아차산 철쭉의 열매 및 종자 특성

임재영 건국대학교 농축대학원 2016 국내석사

본 연구는 우리나라 자생수종인 철쭉(Rhododendron schlippenbachii Maxim.)의 종자를 이용한 대량번식 기술의 기초자료를 제공하기 위하여 채집시기를 달리하고, 채집한 열매 및 종자의 특성을 조사하여 적합한 채집시기를 구명하였다. 또한, 채집한 종자의 최적 발아적온을 구명하기 위하여 온도에 따른 발아실험을 수행하였다. 실험에 사용된 철쭉은 서울특별시 아차산(296m)의 북사면의 동일한 장소에서 2013년도 7월 26일, 8월 9일, 8월 25일, 9월 3일, 10월 1일에 채집하였다. 발아실험은 채집시기가 다른 종자들 중에서 종자의 크기가 상대적으로 가장 크고 열매 속 종자의 개수가 많은 10월 1일 채집 종자로 실험을 수행하였다. 최저, 최고온도 범위 및 최적의 발아온도를 조사하기 위하여 항온기의 온도를 5, 15, 25, 35℃로 조절하여 2014년 3월 3일부터 4월 1일까지(30일 동안) 실시하였다. 철쭉 열매의 길이와 폭을 조사한 결과, 10월 1일 채집 열매에서 14.9mm로, 폭은 9월 3일 열매에서 8.9mm로 가장 큰 값을 보였다. 생중량과 건중량은 10월 1일 열매에서 생중량 7.0g, 건중량 3.0g으로 가장 높게 조사되었다. 함수율의 경우 7월 26일 열매에서 59.3%로 통계적으로 유의하게 높게 조사되었으며, 채집 시기가 늦어질수록 함수율이 유의적으로 낮아져 10월 1일에는 57.0%까지 줄어들었다. 철쭉 열매 속 종자의 개수를 조사한 결과, 7월~8월에 채집한 열매의 경우 57.7~68.7개로 조사된 반면, 10월 1일의 경우에는 116.7개로 조사되었다. 10월 1일에 채집한 철쭉 종자를 온도를 달리하여 발아율을 조사한 결과, 최종발아율은 15℃에서 81.0%로 가장 높게 나타났으며, 그 다음으로는 25℃에서 72.7%로 조사되었다. 한편, 실험 최저온도인 5℃, 최고온도인 35℃에서는 전혀 발아가 되지 않았다. 철쭉 종자의 T50은 25℃에서 6.3일, 15℃에서는 9.9일로 조사되었다. 평균발아일수의 경우도 T50과 비슷한 경향을 보이며, 25℃에서 8.3일, 15℃에서 12.9일로 조사되었다. 발아균일도는 25℃에서 15℃보다 더 균일하게 발아하였다. 철쭉 종자의 발아속도는 25℃에서 가장 빠르게 조사되었다. 본 실험의 결과를 종합해 보면, 철쭉 열매의 크기 및 종자 개수를 비교했을 때 10월 1일 경이 적합한 채집시기로 판단되며, 채집한 종자로 온도는 15℃를 유지하였을 때 발아가 가장 잘 되었다. 하지만 25℃에서 좀 더 균일하고 빠르게 발아하였기 때문에 발아율이 조금 낮지만 25℃가 최적의 온도로 판단된다. 주제어 : 철쭉, 열매와 종자, 채집시기, 함수율, 발아율 This study is aimed at providing basic material for mass propagation method using the seeds of Rhododendron schlippenbachii Maxim, which is native tree species in Korea, by varying the time of picking the fruits and identifying suitable picking time by investigating the features of the picked fruits and seeds. In addition, germination experiment was conducted according to the temperature to figure out optimal germination temperature of the picked seeds. The R. schlippenbachiiazalea used in the experiment was picked July 26th, August 9th, September 3rd, and October 1st 2013, in the same place of Northern slopes of Mt. Acha, Seoul Metropolitan City. Germination experiment was conducted on the seeds picked on the first of October, when the seeds are the largest compared to others and there are greatest number of seeds in a fruit. The constant temperature was adjusted to 5, 15, 25, and 35℃ from March 3 to April 1, 2014(for 30 days) to investigate the range of the lowest and highest temperature along with optimal temperature. At the consequence of investigating the length and width of the fruit, the one picked October showed the greatest length, 14.9 mm and the one picked in September 3 showed the greatest width, 8.9mm. It was revealed that the fresh weight and dry weight were the highest in October 1, 7.0g, and 3.0g respectively. In the case of moisture content, the fruit picked July 26 was 59.3%, which is statistically significant, and with the delay in the picking time, the moisture content was significantly lower and finally it decreased to 57.0% on October 1. As the consequence of investigating the number of seeds in the fruit, while the fruits picked during July~August was shown to be 57.7~68.7, the ones on the first of October was found out to be 116.7. As the result of investigating the germination rate by varying temperature of the seeds picked on the first of October, the final germination rate was found out to be the highest, 81.0% under the condition of 15℃ followed by 72.7% at 25℃. Meanwhile, there was no germination in 5℃, the lowest temperature in experiment and 35℃, the highest temperature. T50 of the seeds was revealed to be 6.3 days at 25℃ and 9.9 days at 15℃. The average days of germination showed similar pattern with T50 with 8.3 days at 25℃ and 12.9 at 15℃. In terms of germination uniformity, it was more uniform at 25℃ than 15℃. The germination speed was found out to be the highest at 25℃. To sum up, when comparing the size and the seed number, October 1 is deemed to the suitable period to pick them, and the suitable temperature to germinate them was 15℃. However, since the germination was more uniform and faster at 25℃ it is considered to be the optimal temperature though the germination rate was rather lower. Key words: Rhododendron schlippenbachii, fruits and seeds, picking time, moisture content, germination rate

공유경제를 기반으로 하는 1인 가구 공유주택 디자인

김남호 건국대학교 건축전문대학원 2016 국내석사

1인 가구가 우리나라의 주된 가구 형태로 변화하는 과정에 1인 가구는 주거 빈곤층이다. 다른 가구와 같이 대량구매를 통한 비용 절감의 효율적 소비가 불가능하며 그로인해 주거비용의 소비지출이 크고, 1인 가구는 수도권에 집중되어 있어 주거비용의 상승을 가져와 상황은 더욱 악화하고 있다. 이와 같은 1인 가구 증가로 인한 주거문제의 대안으로 주목받는 공유주택은 공유경제와 그 맥락을 함께하며 처음 경제적 이유의 공유에서 커뮤니티 형태로 유대관계가 형성되고 나아가 네트워크가 중심이 되어 사회적 가치공유로 그 범위를 확대하며 발전하고 있다. 여러 사람이 한집에 살면서 개인의 침실을 갖고 다른 시설을 공유하며 경제적 이득과 정서적 유대관계를 형성한다. 공유주택은 공유경제가 갖는 사회적 긍정적 장점을 확대하기에 좋은 주거모델이다. 하지만 공유주택이 대형화되는 과정에 있어 많은 사람을 입주대상으로 해 대중적 성격의 공유프로그램 갖고 있어 기존 1인 가구의 주거 유형과 차별화되지 못하고 공유경제의 사회적 가치 확산에 소극적인 태도를 보인다. 따라서 본 연구는 1인 가구의 주거문제를 해결하는 동시 공유경제가 갖는 사회적 가치의 공유를 확산 증대시키는 공유주택을 제안하고자 1인 가구의 이론적 고찰과 국내 공유주택의 사례조사를 기반으로 프로젝트를 진행하였다. 1인 가구가 많이 사는 관악구에 대중교통이 편리한 남현동을 대지로 선정하였고 ‘Interlocking'을 개념으로 사적 공간과 공적 공간의 영역들 서로 밀접한 관계를 맺을 수 있도록 배치하였다. 많은 사람이 공감할 수 있는 도시농업을 테마로 하는 공유프로그램은 회색 도시에 녹색의 특색을 부여하는 테마로 입주자는 자연과 함께하는 삶을, 지역주민에겐 녹색 문화를 제공할 수 있다. 또한 자연스러운 커뮤니티 형성과 이를 통한 지역사회와 함께하는 공유주택으로 공유경제의 가치 확산을 끌어내고자 하였다. 본 연구를 통해 기존에 공유주택이 가진 문제점을 보완하고 공유경제가 가진 진정한 의미의 공유를 확산에 관한 연구가 활발해져 우리나라의 1인 주거 문제에 양적 문제와 질적 문제가 함께 개선되길 희망한다. As a single household is becoming the primary household type in Korea, a single household belongs to a housing poverty class. Unlike other household types, a single household cannot save cost on consumption through bulk purchase, which increases the cost of living. Also, single households are concentrated in metropolitan area where cost of housing is high, making their situation worse. As a result, community housing emerged as an alternative housing solution for single households with an increase in single households and is consistent with the idea of sharing economy. It starts as a sharing community and develops into a relationship and then eventually evolves into a network center, expanding its scope to include sharing of social values. Many people inhabit a single house, owns a separate bedroom and share other facilities, thus gaining economic benefits and forming emotional relationship. Community housing is a residence model suitable for maximizing the socially positive benefits from sharing economy. However, as community housing becomes bigger in size, it tends to accommodate a large number of people as residents, which makes it undifferentiable from the existing single household housing type. Also, big community housing tends to be passive in promoting the social value of sharing economy. Therefore, this research conducted a theoretical examination of singe household and the case study of community residence in Korea with the aim of solving the problems associated with singe household and propose a community housing that expands the spread of sharing of social values. Namhyun-dong area, which located in Gwanak-gu district that has a high concentration of single households and convenient transportation, was selected for study. The “interlocking” concept was used to produce an arrangement based on tighter relationship of private and public places. The sharing program that combines agricultural and urban atmosphere is something that many people can come to like. The residents can enjoy a life in the nature while the local residents can enjoy green environment. Also, the study tried to induce the spread of the value of sharing economy based on community housing in which residents work together to naturally form a community and cooperate with local community. It is hoped that, through this research, the problems associated with community housing are solved and the researches to promote the spread of the true value of sharing economy can be fostered, thus contributing to solving the problems related to singe households both quantitatively and qualitatively.

BIG 아키텍처의 폼기빙 개념을 바탕으로 한 뮤지엄 디자인

홍예지 건국대학교 건축전문대학원 2024 국내석사

덴마크를 대표하는 건축가이자 비아르케 잉엘스 그룹의 창립자인 비아르케 분드고르 잉엘스(Bjarke Bundgaard Ingels)는 북유럽 환경친화적 건 축가로 덴마크를 넘어 전 세계로 주목받고 있는 건축가로 알려져 있다. 건축가로서 규칙을 정해두지 않고 스토리텔링을 기반한 형식과 사회적으로 영향을 미칠 수 있는 긍정적인 프로그램들을 우선으로 건축에서 추구 하고자 하는 본질적 정의를 밝히고자 하며, 비아르케 잉엘스 그룹의 이념 인 '폼기빙(formgiving)'을 해석하고 특성을 도출해 먹 뮤지엄 공간계획안 을 제안하는 것에 그 목적을 둔다. 덴마크어로 '디자인'을 뜻하는 단어 폼기빙(formgiving)은 문자 그대로 아직 형태를 온전히 갖추지 못한 것에 형태를 부여하는 것을 뜻한다. 더 구체적으로, BIG는‘누군가 살고 싶어 하는 세상에 형태를 부여해주는 것’이라고 정의하고 있다. 'Formgiving'은 ‘form’과 ‘giving’이라는 단어를 합성한 합성어로, 이 두 가지 단어를 'Giving/Gift'로 그들만의 풀이를 통해 주는 행위 즉 선물이라 해석했다. 그들은 사회, 도시, 이웃, 세 상에 긍정적인 건축적 사고를 제안하는 정신적 도약을 상상한다고 했다. BIG는 형태를 부여하는 'Formgiving'을 큰 틀의 기준으로 10가지의 선물로 나누었다. 상품화(Productize), 자라난(Grow), 유대감(Bond), 결합성(Marry), 수 영장(Pool), 승강기(Lift), 직관적(Show), 사용자(Host), 적응(Adapt), 반응 (Respond)가 그 기준이다. 10가지 요소를 분석해 본 공간계획안에 'Productize', 'Bond', 'Respond'를 적용하고자 한다. 본 논문은 ‘Formgiving’을 ‘송연먹’이라는 주제로 스터디를 진행한 후, 먹 뮤지엄 설계를 제안하고자 한다. 송연먹 이란, 소나무를 태워 채취 된 그을음으로 만든 먹이다. 국내의 ‘먹장’의 수는 적어지고 있지만, 세계적인 박물관인 루브르 박물관과 스미스소니언 박물관 등 해외에서도 주목받고 있다. 본 논문에서는 BIG의 폼기빙 요소들과 ‘송연먹’의 특징 인 스며듦을 이용해 수묵화의 기법인 농담을 활용한 공간의 다자인 방법 을 도출하였다. 공간계획안을 위해 ‘먹’을 이용할 때의 사용자 행위에 관한 스터디를 통해 집합 구성을 계획하며 스터디를 하였고 비례와 픽토 그램, 단면으로 구분해 순환의 과정을 이어나갔다. 뮤지엄의 전시공간 체험은 집합 및 분할로 구성된다. 이는 액체와 고체가 공존하는 물체인 먹 의 특성을 반영한 것으로 공간의 다양성을 추구한다. Bjarke Bundgaard Ingels, one of Denmark's leading architects and founder of the Bjarke Ingels Group, is known as a Nordic eco-architect whose work has attracted attention beyond Denmark. As an architect, he does not set rules, but rather prioritises forms based on storytelling and positive social impact programmes. This paper aims to clarify the essential definition of what she wants to pursue in architecture by interpreting and characterising the Bjarke Ingels Group's philosophy of 'Formgiving' and proposing a spatial plan for the Muk Museum. The Danish word for 'design', 'formgiving', literally means to give form to something that is not yet fully formed. More specifically, BIG define it as 'giving form to the world someone wants to live in'. 'Formgiving' is a compound word of 'form' and 'giving', which they interpreted as 'giving/gift' in their own interpretation as the act of giving or a gift. They envision a mental leap that proposes positive architectural thinking for society, cities, neighbourhoods and the world. BIG divided 'Formgiving', which is the giving of form, into 10 gifts. They are ‘Productize’, ‘Grow’, ‘Bond’, ‘Marry’, ‘Pool’, ‘Lift’, ‘Show’, ‘Intuitive’, ‘Host’, ‘Adapt’ and ‘Respond’. By analysing the 10 factors we will apply 'Productize', 'Bond' and 'Respond' to this project. This paper proposes a design for an ink museum after studying the theme of 'Formgiving' as 'Songyeonmuk'. Songyeonmuk is a form of ink made from charcoal from burning pine trees. Although the number of mukjang in Korea is decreasing, it is attracting attention overseas, such as the Louvre and Smithsonian museums. In this paper, the form giving elements of BIG and the seepage characteristic of 'Songyeonmuk' were used to derive a multilateral method of space using the traditional Korean ink painting technique. For the spatial plan, I studied the user's behaviour when using the muk to plan the collective composition, and continued the process of circulation by dividing it into proportion, pictogram, and section. The composition of the museum's exhibition space experience uses aggregation and division. This is a reflection of the nature of muk, which is an object in which liquid and solid coexist and a search for spatial diversity.

치바이스의 예술개념과 전각 조형원리를 바탕으로 한 전시공간 디자인

김현진 건국대학교 건축전문대학원 2024 국내석사

Today’s rapid globalization and urbanization have raised living standards. At the same time, it has been a driving force for technological development. However, behind it, there are countless similar products that are mass-produced with materialism, lost identity, and lost diversity. In order to break this trend, each field is attempting to rebuild its collapsed identity through collaboration with various other fields. It shows a similar pattern in terms of architecture. Due to globalization and urbanization, the current city is filled similar-looking skyscraper and apartments. In this thesis, the space shown in the works of Asian artist Qi Baishi is summarized as a means to respond to this biased trend of globalization. Furthermore, a design was conducted to apply this perspective to the architectural space. Qi Baishi is a contemporary Chinese painter who discovered the extraordinariness in objects around us, such as shrimp and flowers, and carried out his work, considering it as his artistic mission to put it on his canvas. His artistic values, pacifism and Bulsajisa(不似之似 : resemblance without resemblance), which originated from childhood memories, appear throughout his work as a sense of aesthetics of a unique composition. This sense of aesthetics appears more explicitly in seal engraving works. The vertical and horizontal composition, rhythmic arrangement of strokes, and diagonal strokes that encompass the engravement creates spaces in the work. Before designing the architecture, eight pieces seal engraving of Qi Baishi were selected for comparison and analysis to derive design concepts The formative principles of Qi Baishi seal engraving are as follows. first, Divide the face of engraving according to the number of characters to be included. second, Divide the area through the strokes of the letters. third, Connect the divided spaces into one through the process of connecting or transforming the strokes. This principle of division in a two-dimensional plane can be reinterpreted spatially in three dimensions. The strokes divided horizontally and vertically on a two-dimensional plane was interpreted as a plane dividing the x, y, and z axes. In addition, each area created by dividing through the plane was connected in various ways such as breaking boundaries, drilling openings, or intentionally inserting the same element into each area through the user's cognition. The design was carried out by applying the derived design concept. This is applied to a site in Itaewon that was selected based on the artistic world of Qi Baishi. First of all, the museum's programs, users, and main routes were established based on the analysis of Qi Baishi's art concept and site. Then the space was divided based on the set program, user, and movement. After that, the space was connected in consideration of the structure of the building, the size of the space required, and the user's cognition. Finally, the red wall inserted diagonally is an element that symbolizes the diagonal strokes of the seal engraving work. It performs various functions such as encompassing the entire space and having symbolism at the same time. This museum was designed by deriving the formative principles of Qi Baishi's seal engraving works and applying them to the target site through a three-dimensional process. This allows users to remind of Qi Baishi's seal engraving works through the shape and space of the building. This thesis attempted to plan an art museum that architecturally reinterprets the perspective of the space shown in Qi Baishi's work. So, just as the strokes in Qi Baishi's seal engraving intersect to form letters containing meaningfulness, we formed the walls of the site intersect to form a space containing functions. We look forward to the experience of being in the work, not simply appreciating it. 오늘날의 급속한 세계화와 도시화는 생활 수준을 높이고 기술 발전의 원동력이 되었다. 그러나 그 이면엔 물질화되어 정체성을 잃어버려 다양성이 사라지고 양산되는 비슷한 제품들이 즐비해졌다. 이러한 흐름에 각 분야는 다양한 분야와의 협업을 통해 무너진 정체성을 다시 새우는 시도를 진행 중이다. 건축 측면에서도 비슷한 양상을 보이는데, 세계화 도시화로 인해 현재의 도시는 비슷한 모습의 고층빌딩과 아파트들로 채워져 있다. 이에 세계화의 흐름에 대응하기 위한 수단으로 동양의 예술가 치바이스의 작품 속 보여지는 공간에 대한 시각을 정리해보고, 이를 건축공간에 적용하는 설계를 진행하였다. 치바이스는 새우나 꽃등의 우리 주변의 사물들 속 비범함을 발견하고, 그의 화폭에 담는 것을 그의 예술적 사명으로 여기며 작품활동을 진행한 중국의 현대 화가이다. 유년시절의 기억에서 비롯된 그의 예술적 가치관인 평화 사상과 불사지사론은 그의 작품 전반에 독특한 구도의 미감으로 나타난다. 그의 이러한 미감은 전각작품에서 더욱 직접 적으로 나타나는데, 수직 수평의 구도와 리듬감 있는 획의 배치 그리고 전체공간을 아우르는 사선의 획은 작품 내 공간들을 만들어낸다. 본격적인 건축설계에 앞서 디자인 개념 도출을 위해 치바이스의 전각작품 8점을 선정하여 비교분석 하였고, 총 3단계로 나누어진 작품 형성원리를 도출해낼 수 있었다. 치바이스 전각작품의 형성원리는 다음과 같다. 첫째, 인면 위 글자의 수에 따라 인면을 분할 한다. 둘째, 글자의 획을 통해 영역을 분할 한다. 셋째, 획을 연결하거나 변형하여 나뉘어있는 공간을 하나로 연결한다. 이후 2차원의 평면에서의 분할 원리는 3차원의 공간적으로 재해석 되었다. 가로와 세로로 나뉘던 획은 가로, 세로, 높이를 가르는 면으로 해석하였고, 면을 통해 분할되어 만들어진 각 영역은 경계를 무너트리거나 개구부를 뚫어 직접 적으로 연결 혹은, 각 영역에 의도적으로 같은 요소를 삽입해 사용자의 인식을 통해 연결하는 방법을 도출하였다. 도출된 디자인 개념은 치바이스의 예술 세계에 기반을 두어 선정된 이태원의 한 필지에 적용하여 치바이스 전시공간의 설계를 시작하였다. 치바이스의 예술개념과 대지의 분석에 기반을 두어 미술관의 프로그램과 사용자 그리고 주 동선을 설정하였다. 이후 설정된 프로그램, 사용자, 동선을 기준으로 공간을 분할 하였고, 건축물의 구조와 필요공간의 크기, 사용자의 인식을 고려하여 공간을 연결하였다. 최종적으로 사선으로 삽입된 붉은 벽은 전각작품의 사선 획을 형상화한 요소로, 전체공간을 아우르며 상징성을 가지며 다양한 기능을 수행하게 된다. 완성된 미술관은 치바이스 전각작품의 조형원리를 도출한 후 입체화 과정을 거쳐 대상지에 적용하는 방식으로 디자인되었기 때문에 건축물의 형태나 공간이 치바이스의 전각작품을 연상시킨다. 본 논문은 치바이스의 작품 속 보여지는 공간에 대한 시각을 건축적으로 적용한 미술관을 계획하고자 하였다. 이에 치바이스의 전각작품 속 획들이 교차하여 의미를 담은 글자를 구성하듯, 대지의 벽들이 교차하여 기능을 담은 공간을 구성하였고, 최종적으로 사용자가 전각작품 속을 탐험하는 듯한 느낌을 받는 공간을 제안하였다. 작품을 단순히 보는 것이 아닌, 작품 속 공간에 들어간 듯한 경험을 기대해 본다.

대토개발리츠를 활용한 개발사업의 리스크 관리방안 : Fuzzy-AHP 기법을 중심으로

김준완 전주대학교 대학원 2016 국내박사

장 뒤뷔페의 우를루프 채색조각 특성을 바탕으로 한 미술관 디자인

박희찬 건국대학교 건축전문대학원 2024 국내석사

현대 사회는 합리성과 이성 중심의 사회이다. 이는 우리에게 기술의 끝없는 발전을 가져왔다. 공간과 건물들 또한 이런 어법에 따라 정형화되어 만들어진다. 이는 현대를 살아나가기 위해서는 공간과 건물 또한 최대한 효율적으로 만드는 것이 합리적인 선택이기 때문이다. 하지만 기술의 발전이 우리의 삶의 질과 그렇게 큰 연관이 있나에 대한 의문을 품는 사람들이 있듯이 공간디자인 또는 건축을 하는 이들에게는 현대의 도시가 점점 더 삭막해지고 있다는 느낌을 받게 하기도 한다. 이런 문제의 해결책을 제시하기 위해 합리주의와 이성에 거리를 두며 예술활동을 이어나갔던 프랑스의 예술가 장 뒤뷔페의 삶을 들여다보고 더 나아가 그의 작품 속에서 나타나는 공간에 대해 정리해보는 과정을 통해 실제 건축공간으로 적용해본다. 장 뒤뷔페는 일상생활 속의 오브제를 자신의 상상력을 가미한 시선으로 보며 이를 다양한 기법들을 통해 표현하는 것을 즐겼던 예술가이다. 두 번의 세계대전과 다양한 인생에서의 경험들로 인해 합리와 이성이라는 현대문명의 중심축에 대한 의심을 품을 수밖에 없었던 뒤뷔페는 자연스럽게 작품에서도 그러한 경향성을 보이며 당시 예술계의 경직된 기준과 관념을 깨부수려 노력하였다. 이는 자연스럽게 뒤뷔페 작품만의 독특한 형태들로 이어지게 된다. 그중에서도 우를루프와 이를 입체화한 조형작품인 채색조각이 그의 예술관과 가장 가까운 작품이라고 할 수 있다. 우를루프 채색조각은 작품마다 특유의 특성과 공간감을 가지고 있다. 이를 건축설계에 사용하기 위하여 채색조각 작품들을 총 4개의 조형특성으로 분류하였으며 이를 통해 공간을 형성하는 평행 배치, 형성된 공간을 분절하는 수직-수평교차, 다른 층계의 공간을 연결하는 사선교차라는 3개의 공간개념을 도출하였다. 공간개념을 바탕으로 입체화 및 공간형성과정 연구를 통해 디자인 개념을 도출하였으며 이를 선정된 성수동의 한 필지에 적용하는 것을 시작으로 본격적인 설계과정을 진행하였다. 채색조각을 통한 공간개념과 대지의 위치를 고려하여 프로그램, 사용자, 그리고 동선을 설정하였다. 이후 이를 기준으로 디자인 개념에 맞게 공간의 형성, 분할, 연결을 진행하였다. 본 논문의 목표는 장 뒤뷔페의 우를루프 채색조각 작품 속에서 느껴지는 공간에 대한 개념을 건축적으로 적용하여 미술관을 계획하는 것이었다. 우를루프 채색조각의 특성에 따라 공간화되고 그것이 다시 기능을 가진 유기적인 건축물로 변화하는 과정을 통해 사용자가 실제로 채색조각 안에서 걸어 다니는 듯한 느낌을 줄 수 있는 공간을 제안한다. 이는 장 뒤뷔페의 작품을 시선뿐만 아니라 몸 전체로 느낄 수 있도록 하는 데에 그 의의가 있다. Modern society is based on rationality and reason. This has brought us the endless development of technology. Spaces and buildings also appear in a standardized form according to these influences. This is because making space and buildings as efficient as possible is a reasonable option both spatially and money-wise. However, as some people question whether technological advances have such a big connection to our lives, those who design or build space may feel that modern cities are becoming increasingly desolated. To solve this problem, this thesis applied it as an actual architectural space through the process of looking into the life of French artist Jean Dubuffet, who continued his artistic activities by distancing himself from rationalism and reason, and further summarizing the space that appears in his work. Jean Dubuffet is an artist who sees objects in everyday life with his imagination and expresses them through various techniques that he created. Due to two world wars and various life experiences, Jean Dubuffet has raised doubts about the central axis of modern civilization: rationalism and reason. He also showed that tendency in his work, trying to break the rigid standards and ideas of the artistic community at the time. This leads to Jean Dubuffet unique form of work, and among them, the series of "L’Hourloupe" and the Polychrome Sculpture which is a three-dimensional version of L’Hourloupe are the closest to his view of art. Each work has its own characteristics and sense of space in Polychrome Sculptures. To apply this to architectural design, Polychrome Sculptures were classified into a total of four formative characteristics, and through this, three spatial concepts were derived: parallel arrangement that forms a space, vertical-horizontal intersection that divides the formed space, and diagonal intersection that connects spaces of different levels. Based on the spatial concept, the design concept was derived through research on the three-dimensionalization and space formation process. Starting with applying this to the selected site in Seongsu-dong, the design process was carried out in earnest. Programs, users, and flow plans were set up in consideration of the spatial concept and the location of the land, and based on this, the space was formed, divided, and connected according to the design concept. The goal of this thesis was to plan an art museum by applying the spatial concept felt in Jean Dubuffet's L'Hourloupe Polychrome Sculptures architecturally. This thesis propose a space that allows users to feel like they are actually walking around in the Polychrome Sculptures through the process of spatializing according to the characteristics of the Polychrome Sculptures and transforming it into a functional organic building. This is meaningful in that Jean Dubuffet's work can be felt not only by sight but also by the whole body.

신고전주의와 지역주의를 바탕으로 한 애플 스토어 공간 계획 특성과 의미에 관한 연구

신동진 건국대학교 건축전문대학원 2024 국내박사

Apple Stores, a retail chain that sells and provides Apple products, services, and programs, are regarded as a unique case within modern architectural culture due to their innovative design and advanced architectural technologies. The motivation for this research emerged from a fascination with the Apple Store’s ability to consistently maintain its identity for over twenty years, existing as a private space yet experienced in a public setting. This fascination prompted critical questions regarding the design philosophies and attitudes embodied in Apple Stores. The study initially focused on examining the features of flagship stores noted for their global impact, determining shared patterns and typologies, thereby establishing the hypotheses and foundational premises of the research. This study puts forward the hypothesis that the architectural characteristics of Neoclassicism and Regionalism, during the transitional phase of Modernist architecture, are intrinsic to the spatial design of Apple Stores. The research is premised on the emergence of the Town Square concept in 2017, which serves as a marker for categorizing Apple Stores into two distinct phases. The first phase encompasses the ‘Plaza Underground Layout’ and ‘Street Front Layout’ configurations, while the second phase is divided into the ‘Outdoor Plaza Linked Layout’ and the ‘Regionally Specialized Staging Layout’. The purpose of this study is to investigate the relationship between the simplicity and locality embodied in Apple Store designs, specifically, how Apple’s spatially expressed identity aligns with Neoclassical and Regionalist architectural styles. The research also explores the values and meanings associated with the evolution of the Apple Store concept and its link to the transitional features of Modernist architecture. The methodology of this research is divided into literature reviews and case studies. The literature review is conducted in two parts. First, it examines the relationship between Apple Stores and Neoclassical architecture. Drawing from Steve Jobs’ biography, it highlights the influence of Bauhaus design on Apple Stores, noting its Neoclassical architectural thought and form. This relationship is explored through books on Apple’s personnel and design, as well as previous studies on the history of Modernist architecture. Second, it investigates the connection between Apple Stores and Regionalist architecture. This study is grounded on the emergence of the ‘Town Square’ concept, which is based on Apple’s localization strategy and Regionalist principles, using related press releases, research reports, and prior research, including works by Kenneth Frampton. The case study component of this research selects twelve stores, grouped into four types with three examples each, based on the application of the flagship concept in standalone buildings or dedicated spaces that have received significant media attention. For the ‘Plaza Underground Layout’, the stores selected are Apple Fifth Avenue, Apple Pudong, and Apple Zorlu Center. For the ‘Street Front Layout’, the study includes Apple Stanford Shopping Center, Apple Omotesando, and Apple SoHo. The ‘Outdoor Plaza Linked Layout’ examines Apple Orchard Road, Apple Michigan Avenue, and Apple Aventura. Finally, the ‘Regionally Specialized Staging Layout’ focuses on Apple Piazza Liberty, Apple Dubai Mall, and Apple Marina Bay Sands. The findings of this research synthesize the case studies while also presenting the inherent values and meanings within Apple Stores. It reveals that the first phase reflects Neoclassical architectural characteristics, whereas the second phase demonstrates characteristics associated with Regionalist architecture. The absolute values of Apple design manifested through this process are summarized in two main aspects: firstly, as a visual order, the ‘Neoclassical Design Principles’, and secondly, as innovative thinking, the ‘Attitude of Contradictory Integration’. These represent the guiding principles and legacy of Apple’s product and spatial design. This study views Apple Stores as a facet of modern architectural culture. With over 530 stores worldwide, Apple has spread its consistent concept and unique approach across its commercial buildings, showing a brand evolution that constructs corporate heritage through space in a rapidly changing consumer society that constantly demands innovation. The outcomes of this research are intended to serve as a reference for Apple’s achievements and future development plans, and as foundational data for other companies’ store construction strategies. 애플스토어는 애플 제품과 서비스, 프로그램을 판매 및 제공하는 소매점 체인이며, 혁신적인 디자인과 첨단 건축 기술로 현대 건축 문화에서도 중요하게 평가받는 특별한 사례이다. 본 연구는 애플스토어가 20년 넘게 자신의 정체성을 일관되게 유지하는 모습과 사적 공간이지만 공적인 개념에서 소비되는 상황에 대해 궁금증이 생기면서 시작되었다. 이러한 의문은 애플스토어에 어떤 디자인 철학과 태도가 적용되고 있는지 본질적인 질문으로 이어졌다. 이에 따라 세계적으로 주목받은 대표 매장들의 특징을 살펴보고 그 가운데 공통점과 공통 유형을 파악, 연구의 가설과 전제를 설정했다. 본 연구는 모더니즘 건축의 전환기로서 신고전주의와 지역주의의 건축 특성이 애플스토어 공간에 내재한다는 추론을 가설로써 제시한다. 연구의 전제는 2017년 타운스퀘어 개념의 등장을 기점으로 애플스토어를 1기와 2기로 구분한 점이다. 여기서 1기는 ‘광장 지하 배치형’과 ‘거리 전면 배치형’, 2기는 ‘옥외 광장 연계형’과 ‘지역 특화 연출형’으로 세분화했다. 연구 목적은 애플스토어 디자인의 단순성과 지역성의 구현, 즉 공간화된 애플의 정체성이 신고전주의 및 지역주의 건축과 어떤 연관이 있는지를 밝히는 것이며, 애플스토어 개념 변화와 모더니즘 건축의 전환기적 특징의 관계가 갖는 가치와 의미를 제시하는 데 있다. 연구 방법은 문헌과 사례 연구로 나뉜다. 문헌 연구는 두 가지로 진행된다. 첫째, 애플스토어와 신고전주의 건축의 연관성을 고찰한다. 이는 스티브 잡스의 전기에서 애플스토어에 영향을 준 바우하우스 디자인이 신고전주의 건축의 사상과 형식에 영향을 받았다는 점을 근거로, 애플의 인물 및 디자인 관련 서적과 근현대 모더니즘 건축사의 선행 연구로 살펴본다. 둘째, 애플스토어와 지역주의 건축의 연관성을 고찰한다. 이는 ‘타운스퀘어’ 등장이 애플의 지역화 전략에 기초한 지역주의 개념에 따른 것을 근거로, 관련 보도 자료와 연구 보고서, 케네스 프램톤의 저서와 선행 연구로 살펴본다. 사례 연구는 유형별로 대표 매장 3곳씩 총 12곳을 선정해 진행한다. 선정 기준은 플래그십 개념이 적용된 단독건물이나 독립 공간 매장 중 주요 매체에서 주목받은 곳이다. ‘광장형 지하 배치형’은 애플 5번가, 애플 푸동, 애플 졸루 센터를, ‘거리 전면 배치형’은 애플 스탠퍼드 쇼핑센터, 애플 오모테산도, 애플 서호를, ‘옥외 광장 연계형’은 애플 오차드 로드, 애플 미시간 애비뉴, 애플 아벤투라를, ‘지역 특화 연출형’은 애플 피아자 리버티, 애플 두바이 몰, 애플 마리나 베이 샌즈를 분석 대상으로 삼는다. 연구 결과는 사례 분석을 종합하며 동시에 애플스토어에 내재한 가치와 의미를 제시한다. 1기에서는 신고전주의 건축의 특성이, 2기에서는 지역주의 건축의 특성이 각 유형과 매칭되어 나타난다. 이 과정에서 발현되는 애플 디자인의 절대 가치는 두 가지로 요약된다. 첫째, 시각 질서로서 ‘신고전주의 조형 원리’이고, 둘째, 혁신 사고로서 ‘상호모순 결합 태도’이다. 이는 애플의 제품과 공간을 관통하는 디자인 원리이자 유산이다. 본 연구는 애플스토어를 현대 건축 문화의 한 단면으로 보고자 했다. 전 세계 530여 개의 상업 건축물을 일관된 개념과 독특한 방식으로 확산시키고 있는 애플스토어는 끊임없이 새로움을 요구하며 빠르게 변화하는 현대 소비 사회 속에서 공간을 통해 기업의 헤리티지를 구축해 나가는 차별화된 브랜드 진화를 보여주고 있다. 이에 본 연구의 결과가 애플에는 그간의 성과와 향후 발전 계획에 관한 참고 자료로서, 타 기업에는 매장 구축 전략을 위한 기초 자료로 활용되길 기대한다.

헤테로토피아 공간 특성을 반영한 스피크이지 복합 바 디자인

김지혜 건국대학교 건축전문대학원 2024 국내석사

헤테로토피아 공간 특성을 반영한 스피크이지 복합 바 디자인 21세기 현대 사회는 기술의 발전과 급격한 도시화로 인해 정보의 접근성이 높아져 일상생활을 더욱 편리하게 했지만, 사람들은 개인화 된 디지털 공간 속에서 소통과 독서와 같은 정적 활동이 사라지며 일상에서의 상호작용과 삶의 다양성을 잃어버리게 되었다. 본 연구의 목적은 사회의 다양하고 새로운 문화를 경험할 수 있는 공간적 혁신을 위해 헤테로토피아 개념을 적용한 비일상적인 공간을 제시하는데 있다. 많은 사람들이 상호작용을 위해 사회적 모임을 하는 장소로 바(Bar)를 선택한다. 바는 일상에서 벗어난 일탈의 경험을 제공하는 장소이기 때문이다. 그 중 스피크이지 바는 아는 사람만 찾아 갈 수 있는 은밀히 숨겨진 공간에 놓여있어 비일상적인 특징이 크다. 따라서 본 논문에서는 독서, 그림 및 음악 감상과 같은 다양한 생활예술 활동을 주류와 함께 즐기며 소통과 상호작용을 촉진하여 심적 안정과 즐거움을 취할 수 있는 색다른 공간으로 스피크이지 복합 바 디자인을 제안한다. 본 논문에서는 미셸 푸코가 정의한 헤테로토피아를 고찰해 연구에 반영할 것이다. 미셸 푸코는 사회의 공간 구조에 대한 비판을 제기하면서, 이질적인 요소를 통해 공간의 의미를 재해석할 필요가 있다고 주장하며 헤테로토피아를 주 공간과는 ‘다른 공간’이라고 정의했다. 여러 예술 작품과 현대 건축물들을 통해 살펴본 현대 사회의 헤테로토피아 공간은 ‘비위계적 공간’, ‘혼종된 공간’, ‘은폐된 공간’으로 비일상 공간을 표현한다. 이러한 헤테로토피아 공간 개념을 스피크이지 복합 바 공간 특성과 연결 짓기 위해 실제 스피크이지 바 공간에서 어떻게 반영되고 있는지 사례를 통해 분석했다. 결론적으로 본 연구는 헤테로토피아의 세가지 공간 개념이 프로그램의 중첩, 분위기의 중첩, 무질서한 공간 구성, 그리고 은폐된 출입 동선을 통해 나타날 수 있다고 추론해 이를 설계에 반영했다. 비일상적인 새로운 공간으로서 장소에 대한 궁금증을 유발시키기 위해서는 프로젝트의 사이트에서부터 헤테로토피아 특성이 잘 묻어나야 한다. 따라서 사이트는 구획이 확실히 나뉘어 있는 정형화된 신도시 중심의 한 블록에 기존의 비정형적인 좁은 길과 집들이 남아있어 옛 모습이 섞여 있는 이질적인 모습을 지닌 구역으로 선택하였다. 헤테로토피아의 비위계적 공간 개념은 내부 공간을 수직과 수평으로 무질서하게 배치해 나타냈다. 혼종된 공간의 개념은 술과 함께 다양한 생활예술 프로그램을 프로젝트의 한 공간에 중첩시키고 공간마다 서로 다른 분위기로 연출해 나타내고자 했다. 마지막으로 은폐된 공간의 개념을 나타내기 위해 대지의 대부분을 지면 아래로 낮추어 숨기고 도심과는 다른 모습을 보여줄 수 있도록 정원으로 새롭게 디자인했다. 또한 각 공간으로 연결되는 출입구를 거울 또는 그림 등으로 위장하거나 잘 보이지 않도록 숨겨놓았다. 따라서 본 프로젝트를 통해 이질적으로 재해석된 헤테로토피아 공간을 보여주고자 했다. 도시의 중심에 위치한 본 프로젝트는 현실의 삶에 지친 사람들을 ‘현실 속 도 피의 공간’이라는 개념으로 다양한 프로그램이 중첩된 비현실적인 공간에서 함께 즐길 수 있도록 이끈다. 따라서 스피크이지 복합 바 프로젝트는 술과 예술의 상호작용을 통한 새로운 비일상 경험을 제공해 일상에서의 삶에 긍정적인 영향을 미칠 것으로 기대한다. 이를 통해 지역 커뮤니티가 강화되고, 다양한 인구 집단 간의 사회적 통합이 촉진될 것이다. 주제어: 스피크이지 바, 복합 바, 헤테로토피아, 비일상 공간, 이질적 공간 In the modern society of the 21st century, technological advances and rapid urbanization have made information more accessible, making daily life more convenient. However, people lose social interaction and diversity in their daily lives due to the disappearance of communication and static activities like reading in personalized digital spaces. This study aims to present non-daily space, applying the concept of heterotopia for a spatial innovation, thereby experiencing new and diverse cultures in society. Many people choose bars as their social places for interaction. This is because the bar is a place that provides an experience of deviance from daily life. The speakeasy bar is one of the non-daily spaces that can have an experience of deviance, since it is in a hidden space that only people who know it can visit. Therefore, this study proposes a speakeasy multi bar design as an unconventional space where people can enjoy various living arts activities such as reading, painting, and listening to music while savoring alcohol. In this space, interaction can be promoted to achieve mental stability and enjoyment. This thesis paper will reflect on heterotopia as defined by Michel Foucault. Michel Foucault elaborated the concept of heterotopia, criticizing the spatial structure of society. He defined heterotopia as ‘other spaces’, arguing it was necessary to reinterpret the meaning of space through heterogeneous elements. In this study, heterotopia spaces in modern society are also explored through various artworks and contemporary architecture. They express non-daily space as concepts of ‘non-hierarchical space’, ‘hybrid space’, and ‘concealed space’. Through case studies of existing speakeasy bars, these three concepts of heterotopia space are connected to four characteristics of speakeasy multi bar space: overlapping of programs, overlapping of atmospheres, disordered spatial configuration, and hidden entry and exit routes. These four characteristics are reflected in the project design. To generate curiosity about the unconventional new space, the heterotopia characteristics of the project should be evident from the site. Therefore, the site was chosen as a heterogeneous area with a mix of old and new. The space remains with existing atypical narrow streets and old houses on a block in the center of a formalized new town with well-defined zoning. The concept of ‘non-hierarchical space’ of heterotopia is represented by the disordered construction of the interior space, both vertically and horizontally. The concept of ‘hybrid space’ is created by overlapping various living arts programs in one space with alcohol and generating different atmospheres in each space. To illustrate the concept of ‘concealed space’, a significant portion of the site was lowered to the ground and redesigned as a garden, offering a distinct appearance from the surrounding town. Furthermore, the incorporation of disguised mirrors, paintings, and hidden doors at the entrances in each space effectively presents the third concept of heterotopia. In summary, this project aimed to show a heterotopia space that has been reinterpreted with heterogeneity. Located in the center of the city, this project invites people who are tired of their real lives to enjoy themselves in an unreal space. This space, where different programs are overlapped, concludes with the concept of a ‘space of escape from reality’. The speakeasy multi bar project provides a new non-daily life experience through the interaction of drinking and arts. Therefore, it is expected to have a positive impact on people's daily lives. This will strengthen the local community and promote social integration among different populations. Keyword: speakeasy bar, multi bar, heterotopia, non-daily space, heterogeneous space

한옥 '칸'의 구조 및 공간 특성을 적용한 모듈러 주택 디자인

임도제 건국대학교 건축전문대학원 2024 국내석사

The purpose of this study is to propose a modular housing design that can be customized by the type of housing depending on the user, location, and purpose of its use. The study starts by analyzing the reasons why the modular housing market in Korea is not as active as overseas markets and how to improve it. Then, a modular house design method will be studied based on spatial characteristics of Hanok’s Kan. (Hanok’s Kan : Hanok refers to traditional Korean houses, and Kan means a modular unit of Hanok structure.) First, to this study, understand the modularity is based on human bady dimensions through the theoretical consideration. In this process, the composition of the Hanok’s Kan is closely related to the concept of modularity in that the basic dimensions of the house were determined based on human body dimensions and a sense of stability was pursued there. Through this relationship, the structure and spatial characteristics of Hanok’s Kan would be studied and applied to modular housing design. In addition, this study investigates the types of modular houses according to construction methods and the way how to maximize efficiency by applying appropriate construction methods in various field situations. Also, this study analyzes the advantages and disadvantages of modular houses to determine what needs to be reflected to and improved in modular house design. Next, the concept, structure, and spatial characteristics of Hanok’s Kan are analyzed to organize the relationships, placeness, and purpose of Hanok’s Kan. And based on the appropriate institutional status and laws, the space size of the modular house in each Hanok’s Kan unit is set so that the modular house can be moved after pre-production. The modular prototype design, which applies the structure of Hanok’s Kan, is a combination of roof modular, Kan modular, and floor modular, and is planned to be able to be separated, transformed, and expanded in various ways. The modular house design unit concept utilizes the concept is ‘BOUNDARY’, meaning boundary or area. Utilizing the concept of ‘BOUDARY’ as setting the form and scale of a building, the building area that can be built on the land is the boundary of the roof. Within it, the modular units can be freely placed according to their purpose. It becomes the basic form. And only the roof is formed depending on the budget or the number of members, with the possibility of expanding later as the number of people increase or the budget becomes available. This modular house design concept sets up three hypothetical scenarios depending on the people using the modular house unit, the number of members, and the use and character of the space. Therefore, we propose three modular type designs: a single-story small modular house unit, a single-story combined modular house unit, and a single-story expandable modular house unit. The modular housing unit proposed in this way is divided into three parts which are roof, Kan, and floor that can be freely separated, transformed, and expanded. And this modular house design is structurally and conceptually advanced in that it is based on the Hanok’s Kan structure and spatial characteristics. In conclusion, this study proposed a modular house design that can be customized to meet various needs depending on the user, location, and purpose by applying the Hanok’s Kan structure and spatial characteristics. It breaks away from the existing box-shaped modular house design. The feasibility of modular housing units was proposed by three scenarios. This study is significant for being used as a variety of practical guidelines or reference materials. Furthermore, it is hoped that this modular house design expands into infinite possibilities depending on the user, location, and purpose such as children's libraries, senior centers, community centers, and small housing complexes. 본 연구의 목적은 사용자와 장소 및 목적에 따라 주거 형태에 적합하게 커스텀 제작이 가능한 모듈러 주택 디자인을 제안하는 데 있다. 우선 국내 모듈러 주택시장이 해외에 비해 활성화가 되지 않고 있는 원인과 개선점에 대해 분석하고 이에 따라 한옥 칸의 구조 및 공간 특성을 적용한 모듈러 주택 디자인을 제안하는 방법을 연구한다. 연구 방법으로는 우선 모듈러 개념에 대한 이론적 고찰을 통하여 모듈러라는 개념이 인체 치수에 근거했다는 것을 이해한다. 또한 한옥 칸의 구성이 인체 치수를 기준으로 집의 기본 치수를 정했고 거기서 안정감을 추구해 왔다. 그런점에서 모듈러라는 개념이 한옥의 칸과 연관성이 있다는 것을 알 수 있다. 이에 근거하여 한옥 칸 구조와 공간 특성을 연구해 모듈러 주택 디자인에 접목한다. 그리고 모듈러 주택의 공법에 따른 종류를 조사하여 다양한 현장 상황에 맞은 공법을 알아보고 효율성을 극대화하려는 방법을 찾아본다. 또한 모듈러 주택의 장단점을 분석해 디자인에 반영해야 할 부분과 개선해야 할 부분들을 연구한다. 다음으로는 한옥 칸의 개념과 구조, 공간 특성을 분석해 한옥 칸의 관계성, 장소성, 목적 등을 정리한다. 그리고 그에 맞는 제도적 현황과 법규를 바탕으로 모듈러 주택이 사전제작 후 이동할 수 있도록 한옥 칸 단위의 모듈러주택 공간 규모를 설정을 한다. 한옥의 칸 구조를 적용한 모듈러 프로토타입 디자인은 지붕 모듈러, 칸 모듈러, 바닥 모듈러를 합친 형태로 다양하게 분리, 변형, 확장이 가능하도록 계획한다. 모듈러 주택 디자인 유닛 콘셉트는 ‘BOUNDARY’이다. 경계, 영역이라는 의미로 건물의 형식과 규모를 설정한다는 개념을 활용하여 대지를 지을 수 있는 건축면적을 지붕의 경계로 만든다. 그 안에 모듈러 유닛을 용도에 맞게 자유롭게 배치한다. 그게 기본 형태가 된다. 예산이나 구성원에 따라 지붕만 형성해 놓고 나중에 인원이 늘어나거나 예산이 확보되면 점점 늘어날 수 있는 확장 공간으로 가능성을 주었다. 이 모듈러 주택 디자인 콘셉트는 모듈러 주택 유닛을 사용하는 사람과 구성원의 수, 공간의 용도와 성격에 따라 가상의 세 가지 시나리오를 설정한다. 이를 바탕으로 단층 소형 모듈러 주택 유닛과 단층 결합형 모듈러 주택 유닛, 단층 확장형 모듈러 주택 유닛 이렇게 세 가지 모듈러 타입 디자인을 제안한다. 모듈러 주택 유닛은 지붕, 칸, 바닥이라는 세 파트로 구분되어 각자 자유롭게 분리, 변형, 확장이 가능하다. 그리고 이 모듈러 주택 디자인은 한옥 칸 구조와 공간 특성을 바탕으로 했다는 점에서 구조적으로나 개념적으로 발전된 형태를 보인다. 총론적으로, 본 연구는 기존의 박스 형태 모듈러 주택 디자인에서 벗어나 한옥 칸 구조 및 공간 특성을 적용하여 사용자와 장소 및 목적에 따라 다양하게 요구되는 커스텀 제작이 가능한 모듈러 주택 디자인을 제시하였다. 그리고 세 가지 시나리오의 모듈러 주택 유닛으로 확장가능성에 대해 제안하였다. 앞으로 이 모듈러 주택 디자인이 세 가지 시나리오 이외에 어린이 도서관, 노인회관, 마을회관, 소형 주택단지 등 사용자와 장소 및 목적에 따라 무한한 가능성으로 확장되길 희망한다. 또한 다양한 실용적 지침이나 참고 자료로 활용되는 데 의의가 있다.

피터 옵스빅의 사회적 수용 연계성을 반영한 스트리트 퍼니처 디자인

주소영 건국대학교 건축전문대학원 2024 국내석사

Street furniture is for everyone. However, street furniture is often used as a decorative element in the urban landscape without considering the people who use it. The purpose of this study is to propose a street furniture that can be used by anyone, and thus, Peter Opsvik(1939-), a Norwegian designer who designed furniture with the user in mind was chosen for this study. After analyzing Peter Opsvik’s design background, Scandinavia, and his designs, his design language can be summarized as social receptive connectivity. The term “social receptive connectivity” implies Peter Opsvik’s philosophy of designing for the people who make up society. Social receptive connectivity has three components: age acceptable connectivity to accommodate a wider range of ages, movement acceptable connectivity to design for freedom of movement, and environment receptive connectivity to design for the environment using easily renewable materials. This study designed the new Street Furniture based on Peter Opsvik’s philosophy summarized above. First, the concept and characteristics of street furniture was studied. Gwanghwamun Square was selected as a representative example site for the application of street furniture. Several problems in Gwanghwamun Square were identified from the perspective of social receptive connectivity. This thesis project would like to apply these perspectives by replacing it with objects, forms, and materials. The specific methods are as follows. First of all, the street furniture was designed to be modularized into several to accommodate an unspecified number of people. It is more suitable for accommodating multiple people than using only one piece of furniture. In addition to being used as a single module, the modules can also be combined to accommodate different situations. Second, the street furniture is designed solely based on the human body, excluding decorative elements when designing the shape. The posture and behavior of people in open spaces such as squares and parks were analyzed and applied to six modules. Finally, discarded materials were recycled and used as materials, focusing on selecting materials that people who use street furniture can relate to. In addition, this project is developed by not only reflecting Peter Opsvik’s philosophy, but also applying the concept of extending furniture into space. The furniture extends into the space, creating a unique and new sense of space. When designing a space, if the furniture extends into the space, it will create a new sense of space. Keyword: Peter Opsvik, Scandinavia, Street Furniture, Receptivity, Connectivity, Expandability 스트리트 퍼니처(Street Furniture)는 모든 사람을 위한 가구이다. 하지만 흔히 스트리트 퍼니처는 도시의 경관을 꾸미는 요소로써 활용되는 경우가 많다. 정작 스트리트 퍼니처를 사용하는 사람에 대한 고려는 부족하기 일쑤다. 본 연구의 목적은 누구나 편하게 사용할 수 있는 스트리트 퍼니처를 제안하는 것이다. 따라서 가구를 사용하는 사람을 최우선으로 생각하며 가구를 디자인하였던 노르웨이의 디자이너, 피터 옵스빅(Peter Opsvik, 1939~)을 선정하였다. 피터 옵스빅의 디자인 배경이 되었던 스칸디나비아와 피터 옵스빅의 디자인을 분석한 결과 그의 디자인 언어를 사회적 수용 연계성이라고 정리할 수 있었다. 사회적 수용 연계성이라는 말에는 사회를 구성하는 사람에게 맞추어 디자인하고자 하였던 피터 옵스빅의 철학이 함축되어 있다. 사회적 수용 연계성은 다음의 세 가지와 수용적인 연계성을 가진다. 더욱 많은 연령대를 수용하기 위한 연령과의 수용 연계성, 가구를 사용하는 신체의 자유로움을 목표로 디자인되었던 움직임과의 수용 연계성, 재생이 쉬운 재료 위주로 환경을 생각하며 가구를 제작하였던 환경과의 수용 연계성이 그에 해당한다. 위와 같이 정리한 피터 옵스빅의 철학을 바탕으로 새로운 스트리트 퍼니처를 디자인하였다. 먼저 스트리트 퍼니처에 대한 개념과 특성을 연구하였다. 스트리트 퍼니처가 적용되는 대표적인 예시 사이트로서 광화문광장을 선정하였다. 사회적 수용 연계성의 관점에서 광화문광장에 여러 문제점이 있음을 확인하였고, 본 논문 프로젝트에 사회적 수용 연계성을 각각 대상, 형태, 재료로 치환하여 적용하고자 하였다. 구체적인 방법은 다음과 같다. 첫 번째로, 불특정 다수를 수용하기 위해서 스트리트 퍼니처를 여러 개로 모듈화하여 디자인하였다. 이는 하나의 가구만을 사용하는 것보다 여러 사람을 수용하기에도 적합하다. 단일 모듈로 사용하는 것을 넘어서 모듈끼리 조합하여 다양한 상황을 수용할 수도 있다. 두 번째로, 형태를 디자인할 때에 장식적인 요소를 배제하고 오로지 인체에 기반을 두어 디자인하였다. 광장이나 공원과 같은 개방공간에서의 사람들의 자세와 행위를 분석하였다. 도출된 자세를 기반으로 6개의 모듈을 디자인하였다. 마지막으로, 버려지는 재료를 재활용하여 재료로 사용하고자 한다. 스트리트 퍼니처를 사용하는 사람들이 누구나 공감할 수 있는 재료를 선정하는 데 주력하였다. 추가로, 본 논문에서는 피터 옵스빅의 철학을 반영하는 것에만 그치지 않았다. 가구를 공간으로 확장하는 개념을 적용하여 프로젝트를 발전시키고자 하였다. 가구는 공간으로 확장되어 독특하고 새로운 공간감을 만들었다. 공간을 설계할 때 가구가 공간으로 확장되는 방법을 사용한다면 새로운 공간감이 만들어질 것이다. 주제어: 피터 옵스빅, 스칸디나비아, 스트리트 퍼니처, 수용성, 연계성, 확장성