서에 협동학습이 많이 편성되지 못한 결과를 보여준다. 둘째, 2015 개정 중학교 미술교과서 내 협동학습의 비중을 분석해본 결과 협동학습 활동 중에서 자주 등장하는 주제를 5가지 유형으로 구분 지을 수 있었다. 협동학습의 5가지 유형은 자연물을 이용한 협동학습, 학교 개선 협동학습, 디자인 제작 협동학습, 영상 제작 협동학습, 전시기획 협동학습으로 유형별 협동학습의 활동 수는 평균적으로 11개의 활동을 가지고 있었다. 또 이 활동들은 활동명만 다를 뿐 구성하고 있는 수업 내용은 똑같아 교과서별 다양한 협동학습 활동이 제시되지 못한 결과를 보여준다. 셋째, 2015 개정 미술교과서 내 협동학습 활동들을 3가지 관점으로 분석한 결과, 균형 잡힌 내용 편성이 이루어지지 않았다. 협동학습의 관점별 비중은 전체 협동학습에서 전수적 관점은 54.9%, 교류적 관점은 32.5%, 변혁적 관점은 12.5%를 차지하고 있었다. 이와 같은 결과는 2015 개정 총론에서 제시하는 미래역량을 함양하는데 효과적인 협동학습이 아닌 협동학습을 하나의 교수 전략으로 인식하고 2015 개정 중학교 미술교과서를 편성한 결과를 보여주고 있다. 본 연구는 다음과 같은 의의를 갖는다. 2015 개정 중학교 미술교과서에 있는 협동학습의 활동을 총 3가지의 방법으로 분석함으로써 한계점과 개선방안에 대해 논의할 수 있다는 데 의미가 있다. 마지막으로 현행 교과서 속 협동학습 활동을 3가지 관점으로 분석하면서 대부분의 협동학습이 전수적 관점 중심으로 이루어져 있다는 것을 발견했다. 이러한 문제점을 개선하기 위해 협동학습이 어떤 교수-학습 방법으로 진행되어야 하는지 다양한 활동 방향에 대해 탐구할 필요가 있고 ‘교류적, 변혁적 관점 중심의 협동학습 프로그램 개발’이라는 후속 연구들이 이루어지길 기대한다.

놀이중심 미술교육의 성찰적 접근 가능성-가다머(Gadamer)의 놀이 개념을 중심으로

정윤희 국민대학교 2022 국내박사

Within the context of the increasing interest in play in art education, this study began with the question on how one can connect play and art creation, and play and learning. The researcher found the idea of connecting students' voluntary play to art creation and learning in H.-G. Gadamer's concept of play. Therefore, the purpose of this study is to explore the possibility of a new approach in play-centered art education based on the characteristics of Gadamer's concept of play. As specified in recent art curriculum, play is treated as an important learning strategy that emphasizes creative and diverse experiments and self-directed performance, in order to achieve the purpose of art education, such as understanding of oneself and the world through art. In the field of elementary art education, play is mainly conducted in the form of artistic play and integrated arts play, and in the field of early childhood art education, education is conducted mainly based on the ontological characteristics of play. In reality, however, teachers in the field of play-centered art education are experiencing many difficulties in implementing students' voluntary play as a curriculum. According to Gadamer, during the transition process to art, play allows the player to gain excellent knowledge, that is, an understanding that cannot be acquired by theoretical learning. Therefore, from Gadamer's point of view, play, art, and understanding are the same fundamental activities that occur sequentially or simultaneously, and the original aspect of Gadamer's concept of play explains the relationship between play, art creation, and learning. Among the implications of Gadamer's play and understanding, the concepts, such as 'prejudice', 'conversation', and 'selfunderstanding' in particular, give a new insight for the preparation of alternatives to the difficulties and limitations of play-centered art education. Based on these three concepts, the researcher proposes a new possibility in play-oriented art education, by conducting research on the following didactic transposition. Firstly, by transposing the concept of 'prejudice' contained in Gadamer's play to the concept of 'respect for teachers', the researcher suggests a play-oriented class, in which students' voluntary play develops into works of art through the guidance of the teacher. Secondly, by transposing the concept of 'conversation' contained in Gadamer's play to the concept of 'transformative interaction', the researcher suggests a play-oriented class, in which each student's voluntary play creates a transformative interaction with each other and develops into a blended work of art. Thirdly, by ransposing the concept of 'self-understanding' contained in Gadamer's play to the concept of 'self-education', the researcher suggests a play-oriented class, in which students write their daily record of play and perform self-directed tasks in the process of developing their voluntary play into works of art. In this way, the researcher proposes the playcentered art curriculum and class examples that demonstrate the three characteristics of play-centered art education and analyzed them from Gadamer's point of view. It is the 'self-reflection attitude' that consistently penetrates the three implications of Gadamer's concept of play and understanding, the content of its didactic transformation, and the art curriculum and examples to which it is applied. This is the attitude that students must learn to transpose their voluntary play to art creation and excellent learning in play-centered art education. This 'reflective play' transcends the limits of education from a traditional point of view and a deconstructive point of view. Such play does not exist merely as a means to convey the content of the subject, nor does it remain in a state of neglect for free expression of student's self. This is because despite the fact that the reflective play is conducted voluntarily, its infinite imagination is controlled through horizontal fusion with various conversation participants that the students meet in the play. In this way, play is transformed into a work of art, while producing a superior understanding. 본 연구는 미술교육에 있어서 놀이에 대한 관심이 점차 증대되며 다양한 교육적 시도가 이루어지는 가운데, 놀이와 예술 창작, 놀이와 학습을 어떻게 연결시킬 것인가에 관한 문제의식에서 시작되었다. 연구자는 가다머의 놀이 개념에서 학생의 자발적인 놀이를 예술 창작과 학습으로 연결할 아이디어를 찾았다. 따라서 본 논문의 목적은 가다머 놀이 개념의 특성을 기초로 놀이중심 미술교육에의 새로운 접근 가능성을 모색하는 것이다. 놀이는 최근의 미술교육과정에 명시된 바와 같이, 미술을 통한 자신과 세계 이해라는 미술교육의 목적 달성을 위한 창의적이고 다양한 실험과 자기주도적 수행을 강조하는 중요한 학습전략으로 다루어진다. 초등 미술교육 현장에서 놀이는 주로 조형놀이와 예술통합놀이 등의 형태로 실행되고 유아 미술교육 현장에서는 주로 놀이의 존재론적 특성에 기반한 교육이 이루어진다. 그러나 실제로 놀이중심 교육 현장의 교사들은 학생들의 자발적 놀이를 교육과정으로 실천하는 데 많은 어려움을 겪고 있다. 가다머에게 있어 놀이는 예술로 변화하면서 놀이하는 사람으로 하여금 이론적 학습으로는 도달할 수 없는 탁월한 지식의 획득, 즉 이해에 이르게 한다. 따라서 가다머의 관점에서 놀이와 예술과 이해는 연속적으로 혹은 동시에 일어나는 동(同)근원적인 활동이며, 이와 같은 가다머의 놀이 개념의 독창적인 면모는 놀이와 이해의 의미에 관한 새로운 지평을 드러낸다. 놀이와 직결된 이해의 본질을 밝히기 위해 가다머가 논의한 개념 중 ‘선입견’, ‘대화’, ‘자기 이해’ 는 놀이중심 미술교육의 어려움과 한계에 대한 대안의 마련을 위한 새로운 통찰을 준다. 연구자는 이 세 가지 개념을 바탕으로 다음과 같이 교육학적 변환 작업을 하여 놀이중심 미술교육의 새로운 가능성을 제시한다. 첫째, 가다머의 놀이에 내포된‘선입견’ 개념을 ‘교사 존중’의 개념으로 변환함으로써 교사의 지도를 통해 학생의 자발적인 놀이를 예술작품으로 발전시켜가는 놀이중심 수업을 제안한다. 둘째, 가다머의 놀이에 내포된 ‘대화’ 개념을 ‘개변적 상호작용’의 개념으로 변환함으로써 각각의 학생들의 자발적인 놀이가 서로 간에 개변적인 상호작용을 일으켜 융합된 하나의 예술작품으로 발전시키는 놀이중심 수업을 제안한다. 셋째, 가다머의 놀이에 내포된 ‘자기 이해’ 개념을 ‘자기 교육’의 개념으로 변환함으로써 학생의 자발적인 놀이를 예술작품으로 발전시키는 과정에서 놀이일지를 작성하고 자기주도적 과제를 수행하는 놀이중심 수업을 제안한다. 이처럼 놀이중심 미술교육의 세 가지 특성을 보여주는 놀이중심 미술교육과정과 수업 사례를 제시하고 이를 가다머의 관점에서 분석한다. 가다머의 놀이와 이해 개념의 세 가지 함의와 그 교육학적 변환의 내용, 그것을 적용한 미술교육과정과 사례를 일관되게 관통하는 것은 ‘성찰적 태도’이다. 이는 놀이중심 미술교육에서 자발적 놀이를 예술 창작과 탁월한 학습으로 변화시키기 위해 학생들이 배워야 할 태도이다. 이와 같은 ‘자기성찰적 놀이’는 전통적 교육과 해체주의적 교육의 한계를 초월하게 한다. 이러한 놀이는 단지 교과 내용의 효과적 전달을 위한 수단으로 머무르지도, 학생 자아의 자유로운 발산을 위해 무한히 확장되지도 않는다. 왜냐하면 ‘자기성찰적 놀이’는 자발적으로 이루어지되 그 자유로운 상상력은 놀이에서 만나는 여러 대화 참여자들과의 지평융합을 통해 제어되고 수렴되어 보편적 차원으로 고양되기 때문이다. 이를 통해 놀이는 예술작품으로 변화하며 탁월한 이해를 창출한다.

미술 교과서 내 저작권 교육 내용 분석 및 개발 방향 연구 : 2015 개정 고등학교 미술교과서를 중심으로

박수진 국민대학교 2022 국내석사

사회 전반적으로 큰 변화가 일어나는 정보지식사회 속에서 우리는 무형재산을 손쉽게 얻고 주고받을 수 있게 되었다. 무형재산에 대한 손쉬운 접근과 사용이 가능함은 잘못된 사용으로 인한 저작권 침해의 문제로 이어지게 된다. 이는 청소년들에게 있어서도 예외가 아니다. 미술 활동의 기반이자 창작물로 이어지는 아이디어 또한 무형재산에 속하며, 올바른 미술 활동과 미술품 향유를 위해 학교 미술 교육에서도 저작권 교육에 대한 필요성이 대두되고 있다. 이러한 상황 속에서 2010년대부터 미술교육에서의 저작권교육에 대한 연구가 진행되어 오고 있었으나, 고등학교 미술 교과서만을 중점적으로 진행한 연구는 없었으며 구체적인 콘텐츠에 대한 제시가 적었다. 이에 본 연구자는 고등학교 미술 교과서를 대상으로 연구를 진행하며 연구를 통해 미술 교과서 내 저작권 교육 내용 개발 방향에 대해 구체적으로 제시해보고자 했다. 현재 교육 현장에서 저작권과 관련된 교육이 어떻게 이루어지는지 그 현황을 알아보고자 학교 교육의 주 자료인 교과서를 중심으로 알아보고자 했다. 김형진(2011)이 정리한 공정이용 여부의 기준을 바탕으로 ‘원작에 새로운 표현과 의미가 더하여졌는가?’, ‘원작이 단순한 사실을 묘사한 것이 아니라 표현적이거나 창의적인가?’, ‘원작으로부터 사용된 부분이 전체 작품에서 상당한 양과 질이 사용되었는가?’, ‘원작과 원작을 이용한 후속작품들의 잠재적 시장이나 가치에 부정적인 영향을 미쳤는가?’라는 4가지 분석 질문을 도출하였다. 도출된 준거를 통해 현행 고등학교 미술 교과서의 저작권 관련 내용을 분석하였고 분석의 결과를 종합하자면 다음의 내용과 같다. 첫째, 교과서 분석 결과를 보면, 공정이용의 기준에 맞는 저작권 침해의 예외 기준 내용들과 도판들이 주를 이루고 있다. 둘째, 모든 교과서에서 저작권이란 용어가 직접적으로 언급되지 않고 오마주나 패러디 등 관련 내용만이 활용되고 있다. 셋째, 현행 고등학교 교과서에서 같은 작가의 작품들 혹은 같은 작품들이 여러 교과서에 반복해서 제시되고 있다. 넷째, 제시된 도판 모두 서양작가들의 작품으로 구성되어 있어 한국작가의 작품으로 저작권 관련 내용을 제시한 부분을 찾아보기 어려웠다. 분석된 결과를 기반으로 본 연구는 미술 교과서 내 저작권 교육 개발 방향을 제시하였다. 미술 교과서 내 교육 방향에서 출발하여 도판 선정 및 교육 내용, 그리고 저작권 교육을 위한 미술 교과서 체제까지 모색할 수 있었다. 이를 바탕으로 제시한 미술 교과서 내 저작권 교육 내용 개발의 예시로 총 교과서 예 4장을 제안하였다. 크게 대단원 한 개와 소단원 세 개, 활동하기 두 개, 생각해보기 두 개로 구성하였으며 미술에서 저작권 필요성과 저작권 관련 용어의 개념을 명화, CF, 드라마, 영화의 예시를 사용하여 학생들의 흥미를 유발할 수 있도록 도판과 내용을 구성하여 제시하였다. 본 연구는 공정이용의 관점에서 2015 개정 고등학교 미술 교과서 내 저작권 관련 내용 현황을 알아보았고 도출된 결과를 기반으로 저작권 교육을 위한 미술 교과서 방향 및 내용에 대해 고찰하였으며 구체적인 콘텐츠와 그를 활용하기 위한 교과서 예시를 제시하였다. 이를 기반으로 본 연구에서는 기존의 선행연구에서 진행되지 않았던 고등학교 미술 교과서를 중점으로 저작권 교육 내용을 분석하고 구체적인 미술 교과서 내 저작권 교육 방향과 내용을 제안했다는 것에 의의가 있다. In an information-knowledge society in which major changes occur in society as a whole, we can easily obtain, give, and take intangible property. The ease of access and use of intangible property leads to a problem of copyright infringement due to incorrect use. This is no exception for teenagers. Ideas that are the basis of art activities and lead to creations also belong to intangible property, and the need for copyright education in school art education is emerging for proper art activities and art enjoyment.In this situation, research on copyright education in art education has been conducted since the 2010s, but there were no studies focusing only on high school art textbooks, and there were few specifically presented contents. Therefore, this researcher conducted a study on high school art textbooks and attempted to specifically present the direction of development of copyright education contents in art textbooks through research. In order to find out the current status of copyright-related education in the current educational field, it was intended to focus on textbooks, the main data of school education. Based on the criteria for fair use compiled by Kim Hyung-jin (2011), four analytical questions were drawn: 'Were the new expressions and meanings added to the original work?', 'Did the part used from the original work account for a significant portion of the entire work?', and 'Did it negatively affect the potential market or value of the follow-up work?' Through the derived criteria, the contents related to copyright in the current high school art textbook were analyzed, and the results of the analysis are summarized as follows. First, looking at the results of textbook analysis, the contents and drawings of exceptional standards for copyright infringement that meet the criteria for fair use are mainly composed. Second, the term copyright is not directly mentioned in all textbooks, and only related contents such as homage and parody are used. Third, in the current high school textbooks, the works of the same artist or the same works are repeatedly presented in various textbooks. Fourth, it was difficult to find the part that presented copyright-related contents as works of Korean artists because all of the drawings presented were composed of works of Western artists. Based on the analyzed results, this study presented the direction of development of copyright education in art textbooks. Starting from the direction of education in art textbooks, it was possible to explore the selection and educational content of drawings, and the art textbook system for copyright education. Based on this, a total of four textbook examples were proposed as examples of the development of copyright education contents in art textbooks. It consists of one large unit, three small units, two activities, and two thoughts. The necessity copyright and the term of copyright in art were constructed as drawings and contents to induce students’ interest using famous paintings, commercials, dramas and movies. This study examined the current status of copyright-related contents in the 2015 revised high school art textbook from the perspective of fair use, reviewed the direction and content of art textbooks for copyright education based on the derived results, and presented specific contents and textbook examples to utilize them. Based on this, this study is meaningful in that, it analysed the contents of copyright of education focusing on high school art textbooks that were not convered in previous studies, and suggested the direction and contents of copyright education in specific art textbook.