사실적 회화에 관한 새로운 보기방식 : 본인작품 <창을 통해본 대상 > 의 연작을 중심으로

박성숙 홍익대학교미술대학원 2013 국내석사

여성성에 내재된 욕망의 회화 : <군계일학(群鷄一鶴)>의 모노드라마 연작을 중심으로

손지연 홍익대학교 미술대학원 2011 국내석사

본인은 여성 개인의 사적인 욕망을 표현하는 것에서 출발하여, 영웅ㆍ신화ㆍ초현실ㆍ구상미술 등을 아우르고, 현대와 전통을 동시대적으로 새롭게 해석하고자 한다. 예술은 자연의 모방도 감흥적 유희도 아니고, 감정을 이입함으로써 형성되는 것도 아니며, 자기표현 그 자체라고 생각한다. 인간의 욕망, 무의식의 세계, 에로티시즘(Eroticism) 등을 탐구하여 분석하고자 한다. 본인은 성적 욕망의 심리를 표현함에 있어 자아에서 출발하여 타자(The other)로의 익명성을 지향하였고, 여성 중심의 시각에서 인간의 성적ㆍ물적 행복 추구와 대리만족을 직간접적ㆍ서술적ㆍ자전적ㆍ장식적인 방법으로 탐구하였다. 여성의 본능적 욕구(Need)는 충족의 도구 및 생물학적 본능으로, 욕망(Desire)은 사회적 관계와 문화현상의 심리상태로 각각 표현되었다. 남녀간의 사랑과 우리민족의 신파(新派)를 바이올렛을 기본 색채로 하여 군계일학(群鷄一鶴)의 고사성어를 차용하고, 동서양을 접목한 모노드라마(Monodrama) 형식으로 표현하였다. 본인은 자신만의 특별한 직관을 가지고 세속적 인간사를 현대적 감각과 전통적 가치와 조합하여 병풍화면 형식으로 바라본다. 이렇게 장식하는 것이 사람들에게 보편적 정서로 인식되고 감동을 주는 것이라고 믿는다. 배려적 여성성은 긍정의 마인드를 기본으로 만들어진다. 긍정은 감정과 생활의 활력으로 작용하고 미래의 원동력이 되기도 하지만, 긍정 한가지로 만 모든 것을 포용하는 것은 논리가 타당하지 않으면 장미의 가시처럼 모순덩어리가 될 수도 있다. 야스퍼스(Jaspers1883 ~1996)는 ‘인간 존재의 최고의 표현을 사랑’이라고 했다. 그래서 본인은 한국 여성의 배려적 사랑과 인간의 정서 상태를 연구하고 탐미한다. 작품 속에 등장하는 문화적ㆍ사회적 현상과 관련한 본인의 개입과 소통은 우리의 일상적 사고를 어떻게 확장시킬 수 있는지에 대해 새로운 시각을 제공하는 기회가 될 것이다. This review aims to comprise heroic, mythological and figurative art starting from expressing personal desire of an individual woman, and to fresh up interpretation of contemporaries and traditions concurrently. To me, art is neither an imitation of nature, an inspirational amusement nor an empathy to have been formed, but is a self-expression itself. This review explores and analyzes human desire, the world of unconsciousness, and eroticism. This review intends anonymity as the other originating from ego in expressing mental state of sexual desire and explores pursuits and proxy satisfaction of sexual and materialistic happiness in human being from the woman-centered point of view trough direct/indirect, descriptive, autobiographic, and ornamental methods. Woman’s instinctive need is expressed as a tool of satisfaction and biological instinct while desire is expressed as a mental state of social relationships and cultural phenomena. This review expressed the love between man and woman and the Korean people’s melodrama in a monodrama form with violet as a base color fusing the orient and the western by borrowing Chinese four letter idiom of "a white crane in a flock of chickens." I have the view point with my own specific intuition to see the mundane affairs by combining the contemporary sense and the traditional values through the folding screen format. And, I believe this sort of decoration would be perceived as a common emotion and would touch people's heart. Considerate femininity comes from a mind in affirmativeness. Affirmativeness plays as vitality for feeling and living and provides motive power for future, however, if it is not always suitable that affirmativeness itself accommodates all, it would become a mass of contradiction like thorns of rose. Jaspers (1883~1996) said, " The ultimate expression of human existence is love." Therefore, I study and appreciate aesthetically the considerate love of Korean woman and emotional state of human. My intervention and communication associated with the cultural and social phenomena in this work would be an opportunity to provide new dimension how to expand commoners’routine way of thinking.

작품에서 표현된 행복의 특성 연구 : 본인작품 <클럽쥐(Club G)>시리즈를 중심으로

이희영 홍익대학교 미술대학원 2013 국내석사

본인은 ‘클럽쥐(Club G)’라는 명제(命題)를 통해 행복을 찾아가는 과정, 때로는 행복 자체를 주관적으로 시각화함으로써 각 사람에게 개별적으로 존재하는 행복에 대해 구체화하는 작업을 하고자 하였다. ‘클럽쥐’는 본 연구자가 ‘클럽(Club)’이라는 단어와 알파벳 ‘쥐(G)’를 합성하여 만든 신조어로, ‘사람이나 장소를 막론하고 각 개인에게 행복이 되는 존재’라는 의미를 갖는다. 그 뜻을 보자면 다음과 같다. 클럽(Club)의 사전적인 뜻은, ‘동호회’, ‘사람들의 집단이나 모임’을 말하기도 하고, ‘음주나 가무를 즐기는 장소’의 의미를 가지고 있기도 하다. 알파벳 쥐(G)는 ‘선하다’, ‘좋다’는 긍정의 의미의 ‘Good’으로, 축약하여 클럽과 조합하였다. 따라서, ‘클럽쥐(Club G)’는 장소나 사람을 막론하고 각 개인에게 행복이 되는 존재에 대한 본 연구와 작업들을 대표하는 용어라 정의할 수 있다. 이 용어는 작품 속에서, 개인의 주관적 느낌을 대입한 행복의 의미를 담고 있는 키워드(key word)이다. 이 내용을 반영하여 완결한 본인의 창작 만화 ‘클럽쥐(Club G)’가 그 모태(母胎)가 되었으며, 그런 연고로 연구작 속에는 만화 속 인물이나 말풍선, 특정 장면 등이 그대로 등장하기도 한다. 만화로 스토리를 완결한 데에는 본 연구자가 어린 시절부터 즐겨 보았던 만화와 대중 미술에서 받은 영향력이 작용한 결과로 볼 수 있다. 만화 외에도 그림 속에 상징적 의미를 담고 있는 민화 등을 응용하여 형식의 다양화를 꾀하였다. 현대 미술가는 사물을 일방적인 방식으로 보는 것에서 벗어나 피상적인 표면의 근저를 꿰뚫어볼 줄 알아야 한다는 클레(Paul Klee, 獨 , 1879~1940)의 주장에 긍정하며, 겉으로 드러나지 않는 인간의 감정을 관찰하여 작품으로 시각화하고자 하였다. 행복은 모두에게 긍정적인 뜻으로 이해되지만, 그 존재는 저마다 다른 기준이 적용된다. 현대 도시인들은 만나지 않고도 SNS나 스마트 폰 등 여러 가지 소통 도구로 서로 소식을 왕래하는 편리한 세상 속에 살고 있지만, 한 편으로 상당수가 우울감에 시달리고 있다. 본인은 본 연구를 통해 이러한 아이러니(irony) 극복에 도움이 되는 주관적인 행복을 떠올릴 수 있는, 긍정적 자극제를 생산하고자 하였다. 작품 속에 누구나 자신을 대입시킬 수 있을만한 상황이나 인물, 또는 행복과 연관된 낱말 등을 등장시키는 등의 실험으로 그 존재를 실체화하였다. 본 연구를 통해 보다 많은 사람들에게 자신만의 행복을 생각하는 기회를 제공할 수 있게 되기를 희망한다. What does happiness mean to modern people? In this article, I will attempt to embody the meaning of happiness existing individually within each person through the process of exploring happiness and visualizing it subjectively through the proposition of ‘Club G’. ‘Club G’, a coined word created by me, is a compound of the word ‘Club’ and the letter ‘G’. It implies that ‘something becomes happiness to each person regardless of someone or place’. In the dictionary, ‘Club’ means not only an association dedicated to a particular interest or activity but also a place to enjoy singing, dancing, and drinking. I have combined ‘Club’ with the letter ‘G’, an abbreviation of the positive word ‘Good’. Accordingly, ‘Club G’ would be a representative term of this research and can be applied to happiness no matter how it is defined by different people. In my work, this term acts as the keyword for happiness and reflects different subjective feelings of individuals. The matrix of this research study is based on ‘Club G’, my original cartoon completed in the past and comprised of various meanings of happiness. Therefore, some features of comic strips like speech bubbles, specific scenes or cartoon characters are also involved in my work. Since childhood, numerous cartoons and Pop Art have influenced my interests and as a result I have naturally adopted a form of cartoon in my works. In addition to cartoons, I have tried to incorporate diversification including folk painting that contains symbolic meaning. While agreeing with Klee’s opinion that contemporary artists need a keen eye to penetrate underneath superficial appearance instead of taking a one-sided approach to viewing an object, I have tried to capture unrevealed personal emotions and visualize them as paintings. The discussion here is about recording happiness, the general inner feelings of humans. Happiness usually makes people feel positive, but each feeling has a different meaning. Nowadays, various means of communication such as SNS and mobile phones allow modern urbanites to interact with each other without face-to-face contact. Meanwhile, numerous people are afflicted with depression. Throughout this study, I will offer affirmative stimuli that are helpful for overcoming such irony by recalling one’s own happiness. A part of this experiment is using circumstances or characters that anyone can substitute for oneself and present the words related to happiness. I hope that this research will reach many people and offer them an opportunity to think about their own happiness.

이미지 오버래핑(Image Overlapping) 기법을 활용한 회화에 대한 연구 : 본인 작품<다중적 공간>시리즈를 중심으로

김주희 홍익대학교 미술대학원 2013 국내석사

회화는 화가가 세상을 보는 눈이며 거울이다. 본인은 수많은 이미지가 오버랩(overlap)되는 화면 구성을 통해 하나에 만족하지 않는 인간의 욕망과 그것을 한 화면에 담고자 하는 애착을 작품 속에 드러내었다. 과학기술의 발달로 우리는 실제로도 무엇이 실상이고 무엇이 가상인지 알 수 없는 세상에 살게 되었다. 하루에도 수많은 장면을 보고 포착하는 과정 속에서, 시간의 흐름과 기억의 차이를 회화로 담으려는 노력이 계속되어 왔다. 디지털 카메라로 찍은 사진은 누구나 이미지를 인위적으로 조작 할 수 있고, 색을 다양하게 조정할 수 있는 이미지 생산의 핵심적인 혁명으로 평가받게 되었다. 우리는 과학기술로 완벽하게 인공적인 시뮬레이션(simulation)을 창조할 수 있게 되었다. 따라서 노동 집약적인 회화가 설 자리를 잃어간다는 우려의 목소리도 크다. 하지만 본인은 이러한 과학기술의 방식을 이용하여 회화로 재현함으로써 색다른 회화의 가능성을 제시하고 있다. 이미지 오버래핑(image overlapping) 기법을 활용한 본인의 회화는 점차 다문화의 혼성과 혼란 속에서 정체성과 진정한 의미를 되짚어보는 기회를 제공한다. 흑과 백 또는 이분법의 조건으로 사는 우리의 현실은 빠르게 변하는 세계 속에서 불리할 수밖에 없다. 지금의 세상은 여러 문화가 공존하고 융합하며 서로의 벽을 끊임없이 허물고 있다. 정보를 ‘수집’하던 시대에서 지식을 ‘편집’하는 시대로 변하고 있는 것이다. 끝도 없이 쏟아지는 단편적인 정보와 견해들을 가려낼 줄 아는 과학적 비판력, 전체를 통찰하고 자신의 주장으로 엮어낼 수 있는 편집력이야 말로 지금의 시대를 이해하는 작은 출발점이 된다. 본인은 혼합되어 가는 문화와 정체성을 바로 잡고 이를 서로의 것으로 인정하며 확실한 개성을 섞어 적절히 융합하는 방법으로 회화를 이해하고자 하였다. 기법 적으로 오버랩 시켜 중첩되는 이미지 속에 문화는 기존의 국경을 넘어 다종다양한 생각들을 융합해내는 창조적 잡종의 힘, 새로운 융합지식의 계기를 마련하고자 시도하였다. 본 논문은 본인의 이미지 오버래핑(image overlapping) 작품의 형성배경으로 작품 제작 동기와 경험, 작품 발상과 전개과정을 세밀히 연구하였다. 또한 이미지 오버래핑을 회화에 활용된 창시자로 데이비드 살르와 본인과 비슷한 다중 방식의 작업을 한 김아타의 작품을 알아보고, 본인의 작품과의 유사점과 차이점을 분석하였다. 혼성과 다중성으로 여러 의미가 작품 속에서 어떻게 표현되며, 본인이 실현하고자 한 유토피아(utopia)와 디스토피아(dystopia)의 모습을 이미지 오버래핑으로 어떻게 구현하였는지 알아보았다. 끝으로 작품에서 포토샵 방법이 어떠한 영향을 주어 작품이 탄생했는지 그 과정을 살펴보았다. Paintings are eyes and a mirror through which an artist sees the world. The author reveals human desires not satisfied with one and the attachment trying to contain them in one screen through screen formation that numerous images are overlapped. Due to the development of science and technology, we came to live in the world where we are not able to tell the difference between the reality and virtuality. In the process of seeing and capturing numerous scenes a day, the efforts to contain the passage of time and differences of memories in paintings have been continued. Pictures taken with a digital camera were evaluated as the core revolution of image production that anyone can paste images and adjust their colors freely. We were able to create artificial simulation perfectly with science and technology. Therefore, there are a lot of voices of concern that the possibility of labor-intensive paintings is losing their footing. However, by expressing paintings with such science and technology, the author presents the possibility of different paintings. Printings using the image overlapping technique will be an opportunity to look back on the meaning of true culture and identity in increasingly multi-cultural mixing and confusion. Our reality living with the condition of black and white or dichotomy is bound to be disadvantageous in the rapidly changing world. In the present world, several cultures co-exist and merge, constantly breaking down each other's walls. The era when information is ‘collected’ is being changed into the era when knowledge is ‘edited.’ The scientific critical ability to know how to sort out endlessly pouring fragmentary information and opinions and editing ability to see through the whole and edit it into their claims become the starting point to understand the present times. The author tries to correct mixed cultures and identities and understand paintings in a manner of mixing each other’s certain personalities and properly uniting them. The hybrid culture using the image overlapping technique tries to provide an opportunity for the new convergence of knowledge, the power of creative hybrid combining a great variety of ideas beyond the existing borders. This paper elaborately studies work production motives and experiences as the author’s work formation background, work idea and development process. Also, it examines the works of Atta Kim who worked in the multi-way similar to that of the author and David Salle, the founder who used image overlapping in paintings and analyzes the similarities and differences from the author’s works. And it finds out how several meanings are expressed in works by mixing and multiplicity and how dystopia and utopia that the author tried to realize were implemented with image overlapping. Finally, the process on how the works were born is examined by which impact of the Photoshop method on works.

자아의 일상을 그려내는 서술적 회화 : 본인작품 <사유의 공간>연작을 중심으로

김서영 홍익대학교 미술대학원 2013 국내석사

빠르게 변화하는 현대사회를 살아가는 우리는 삶의 다양성을 추구한다. 덕분에 경제, 사회, 문화를 비롯한 다양한 분야에서 많은 발전을 거듭해 오고 있다. 발전한 기술과 통신을 바탕으로 보다 편리하게 생활할 수 있게 되었다. 그러나 과연 외적으로 드러난 편리와 풍요로움에서 우리의 삶이 질적으로 향상되었다고 판단할 수 있을까? 현대인의 내면은 함께 있어도 고독하고, 물질적 획득과 사회적 명성을 얻었음에도 불구하고 상실감은 깊어간다. 끝없이 세상이 발전함에 생활은 편리해져가고 있지만 우리는 자신을 돌아보는 ‘여유’를 잃어버렸다. 하루가 다르게 세상은 변화하고 있다. 본인은 외로움, 고독 그리고 상실의 경험을 토대로 한 일상을 서술적으로 표현하고 있다. 나는 누구인가, 나는 무엇을 원하는가, 나는 어디에 있는 것인가에 대한 자아의식을 생각해 보지 않은 사람은 없을 것이다. 본인 역시 그러한 경험이 있고 스스로에게 묻는 질문에 답하기 위해 자아를 찾는 여행을 떠났었다. 비행기 안에서 바다를 보았고 드넓은 바다에 수많은 섬들이 자리 잡고 있었다. 섬의 형상은 망망대해 속의 점에 불과했다. 출렁이는 바다는 언제라도 섬을 삼킬 듯 한 자세였다. 그럼에도 섬은 자리를 잡고 끄떡없었다. 하늘에서 우연히 보게 된 바다위에 떠있는 섬의 형상을 통해 본인은 자신의 존재와 자아의 대해 생각하게 되었다. 우리는 사회를 이루고 함께 있지만 각자의 삶은 개인 마다 큰 차이가 있다. 이 사실은 대륙과 떨어져 존재하는 섬과 다를 것이 무엇일까. 군중 속에 있는 ‘나’는 하나의 섬과 다를 것이 없다. 작품 속 섬은 ‘너’와 ‘나’를 대변할 수 있는 의미를 가지고 있으며 인간이 느끼는 삶의 고통과 상실감을 치유하는 공간이 되는 것이다. 위 맥락 속에서 본인은 자신의 경험을 토대로 한 일상의 소소한 이야기를 재구성하여 서술적으로 화면을 이끌어 나간다. 상징적인 물체는 사실적 경험을 바탕으로 반영된 자아의 일상을 나타내기 위한 소재들이다. 이와 같은 소재를 자신만의 조형언어로 기호화 하여 화면 안에 나열하고 있다. 화면을 구성하고 있는 면을 분할 한 것은 자신의 경험을 과거, 현재, 미래로 나누어 변화하는 과정을 표현하고자 한다. 작품 속에 중간색조의 파스텔 톤의 색감은 꿈을 꾸는 듯한 느낌으로 따뜻함을 나타낸다. 본인은 일상의 경험에서 자신을 돌아보고 일어났으면 하는 소망의 내용을 동화적 느낌으로 꿈을 꾸듯 표현하며 작품 속에서 마치 일어날 것만 같은 상상 속의 대상을 이야기한다. 본인의 작품은 위안을 찾고 한번쯤 쉬어 갈수 있는 사유의 공간을 표현하며, 현실을 벗어나 소망을 꿈꾸도록 경험과 무의식 속에 있는 상상을 표현한다. 홀로 있다는 것은 외로움을 느끼게 하며 위안을 필요로 한다. 그러나 스스로를 다스리고 도닥일 수 있는 것도 홀로 있을 때 가능하게 된다. ‘속이 빈 강정’과 같은 현대인의 삶에 ‘쉼’을 외치고, 외로움을 극복하라고 격려하고 싶다. 현대인의 사회 속에서 느끼는 삶의 상실을 치유하기 위해 본인의 작품 속에서 동화가 펼쳐진다. 본인은 본 작품론을 통해 긍정적 메시지와 미래를 지향하며 공감하고, 작품을 통해 자신을 돌아보고 있다. We who are living a rapidly changing modern society pursue a variety in life. As a result, we have many developments in various fields such as economy, society. The more convenient life we can live based on developed technology and communication. However, can it be judged that our life has been improved in quality with externally revealed convenience and rich? The mind of modern people feel loneliness and in spite of obtaining of material things and social fame, sense of loss deepens. Though the life goes more convenient according to endless development of world, we have no 'time' to look back ourselves. The world is changing day by day. I am expressing the daily life based on experiences of loneliness, solitude, and descriptively. There would be no one who has never thought of self-consciousness to where I am. I also have a such experience and left a travel to find myself in order to answer to questions to myself. I saw the sea at inside of airplane and there were many islands located at such wide open sea. The shapes of islands were like just points in the endless sea. The waves of sea seemed to swamp the islands at any time. In spite of this event, the islands were still there. I thought about the existence and ego of myself through the shapes of islands floating on sea which I accidently saw from the sky. We consist of the society but the life of each one has a big difference. What is a difference between this fact and the island locating separately from the continent. 'Me' in the crowd is not different with one island. The island in the work has a meaning to represent 'you' and 'me' and can be a space to heal pains and senses of loss in life which human beings feel. In such context, I lead the screen descriptively by reconstructing trivial stories of daily life based on my experiences. Symbolic objects are materials to indicate the daily life of ego reflected realistic experiences. I list such materials in the screen by symbolizing into my own formative language. Dividing the faces composing the screen is to express my own experiences changing by dividing them into past, present, and future. The color sense of mid-pastel tone in the work indicates the warmness with a feel like dreaming. I express the desires which I wanted to happen after looking back myself from my experiences of daily life like a dream with a feeling of fairy tale. And I tell a story about imaginary subjects which seem to happen in the work. My work expresses a space of thinking where we seek a comfort and take a rest, and also expresses an imagination in experiences and unconsciousness to dream the desire beyond the reality. Living alone makes us to feel loneliness and it needs a comfort. But, it is completely possible to comfort and pat myself when I am all alone. I'd like to cry for 'a rest' in the life of modern people who seems like 'a empty shell' and to cheer up to overcome a loneliness. In order to heal the losses in life which modern people feels in the society, a fairy tale is unfolded in my work. I orient the positive messages and the future through this work criticism and look back myself via my works.

색면과 선의 형태로 표현된 기억의 흔적 : 본인작품 <Rememory>연작을 중심으로

엄길자 홍익대학교 미술대학원 2013 국내석사

본 작품론은 유년의 기억으로부터 현재까지 유한한 시간과 세월의 궤적들을 순수하고 추상적인 회화의 형식으로 표현한 경험에 대한 정리이다. 작품의 구성 요소는 본인 정신적의 내적인 생명성과 전통 조각보로부터 유추한 고유의 미(美)를 절제되고 상징적인 방법으로 재해석하여, 형식과 내용이 조화를 이룬 현대적인 회화의 예술성을 표현 하고자 하는데 그 목적을 두고 있다. 회화의 형식은 우리의 전통 조각보를 현대적 이미지로 변용하여 다양한 색면으로 이루어진 구도(composition)로 진행 하면서, 동양적 사상과 한국성에 기인한 창의적 색감과 형태미에서 찾아볼 수 있는 미의 원형질을 형상화하는 작업으로 변환하였다. 여기에서 본인은 만다라의 '원'적인 색 면 구성과 그 근원의 본질을 본인의 작업 내용에 대입하기도 했다. 그러나 불교의 전통적인 철학적 개념보다는 자신의 일상과 그 일상에서 파생된 자연스러운 조형적인 방법으로 표현하려 하고 있다. 메를로 뽕띠는 예술가의 창조란 인간의 자유로운 결정과 마찬가지로, 작품에 이전까지는 존재하지 않았던 하나의 형상적 의미를 부여하는 일이라고 했다. 본 작업에서 추구하는 다양한 형태의 색면 구성은 본인의 예전의 구성적인 기법의 작업방식을 현재의 추상 색면 작업에도 결부시켜 표현함으로써 지향하기 때문이다. 기억속의 형상들은 자신의 자아와 타자의 관계로 형성된 것들로 이루어져 화면의 바탕에 다양한 기호 와 드로잉(선적인표현)으로 표현했다. 그리고 색면 바탕에 상(이미지)을 이루는 선의표현 은 본인의 삶의 기억에 반추된 회상 (Rememory)의 기표들이다. 기호나 드로잉들은 독백(dialogue)과 같고 그 회화적 의미는 부분적 또는 전반적인 실재의 어떤 재현 적 성격을 상징한다. 또한, 색동 구성과 크고 작은 색상 면들의 구성은 본바탕의 회화적인 장식성에 더하여 화면을 은유적으로 구성하여 따뜻함을 강조하고자 하였다. 칸딘스키는 예술은 부질없이 사라져가는 사물을 아무런 목적 없이 창조 하는 것이 아니라 목적이 있는 힘이며, 인간의 영혼을 발전시키고 심화 시킨다고 했다. 본인은 무언가를 화면에서 강조할 때 그 대상이 상징 하고 있는 의미를 표현하고 있다고 생각한다. 기억에 대한 독백(dialogue)같은 회화를 조각보 이미지로 표현한 것은 일상성의 소소함을 회화적으로 표현한 그림의 한 형식이다. This work description is a summary of expressing experiences on the limited times and traces of years from the youth to the present in an abstract and painting style. The work attempted to re-interpret the unique beauty extracted from mental and internal life and traditional patch fabric in a moderate and symbolic method so that it might express the artistic sense of modern painting in harmony with style and contents. As for the painting style, the traditional patch fabric was transformed into the modern image to have various color section composition and to embody the prototype of beauty that is found in creative color and pattern generated from oriental idea and Korean characteristics. It was added by the ‘round’ color section composition of Mandala and essence of its origin to my work. However, it attempted to express ordinary life and natural formative method derived from that ordinary life rather than traditional philosophical concept of Buddhism. M. Merleau-Ponty once remarked that like free will of human being, creation by an artist is a work to grant formative meaning to something that did not exist before. The various types of color section composition in this work were caused by the direction of expressing the previous compositional method into abstract color work. Images in memories consisted of relation between ego and others that were expressed in various signs and drawing (linear expression). Linear expressions on the surface (image) are signifiers of rememory in my life. Signs and drawings are like monologue and their pictorial meaning implies a representational character of a partial or overall reality. And, the composition of color and large and small color surface gives decorativeness to the main surface stressing warm character with metaphoric screen. Kandinsky defined that art is a purposeful power rather than aimless creation of a vague object and that it develops and deepens human soul. I do believe that when anything is stressed on a canvas, it expresses a symbolic meaning of the subject. Expressing painting like a monologue of a memory as a patch fabric image is a kind of pictorial expression of a routine everydayness.

신발에 내재된 흔적을 표현한 회화 : 본인작품을 중심으로

홍주연 홍익대학교 미술대학원 2013 국내석사

현관문을 열고 들어서면 신발들이 가지런히 정돈되어 있거나 이리저리 흐트러져있는 신발장이 눈에 들어온다. 이 모습을 보며 신발의 주인이 누구인지 짐작할 수 있다. 본인은 아버지의 신발을 볼 때면 아버지가 있는 것 같은 착각을 하기도 한다. 신발은 있고 그것을 사용하는 사람은 없어도 누군가는 그 신발의 주인이 있을 것이라 생각하는 것이 흥미로웠고, 이러한 생각을 작품으로 표현하였다. 본인 작품론에 등장하는 신발들은 새 신발이 아닌 누군가가 신어서 사용했던 혹은 사용하고 있는 헌 신발들이다. 또한 작품 속의 헌 신발은 그 주인이 누구인지 어떤 사람인지 유추할 수 있는 대상이다. 하이데거와 데리다를 포함한 철학자가 해석한 고흐의 구두처럼 본인은 신고 벗는 신발을 통해 신발을 신는 사람의 성별 나이부터 직업과 취향까지 짐작할 수 있다고 생각했다. 헌 신발이 사용하던 사람의 흔적과 체취를 담고 있기 때문에 흔적을 담은 신발은 그 주인의 존재를 이야기 한다고 생각한 것이다. 그리고 그 신발들은 한 인간의 계급, 성(性)과 자아와 개성을 상징하는 물체(objet)로도 가능하다. 작업을 시작하기 전 먼저 현관에 무작위로 놓여있는 신발장에서 오고가는 사람들의 움직임 속에 아버지의 신발은 한 자리를 지키고 있는 모습을 찾아볼 수 있었다. 그런 움직이지 않는 신발을 통해 아버지의 부재를 하루하루 실감하기도 하면서 동시에 아버지의 존재도 함께 느낄 수 있었다. 이러한 신발들의 움직임은 위에서 내려다보았을 때 가장 잘 드러난다고 생각하여 위에서 내려다보는 시선으로 신발장을 촬영하고 그 사진을 토대로 작업하기 시작하였다. 작품 안에서 아버지의 신발은 아버지의 흔적과 체취를 담아내며 존재를 나타내고 그것을 그려냄으로써 부재하는 아버지는 어디서나 존재할 수 있다. 본 작품론은 신발장에서 시작해 아버지의 신발을 주 소재로 헌 신발에 내재된 흔적을 중첩된 이미지와 나열된 이미지를 통해 흔적과 그 조형성을 탐구하며 그려낸 연작에 대한 보고서이다. At front entrances to homes or buildings in Korea, pairs of shoes can be found, either neatly in pairs or haphazardly tossed. They indicate that someone is inside, and each pair of shoes reflects the owner. Similarly, I sometimes feel my father's presence when I see his shoes. I find it intriguing that things can represent people so strongly. This idea has influenced the theme of my artwork. In my artwork, shoes are used to conjure up their owners' existence. As with the discussions by the philosophers Derrida, Schapiro, and Heidegger about the shoes in Gogh's artwork, I believe that shoes can give much personal information, such as gender, age, job, class, and taste; shoes tend to possess traces of their owners. After losing my dad, I found his shoes among a cluster of shoes placed willy-nilly at the front entrance of my home. His shoes do not move at all. This experience inspired me to paint the scene at the front door-a scene of silence. My dad's shoes made me realize that his absence is real, and ironically, they triggered a flood of memories of him, which built invisible existence of my dad. I have tried to express the ambivalence of the silence visually, in the active rhythm, by painting the stillness of my dad’s shoes in the busy movement of other shoes being picked up and deposited back. Most of my artworks are based on photographs viewed from the top because I think it is the most effective way to show the movement of the shoes. My dad's shoes embody my dad and are full of traces and memories of him. The painting of his shoes means that he can live forever on the canvas. My artwork is an investigation of the formations of personal traces and layers in shoes, particularly my dad's shoes and their formativeness.

유기동물을 통해 바라본 슬픔을 표현한 회화 : 본인작품 <침묵 속 슬픔>시리즈를 중심으로

조은희 홍익대학교 미술대학원 2013 국내석사

All the living creatures express their feelings. As human beings grow older, they learn to control their emotion through several experiences, and in some cases they also learn to hide their feelings from others. However the feeling of sorrow cannot be hidden completely even if one tries to. The positive feelings including pleasure and joyfulness can be controlled in order to be hidden from others but the feeling of sorrow and anger cannot be controlled easily. In addition, the feeling of anger can be forgotten through other positive incidents but the feeling of sorrow gets deeper and deeper as the time goes and leaves the memory of it. The 'memory' here means the recall of the same feeling of sorrow when facing the similar past of sad and hurting event. This painting work collection is based on the study of the sorrow in the eyes which is the series of <Sorrow in Silence>. All the works in these series, reptiles or plants are placed at the back of a young woman, and with dreamy color, it makes beautiful bright back image of her but still manages to express a depression. During the process of work, I have realized that many people including myself buried the feeling of sorrow -the unsolved feeling after a shocking or sad event- in our hearts. Additionally, I figured that most of the people regard the sorrow as the uncomfortable reality which they do not want to face directly. Therefore, I turned my works of <Sorrow in Silence> series into the work where the sorrow is directly confronted. I chose abandon animals for the model of these work series. I could see the deeper feelings in the eyes of the animals from the abandoned animal shelter, than human beings. Moreover, the feelings that were shown in the eyes of animals who did not speak unlike human beings, had a strong persuasion to my subject of works. All human beings seem like that they are not completely free from the feeling of sorrow both in the past and the present. Nevertheless, people repeat the joyful and productive activities to forget the sorrow. I expressed this life of human beings with the life of abandoned animals in the series of <Sorrow in Silence> which tried to explain the fact that abandoned animals expect either their owners to come back or the new owners to appear and if not, just suffer each day with hope and despair. This painting work collection, studies and explains the meaning of the feelings shown in the eyes of abandoned animals, and furthermore it reviews the issues to improve in the future. In the introduction of the studies, it explained how the model changed from a young woman`s back to the eyes of abandoned animals. In the body of the studies, it explores the steps of the sorrow in details and examines what meanings it contains in psychological ways. In addition, it explained how the photos were taken and how they affected the works additionally, what materials and techniques were used. Through this research, I have realized that by actually facing the difficult, at the end, the positive result comes in place. Most of the people fear to bring out their sorrow. However, I encourage them to step forward to the sorrow after some time. I wish my paintings of the 'deep sorrow in the eyes' would comfort you when you arrived to the last stage which is the ‘acceptance’. I like to deliver the message by my painting, that the power of growth happens when facing the sorrow with courage. 모든 살아있는 생명체는 감정을 표출해낸다. 인간은 성장하면서 여러 경험을 통해 스스로 감정을 조절하는 방법, 경우에 따라서는 스스로의 감정을 타인이 눈치 채지 못하도록 숨기는 방법을 터득한다. 하지만 아무리 숨겼다해도 완벽히 숨겨지지 않는 감정이 바로 슬픔이다. 긍정적인 감정인 기쁘고 즐거운 것들은 때와 장소에 따라 타인이 모르도록 절제가 가능하지만 슬프고 화가 나는 일에서 나오는 감정은 감추기가 힘든 감정에 속한다. 또한 분노의 감정은 다른 즐거운 일로 잊혀지기도하고 대체할 수도 있지만, 슬픔의 감정은 시간이 지날수록 더 깊어지고 흔적을 남긴다. 여기서 ‘흔적’이라는 것은 시간의 흐름에 저항해, 경험한 슬픈 사건과 같은 사건이나 상처받았던 말, 그 당시를 회상할 수 있는 물건 등을 다시 마주했을 때 같은 슬픔을 느낄 수 있음을 뜻한다. 본 작품론집은 이러한 슬픔이라는 감정을 눈에 직접적으로 담은 <침묵 속 슬픔>시리즈로 연구되었다. 본 시리즈 전 작업에서는 젊은 여인의 뒷모습에 식물이나 파충류를 배치하고 화려한 듯 하면서도 몽환적인 색채로, 밝고 아름다운 뒷모습이지만 우울함이 전해지는 작업을 하였다. 작업을 진행하면서 본인은, 본인을 포함해 많은 이들이 슬픔이라는 감정-충격적인 혹은 슬픈 사건을 겪은 후 해소 되지 않는 감정- 을 억눌러 마음에 묻어둔다는 것을 깨달았다. 그리고 대부분의 사람들이 슬픔을 직접적으로 부딪치고 싶지 않은 불편한 진실로 생각 한다는 것도 알게 되었다. 그래서 본인은 <침묵 속 슬픔>시리즈 전의 작업에서 방향을 틀어 슬픔을 방어적으로 대처하는 작업이 아닌 직접적으로 마주하게 하는 작업을 시도하기 시작하였다. 그리고 본 작업시리즈의 모델로 유기동물을 선택했다. 유기동물보호소에서 만난 개체들의 눈 속에는 우리가 상상하는 것보다 더 깊은 감정이 담겨 있었고, 사람처럼 언어로 표현 할 수 없는 동물들의 눈 속에 담겨있는 감정은 본인이 전달하려는 작품의 주제를 더욱 극대화 시켜 강한 설득력을 가졌다. 과거에도 현대에도 모든 인간들은 슬픔이라는 감정 앞에서 완전히 해방되지 못했던 것 같다. 그럼에도 그 슬픔을 잊기 위해 즐거운 일, 생산적인 활동을 반복한다. 본인은 그러한 인간의 고단한 삶이, 언젠간 주인이 돌아와 줄 거라며 기대하고, 혹은 새 주인이, 그렇지도 않다면 단지 하루하루 버텨내는 삶을 살아가며 희망과 절망 사이를 오가는 유기동물들의 삶과 별반 다르지 않다는 것을 <침묵 속 슬픔>시리즈를 통해 표현해 냈다. 본 작품론집은 유기동물들의 눈에 담겨져 표현되어진 감정이 어떠한 의미를 가지고 있는지를 설명하고 탐구하며, 앞으로 개선되어야할 문제들을 점검해 보았다. 형성배경에서는 작업의 소재가 인물의 뒷모습에서 눈동자로 변하게 된 과정을 밝혔고, 본론에서는 슬픔의 단계를 구체적으로 탐구하며 그것이 심리학적으로 어떠한 의미를 가지고 있는지 연구하였다. 아울러 본인이 작업에 임하며 사용한 재료와 기법, 또 작업에 임하기 전에 촬영되어지는 사진 속 개체들의 사연이 본인 작품에 어떻게 영향을 미치는지에 대해서도 설명하였다. 본인은 이번 연구를 통해 마주하기 힘든 것들을 마주하기 시작하면 오히려 긍정적인 효과의 결과를 창출해낸다는 것을 깨달았다. 대부분의 사람들은 마음속의 상처와 떠올려서 마음 아픈 진실들은 억지로 외면하고 마음 속 깊은 곳에서 꺼내어지기를 두려워한다. 하지만 적절한 시간이 지나면 각 개인이 가진 진실 앞으로 한 발짝 다가가보길 권유하고 싶다. 본 작품론집은 설명할 슬픔의 단계에서 마지막 단계인 ‘수용’의 단계로 접어들었을 때, 그 슬픔은 인정하고 받아들여야 한다는 것을 깨닫게 되었을 때, 눈 속에 담기는 슬픔의 깊이를 담아낸 본인의 그림이 위로가 되기를 바란다. 본인의 그림은 숨겨지지 않는 진실을 애써 감추지 않고 용기 내어 마주하게 되는 순간부터가 스스로를 성장하게 하는 힘을 발휘한다는 것을 전달하고 싶기 때문이다.

회화에서 보여주는 상징적 이미지에 대한 연구 : 본인의 작품, 체스(chessboard, chessman)와 삐에로 형상으로 표현된 회화를 중심으로

김경현 홍익대학교 미술대학원 2011 국내석사

우주 만물을 차지하고 있는 존재자 중의 일부인 인간은 유한성과 정신성이라는 큰 특징을 지니고 있다. 이러한 특징을 지닌 인간은 우주 만물을 대상으로 하여 그것을 모방함으로써 본질에 다가가고자 하였으며 이를 통해 자신들의 초월성을 얻고자 하였다. 이러한 인간의 바램은 인류가 ‘예술’이라 불리는 특징적 문화 영역을 발전시키는 계기가 되었다. 때문에 예술에 있어 인간은 필수 불가결한 존재이며 인간에게 있어 예술 또한 중요한 부분을 차지하고 있는 것이다. 다시 말해 예술이란 인간의 삶이 투영된 정신의 작용이라 볼 수 있다. 이를 바탕으로 본인이 작품에서 보여 주고자 하는 세계는 곧 본인 자신과 인간에 대한 끊임없는 관심에서 비롯된 이야기다. 전시 부제 “Who am I?”가 보여 주듯이 본인의 작품세계는 자아를 비롯해 존재하는 이 세상에 대한 끊임없는 물음에 대한 시각적 드러냄이자 우주에 살고 있는 자신과 자신을 둘러싸고 있는 존재들에 관한 사유인 것이다. 이러한 사유를 통해 본성에 한 발짝 다가가고자 함에 그 의의가 있다고 하겠다. 본 논문은 2009년부터 2011년 현재까지 제작된 본인의 작품을 대상으로 하여 제작 배경 및 그 내용과 형식에 관해 연구한 것이다. 본인은 본 작품론을 통해 작품에 대한 기본 취지와 이론을 근거로 한 작품의 배경을 공고히 함으로써 본인의 작업에 대한 타당성을 확립하여 향후 작업이 보다 많은 관객으로 하여금 공감과 소통을 유도할 수 있는 작업으로 발전할 수 있는 계기를 마련함이 그 목적이라 하겠다. Men as a part of all existences in the universe have unique characteristics of having limits and mentality. Men with such characteristics tried to be closer to the intrinsic nature of universe by imitating all beings in the universe and therefore to gain transcendence. Such desire became the motive for development of one distinctive culture area, 'art'. Therefore, men are an fundamental quality in art, and vice versa. In other words, art can be defined as actions of mentality that reflects human life. In such aspect, the world presented in my work is originated from continuous curiosity for me and mankind. As the subtitle of the exhibition, "Who am I?” suggests, my works visually answer to the continuous questions for my ego and the world. Furthermore, it expresses reasons for existence of me in the universe and other things that surrounds me. I meant to step closer to the intrinsic nature of universe through such reasoning and questioning. This study was on backgrounds, implications and styles of my paintings from 2009 to 2011. By securing backgrounds of my work based on basic intentions and theories through this theory of work, I aimed to gain validity of my work, therefore my career can develop further to induce sympathy and communication of many viewers.

비상하는 나무 이미지의 상징적 표현연구 : 본인 작품 <비상>시리즈를 중심으로

나윤미 홍익대학교 미술대학원 2011 국내석사

현대는 정보화시대이며 다양화시대라고 할 수 있다. 현대인들은 극단적인 개인주의, 점점 더 양극화되는 사회에 살고 있다. 또한, 보편적으로 불안한 미래, 인터넷과 디지털 기술의 도래로 인한 통제할 수 없는 개방으로 인하여 익명의 관계성. 자아 상실, 풍요 속의 빈곤, 소외 등과 같은 고민들을 안고 산다. ‘예술’은 예술가와 그의 소산인 예술작품과 그것을 바라보는 감상자와 그 같은 예술을 잉태하게 한 사회를 모두 포괄한다. 화가의 최초의 임무는 자신의 캔버스에 정신을 부여하여 곧 생명화(animate)하는 일이다. 또한 예술작품이란 하나의 복잡하지만 명료하고 간결한 사상에 대하여 사고하는 율동적(rhythmic) 감정으로부터 시작한다. 생명, 사랑, 자아성(selfhood), 그리고 감정에 있어서 가장 거대한 영역이 되는 죽음에의 인식에 이르기까지의 정서적인 과정을 전체적으로 상징한다. 본 연구는 작품에서 나타나는 비상하는 나무 이미지 분석을 통해 무의식적인 공간에서 느끼는 희열을 현대인도 함께 공감하기 위한 목적으로 쓰여졌다. 그리고 심리적 상황을 다른 공간을 통해 희극적으로 표현한 것을 체계적으로 연구한다. 작품의 형식은 제한된 색채로 사물의 배치에 있어서 두 사물을 다른 사물로 대체하여 다른 이미지를 연출시키는 것이 아니라 정신적으로 사물이 그 공간에 놓일 수밖에 없는 상황을 만들어 재해석 한다. 따라서 작품의 목적은 화면의 ‘비상하는 나무 이미지’가 나타내는 상징성을 동양적인 사유법을 통해 바라본 이상향의 공간으로 관찰자에게 제시한다. 그리고 사물을 통해 진정한 의미의 메타포를 형성하는 것이다. 본 연구자는 자연적인 ‘비상하는 나무 이미지’를 통하여 현 시대상을 재해석된 이미지로 표현했다. 그 결과 일상의 삶에 활력을 주어 긍정적인 메세지를 표현하는 것이 본 연구의 의의라 할 수 있다. Modern times can be called information-oriented era. We live in society overwhelmed with extremely radical individualism and gradually more polarizing tendency. In addition, we live with the unavoidable agony of anonymous relationship, loss of ego, self-effacement, poverty in the midst of plenty, and expanded alienation, etc. ‘Art’ shall include the artists, artistic works that are produced by them, the appreciators who look at the artistic works and the society that causes the pregnancy of the art works. Initial duty of a painter shall be to grant a soul on his or her canvas so that the artistic work can be animated with soul. Furthermore, we should know that an artistic work shall be started from a thinking rhythmic emotion to a complex but clear and brief idea. As the result, the artistic work shall symbolize totally the emotional progresses of life, love, selfhood, and even up to the death, the greatest area of emotion of human beings. This study is made by the author of the thesis with the purpose to feel sympathy on the ecstasy in unconscious space of art through the analysis of images of flying trees depicted in the works. In addition, the author would consider the issues systematically that are expressed comically from psychological situations through other space. Pattern of the works would not be to produce a different image by substitution for two things with other things but rather to produce an unavoidable situation where the things cannot but be there psychologically so that the work can be reinterpreted artistically and totally. Therefore, purpose of the work shall present the observers symbolism that the ‘Image of Flying Trees’ expresses on the scene as an idealistic space of paradise of the artistic work viewed and expressed through the law of Oriental thought. And the author would form metaphor in genuine sense through the arranged things on the scene. The author of the thesis would express the phenomenal phases of the modern times as a reinterpreted image through the natural ‘Image of Flying Trees’. Meaning of the study would be to express a positive message through vitalization to our usual life.