1980년대 초반, 소극장 등장과 그 배경에 관한 연구

한상언 ( Sang Eon Han ) 한양대학교 현대영화연구소 2016 현대영화연구 Vol.12 No.2

1980년대는 한국영화산업이 가장 침체했던 시기였다. 1970년대부터 시작 된 관객의 감소는 1980년에 이르면 그 정도가 심각했다. 1980년 시작된 컬러 방송은 침체된 영화계에 심리적 충격을 안겨주었다. 이에 따라 정부가 내놓은 대책은 스크린쿼터제 강화와 같은 한국영화의 제작을 활성화시키기 위한 것이었다. 그러나 이는 1970년대 내내 유명무실하게 시행되어 온 것으로 침 체한 영화시장을 활성화 시키는데 효과가 없음이 증명된 방안이었다. 영화시장이 심각하게 축소된 상황에서 소위 삼류극장이라고 할 수 있는 3번, 4번 영화관의 손실은 더욱 커졌다. 1980년대 초반 서울 시내 곳곳에서 영화관의 폐업이 속출했다. 연극계의 주장에서 시작된 300석 이하, 300제곱미터 이하 규모의 소극장 설치 자유화는 영화관업자들에게 탈출구와 같았다. 소극장은 1982년 말부터 들어서기 시작하여 폐관한 중, 대형 규모의 영화관의 자리를 빠르게 대신하였다. 이렇듯 소극장의 등장으로 한국영화시장은 일정한 규모를 지킬 수 있었고 1980년대 한국영화가 제작을 지속할 수 있는 물적 기반이 되었다. 새롭게 등장한 소극장은 지역적으로 흥미로운 특이성을 보였다. 주거지역으로 개발되어 아직 영화관이 존재하지 않던 강남지역에는 가족단위의 관객 들을 위한 안락하고 고급스러운 분위기의 영화관이 만들어졌다. 대학생들의 접근이 용이했던 신촌지역에는 대학생 관객들을 위한 영화, 연극, 각종 행사 들을 함께 할 수 있는 문화공간 형태의 소극장이 들어섰다. 악기전문상가인 낙원상가 주변에 위치한 파고다극장은 락음악과 퀴어문화와 같은 하위문화 의 중심지로 자리했다. 이처럼 1980년대 서울 전역에서 등장한 소극장은 지역별 특성을 지닌 새로운 영화문화가 형성되는 산실이었다 In the 1980s was a time when Korean film industry was the most sluggish. 1970 Decrease from the audience started in the 1970s had serious about that early in 1980. Color broadcasting, which began in 1980, gave a psychological impact on the film industry has been sluggish. For this reason, measures that the government has issued, such as the strengthening of the screen quota system, was to activate the production of Korean movies. However, this was the method that there is no effect of activating the film market which was sluggish. In situations what the movie market is severely reduced, loss of third and fourth cinema which may be a so-called third-rate theater became even greater. The early 1980s many cimemas went out of business in Seoul. Theater installation liberalization of less than 300 seats, size less than 300 square meters was the exit to the theater company. The claim was started in theater. From the end of 1982, Small theater appeared and replaced in large-scale movie theater which was closed. The appearance of small theater could protect certain scale of Korean movie market. It became physical infrastructure of making a lasting Korea Movies 1980. Small theater which was newly appeared, showed exciting regional specificity. Gangnam has been developed as a residential area. And there was no movie theater yet. Comfortable and luxurious atmosphere cinema for the family unit was made in Gangnam. Sinchon area that has easy access to the college and entered the cultural space in the form of a small theater to do with the film, theater and other events for the college audience. Pagoda theater around the Nagwon Arcade(Shopping Mall) which is musical instrument shop was its position as the center of the sub-culture such as rock music and queer culture. In this way, small theater, which appeared in the 1980s Seoul whole area, was the birthplace of a new film culture that has the characteristics of the region is formed

북한 영화기술 교재를 통해 본 디지털 영화기술 수용 양상

정인선 ( Jung In Sun ) 한양대학교 현대영화연구소 2023 현대영화연구 Vol.19 No.2

남북교류 행사에서는 정치적, 사회적인 이유로 상대적으로 분쟁 거리가 적은 문화교류를 많이 한다. 그리고 영화교류는 주요한 남북간 문화교류 행사 중 하나이다. 본 연구는 근래에 남·북한의 영화교류가 활성화될 때 조금 더 효율적인 교류를 위해 북한의 디지털 영화기술 수용 양상에 관해 연구하였는데, 북한 영화기술 교재를 통해 탐구하였다. 이를 통해 두 가지 중요한 사실을 확인할 수 있었다. 우선 북한의 영화기술을 이해하는 데 가장 중요한 것은 예술의 기술 역시 북한 사회 지도자들의 교시라는 것이다. 다음으로 김정은 시대에는 ‘현대화’와‘세계화’라는 키워드로 디지털 영화기술을 수용하고 있는 것으로 확인했다. 이러한 특성들을 바탕으로 구체적으로 북한 디지털 영화기술 수용 양상을 확인해 보면, 김일성-김정일 시대에도 영화기술에 대한 중요성을 주장하지만 제한적으로 디지털 기술(스캔을 통한 상영본 디지털화와 합성 기술)이 수용된 것을 확인했다. 하지만 김정은 시대에는 ‘현대화’와 ‘세계화’라는 기치아래 촬영, 편집, 믹싱, 색보정, 영사까지 거의 전 부분에서 디지털화된 현상을 발견할 수 있다. 또 기술 용어를 최대한 한글로 순화하지만, 영어를 병기하는 세계화된 특성도 보인다. In inter-Korean exchange events, there are many cultural exchanges with relatively little dispute, film exchange is one of the major cultural events. This study explored North Korea’s acceptance of digital film technology through textbooks on North Korean film technology for more efficient exchanges when film exchanges between South and North Korea in the future. This confirmed two important facts. First of all, the most important thing to understand North Korea’s film technology is that the technology of art is also taught by the leaders of North Korean society. Next, it was confirmed that in the Kim Jong Un era, digital film technology was being accepted with the keywords of ‘modernization’ and ‘globalization’. Based on these facts, concretely examining the pattern of acceptance of digital film technology in North Korea, it was confirmed that even in the Kim Il-sung and Kim Jong-il eras, although the importance of film technology was insisted on, digital technology (digitization of screenings through scanning and composition technology) was accepted in a limited way. However, under the banner of ‘modernization’ and ‘globalization’ in the era of Kim Jong Un, digitalization can be found in almost all parts, from shooting, editing, mixing, color correction, and projection. In addition, technical terms are refined in Korean as much as possible, but there is also a globalized characteristic of writing english together.

한국영화 7선 : 2014년 한국영화를 말하다

한양대학교현대영화연구소 한양대학교 현대영화연구소 2015 현대영화연구 Vol.11 No.1

현대영화의 `파편화(fragmentation)`의 서사적 효과 연구-페드로 코스타, 장-뤽 고다르, 요한 반 데르 퀘켄의 영화를 중심으로-

정은정 ( Jeong Eun Jeong ) 한양대학교 현대영화연구소 2017 현대영화연구 Vol.13 No.1

본 논문은 현대영화의 주요한 형식적 특징인 `파편화`가 영화적 이야기 세계를 어떻게 변형시켜 나가는지에 대한 연구이다. 파편화는 기성의 전체성을 전제한 개념이다. 그리고 영화에서의 전체란 보통 연속적인 시공간과 인과적인 사건 전개로 이루어지는 이야기 세계를 의미한다. 파편화는 이러한 전체로서의 이야기 세계를 해체한다. 그리고 해체를 통해 새로운 이야기 세계를 구성한다. 따라서 파편화에 대해 말한다는 것은 해체와 구성에 대해 이야기 함을 의미한다. 이러한 이유로 본 논문은 현대영화에서 발견되는 다양한 파편화 형식이 어떻게 이야기 세계를 해체하고 새롭게 재구성하는지를 사례 중심으로 살펴보고자 한다. 이를 위해 본 논문은 우선 여러 사상가들의 파편에 대한 사유를 살펴볼 것인데, 여기에서 우리는 파편에 대한 일반적인 논의를 만나게 될 것이다. 파편에 대한 일반적 논의에 이어 본격적인 사례 연구가 시작될 터인데, 그 대상이 된 영화들은 페드로 코스타의 <뼈>, 장-뤽 고다르의 <미치광이 피에로>, 그리고 요한 반 데르 퀘켄의 <침묵의 순간> 이다. 이 영화들의 파편화는 다양한 방식으로 해체와 재구성을 수행한다. 그러나 작가 각각이 추구하는 영화철학의 차이에 따라서 그들의 파편화 스타일은 각기 다르게 나타난다. 코스타의 파편화는 현실의 파편들을 집적함으로 해서 느슨하지만 진실한 하나의 이야기 세계를 제시한다. 이에 비해 고다르의 파편화는 총체적인 파편화 실험을 통해 다중의 이야기 세계를 만들어 내고, 영화의 메타언어로서의 가능성을 한없이 강조한다. 마지막으로 반 데르 퀘켄은 현실에서 경험하는 감각적 파편을 자유롭게 콜라주함으로써 영화적 이야기 세계의 소멸을 감행한다. 현대영화의 파편화는 서사중심의 고전적 재현체계가 추구했던 하나의 명확한 이야기 세계를 거부한다. 현대영화의 파편화가 이처럼 이야기 세계를 변형시키는 이유는 명확한 이야기 세계가 제약하고 있는 영화적 가치들이 존재한다는 공통된 인식이 있기 때문이다. 이를테면 코스타가 추구한 리스본 변두리의 빈민촌의 진실, 혹은 고다르가 추구한 영화의 메타언어화, 또는 반데르 퀘켄이 추구한 감각으로서의 현실 등은 하나의 명확한 이야기 세계로는 도달하기 어려운 영화적 가치들이다. 요컨대 현대영화의 파편화는 이야기 너머를 추구하는 작가들의 형식적 귀결인 셈이다. 따라서 현대영화의 파편화를 연구한다는 것은 영화작가가 추구하는 이야기 너머의 영화적 가치를 이해하는 과정이기도 하다. The subject of this research is how modern film`s important form, “fragmentation” modifies a filmic narrative world. The fragmentation is an opposite concept of the totality which exists as a preconceived idea. The filmic totality means a narrative world which is consisted of continuous space and time, and cause and effect course. However, the fragmentation breaks down the entire narrative world and reconstructs the new narrative through deconstruction, thus the study of the fragmentation represents a discussion about deconstruction and reconstruction. Therefore, this study examines how various fragmentation forms in modern films that break and reconstruct the narrative world through observing several examples. First of all, this study observes some thinkers` thoughts that express the general discussion. Some of the specific examples of the study are Pedro Costa`s film < Ossos >(1997), Jean-Luc Godard`s < Pierrot le Fou >(1965), and Johan Van der Keuken`s < Un Moment de Silence >(1960). The fragmentation of these films is deconstructed and reconstructed in diverse ways. However, the styles of the fragmentation appear differently according to the differences of the film directors`own philosophy. For instance, Costa`s fragmentation pursues an accumulation of fragments of reality based on one diegesis and has phenomenological features. On the other hand Godard`s fragmentation is characterized by a multilayered discourse, which emphasizes the multiple diegeses and film as a metalanguage. Lastly, Van der Keuken demonstrates one layered fragments of sense that the diegesis is totally disappeared. Modern film`s fragmentation rejects a clear narrative line which is pursued by the narrative - centric strategy of Classical realism. The reason why modern film`s fragmentation modifies the narrative is that the clear narrative limits filmic values. For instance, the reality of a poor village of Lisbon`s suburb in Costa`s film, or Godard`s metalanguage, or Van der Keuken`s sensible reality are the filmic values that can`t be reached by one clear narrative. The modern film`s fragmentation is a cosequence of the film form by cineastes who pursue something beyond the narrative. Therefore, the study of the modern film`s fragmentation is a process of understanding of the filmic value that exists beyond the narrative.

“IMF 이후 한국영화의 산업과 제도”

한양대학교현대영화연구소 한양대학교 현대영화연구소 2014 현대영화연구 Vol.10 No.3

SF 영화 <가타카(GATTACA)>에 나타난 주요 상징 기호 분석

남운 한양대학교 현대영화연구소 2020 현대영화연구 Vol.16 No.3

GATTACA is a science fiction film about the future genetic hierarchy and control society. It is a work that sparked public interest and debated about genetic engineering. The film states the question, ‘Is it reasonable to manipulate life beyond the providence of God or the nature?’ Furthermore, it conveys the messages that there is no perfect science, that science alone cannot fully comprehend or explain human beings, and that science can always degenerate as a tool to control human beings. GATTACA sharply criticizes the scientific perfection ideology, the new eugenics ideology, and the groups that promote them. However, the film does not deny that humans have lived through science to make up for the lack of nature; it deals with the problem of finding the ‘new balance between nature and science’. The director’s critical messages and questions are evident, not only through the composition and content of the film, but also through various symbols closely placed throughout the film. The important symbols (especially the body, the Gattaca office building, the sea, the DNA image, and the murder) are organically intertwined, conveying the message of the film in various ways, deriving various nuances, and raising the aesthetic level of the film. Therefore, this article helps to understand the meaning of the multidimensional reflection of GATTACA more deeply and more clearly by clarifying the detailed connection structure and multi-layered meaning of the symbols. <가타카>는 미래 유전자 계층⋅통제사회를 다룬 SF 영화로 유전공학에 대한 대중적 관심과 논쟁을 불러일으킨 작품이다. 영화는 ‘신의 섭리나 자연의 순리를 넘어서 생명을 조작하는 것이 타당한 일인가?’라는 질문을 던진다. 그리고 완전무결한 과학은 없고, 과학만으로 인간을 온전히 이해하거나 설명할 수 없으며, 과학은 언제든 인간을 통제하는 도구로 전락할 수 있다는 메시지를 전달한다. <가타카>는 과학을 만능으로 여기는 이데올로기나 새로운 우생학 이데올로기 그리고 그것을 조장하는 집단에 비판적 시각을 던진다. 그러나 인간이 과학을 통해 자연의 부족함을 메꾸며 살아왔다는 것을 부정하지 않으며, ‘자연과 과학의 새로운 균형’을 찾는 문제도 심도 있게 성찰한다. 이러한 감독의 비판적 메시지와 문제 제기는 영화의 구성이나 내용 뿐 아니라, 작품 곳곳에 치밀하게 배치된 여러 가지 상징 기호들을 통해서 여실히 드러난다. 그 상징 기호들(특히 몸, 가타카 사옥, 바다, DNA 이미지, 살인)은 유기적으로 얽히고설켜 작품의 메시지를 다양한 방식으로 전달하고 다채로운 뉘앙스를 파생시키며 영화의 미학적 수준을 높이 끌어올린다. 따라서 이 글은 그 상징들의 세밀한 연결 구조와 다층적 의미를 선명하게 밝혀봄으로써, <가타카>가 품고 있는 다차원적 성찰의 의미들을 더욱 깊고 섬세하게 이해하는 데 도움을 준다.

2010년대 할리우드 영화 속 인간과 인공지능의 관계적 존재 양상 연구: <그녀>(2014), <블레이드 러너 2049>(2017), <당신과 함께한 순간들>(2017)을 중심으로

박소연,함충범 한양대학교 현대영화연구소 2020 현대영화연구 Vol.16 No.3

This paper examines how representation of the artificial intelligence in Hollywood science fiction films is changed in the 2010s, as the existence of artificial intelligence is becoming more visible in the reality. It is notable that these films, Spike Jonze’s Her(2014), Denis Villeneuve’s Blade Runner 2049(2017), and Michael Almereyda’s Marjorie Prime(2017) describe artificial intelligence on a everyday and personal level, which was often somewhat exaggerated as a threat in the past science fiction films. Three films as SF genre were produced in the mid-2010s, and at the same time, the artificial intelligence is disembodied or virtual hologram. In addition, it is problematic in that these films set the artificial intelligence as the being who can coexist with human by learning and embodying love, emotional labor, and memory which are human’s own uniqueness. The argument related with aspects of the artificial intelligence as relational being is based on post-human discourse. In this respect, each film explores the possibility of love between humans and artificial intelligence, reveals artificial intelligence’s gendered emotional labor, and checks the possibility that human memory can be reconstructed by artificial intelligence. Through the representation of artificial intelligence, this paper points out that the artificial intelligence’s being and the relationship between human and the machine are linked to post-human thought. 본 논문에서는 인공지능의 존재성이 점차 현실화되고 있는 2010년대에 제작 및 개봉된 할리우드 SF 영화 속 인공지능의 재현이 어떻게 달라지고 있는지를 살펴보았다. 이들 텍스트는 기존의 SF 영화 속에서 종종 위협적 존재로 다소 과장적으로 묘사되었던 인공지능이 보다 일상적이고도 개인적인 차원에서 설정되어 있다는 지점이 주목되는데, 이에 본고에서는 여기에 해당되는 스파이크 존즈(Spike Jonze) 감독의 <그녀(Her)>(2014), 드니 빌뇌브(Denis Villeneuve) 감독의 <블레이드 러너 2049(Blade Runner 2049)>(2017), 마이클 알메레이다(Michael Almereyda) 감독의 <당신과 함께한 순간들(Marjorie Prime)>(2017)을 분석의 주요 대상으로 삼았다. 이들 세 편의 영화는 모두 2010년대 중반에 만들어진 SF 장르임과 동시에 텍스트 내 인공지능이 탈신체화된 외형을 통해 나타나고 있다는 점에서도 궤를 같이한다. 더불어, 그것을 각각 사랑, 감정 노동, 기억이라는 인간 고유의 특질을 학습하고 체화해 가는 존재로 설정함으로써 인간과 공존 가능한 관계적 양상을 다각적으로 펼쳐낸다는 면에서 문제적이다. 이와 같은 관계적 존재 양상을 매개로 한 논의는 상당부분 ‘포스트휴먼’ 담론과도 맞닿아 있다. 이러한 맥락에서 본고에서는 이들 영화가 각각 인간과 인공지능 사이의 사랑의 가능성을 타진하고 인공지능으로 확장된 젠더화된 감정 노동을 드러내며 인공지능에 의해 인간의 기억이 재구성될 수 있음을 시사함을 각각의 텍스트별로 확인하였다. 이를 통해 영화 속 인공지능의 존재성 및 인간과 기계의 관계성이 포스트휴먼적 사고와 연결되어 있음을 지적하였다.

영화 캐릭터(Character)의 이해와 분석의 실제

허은희 ( Eun Hee Huh ) 한양대학교 현대영화연구소 2014 현대영화연구 Vol.10 No.3

영화의 캐릭터는 사건을 구성하는 ‘스토리의 최소 단위’이며, 작가의 주제를 직접적으로 전달하는 ‘메신저’이고, 관객의 입장에서 사건을 목격하게 만드는 관객의 ‘눈’과 ‘귀’가 된다. 그러므로 영화의 캐릭터는 내러티브 전개의 주체이자 플로팅 자체라 할 수 있을 만큼 극의 구조와 관객의 반응에 긴밀하게 연결되어 있고, 나아가서 극 전체의 주제 전달과 그것의 표출 방식, 장르를 결정하게 된다. 영화의 캐릭터 창조는 스크린 사이즈, 앵글, 프레임과 구도, 색채와 조명은 물론 편집에 이르기까지 사건을 전달하는 영화 언어의 특별한 속성과 그것을 공유하는 상영 환경의 특수성 때문에 섬세한 감정표현과 개연성 있는 성격의 변화를 드러내는데 주력하는 것이 바람직하다. 본문에 제시된 일련의 기술적 훈련들은 전형적이며 식상한 캐릭터 창조를 피하고 관객들의 ‘눈’과 ‘귀’를 대신해 역동적으로 살아 움직이는 캐릭터를 창조하기 위해 고안된 작업들이다. 그 첫 번째 훈련인 ‘캐릭터인벤토리’는 체계적으로 계획된 ‘행동’에 의해 인물의 감정과 배경을 노출시킬 수 있는 캐릭터를 고안하기 위해서 캐릭터의 물리적, 정신적 환경을 철저하게 분석하는 작업이다. 시나리오를 완성한 후에도 캐릭터 인벤토리를 통한 캐릭터 분석은 불필요하게 첨가된 에피소드들을 적출하거나 극의 흐름에 치명적인 사건들을 첨가하는데 도움을 준다. 또한 캐릭터 인벤토리를 위주로 한 드라마의 ‘장면과 스토리 분석’은 각 장면 별사건 별로 캐릭터의 충분한 동기가 반영된 행동들이 사건을 형성하고 있는지 검토할 수 있게 하고 이러한 행동들을 뒷받침하는 캐릭터의 구체적인 배경을 설정하는데 효과적이다. 이와 더불어, 사건을 구성하는 캐릭터의 행동이 과연 그들의 목적에 부합하고 있는지 지속적으로 검토하기 위해‘인물관계도’를 작성해 보는것이 필요하다. ‘인물관계도’는 각각의 사건 속에서 캐릭터의 욕망과 목적, 그것을 위한 요구 조건들이 집약되어 인물간의 관계를 형성하고 있는지 확인하는데 도움을 준다. 또한 각 캐릭터의 욕망을 바탕으로 한 그(녀)의 행동에 방향성을 제시하고, 그 행동에 영향을 받는 인물들의 관계를 개연성 있게 발전시키는데 중요한 가이드 역할을 한다. Cinematic language and grammar to tell a story requires more specific process of creating character and its performance compared with other medias or artistic formats. Cinematic Character is an initial element to build the narrative, a messenger to deliver an author’s theme to the audience, and eyes and ears to witness the events in place of the audience. As a story-teller in dramatic structure, characters in cinema determine how to expose the story and theme, which mainly affects film genre and tone. Therefore, the characterization is fundamental to construct the story. To make the story dramatic, the character should have the strong desire, and face all kinds of obstacles to obtain it. Each character also represents clear and complex personality to display its own life history. Writers or directors describe characters’ backgrounds in detail even if they are not even shown in actual movies, to create the dynamic characters for movies to draw the audience’s interest through story-telling under sharp observation and deep thoughts toward people around. The illustrated exercises in this text are designed to create vivid characters to be gradually developed through the events, avoiding the stock characters who disturb the audience’s empathy. At first, the ‘character inventory’ is for analyzing a character’s conditions from its internal background to external status, such as secrets, targets, jobs, fear and the like. It helps to devise the purposeful behaviors from characters toward its objectives by applying criterions of its every move. And ‘the analysis of every scene by characterization’ based on this inventory is effective to build the back story for the main events. It can give a throughout check if each episode should begin with the character’s actions with strong motives, and it can eventually be used for adding the critical event or omitting the unnecessary one. Add to these analyzing exercises and to draw the ‘character relationship diagram’ guides the direction for developing the relations between characters, in the process of affecting each other through the story.

외환위기 이후 금융자본 및 영상전문 투자조합이 한국영화산업에 미친 영향

김금동 ( Kim Keum Dong ) 한양대학교 현대영화연구소 2019 현대영화연구 Vol.15 No.1

본 논문은 IMF 이후부터 2000년대 중반까지 영화산업의 주요한 자금원이었던 금융자본 및 영상전문투자조합의 개념과 금융자본이 영화산업에 투자를 가능케 한 정부정책의 변화를 살펴보고, 이를 바탕으로 금융자본이 제작 활성화에 미친 영향과 영상전문투자조합의 투자형태 및 그에 따른 문제점을 고찰한다. 이러한 고찰을 통해 1990년대 말 한국영화의 르네상스를 맞이할 정도의 질적, 양적 발전을 이룬 영화산업에 대해서는 물론 현재에도 영화제작비의 40%, 한국영화 총 편수의 60% 정도에 자본조달 함으로써 여전히 중요한 역할을 하고 있는 영상전문 투자조합에 대해서 이해한다. 1990년대 중반부터 정부정책의 변화로 영화산업에 투자를 시작할 수 있었던 금융자본은 풍부한 제작자본을 조달했으며, 특히 2000년 이후부터 결성되기 시작한 영상전문투자조합은 현재까지 안정적이고 지속적인 자본조달을 통해 한국영화의 고질적인 제작자본 문제를 해결해줌으로써 한국영화산업의 성장과 발전의 원천이 되었다. 그러나 영상전문투자조합들이 메이저 투자배급사의 프로젝트 참여하게 되면서 영상전문투자조합의 투자자본이 메이저 투자배급사의 프로젝트에 집중되었을 뿐 아니라 영상전문투자조합의 수익률 또한 더욱 저하되었으며, 메인 투자배급사가 제작사와의 역학관계에서 우위를 점하는데도 영향을 미쳤다. 이러한 문제를 해결하기 위해 메이저 투자배급사의 투자조합 참여를 제한한 결과 메이저 투자배급사는 사모펀드를 통해, 창투사들은 라인업펀드 등을 통해 투자하기 시작했다. 이로 인해 상대적으로 모태펀드의 영향력이 약화되었음은 물론 텐트폴 영화 같은 대작들은 투자받기 쉬워진 반면 중·저 예산 영화는 투자 받기는 점점 더 어려워지고 있다. Korean film industry has experienced a renaissance by qualitative and quantitative development based on financial capital such as venture investment companies newly introduced in the movie industry in the late 1990s, and as a result, increased gradually, making the share of Korean movies exceeding 50% and reaching 63.8% in 2006, which became the basis of growth of Korean movie industry. In addition, The film investment association, which emerged in the 2000s, is responsible for most of the of the film production cost excluding the investment amount of the investing distributor, standing key axis in film production costs of Korean movies. Although the film investments association contributed to the stabilization of the movie industry, in a response to increased risk due to declining profitability caused by the collapse of the ancillary right market and the sharp increase in production costs, they changed their investment position to more conservative ones including the participation as a partial investor to a project where large conglomerates is a main investor. These changes resulted in the insolvency of production companies and concentrating of capital on the project involved with major investors, and eventually to strengthened market dominance and monopoly/oligopoly of major investors, thus distortion and problems in soundness and stability of the movie industry. These problems directly linked to deterioration of profitability made the investors to withdraw, resulting in a vicious cycle in the movie industry. It was suggested, therefore, that serious discuss about these problem and examination of the overall structure of the film culture industry are needed.

해빙기, 폴란드 영화학파(Polska Szkoła Filmowa, 1955-1965) 연구

정태수 한양대학교 현대영화연구소 2018 현대영화연구 Vol.14 No.1

Polish Film School(Polska Szkoła Filmowa, 1955-1965) in Thaw era played an important role in historical turn of Polish cinema. Thaw-Era films were made in a close relationship between Polish history and the function of film. Especially, specific Polish history, affected by failures through many wars with surrounding countries formed the characteristics of Polish Film School. Based on this social environment, Polish Film School tried new challenges and was in the midst of this historical turn with Thaw dissolving deep freeze of postwar Stalinism from 1955 to 1965. Polish Film School began to make new films by describing more realistic than Socialist Realism introduced from the Soviet Union and conflicting with Polish film makers who stressed on the social role of film. This kind of movement was embodied through <A Generation>(Pokolenie) directed by Andrzej Waida and got to be processed by labors’ protests in Poznań in 1956. Through a set of changes in social and political environment, Polish Film School could discarded Socialist Realism. As a result, its films dealt with the history of war related with World War II, identity of nationality, and problems about reality hidden for making films. First, the history of war affected films. Some films made a national identity to be united by excluding heroic actions and depicting historical situations of Poland in an objective manner. Also, some films in this era described people’s hurt and trauma from the wars vividly through their memories and lives. Some films such as documentary films, called ‘Black Series’ and feature films by Andrzej Munk or Roman Polanski revealed the reality of Polish society, which was unknown. Those of films disclosed contradictory or irrational social structures after the war and mirrored Polish society in direct way. Therefore, as Polish Film School got quit of the traditional way of creation which was implemented by political, social, and cultural context, it did important role in forming and dividing specific part of Polish cinema history. 해빙기 폴란드 영화학파(1955-1965)는 폴란드 영화역사에서 중요한 전환기적 의미를 지닌다. 그것은 폴란드의 역사와 영화의 기능과 밀접한 관계 속에서 형성되었다. 이러한 특성은 인접 국가들과 수많은 전쟁과 패배의 아픔을 통해 형성된 폴란드 국가의 특별한 역사로부터 비롯되었다. 특히 1955년에서부터 1965년까지 소련으로부터 불어온 해빙의 바람을 타고 새로운 창작적 시도를 모색하고 실천한 폴란드 영화학파는 이러한 역사적 흐름의 중심에 있었다. 이는 소련으로부터 유입된 사회주의 리얼리즘 창작수법과 현실을 보다 사실적으로 묘사함으로써 영화의 사회적 역할을 강조한 폴란드의 영화 창작가들과의 대립에서 드러났고 안제이 바이다의 영화 <세대>를 통해 구체화되기 시작했다. 그리고 1956년 포즈난에서 노동자들의 봉기로 10월의 봄을 맞이하면서 더욱 본격화되었다. 이를 통해 폴란드 영화학파는 그 동안 사회주의 리얼리즘에 의해 통제받았던 가장 가까운 제2차 세계대전에 관한 전쟁의 역사, 민족의 정체성, 드러나지 않았던 현실에 대한 문제를 창작의 핵심 주제로 영화화 할 수 있었다. 전쟁의 역사는 영웅적 행위 자체를 가능한 배제하면서 폴란드가 처한 역사적 상황을 보다 객관적이고 냉정한 시각으로 묘사하면서 민족의 정체성을 결합시켰다. 뿐만 아니라 전쟁이 인간에게 주는 상처와 정신적 트라우마를 전쟁이후 남겨진 사람들의 기억과 삶 속에서 생생하게 묘사하고자 하였다. 또한 블랙시리즈로 불린 다큐멘터리 작품과 안제이 뭉크, 로만 폴란스키 등의 영화를 통해서는 폴란드 사회의 숨겨진 현실을 드러내기도 하였다. 이들 영화는 폴란드 사회의 현실을 직접적으로 드러냈을 뿐만 아니라 전쟁이후 불합리한 사회구조와 그 이면의 모순을 적나라하게 폭로하였다. 이러한 시도는 이 시기의 영화를 폴란드 영화학파라는 프레임에 위치시키게 하는 핵심적 요소인 것이다. 따라서 폴란드 영화학파는 폴란드 영화 역사에서 이전 시기의 창작논리를 견인하고 있던 정치적, 사회적, 예술적 상황으로부터 과감하게 탈피하면서 폴란드 영화역사의 특별한 흐름을 가름하고 형성하는데 중심으로 작용하고 있다고 할 수 있다.