공공미술으로서의 대구 방천시장의 발전적 모색

신승민 홍익대학교 미술대학원 2017 국내석사

2000년대에 들어서면서 지난 시기의 ‘공공미술’의 흐름에 많은 변화가 일어났다. 수잔 레이시(Suzanne Lacy)가 ‘새로운 장르 공공미술(New Genre Public Art)’을 주장한 이후 우리나라의‘공공미술’도 서구의 영향으로 급격하게 변모하였다. 이러한 시대적 흐름에 속에서 최근‘공공미술’의 흐름은 지역이 지닌 ‘고유한 향토성’을 몸소 체득하고 있는 지역 주민들과 관람객과의 상호소통을 강조하는 방향으로 나아가고 있다.‘공공미술’의 방법 또한 매우 다양한 형태로 이루어지고 있다. 본고는 국내외 방문객들 사이에 주목을 받고 있는 대구의 방천시장 ‘공공미술’ 사례를 중심으로 현재 우리나라의 ‘공공미술’의 지형을 파악해 보았다. 나아가 앞으로의 발전적인 방향에 관하여 살펴보았다. 대구광역시의 경우 지난 2009년 대구광역시 중구청에서‘공공미술’의 중요성을 인지하고 ‘공공미술’을 통한 도시 재발견의 장을 키워갔다. 그리고 이제 대구광역시는 중구를 중심으로 ‘문화예술’을 전면에 내세우며 새로운 도시 재생의 모범 사례들을 보여주고 있다. 이에 연구자는 그간 침체되어 있던 대구광역시의 문화 정체성에 활력을 불어넣은 ‘방천시장의 공공미술 사례’를 조명해 봄으로써 이러한 유형의 공공미술이 현재 어디까지 왔으며 앞으로 지속성을 어떻게 유지할 수 있을 것인지 고민해 보았다. 문화 개선 사업으로 이루어진‘문전성시 사업’의 한 코너에 불과하였던 ‘김광석다시그리기길’의 성공 사례를 통해 향후 공공미술의 방향과 장기적으로 어떠한 노력이 필요한 지 알아보았다. 이를 위해 우선 ‘공공미술’의 개념을 살펴보았고, 대구광역시의 사례가 ‘공공미술’의 흐름 속에서 어느 위치에 서있는지 고찰하였다. 그 출발점으로 도시와 공공미술의 관계를 조명해 보았으며 도시에서 공공미술이 어떠한 역할을 하고 있는지 알아보았다. 이를 토대로 우리나라 여러 도시들의 공공미술의 현황을 살펴봄으로써 그 특성을 확인하였다. 또한 대구 방천시장 공공미술 프로젝트의 사례와 유사한 구조를 지닌 광주 대인예술시장의 여러 다양한 공공미술을 분석하였는데, 이는 향후 대구 방천시장 공공미술 프로젝트의 나아가야 할 방향을 모색하기 위해서였다. 결국 다음과 같은 결론을 도출했다. 새로운 흐름의 공공미술은 그 지역의 고유한 지역성을 담아내고 있는 현지 지역주민들이 주체가 되는 방향으로 나아가야 한다. 그들이 공공미술의 현장에서 주도적인 위치에 서 있을 때 그 공간의 진정성은 더욱 커지며 꾸준한 지속성을 담보할 수 있게 된다. 또한 지역 주민들과 예술가 집단, 지원 관청, 그리고 프로젝트 진행자들 간의 열린 소통의 장이 필수적이다. 아울러 공공미술에 대해 잘 인식하지 못하고 있는 지역주민들을 위한 지속적인 교육 프로그램과 적절한 멘토 프로그램을 개발해야 한다. 이를 통해 부족한 부분을 꾸준히 채워나갈 때 그 장소만의 고유한 의미를 지닌 공공미술로 변해갈 수 있다. 결국 그 지역 향토사의 산 증인인 지역 주민들이 중심이 되는 방향으로 공공미술이 전개되어야 비로소 지속 가능한 발전이 이뤄질 수 있음을 확인하게 된다. In the 2000s, many changes occurred in the flow of 'public art'. Suzanne Lacy has been summarized in the name of 'New Genre Public Art', but 'Public Art' of Korea has been rapidly transformed by the strong influence of the West in line with the rapid change of Korea. In line with the new era, the recent trend of 'public art' is moving toward the importance of local residents and visitors, who are acquainted with the 'unique locality' and method of ‘public art’ in the area. I will try to understand the topography of Korea 's public art, centering on the case of public art in Daegu, which is poisonous in the flood of many public arts around the country. In Daegu, the past footsteps that were forgotten by a civic group gathered in 2007 were newly illuminated. In conjunction with this period, the Jung-gu Office of Daegu Metropolitan City recognized the importance of 'public art' and made a venue for rediscovering the city through 'public art' with a positive attitude. Over the past decade, Daegu metropolitan city has stood at the forefront of culture and arts around Jung – gu, and shows good examples of new urban change. Therefore, I will focus on the public art project of the Bangchun Market, which has revitalized the cultural identity of Daegu Metropolitan City, a city that has been in a recession for a while. Now, I will find out where is located and how to bring sustainability to the future. We will examine the case of 'Kim Kwang-seok's redrawng road' of the 'Munjunsungsi project', which was a culture improvement project in the old market. For this purpose, I will first look at the fundamental concept of 'public art' and try to explore where the case of Daegu metropolitan city stands in the global trend of 'public art'. As a starting point, I intend to explore the relationship between the city and public art, and examine the position of public art in the city. Based on this, I will try to identify the current trends, pros and cons by examining various public arts in various cities inside and outside of Korea. In addition, I will examine future direction of the public art project of Daegu Bangchun Market by specially focusing on various cases of Gwangju Metropolitan City, which is comparable to the case of public art in Daegu City. In the end, the public art of the new flow should go in the direction of becoming the subject of the local residents who contain the history of the area. When they stand as subjects in the field of public art, the artistic power of the space doubles and guarantees continuity. In the end, open communication between local residents, artist groups, support bureaus and project facilitators is essential. In particular, public art should be conducted in the direction of the local residents who are living witnesses of local history. This leads to the fact that we can have persistence.

통합교육과 연계한 장애인 대상 미술관교육 연구

김주란 홍익대학교 미술대학원 2019 국내석사

현대의 미술관은 장애인에 대한 전반적인 인식과 교육 환경에 대한 변화가 특수교육의 분야에 비해 미흡한 상태이며 장애인과 비장애인을 구별하는 분리 교육을 진행하고 있다. 본 연구는 통합교육과 연계한 미술관교육의 필요성을 논의하고, 가드너의 다중지능 이론이 활용된 미술관교육 사례를 통해 미술관 내에서 통합교육의 가능성을 모색하고자 한다. 연구자는 국립현대미술관, 부산시립미술관, 잠실창작스튜디오의 교육 프로그램과 미국의 구겐하임미술관, 일본의 시각장애인과 만드는 미술 관람 워크숍을 조사·연구하였다. 국립현대미술관의 <어떤 감각>은 세부 교육 프로그램을 운영하여 다양한 유형의 장애인 학습자와 비장애인을 수용하였고, 부산시립미술관의 <미술관 나들이>는 상시 체험공간을 제공하여 비장애인의 참여를 이끌어냈다. 그리고 잠실창작스튜디오의 <프로젝트A>는 통합교육으로 나아가는데 교육자의 자세에 대한 중요성을 재고하게 하였다. 국내 장애인 대상 미술관교육 프로그램은 분리교육의 한계점을 가지고 있지만, 시각적 접근 방식 외에 다수의 학습 방식을 제공하고 비장애인의 참여를 이끌어내려 하였기 때문에 초기 통합 교육의 모습을 볼 수 있다. 구겐하임미술관의 <민감한 주제: 감각 여행>은 참여자 스스로 감상의 대상을 촉각으로 상호 교감할 수 있도록 미술관의 교육자는 조력자의 역할로 교육을 운영하였고, <시각장애인과 만드는 미술 관람 워크숍>은 누구도 배제되지 않고 자유롭게 대화하는 분위기 속에서 작품에 대한 감상을 구축했다. 국외의 사례는 선진적인 장애인에 대한 인식을 근간으로 통합교육과 연계한 미술관교육의 모범적 사례를 보여준다. 장애를 사회적 차원에서 극복이 가능한 보편적 문제로 보는 인식이 근간을 이룬다면, 미술관 내에서도 장애의 유무를 구별하지 않고 예술에 대한 담론적 소통이 가능한 교육으로 나아갈 수 있다. 본 연구가 장애인 대상 미술관교육의 내적 역량에 기여할 수 있도록 기대하고, 더 나아가 장애인을 포함한 문화적 취약계층의 불균등을 해소하여 문화적인 맥락에서 공동체의 가치를 실현한 사회통합을 도모하길 바란다. Contemporary art museums have less general recognition of disabled people and changes in the educational environment compared to the fields of special education and are conducting separated education to distinguish between the disabled and the non-disabled. The purpose of this study is to discuss the necessity of museum education linked to integrated education and to explore the possibility of integrated education in art museum through the cases of art museum education using Howard Gardner's multiple intelligence theory. The researcher studied educational programs at the National Museum of Modern and Contemporary Art, Busan Museum of Art, and Seoul Art Space-Jamsil, and also researched and studied the Guggenheim Museum in the United States and visiting art museum workshop with the visually impaired in Japan. < A certain sense > is a detailed education program of National Museum of Modern and Contemporary Art to accommodate various types of disabled learners and non-disabled persons, and the program <Art Museum Outing> of Busan Museum of Art that provided an experience space at ordinary times derived participation of non-disabled people. And <Project A> of Seoul Art Space-Jamsil helped to improve the importance of the attitude of the educator in moving toward integrated education. Although education program in art museums for the disabled in Korea has a limit of separated education, in regard that these programs attempted to provide a number of learning methods besides the visual approach and to lead the participation of the non-disabled, the forms of early integrated education can be seen. Through the program <The Touchy Subject : A Sensory Tour> in the Guggenheim Museum, the educators operated the education program as a facilitator so that the participants could interact with the objects of appreciation by touching, and <The Workshops Created by the Visually Disabled> built an appreciation of artwork in the atmosphere of free conversation that no one is excluded. Such overseas cases illustrate exemplary cases of education program in art museum that linked to integrated education based on the recognition of advanced disabled people. If we establish the basis of recognition to consider disability as a universal issue that can be overcome from the social level, we are able to move on toward education that discursive communication about art regardless of with or without disability in the museum. I expect that this research will contribute to the internal capacity of education for the disabled in art museum, and furthermore, hope to promote social integration to realize the value of community within cultural context by resolving the inequality of the cultural disadvantaged people including the disabled people.

Soft Art에 대한 연구 : 조각 작품을 중심으로

안진우 홍익대학교 미술대학원 2003 국내석사

장르의 경계를 허물면서 20C 현대 미술의 흐름들은 매우 광범위한 재료와 매체에 대한 요구와 보다 주관적인 작가 이념을 무엇보다 중시하게 된 결과를 가져왔다. 이러한 변환을 배경으로 파생된 동향이 과거시절에는 가내 미술이나 여성의 비천한 것으로 미술의 범주 밖에 있던 Soft Art 이다. 이는 조각이 영원성(永遠性)을 보장하기 위하여 브론즈, 대리석, 나무 등의 견고한 전통재료의 고정적이며 보수적(保守的)인 형식에 대해 유연하고 가변적인 재료를 사용함으로서 새로운 방향과 현대미술의 개념을 확장시킨다. 유연한 연성재료의 Soft Art는 페미니즘을 사상의 바탕에 두고 나타난 예술 형태의 하나이지만 현대 미술은 어떠한 개념이나 장르로 규정하는 것은 쉬운 일이 아니며 치밀한 형식과 미학 기준을 지님으로서 예술 장르 간에 단절을 추구하는 모더니즘에 문제를 제기함으로서 발현된 포스트모더니즘은 미술을 다양한 기준과 혼성적 형태로 그 개념을 모호하게 만들었으며 더 이상 재료 혹은 그 재료에 대한 지각을 근거로 하여 취해진 매체개념(媒體槪念)에서 성립되지 않는다. 그 대신 문화적 상황 안에서 대립되는 것으로 보이는 개념들의 총체성을 통해 구성된다. 이는 여성적 재료나 여성성의 표현이라는 단일시각에서 벗어나 또 다른 다양성의 시각과 해석이 요구되어야 한다는 것이다. '저급한' 수공예로 취급되어 오던 부드러운 미술은 포스트모더니즘의 영향을 받아 기존의 여성상을 제시하는 단계에서부터 여성만의 고유하고도 본질적인 특성을 드러내는 단계를 거쳐 젠더 구조를 해체하는 다양한 방식을 드러내는 단계로 발전하였다. 어떠한 '표준'에 대한 '일탈'로 일어난 페미니즘 사조는 최근에 와서는 더 많은 의미를 포괄하여 인종, 민족, 계급, 환경문제까지 포함하여 인간성 그 본질적인 문제에 확장되고 접근하고 있다. 여기에 본인은 Soft Art의 환경 파괴적이지 않은 부분에 주목할 필요가 있다고 본다. 또한 부드러운 재료의 사용이 인간 본성의 정신분석학적인 입장에서 부드러움에 대한 잠재적 본능이라는 프로이드의 해석을 빌어 Soft Art를 설명하고자 한다. 더불어 현대 미술에서 발현되는 다양한 부드러운 매체들은 복합적이고 세계화된 현대사회의 초스피드적 이고 유동적인 삶의 편린으로 인한 그 가치를 재인식 할 필요가 있다. 클래어스 올덴버그(Claes Oldenburg) 미리엄 샤피로(Miriam Schapiro)의 페마쥬(Femmages)로 이어지는 유연한 소재의 작품들로부터 동시대에 활발히 활동하고 있는 루이즈 브루주아(Louise Bourgeois), 서도호의 '집' 시리즈, 본인 작품의 'lala'에서와 같이 주제나 재료에 있어 변화를 거듭하는 객관적인 논리와 완전히 정립되지 않은 작가에 대해 이해하는데 에는 오류를 범할 소지가 많다. 그럼에도 연구의 필요성을 자극하는 작가는 동시대의 흐름을 대변하고 있다고 볼 수 있다. 본 본문에서 다양한 현대미술로 이어지는 작가의 작품 중 유연하고 가변적 요소의 Soft Art 매체가 인간의 무의식과 예술이라는 정신분석학적 입장에서 어떠한 근거를 갖는지 페미니즘 측면과 함께 살펴보고 Soft Art가 현대에 이르기까지 다양한 작가의 작품들을 통해 변화된 미술 담론과 확장된 영역을 작가와 작품을 통해 알아보겠다. One of the interesting aspects of modern arts is to explore new ideologies and values that are different from those constrained, definite, and non-fluidic in the past. Social and cultural paradigm shifts have provided many artists with a new eye on several unexplored subjects in postmodern times, thus resulting in establishing or building new perspectives on those subjects. One way of experimenting new ideas and values includes adopting a variety of media and materials to realize them. 'Soft Art' is one of the new forms of those efforts in modern arts these days. It is relatively recent that Soft Art has developed its own niche as a genre of 'art' by emerging out of underprivileged, often-called 'Lesser Art' In the past, Soft Art was regarded as something 'low' or 'humble', thus staying outside the mainstream arts. Soft Art has made a great progress in recent years by combining social and cultural concepts and discourses newly formed with unexplored materials and novel techniques to express them. In this paper, I reviewed the history of Soft Art and Postmodern ideologies that are related with Soft Art, and discussed how modern arts has been reshaped, or at least diversified, by the progress of Soft Arts. This review was also intended to provide new visions on 'female art', one form of Soft Art, by shedding a light on the dynamic relationships among female, arts, ideology and power in a society. More studies are needed on alternatives and approaches for the progress of female art that is in still in growing stage. Female art has a potential of growing into a kind of humanity movement by accommodating more in its perspectives of human nature, yet not as much of femininity. In that regard, "being soft" in female art relates to "flexibility" in perceiving, exploring, and eventually expressing 'complexity' of life that has been in vogue in recent, social dialogues. Conducting experiments continually in Soft Art can provide various ways of exploring and delivering social and cultural messages in not necessarily a 'soft' way Soft Art & Hard truth.

미술계의 출판활동 활성화에 따른 미술의 저변 확대

정혜민 홍익대학교 미술대학원 2013 국내석사

책은 인류의 오랜 진화의 산물이고 아직도 그 역할은 유효하다. 본 연구는 책이 가진 특성과 역할이 미술계에서 또한 중요한 역할을 하였음을 주목하며 시작되었다. 그리하여 출판이라는 활동을 통하여 쌍방향 소통의 성격을 지닌 사례를 통해 출판물이 미술계에서 가지고 있는 의의와 시사점을 논하고자 한다. 먼저 Ⅱ장에서는 미술사적 흐름에서 출판활동의 개념과 범주를 살펴보며 단편적인 출판물의 한계점을 도출하여 담론의 장으로서의 역할을 하는 출판물의 의의에 대하여 살펴 볼 것이다. Ⅲ장에서는 매개체로서 출판물이 미술계에 미친 영향을 역사에 대하여 알아보고, 출판활동과 관람자/독자와의 소통에 대한 연관성을 여러 사례를 고찰해 볼 것 이다. 첫 번째로 19세기 인쇄기술의 발달 이후 윌리엄 모리스의 사상을 기반으로 19세기 이후 유럽 전역의 출판활동의 변화를 살펴보고자 한다. 두 번째, 다다이스트들의 미술운동에서 출판활동의 의미와 역할을 존 하트필드와 말릭 출판사를 중심으로 고찰 할 것이다. 세 번째, 플럭서스의 섬싱 엘스 프레스를 중심으로 플럭서스의 출판 활동의 또 다른 의미와 후대에 끼친 영향력에 대해 살펴보며 앞으로 미술계가 지향해야 할 점을 살펴 볼 것이다. 네 번째, 에드워드 루셰의 출판활동을 살펴보고 마지막으로 소피 칼의 활동을 통하여 미술계의 출판활동을 살펴보고 역할에 대하여 고찰한다. 이어 결론에서는 관람자/독자의 예술을 향유하고자 하는 기대치의 확대에 대한 문제점을 진단하고 이에 대한 해결안을 ‘매개’를 통하여 ‘소통’하고 ‘의미’를 창출해내는 방법을 제시하고자 하였다. 이러한 활동이 미술사에서 어떠한 영향력을 갖게 되었는지 조명해보았고 이로서 미술계 안과 밖의 소통의 매개가 되는 출판활동에 대한 인식을 넓히는 계기가 될 수 있을 것 이라고 기대해 본다. Books are one of important outcomes of the long-term human evolution and their role still remains valid. This study was launched with a heightened interest in the significant role that books played in the artistic circles and their features. The significance and implications that publications have in the art circles are examined in this study through different cases of two-way communications of publishing activities. Chapter Ⅱ examines the concept and scope of the publishing activities in the perspective of art history and identify limitations of fragmentary publication. This guides us to have a look into the implications of publications, which offer a meaningful venue for discourses. Chapter Ⅲ looks at the influence that publications have on art circles in its history and investigates, through different cases, the connection of the publication activities to the communication with viewers or readers. In details, changes in the publishing activities across Europe since the 19th century when printing technologies advanced will be examined based on the philosophy of William Morris. Second, the implications and role of the publishing activities in the art movement of Dadaism are investigated with a focus on John Heartfield and the Malik-Verlag Publishing House. Third, other implications that publishing activities of fluxus and its influence on next generations are considered with a focus on the Something Else Press. Fourth, publishing activities of Edward Ruscha are studied along with the corresponding activities of the art circles through what Sophie Calle had done. In the following conclusion section, the issues arising from increasing expectations of the viewers and readers for the enjoyment of arts are diagnosed. As a solution, a flexible approach of communicating through the media and creating meanings through it will be suggested. In a nutshell, influence that publishing activities had on the art history are spot-lighted in this study in an expectation that it would offer an opportunity to deepen the understanding of the publishing activities, which function as a medium of communications in and out of the art circles.

아티스트 매니지먼트에 대한 연구 : 시각예술 중심으로

이지원 홍익대학교 미술대학원 2010 국내석사

In the past, the art which seen as a possession of the few privileged class is now attracts the mass public attention of those who financially stabilized in the modern society. As the number of public who is willing to spend on the art and culture increases, the corporate seeking ways to increase involvement with the art and culture in their corporate activities, through messes, art marketing, etc. to satisfy the consumer needs and to improve the corporate image at the same time. As the government also realized that the art could add extra value to the industrial products and could be important element to improve the national competitiveness, the government endeavors to improve the competitiveness of their artists and the industry through specialized system and management program. Under these circumstances, systematic management system is need for the artist so the artist could actively promote their work and concentrate on their work in the art industry which is collective of diverse distribution channels such as the gallery, the art museum, the auction, the art fair, the art market, the art fund, the art festival, etc., and diverse consumers such as the general collector, the specialized collector, the general spectator, the gallery, the art museum, the corporate, etc. in the world wide scale. Hence, the systematic management system was evolved for the artist who is maker of their work which is the merchandise in the art industry, as the systematic management system allows the artist to actively promote their work and concentrate on their work. Therefore, this paper try to find a solution to examine the artist management in Korea by analyzing the current progress with the need for more study on the artist management which as the unique characteristics and marketing logic. Prior to the case study of the artist management, began examine the relationship among policy, support and art industry as the fine art is closely related to government policy and support, and the progress and relationship of the art industry which came to the point where the artist management is needed, then examine the effect of those artist management on producer, consumer and distributor in the art industry. Moreover, the artist management was first developed in the western which recently came to Korea, which there are many different types of artist management program such as sole by the artist, artist group, agent, gallery, commercial management company, etc. are practiced in the world. This study examines the advantages and disadvantages of each management types through the domestic and international cases, furthermore try to develop strategy to improve efficiency and economic feasibility of the artist management from the case study of the management of the other fine arts area, such as the performance show management, the spots management, the entertainment management. Examine the advantages and disadvantages of each type; they are divided into two groups, one leaded by the artist, the other by management office. The management leaded by the artist, such as sole management, artist group, artist manager, agent have advantage of correctly expressing the intent of the artist. However, has disadvantage such as good understand of the industry, objective criticism of the artist and the work, professional knowledge of the management, limited personal connection, less time for creating work, etc. On the other hand, the management leaded by the management professional, such as the gallery, management office, etc., and for the gallery, they were mostly engaged in the primary distribution market where they received commission from the sales of the work, that usually the famous artist were the primary customers and the gallery were only interested in the sales of the work rather but no supporting for the artist in their work. However, recently the old gallery system is fusing with the management that it has advantage in positioning the artist with objective judgment from the accumulated information on the art industry, and promote the artist from the pool of personal connection and capital of the management office. Looking at other successful cases in the management of other industry, the visual art industry discovers new artist and develops various income channels through systematic evaluation, management, positioning the artist, followed by ongoing re-education, participating in the art marketing with the corporate or brand, develop various cultural merchandise with the artist and their work, and furthermore increase the art followers though domestic/international art exhibitions overall resulting increasing the overall size of the art industry. In addition, domestic artist management industry could be expanded though creating the standard and license, and systematic education and treatment for professional management. Suggested specific management models are as follows. First, management leader of every management type, including sole management by the artist, must be based on the understanding of the art industry and policy. Second, management leader must support the artist in public/private aspect so the artist can concentrate on their work. Third, must secure financial stability of the artist and management through developing various income channels. Forth, provide support to develop the art industry through macroscopic areas such as discovering new artist, increasing art followers, etc. Lastly, introduce professional license for the artist management and division of the management by the professionals. This study is limited as the domestic artist management industry is still not yet fully matured that examination and developing the solution from the further evolvement of the industry, ongoing study and development of the solution is needed for the future. 과거 소수의 특권층에 의해 향유되었던 예술은 현대 사회에 들어 경제적 안정을 이룬 다수의 대중들에게까지 관심을 받고 있다. 문화 예술의 소비를 원하는 사회 구성원의 수가 증가함에 따라 기업들 역시 메세나 활동, 아트 마케팅 등 예술과 기업의 다양한 관계를 통해 소비자의 욕구를 충족함과 동시에 기업 이미지 개선에도 문화 예술을 이용하는 하고 있다. 또한 국가적 차원에서도 예술이 산업 제품의 부가가치 증대와 국가 경쟁력에 핵심이 되는 것으로 파악하고 전문적인 시스템과 관리를 통해 예술가와 예술의 경쟁력을 키우려 노력하고 있다. 이러한 흐름 아래 예술 시장에서도 화랑, 미술관, 경매, 아트 페어, 아트마켓, 아트펀드, 아트 페스티벌 등의 다양한 유통 경로와 일반 콜렉터, 전문 콜렉터, 일반 관람객, 화랑, 미술관, 기업 등 다양한 수요층이 존재하고 이러한 유통경로와 수요층이 전 세계적으로 조직망을 가지고 있는 구조에서 아티스트 역시 자신을 좀 더 적극적으로 알리고 작품에 전념할 수 있도록 체계적인 매니지먼트 시스템이 필요한 상황이었고 미술 시장에서도 상품으로서의 예술품과 예술품을 만들어내는 생산자인 아티스트에 대한 체계적인 매니지먼트가 발생하게 되었다. 그러므로 본 연구에서는 예술 고유의 특성과 시장논리에 의해 진행되는 아티스트 매니지먼트에 관해 연구되어져야할 필요성을 가지고 현재 국내에서 진행되는 다양한 형태의 아티스트 매니지먼트의 현황을 살펴보고 그 활성화를 위한 대안을 찾아보고자 한다. 아티스트 매니지먼트의 사례 연구에 앞 서 아티스트 매니지먼트가 필요하게 된 미술 시장의 흐름과 관계, 그리고 순수 예술 분야로서 국가적 차원의 정책과 지원과도 연관이 있기 때문에 예술지원 정책, 지원, 미술시장과의 관계를 먼저 연구하고 이러한 아티스트 매니지먼트가 미술시장의 생산자, 소비자, 유통자에게 어떠한 영향을 미치는지 살펴보았다. 또한 아티스트 매니지먼트는 우리나라보다 서구를 중심으로 먼저 발전하여 국내로 유입되는 형태를 갖게 되었으며 현재 국내외에서 진행되고 있는 아티스트 매니지먼트 유형에는 아티스트 개인, 아티스트 집단, 에이전트, 화랑, 상업적 매니지먼트 회사 등이 있는데 본 연구에서는 국내외 사례들을 통해 각각의 매니징이 어떠한 장단점을 갖는지 살펴봄과 동시에 같은 순수 예술분야의 매니지먼트인 공연 예술 매니지먼트와 스포츠, 엔터테인먼트 등의 매니지먼트의 사례를 통해 효율성과 경제성에서 참고할 전략 등을 살펴보았다. 각 유형의 장단점을 살펴보면 크게 아티스트가 주최가 되는 형태와 매니지먼트사가 주최가 되는 형태로 크게 나눌 수 있다. 아티스트가 주최가 되는 아티스트 개인에 의한 매니지먼트, 아티스트 연합, 아티스트 매니저, 에이전트의 형태는 아티스트가 주체가 되는 만큼 아티스트가 표현하고자하는 바를 정확히 표현할 수 있다는 장점이 있다. 그러나 시장전체를 바라보는 시각, 자신의 위치와 작품을 객관적으로 판단하기, 매니지먼트에 대한 전문적 지식의 부족, 국내외 인맥 부족, 작품 활동 시간의 단축 등의 문제를 가지고 있었다. 반대로 매니지먼트사가 주체가 되는 유형인 갤러리와 매니지먼트사에 있어서 갤러리는 1차 유통시장으로 전통적인 방식의 매니지먼트를 진행해왔는데 아티스트의 작품 전시와 거래를 담당하고 작품거래 시 수수료를 받는 형태로 유명 아티스트 위주의 매니지먼트와 아티스트의 작품 활동에 대한 지원보다 작품 자체에 대한 거래에 초점을 맞추고 있다는 단점이 있었으나 최근 점점 갤러리와 매니지먼트가 융합된 형태로 발전하고 있으며 이러한 유형은 회사의 인지도를 이용하여 아티스트의 인지도 상승에 도움을 줄 수 있으며 객관적이고 축적된 정보에 따라 아티스트의 시장 내 정확한 위치를 파악하고 포지셔닝 할 수 있으며 다양한 인맥과 자본을 이용하여 체계적으로 홍보 할 수 있다는 장점이 있다. 더불어 매니지먼트 사업에서 성공적인 타 분야의 사례를 보면 시각예술 아티스트에 있어서도 신인 아티스트를 발굴하여 체계적으로 분석, 관리, 포지셔닝을 하고 지속적인 재교육과 기업이나 브랜드와 결합하여 아트 마케팅 참여, 아티스트와 아티스트의 작품을 다양한 문화상품으로 개발함으로 다양한 이윤 발생의 창구를 마련해야하고 더불어 국내외 전시를 통해 문화 향수층을 증대하여 결과적으로 미술 시장의 크기를 키우는 역할을 해야 한다. 또한 전문 매니지먼트에 대한 기준이나 자격 제도를 만들어 체계적으로 교육시키고 대우함으로 국내 아티스트 매니지먼트 사업을 성장시킬 수 있다. 이를 위한 구체적인 매니지먼트 모형은 제시하면 다음과 같다. 첫째, 아티스트를 포함한 모든 매니지먼트의 주체가 미술 시장과 예술 정책에 대한 이해를 기반으로 해야 하며 둘째, 매니지먼트의 주체는 아티스트의 창작의 몰입을 위한 공적/사적인 모든 부분에서 지원을 해야 한다. 셋째, 다양한 수익 창구를 마련하여 아티스트와 매니지먼트 주체의 경제적 안정을 도모한다. 넷째, 신진 아티스트의 발굴, 예술 향수층 증대 등 거시적 관점에서 미술 시장을 키우기 위한 지원을 해야 한다. 마지막으로 아티스트 매니지먼트 분야의 전문 자격 제도와 각 분야의 전문가들에 의한 작업의 분업화가 필요하다. 본 연구에서는 국내 아티스트 매니지먼트 산업이 아직 활성화되지 않은 단계이므로 다양하게 전개되는 양상을 심화하여 분석하기에는 미흡한 점이 있으므로 앞으로 미술 시장에서 아티스트 매니지먼트가 진행됨에 따라 지속적인 연구와 활성화 방안이 제시되어야 할 것이다.

온라인 미술관 플랫폼 사례분석을 통한 큐레이션 연구

박미경 홍익대학교 미술대학원 2019 국내석사

미술관은 정보통신기술을 기반으로 한 온라인 플랫폼의 형태를 통하여 예술에 대한 경험을 직관적으로 형성하고 해체할 수 있는 변화를 받아들이고 있으며 전문가의 큐레이션을 통하여 관람객과 소통하며 미술작품 공유를 하고 있다. 본 연구에서는 온라인 플랫폼을 모범적으로 운영하는 해외 미술 공간을 분석하였으며 분석하는 온라인 플랫폼은 공공미술관, 상업 온라인 공간과 온라인 플랫폼의 세 개의 범주로 분류하였다. 공공미술관은 게티, 구겐하임, 테이트를 선정하였고, 온라인 상업공간은 사치 갤러리, 사치아트와 아트시를 선정하였으며 온라인 플랫폼은 구글 아트앤컬처를 분석하였다. 공공미술관의 온라인 플랫폼인 게티(Getty.edu)는 미술사와 세계시각예술의 이해와 보전을 위해 개인과 기관을 지원하며 지원결과를 온라인에서 무료로 공유하는 것이 특징이다. 구겐하임은 현대미술을 수집·보전·해석하여 대중의 현대미술에 대한 이해와 인식증진을 위해 온라인 디지털 전시와 온라인과 오프라인 연계를 통한 지역 문화 차이 줄이기에 앞서고 있다. 테이트는 대중의 현대 영국 미술과 동시대 미술의 흥미와 이해증진을 위해 온라인 테이트의 역할을 강조하며 전문가들의 온라인 전시 큐레이션과 소셜미디어를 통한 대중과의 소통에 중점을 두고 있다. 상업공간인 사치 갤러리, 사치 아트와 아트시는 온라인 플랫폼에서 신진작가를 소개하며 컬렉터와 갤러리를 연결하여 미술작품을 전시·판매를 하고 있다. 사치 갤러리는 물리적 미술관에서 출발하여 사치 온라인으로 확대하였고 사치 아트는 온라인 플랫폼으로 출발하였으나 최근 물리적 공간에서 아트페어 ‘디 아더 아트 페어’를 개최하고 있다. 반면 아트시는 온라인에서만 운영되는 플랫폼이다. 아트시는 온라인에서의 비약적 발전과 함께 많은 아트 페어에서 공신력 있는 역할을 하고 있으며 상업공간의 사회적 기업의 역할로 인해 온라인 이용자들에게 긍정적 신뢰를 주고 있다. 온라인 플랫폼인 구글 아트앤컬처는 전 세계 미술관·박물관과 연계하여 미술과 예술에 관련된 자료들을 온라인에서 무료로 제공하며 고해상도 미술작품 이미지를 감상할 수 있게 한다. 미술관은 기술과 사회문화의 변화와 융합을 수용하여 온라인 플랫폼을 확장하고 전문적 큐레이션을 통한 관람객들과의 상호작용을 유도함으로써 변화를 도모해야 하는 시점이다. 이에 본 논문은 미래 미술관의 방향성을 모색하면서 온라인 미술관 플랫폼의 가능성을 살펴보고 큐레이션의 중요성과 역할을 인식하여 온라인 미술관 플랫폼의 발전에 긍정적 영향을 기대한다. This paper studied the curation through case analysis of online art museum platform. I analyzed the vision and operation method of online art museum platform of foreign museums. Through this analysis, I tried to suggest the direction that future art museum should aim and the necessity of curation in online art museum platform. The online platform is classified into three categories according to the purpose of the institution, public art gallery, commercial online space and online platform. Public art galleries selected Getty, Guggenheim, and Tate. The online commercial space was selected the Saatchi Gallery, Saatchi Art and Artsy. The online platform is Google Arts&Culture, which is a platform for collaborative art museums around the world. Getty.edu supports individuals and organizations to understand and preserve art history and world visual arts, and shares support results online for free. The Guggenheim is leading the way in reducing the gap in local culture through online digital exhibitions and online and offline ties to collect, preserve and interpret contemporary art and promote public understanding and awareness of contemporary art. Tate emphasizes the role of online Tate in promoting the interest and understanding of contemporary British art and contemporary art in the masses, and focuses on the online exhibition curation of professionals and communication with the public through social media. The commercial spaces Saatchi Gallery, Saatchi Art and Artsy introduce new artists in the online platform and exhibit and sell their art works by linking collectors and galleries. The Saatchi Gallery started from the physical museum and expanded to the Saatchi online. It started as an online platform for the Saatchi Art, but recently held the Art Fair ‘the other art fair' in offline. On the other hand, Artsy is an online-only platform. Artsy plays a pivotal role in many art fairs along with the breakthroughs in online art, and it gives positive trust to online users due to the role of social enterprises in commercial space. Google Arts&Culture, an online platform, links with art galleries and museums around the world to provide art and art materials free of charge online, allowing you to enjoy high-resolution artwork images. With the development of information and communication, online can not be escaped from modern society, and art museum can not be free from this change. Therefore, the museum should accommodate change, expand the online platform, and induce interaction with visitors through professional curation. The purpose of this study is to explore the direction of future art museums by examining the role of museums in online space and the importance of curation of professional curators in online space.

서울시립미술관의 전시현황 및 전시동향에 관한 연구 : 2006년부터 2015년을 중심으로

권아름 홍익대학교 미술대학원 2016 국내석사

본 연구는 서울시립미술관의 전시현황 및 동향을 2006년부터 2015년까지의 전시를 중심으로 조사·분석한 것이다. 서울시립미술관은 대한민국 수도, 아시아의 중심도시, 국제적 대도시인 서울의 대표 미술관으로서 시대적 요구에 부응하는 미래지향적인 미술관이 되어 미술관의 효율적인 운영을 도모하고, 시민의 문화예술 향유와 문화예술진흥에 이바지해야 할 임무를 요구받고 있다. 서울시립미술관은 1988년 개관하여 올림픽 준비단에서 발촉하고 소규모로 운영되다가 1999년 독립사업소로 독립하는 등의 적지 않은 변화를 거쳐 왔다. 2002년 옛 대법원 자리에 건물을 신축하였고, 이제 새로운 변화를 모색함으로써 국내외적 경쟁력을 키우고 한국 현대미술의 발전을 선도해야 할 단계에 이르렀다고 볼 수 있다. 이러한 시대적 사명을 실현하기 위해 서울시립미술관은‘포스트뮤지엄(Post-museum)' 이라는 새로운 비전하에 미술관의 정체성을 확립하고 기존 미술관의 제도적, 관행적 한계를 극복하여 사람을 위한 장소이자 참여와 소통의 공간으로서 문턱이 낮은 미술관으로 거듭나고자한다. 그리고 단일성보다는 복합성, 독존보다는 융합과 통섭의 가치를 중시하며 지역성과 세계성, 대중성과 전문성, 고전성과 현대성, 정통성과 대안성을 아우르는 양면가치를 추구하며 수준 높은 세계적인 미술관, 다른 한편으로는 공공적이고 공익적인 시민의 미술관으로서 브랜드를 확립하여 21세기형 “글로컬(Glocal)” 미술관을 추구하고 있다. 본 연구는 서울시립미술관의 핵심 운영방침이자 새로운 목표와 비전인 ‘포스트뮤지엄’과‘21세기형 미래미술관’으로 나아가고자하는 과정에 앞서 2006년에서 2015년까지 10년 동안 서울시립미술관에서 진행한 전시에 대한 데이터베이스화와 이를 통한 전시동향분석 및 이에 대한 비판의 필요에 따라 이 연구를 시작하였다. 전시동향이라는 것은 전시를 기획하는 전문가들의 사고와 사상 그리고 활동에 따라 전시가 만들어지며 움직여나가는 방향을 말한다. 이러한 전시동향을 통해 시대의 요구와 변화 속에서 서울시립미술관이 어떠한 경향을 가지고 있으며, 미술관의 활성화를 위한 어떠한 제도적 움직임이 있었는지 알아 볼 수 있다. 또한 전시가 특정장르나 특정국가에 치우치지는 않았는지 서울시립미술관의 전시특성과 미술관의 현 주소를 전시동향을 통해 파악할 수 있다. 본문의 II장에서는 서울시립미술관의 역사와 설립배경 및 역할에 따른 구체적 활동과 조직현황을 시기별로 나뉘어 직제개정 및 조직구조의 변화에 대해 살펴보았다. III장에서는 10년 동안의 서울시립미술관의 전체 전시 횟수 변화를 살펴보고, 서소문 본관, 남서울미술관 분관, 북서울미술관 분관의 전시를 전시의 성격과 형식으로 분류하여 전시현황을 조사하였으며 이를 토대로 전시동향을 분석하였다. 전시성격은 국내전시와 국제전시로 구분하였고, 전시형식은 개인전과 단체전으로 구분하였다. 마지막 결론에서는 이러한 분류에 의해 전시현황을 조사하고, 전시동향을 분석한 결과를 정리하였다. 분석한 사항들 가운데 문제점들은 보완해가며 기반을 이루고 노력할 때, 서울시립미술관은 보다 체계화되고 경쟁력 있는 미술관으로 성장하고 발전해 나갈 것이다. 이에 본 연구는 서울시립미술관의 전시운영전반의 점검 계기를 마련해 줄 것이며, 공공적이고 공익적인 시민의 미술관으로서 브랜드를 확립하여 21세기형“글로컬”미술관을 추구하고, ‘21세기형 미래미술관’으로 나아가고자 하는데 있어서 발전적인 전시운영 방향설정에 큰 도움이 되는 자료로서 역할을 할 수 있기를 기대한다. This paper aims to investigate the exhibition status and trends of Seoul Museum of Art (SeMA) in Korea, focusing on special exhibitions held from 2006 to 2015. Museums are leading cultural spaces where viewers can discover the spiritual heritage of a country. They play an important role in generating cultural pride and national identity in the 21st century. SeMA is the leading art museum in Seoul, the capital of Korea and one of Asia's major cities. Museums are required to contribute to the promotion and possession of public art and to undergo future-oriented development in response to the spirit of the age. Founded in 1988 and moved to Seosomun in 2002, SeMA is now attempting to become internationally competitive and lead the development of Korean contemporary art through several experimental changes. To achieve this goal, the museum hopes to establish an identity asa “post-museum,” its new vision. SeMA hopes to become a “glocal” museum by establishing a public brand that overcomes the systematic and habitual limits of existing museums. We began this study in response to the need for analysis of exhibition trends at SeMA over last 10 years, prior to the process of realizing its new vision of becoming a “Post-museum.” The direction of exhibitions is determined by the thoughts and actions of specialists and shows the trends and movements of the SeMA in response to the demands and changes of each age. Additionally, it allows us to identify characteristics of SeMA exhibitions such as one-sidedness. Chapter II classifies the history and background to the establishment of the SeMA by dividing specific activities and institutional status according to period. Chapter III reviews all SeMA exhibitions over last 10 years and classifies exhibitions at the main museum, the Nam-Seoul Museum of Art annex and the Buk-Seoul Museum of Art annex based on characteristics and type of exhibition. Exhibition characteristics are divided into domestic and international, while types of exhibition are divided into solo and group. This study provides an opportunity for SeMA to conduct a comprehensive review of all aspects of its exhibition management. My hope is that the study will function as a resource that helps SeMA start becoming a 21st-century “Glocal” art museum by establishing a brand as an institution benefiting the general public, and developing into a “Post-museum” and “21st-century future museum.”

통합적 마케팅 커뮤니케이션 (IMC) 전략을 통한 미술관 전시 홍보 연구

김정현 홍익대학교 미술대학원 2012 국내석사

대중마케팅 시대에서 표적 마케팅 시대로 그리고 다시 개인 마케팅으로 바뀌면서 미술관의 전시홍보활동은 세부적인 관람객 타깃을 갖고 진행되도록 요구한다. 또한 다양한 마케팅 커뮤니케이션 수단(TV, 옥외, 온라인, 신문 등)이 매체별로 구별되어져 활용되는 것이 아니라 일관성 있는 하나의 컨셉트와 메시지를 기반으로 통합적으로 활용되는 효과적인 커뮤니케이션이 필요하게 되었다. 디지털 기술을 기반으로 하는 새로운 뉴미디어 매체의 등장과 점점 세분화 되는 시장 변화에서, 고객들은 수동적인 수용자에서 보다 적극적인 주체자로 변모되었다. 결국 시대 흐름에 따른 매체시장의 변화와 고객의 다양한 욕구는 기존 미술관 전시홍보 활동에 한계점을 보여주며, 새로운 마케팅 커뮤니케이션을 필요로 하게 된다. 본 논문은 통합적 마케팅 커뮤니케이션(Integrated Marketing Communication: IMC)이라는 새로운 패러다임을 도입하여 국내미술관의 전시홍보의 새로운 전략 모델을 제시하며, 국내ㆍ외 사례 분석을 통해 보다 적합한 미술관 전시홍보 방법들을 알아보는데 있다. 덕 오그덴Doc Ogden의 IMC 전략실행 방법을 중심으로 미술관 전시홍보의 타깃 설정과 다양한 커뮤니케이션 수단을 통한 일관성 있는 메시지 전달 및 통합적 운영을 알아보았다. 또한 IMC를 활용하고 있는 국립현대미술관의 전시홍보를 홍보 기획 단계부터 마지막 피드백 단계까지 연구 하고 테이트 미술관Tate museum을 통하여 관람객 개발과 소셜미디어를 활용한 커뮤니케이션 방법에 관해 연구하였다. 본 연구는 국내 미술관 전시홍보 연구의 IMC전략 활용을 통해 다음과 같은 의의를 지닌다. 첫째, 관람객 분석과 관람객 개발을 통한 전시홍보로 고객과의 접점을 높임으로써 미술관 전시에 보다 많은 관람객을 확보할 수 있다. 둘째, 기존의 신문, 잡지, 옥외 광고 외에도 고객들이 적극적으로 활용하고 있는 스마트 모바일 매체와 소셜미디어를 통한 전시 홍보, 미술관 프로그램 정보, 오디오 해설 제공, 이벤트 등 다양한 기술적 구현을 통해 관람객의 만족도를 높이고 미술관 자체 브랜드 아이덴티티Brand Identity를 높인다. 셋째, IMC전략을 통한 체계적인 시스템으로 전시홍보담당자는 명확한 목표와 메시지를 갖고 일관되게 업무를 진행할 수 있으며 피드백을 통한 전시홍보 분석을 통해 보다 나은 전시를 위한 데이터를 축적하고 활용할 수 있다. 국내 미술관의 전시홍보 업무가 큐레이터의 전시기획만을 토대로 전통적인 커뮤니케이션 도구들을 활용하여 진행되어 왔다면, IMC전략을 통한 미술관 전시홍보는 명확한 타깃, 통일된 메시지, 뉴 미디어 등 다양한 매체의 활용과 융합을 통하여 체계적인 전시홍보가 진행이 된다. 본 연구는 전시홍보에 통합적 커뮤니케이션 전략을 사용했다는 점에서, 기존의 개별적인 커뮤니케이션에 대한 연구로 이루어진 전시홍보 연구들과 큰 차별 점을 지닌다. 또한 마케팅 전략의 활용을 통한 전시홍보의 구체적인 방안과 사례분석은 효과적이고 전력적인 전시홍보의 방안을 마련해 준다. 본 연구가 현재 국내 미술관 전시홍보가 가지고 있는 한계점들을 인식하고, 개선시키는데 도움이 되기를 바란다. 또한, IMC에 대한 관심과 중요도가 증가하며 IMC연구가 시기가 지날수록 증가하고 있는 추세에 따라서, 마케팅 전략을 활용한 미술관 전시홍보의 미디어, 성과, 측정, 교육에 이르기까지 다양한 연구 영역의 분야에서 도움이 될 수 있기를 기대해 본다. From mass marketing area to target marketing area, and to personal marketing area, with this change public relations and exhibition of art museum are required to be conducted with detailed target customers. It also means that a variety of marketing communications (TV, outdoor advertising, online, newspapers, etc.) are not distinguished of medium of advertisement but integrated effectively by a consistent concept and message. The emergence of new media based on digital technology and increasingly detailed change in the market lead customers from a passive object to more aggressive subject. Eventually changes in the media market and a variety of customer needs due to age flow show the limitation of public relations and exhibition of existing art museums, so a new marketing communications require. In this paper, IMC(Integrated Marketing Communication), a new paradigm is introduced and presents a new strategy model to public relations and exhibition of domestic art museum. Also, through the domestic and overseas case study more appropriate public relations and exhibition method of art museum is searched. Focusing on IMC strategy of Doc Ogden, targeting of public relations and exhibition of art museum, consistent messaging and integrated operation through various means of communication were evaluated. Also, the National Museum of Contemporary Art using IMC was researched from the planning stage until the last stage of feedback, and through Tate Museum the development of visitors and method of communication using social media were studied. Through IMC strategy of public relations and exhibition of domestic art museum, this study has the meaning like this. First, the promotion through visitors analysis and development leads to raising contacts with customers, so more visitors to art museum can be obtained. Second, in addition to the existing newspapers, magazines, and outdoor advertising, smart mobile media that customers have used actively and promotion through social media, museum program information, audio commentary, and events increase visitors's satisfaction through various technological implementation and its own brand identity. Third, relations and exhibition representatives through IMC strategy have a clear goal and a message, and can run work consistently. Analysis of relations and exhibition through feedback leads to accumulation of data for a better exhibition. Though public relations and exhibition of domestic art museum is based solely on traditional communication tools through exhibition planning of curator, public relations and exhibition of art museum through IMC strategy is progressed with a clear target, unified message, a variety of media including new media and convergence. This study, using IMC strategy to promote the exhibition, makes a vast difference to the existing public relations and exhibition research on individual communication studies. In addition, detailed plans and analysis of public relations and exhibition through use of marketing strategies prepare effective and strategic measures of public relations and exhibition. I hope that this study is used to show improvement as well as the limitations of public relations and exhibition of domestic art museum. In addition, I look forward to be able to help a various of area such as media, performance, measurement, and education area using marketing strategy of public relations and exhibition of art museum, depending on the trend that interest and importance of IMC is increasing in accordance with increase of IMC study.

BI(Brand Identity)를 통한 현대미술관 브랜딩 전략 연구 : 모마(MoMA)와 테이트모던(Tate Modern)의 사례분석을 중심으로

최고은 홍익대학교 미술대학원 2011 국내석사

미술관경영의 새로운 패러다임이 공급자 중심에서 사용자를 고려하는 방향으로 변화하고 있다. 미술관들은 관람객 개발 및 대중의 관심을 위한 서비스에 초점을 맞추기 시작하였다. 마케팅의 중요성이 증대됨과 동시에 ‘브랜드’의 역할이 강조되면서 미술관의 경쟁력과 특성 강화를 위해 브랜드 아이덴티티(Brand Identity: BI)를 기반으로 한 브랜드 마케팅 전략이 중요시 되고 있다. 미술관이 관람객의 마음속에 고유의 이미지로 각인되기 위해서는, 효과적인 포지셔닝과 함께 체계적인 BI의 구축이 우선되어야 한다. 특정상품 및 서비스의 특성을 시각적으로 디자인해 차별화를 꾀하는 이미지 통일화 작업을 BI라고 한다. 이것은 단지 시각적인 부분에만 국한된 것이 아닌 미술관의 전반적인 독자성을 형성하는 데 중요한 역할을 한다. 그동안 마케팅 전략의 한 부분에 주목하여 장소(place)브랜딩이나 네이밍(naming) 등에 관한 연구가 이루어져 왔다. 그러나 현재 BI의 중요성과 이를 활용한 홍보효과에 관한 연구는 상대적으로 부족한 실정이다. 따라서 본 논문에서는 뮤지엄 홍보 마케팅에 필요한 브랜딩과 함께 통합적인 BI의 중요성을 부각시키고자 하였다. 이를 위해 브랜딩이 활성화 되어있는 해외의 성공적인 사례를 선정하여 조사하였다. BI디자인적 측면에 주목한 뉴욕 MoMA의 경우, 간결하게 정리된 디자인 시스템의 구축, 그리고 특색 있는 모마 디자인 스토어의 운영이 돋보인다. 또한 브랜딩 전략적 측면에서 바라본 런던 Tate Modern의 경우, 재생된 미술관 건축과 함께 지역성을 바탕으로 한 짜임새 있는 콘텐츠 운영 등을 차별 점으로 들 수 있다. 이러한 미술관들은 체계적으로 짜인 브랜딩 전략을 바탕으로 적극적인 마케팅을 하고 있다. 곧 이는 막대한 문화수익 창출로 이어진다. 국내에서도 재정의 확충과 운영 활성화를 위한 기획과 마케팅 전략이 시도되고 있으며, 브랜드의 역할 또한 확대되고 있다. 그러나 많은 수의 국내 미술관들이 선진국에 비해 특화된 담당 부서와 전문 인력이 많이 부족하며, 아직까지는 그 가치를 제대로 알리지 못하고 있는 실정이다. 발전 가능성이 유망한 국내 현대미술관의 사례로 서울시립미술관과 소마 미술관을 살펴보았다. 우리의 브랜딩 현황 파악과 함께 시스템적인 수정과 개선을 통해 그 역량을 높일 수 있는 방안을 제시하였다. 결과적으로 미술관 브랜드가 단순한 시각적 상징물의 의미를 넘어 미술관 전반의 발전을 이끄는 역할로 활용되기 위해서는, 자체 내부적인 개선과 함께 다양한 참여주체들의 협력을 전제로 한 보다 세분화된 실천적 방안이 요구되어진다. 이를 위해 구체적으로 효율적인 BI 시스템의 구축·활용과 다양한 콘텐츠의 개발, 서비스의 확충 등을 제시할 수 있다. 이상의 방안들이 미술관이 지니는 경제적·사회문화적 가치를 인식한 채 현재에 적용된다면, 국내의 미술관들은 보다 성공적으로 브랜딩 전략을 이끌어낼 수 있을 것이다. 또한 이는 궁극적으로, 미술관의 경쟁력 확보에서 나아가 우리나라의 문화 경쟁력 강화를 위한 중요한 요소로 작용하게 될 것이다. The trend of the new paradigm in museum management is changing from the center of provider, to the consideration of consumer. Museums are changing their focus from maintaining collections for study to providing a public service and developing new audiences. The importance of marketing has become greater, with emphasis being placed on the role of 'brand'. At the same time, efforts are underway to develope the brand marketing strategies. These are based on brand identity(BI) to improve competitiveness and to reinforce its individuality. For museums to understand their own image from the mind of audience, most importantly methodical BI should be established with effective positioning. BI is coordinated image operation that can help differentiate from characteristic of a product or service, which are designed visually. This is not only limited to the visual part, but also play an important role in development of all-round identity in the museum. So far, one part of marketing strategy was noticed and studies of the place branding and naming have been conducted, but the studies related to importance of BI and the effect of publicity are relatively lacking. Thus, this dissertation would enlighten on importance of BI with branding, that is needed for public relations in marketing the museum. To this end, selecting cases will be studied from other countries showing their brand being stimulated. The outstanding features of the MoMA from the aspect of BI design, they established succinct design system and to manage the MoMA Design Store. Also, in the case of the Tate Modern their branding strategy is unique, their operation is well-organized contents, this is due to base on locality with recycled museum architecture. These assertive marketing is effectively operated through branding strategies in museums. This can result to making a huge profit. Similarly, in Korea, planning and marketing strategies are in place to expand and promote finances with focus on brand marketing. However, specialized department and professionals in museums of Korea are few when compared with other leading countries. Also, their potential values are not being sufficiently promoted yet. I will be examining the Seoul Museum of Art(SeMA) and Soma Museum(Soma) for the case of promising Korean contemporary art museum. Furthermore, current status of Korean museum branding will be presented, followed by some measures to address those relevant issues through improvement in system aspects. For the museum brands, in order to become the center of influencing the growth of the museum at large beyond their role as a place for the simple visual typifier, they must first make internal reforms followed by focused efforts involving the cooperation of various parties. It will be necessary to establish an efficient BI system and be active usage of it with development of various contents and expand services. If such measures are applied on today's museums, with awareness for their potential economic and sociocultural values, these museums will be able to establish better branding strategies. This is the key to contribute to the competitiveness in museums, and furthermore will improve Korean cultural competitiveness.

지역의 특성을 접목한 미술관·박물관 활성화 방안 연구 : 미국 네브래스카 주립 미술관의 사례와 대전지역 미술관·박물관과의 비교를 중심으로

송동근 홍익대학교 미술대학원 2012 국내석사

현 한국 미술계를 포함한 문화계는 서울 및 수도권에 밀집되어 있어 그 외 지역(지방)은 문화 발전의 기회 및 향유의 기회가 이들 도시에 비해 적은 것이 사실이다. 그 배경에는 한국의 역사, 문화, 정치 문제 등 다양한 이유가 있다. 예로부터 서울 및 수도권은 한국 역사의 중심이었고 광복 65년 이후에도 경제, 정치, 문화 발달이 서울 및 수도권을 중심으로 이루어졌기 때문이다. 인류의 역사로 볼 때 이러한 현상은 단지 한국 뿐 만 아니라 인류가 생기고 역사가 이루어지면서 한 나라의 수도와 그 근방 지역이 발전의 우위에 선 사례들은 어렵지 않게 접할 수 있다. 하지만 문화 발달 및 균형의 측면에서 볼 때 한국과 문화 국가로서 대접을 받는 다른 나라, 예를 들어 프랑스, 독일, 미국, 중국 등에 비해 한국은 광복과 한국전쟁 이후 경제 발전에 많은 비중을 두었고 그로 인해 현재는 G20 국가에 포함되는 괄목할 만한 성장을 이루었지만 경제 성장 속도에 비해서 ‘문화’ 자체의 중요성과 문화의 ‘균형발전’에 대한 인식과 성장은 부족했던 것이 현실이다. 본 연구에서는 문화의 ‘균형발전’측면에서 지역의 문화적 장점을 활용한 지역 미술관·박물관의 운영 활성화 방안을 연구하고자 한다. 외국의 성공 사례로 미국 네브래스카 주립미술관(Museum of Nebraska Art, Nebraska, USA)의 지역문화를 활용한 다양한 전시, 교육프로그램, 지역주민 참여 등의 성공 사례를 중심으로 조사하고 네브래스카 주립대학교 주립 박물관(University of Nebraska State Museum) - 자연사 박물관 - 의 과학과 문화예술의 융&#8231;복합 전시 및 프로그램의 사례를 살펴보면서 대전 지역의 특성을 접목한 미술관·박물관의 특성화 및 활성화 방안을 연구하고자 한다. 본 연구의 주요 구성은 지역 미술관·박물관의 특성화를 위한 관련 문헌을 통한 이론적 연구와 미국 네브래스카 주립미술관의 성공사례로 이루어져 있다. 성공사례지 선정은 미국 중부에 위치해 있으며 서부 개척시대의 역사와 훼손되지 않은 자연을 적극적으로 활용하여 주립미술관으로서의 목적과 역할에 충실하고 지역의 작가, 미술품, 역사를 지역민과 외래 관광객들에게 알려 미술관의 이미지 향상과 운영의 활성화를 이루어낸 미술관으로 미국 내에서 성공사례로 꼽히고 있는 미술관으로 지역 미술관으로서의 목적과 역할에 충실하여 선정하였다. 본 연구를 통해서 네브래스카 주립미술관의 성공사례와 대전의 특성을 조사/연구 하고 이들 특성과 접목한 프로그램을 연구 및 적용하여 대전지역 미술관·박물관의 운영 활성화 방안을 연구하고자 한다. 글로벌 시대와 급진적인 IT산업의 발전으로 사이버(Cyber)상으로는 이미 국가의 경계가 허물어진 상태에서 국민의 문화적 수준과 욕구는 점 점 향상 되고 이를 만족시킬만한 미술관·박물관은 주로 서울과 수도권에 집중되어 있음은 물론 수준 높은 전시, 공연, 행사는 서울을 중심으로 치러지고 있는 현실이다. 하여 수준 높은 문화를 체험하고자 하는 많은 사람들이 서울 및 수도권으로 몰리는 현상을 야기하고 있다. 이로 인해 지역의 미술관·박물관은 낮은 관람객 참여도 및 서울 및 수도권에 비해 열악한 자치단체의 재정적, 행정적 문제들로 미술관·박물관의 질적 수준의 향상과 발전 속도는 점 점 더 늦어지는 현상을 보이고 있다. 이러한 문제점을 보완하기 위해서는 타 지역과 차별화된 그 지역만의 문화와 특징을 활용한 독창적인 콘텐츠 개발과 이와 관련된 전시기획 및 다양한 프로그램 개발을 통한 특성화를 이루어 내야 한다. 대전은 예로부터 사통팔달의 교통 요충지로서의 중요한 지리적 장점을 가지고 있는 도시이다. 하지만 이러한 편리한 교통 요충지로서의 장점은 경제적인 측면에서의 장점일 뿐 문화적 발달에는 커다란 장애가 되고 있기도 하다. 대다수의 사람들이 대전은 잠시 머물러 가는 도시, 언제든 서울 및 수도권으로 단시간에 갈 수 있는 도시 등 일종의 경유지라는 인식이 강하기 때문이다. 대전에서 열리는 공연, 행사, 전시를 보느니 조금만 더 가서 서울 또는 수도권에서 열리는 공연, 행사, 전시를 보겠다는 사람들이 더 많은 것이 현실이다. 또한 중앙 정부에서 관리 감독하는 문화·예술 공간 -국립현대미술관, 국립중앙박물관 등 - 이 대전에 세워지지 않았던 것도 그 이유에서다. 교통 요충지라는 지리적 장점 측면에서 볼 때 국립 차원의 문화·예술 공간이 짧은 시간 안에 닿을 수 있는 대전에 상당 수 있어야 하는 것이 옳다. 하지만 현실은 그렇지 않다. 그 이유에 대해서는 앞으로도 심도 있게 연구할 필요성이 있다. 본 연구에서는 ‘대전’이라는 도시를 바탕으로 한 지금까지의 학술, 정책 관련 문헌에서 밝혀진 문제점에 초점을 두는 것이 아니라 현재 대전이 가지고 있는 문화적, 역사적 배경에서 대전만이 가질 수 있는 독창적인 콘텐츠를 찾아내어 미술관·박물관에 활용, 특성화 하는 방안을 모색하고자 한다. 첫째로 대전에는 박정희 정권시절부터 계획되고 1980년대 이후 본격적인 대덕연구단지 활성화에 힘입어 많은 국·공립 연구기관들이 상당수 자리하고 있다. 21세기 들어 세계는 융·복합 연구 사업에 매진하고 있다. 한 가지 분야의 사업으로는 더 이상 글로벌 경쟁 시대에는 역부족이기 때문에 서로 다른 분야와 어울려 사업을 진행하고 있다. 이러한 시대 상황과 더불어 대전이 가지고 있는 과학 인프라를 이용한 과학과 예술이 함께 어울릴 수 있는 프로그램 개발을 연구 하였다. 둘째는 대전은 예로부터 양반의 도시라 일컬어지며 충절, 전통, 예절 등 흔히 사람들이 쉽게 생각할 수 있는 ‘시골(rural)' 혹은 고향의 이미지를 간직하고 있는 도시이다. 흔히 알려진 것과 달리 대전은 근대에 형성된 신흥도시가 아니다. 서구지역을 중심으로 청동기 유적이 다수 발굴되면서 대전의 역사는 선사시대로부터 시작된다고 해도 과언이 아니다. 대전은 우암 송시열로 대표되는 기호학파의 본거지로서 역사적으로 유명한 조선시대 학자들의 가옥이 잘 보존되어 있어 대전의 정체성을 양반도시·선비도시라고도 일컫는다. 이러한 대중의 인식을 바탕으로 한 축제가 매년 행해지고 있다. 본 연구는 위의 두 가지 현재 대전이 가지고 있는 지역적 특성을 접목하고 각 분야와의 상호 연계한 전시 및 프로그램을 통한 미술관·박물관 운영 활성화 방안에 대해 연구하였다. The vast majority of cultural resources, including artistic activities, in Korea are concentrated in Seoul and the surrounding regions, extremely limiting the opportunities for the other regions in the country to enjoy and advance cultural life the locals could enjoy. There are multiple factors involved in such imbalance, including historical, cultural, and political ones unique to Korea. Seoul and the surrounding region have long form the center of Korean history. Must of economic, political, and cultural advancement the country has experienced in the sixty-five years since its liberation from the Japanese rule also occurred in and around Seoul. Of course, it is not uncommon to see around the world how cultural accomplishments and resources tend to accumulate in and around the capital cities. The phenomenon is especially prominent in Korea, however, in comparison to other such culture-leading countries as France, Germany, the United States, and China. The aim of this study is to research and suggest measures that can promote the usage and growth of local museums and galleries by allowing them to make maximum use of the unique cultural resources available in their respective regions. To this end, this study looks into the successful case of the Museum of Nebraska Art in the United States, seeking to derive implications for successful local museum and gallery programs from the Nebraskan museum’s educational, exhibit, and participation programs. This study consists of a survey of the existing literature on the specialization and advancement of local museums and galleries, and a case study of the Museum of Nebraska Art. The museum at the center of the case study is located in America’s heartland, and has developed a wide range of programs making full use of the historical resources of Western development and the well-preserved natural environment of the surroundings, introducing local artists, their works, and history to the local visitors and tourists from the outside world. In other words, it provides a good example of the roles and purposes that local museums can serve. By analyzing the success of the Museum of Nebraska Art and comparatively researching it and Daejeon, this study seeks to explore how the museums and galleries in and around Daejeon could be further developed and advanced. The continuing globalization around the world and the radical innovations in information technology have served to bring down the traditional concept of international barriers and boundaries. While all these changes have contributed to the Korean public’s increasing desire for cultural experience and knowledge, most of the museums, galleries, performances, and other cultural and artistic resources available in Korea are concentrated in and around Seoul, leading more and more people seeking higher-quality cultural experiences to Seoul. As a result, museums and galleries outside Seoul continue to suffer decreasing levels of audience participation and drops in financial and administrative support, which, in turn, feed the vicious circle of their declining quality and popularity. In order to overcome these problems, it is of utmost importance for these museums and galleries outside Seoul to develop unique programs and exhibits based on the cultural and historical resources specific to their respective regions. As a central hub of transportation located in the middle of South Korea, Daejeon has served as an important geographic and strategic point in the country for centuries. The economic and financial benefits associated with the city’s location a transportation hub, however, have also tended to slow down the development of unique culture of the city. To many Koreans, Daejeon is merely a stopping point, often just part of the stops one makes before reaching Seoul. More people would prefer to travel just a bit farther to go to Seoul in order to enjoy cultural and artistic resources than staying in Daejeon. The central Korean government decided to find the spaces of various cultural venues under its charge, such as the National Museum of Contemporary Art or the National Museum, in Seoul and not Daejeon for that reason. Even though more national-status cultural and artistic resources should be found in Daejeon because of its proximity to all other major cities in Korea, the reality cannot be further from the ideal. In-depth research is therefore required to analyze the exact reasons and conditions. This study seeks to find the potential for unique programs that museums and galleries in Daejeon could develop, not on the basis of the existing academic and policy literature, but on the basis of the region’s cultural and historic resources and backgrounds. First and foremost, Daejeon is a leading center of major public research projects in Korea, thanks to the Daedeok Research Cluster that was encouraged beginning with the Park Chung Hee administration in the 1960s and that began to lead science and technology in Korea since the mid-1980s. The world today is moved greatly by research on fusion and convergence. Because it is impossible to secure success by specializing in only one area of technology, many leading researchers around the world are engaged in inter-technology and inter-disciplinary projects. This study therefore suggests developing programs that mix science and arts, taking advantage of Daejeon’s central place in the nation’s scientific infrastructure. Second, Daejeon has long been associated with yangban, the learned, aristocratic class of the traditional ruling order in Korea. Many people still associate the city with images of loyalty, tradition, etiquette, and the tranquility and comfort of rural hometowns. Contrary to its outer appearance, Daejeon was not built overnight. The great volume of artifacts and relics found in Daejeon and the western provinces of Korea dating back to the Bronze Age indicate that the city’s history starts from the pre-historic periods. Inaddition, as the central cradle of the Kiho school represented by “Uam” Song Shi-yeol, Daejeon boasts well-preserved houses and mansions of the renowned literati of the Joseon period that form core parts of Daejeon’s identity as a city of learned aristocrats. The city already organizes an annual festival based on its popular image. By combining these two major elements of Daejeon’s local identity and developing new exhibit and cultural programs accordingly, this study seeks to help revive the local galleries and museums in the city.