예술가곡 <대강동거(大江東去)> 연구

윤신신 한서대학교 국제예술디자인대학원 2014 국내석사

본 논문에서는 중국의 최초 예술가곡인 료상과(廖尚果, 1893-1959)의 <대강동거>에 나타난 창작기법을 형식구조, 가창, 선율, 화성, 리듬으로 세분화하여 각 악절과 악구별로 비교분석하였다. 이 분석 결과를 토대로 중국 예술가곡의 창작기법과 창법의 원리를 파악하는데 중점을 두었다. 그리고 본 논문의 결과는 다음의 다섯 가지 특성으로 요약되어 질 수 있다. 첫째, 작품의 형식구조는 2개의 주제를 각각 제1부와 제2부에 배치한 두 부분 형식으로 구성되어있다. 둘째, 가창은 완벽한 가사, 아름다운 선율, 뛰어난 피아노 반주는 모두 가창자가 잘 연주해줌으로 드러낼 수 있다. 어떠한 경우 작곡자가 역량, 속도 등 표정 기호로 해석을 하지만 가창자가 자신의 문학 수양으로 이해해야 한다. 특히, 중국 고대시가 창작시 지켜야할 규칙과 규율인 운철, 북송시대 어음과 억양, 그리고 언어 리듬은 현대 중국어와 약간 차이가 있어 충분하기 이해되어야 한다. 셋째, 선율은 크게 제1주제와 제2주제로 구성되었고 각 주제는 독립적으로 나타나며, 제1주제는 α와 β, γ 3개의 유도동기(Leitmotif)로 구성되어있고, 제2주제는 δ과 ε 2개의 동기로 구성되어 있다. 이 유도동기들은 리듬의 구조, 음의 윤곽, 음의 구성, 그리고 음정의 내용 등을 이도법, 확대법, 환음법, 전위법, 생략법 등 다양한 변주기법에 의해 작품 전체에 통일성 있는 균형감을 부여하였다. 넷째, 화성은 선율의 진행관계와 유기적 관계로 운용되는데, 각 화음의 구성음과 기능, 근음과 선율의 관계 등의 수직적 요소를 바탕으로 악구와 악구간의 화음 배치에 수평적 변화를 주고 있다. 특히, 제1부는 악절 단위의 전조로 변화를 시도하였고, 이와는 대조적으로 제2부는 전체를 동일한 조성을 사용하면서 차용화음, 대리화음 등 다양한 화성변화로 작품에 색채감을 주고 있다. 마지막으로 리듬은 선율부와 반주부에 각각 리듬 크기를 다르게 배치하여 수직적 대조를 이루게 하고, 주제가 반복되거나 교체됨에 따라 리듬의 구조와 형태 변화를 통해 수평적 진행관계의 다양성을 제고한다. 특히, 공통적으로 제1부와 제2부의 선율과 반주자의 오른손인 반주1 부분은 유니즌으로 리듬크기가 동일하거나 또는 유사한 형태로 되어있고, 왼손인 반주2는 제1부분에서는 주로 4분음표 위주의 4비트 위주로 되어있고, 제2부분에서는 1박자에 셋잇단음표(?)를 연속사용하면서 속도감을 부여하고 있다. 이처럼 본 연구를 통해 이 작품에 사용된 창작기법을 통하여 중국 예술가곡의 창작기법과 창법에 대한 하나의 기준점을 설정하고자 하였다. 또한 위에 제시한 종합적인 결론의 내용과 더불어 이 작품 분석을 통해 중국 예술가곡에 대한 이해를 높이고, 중국 예술가곡의 창작기법과 창법의 방향을 제시하고자 한다. The Study compared and analyzed the composition method of ‘the Mighty River Flows Eastward’, the first Chinese Ayre composed by Ryo Sang Gwa (1893-1959) by passage and phrase after segmenting it into formative structure, song, melody, harmony and rhythm. Based on the analysis result, it focused on figuring out the composition method and principle of Chinese Ayre. The results can be summarized into 5 as follows. Firstly, as for formative structure, the ayre consists of two parts in which two themes are displayed in each part respectively. Secondly, perfect lyric, beautiful melody and excellent accompaniment can be well demonstrated by an excellent song. In some cases, while composers interpret capacity, speed and other expression signals, the singer must understand the song in his/her own literary training. In particular, as Uncheol, North Song language and intonation and language rhythm as the rule and regulation for the ancient poem of China are different from the contemporary Chinese, it must be fully understood. Thirdly, melody is composed of theme 1 and theme 2 and each theme is independent. Theme 1 consists of 3 Leitmotif including α, β and γ 3, and theme 2 consisted of 2 Leitmotif including δ and ε. The Leitmotif gives balance to the whole aria by various variation methods such as second method, expansion method, return method, dislocation method and omission method upon rhythm structure, music contour, music structure and tune. Fourthly, harmony is operated in an organic relation with the progress of melody. Based on vertical elements such as chord structure sound and function, and relation of root sound and melody, it gives horizontal change on the harmony display between phrases. In particular, the part 1 attempts to change the dislocation of key by passage. To the contrary, part 2 uses the same tonality and gives colorful sense with various harmonic changes such as adopted harmony and substitute harmony. Finally, rhythm is displayed in a different size to melody part and accompaniment part for vertical contrast, and repetitive and exchange of theme enhances variety of horizontal progress by means of structure and shape change of rhythm. In particular, the melody of part 1 and part 2, and part 1 accompaniment of right hand of the accompanist are in unison having same or similar size of rhythm. And, the accompaniment 2 in the left hand is mainly 4 beat having crotchet in part 1, and uses triplet (?) at one beat in part 2 giving speedy sense. The study attempted to set a base line for the composition method and singing method of Chinese Ayre by analyzing the composition method of the ayre. And, Together with the comprehensive conclusion, this study also aimed to enhance understanding of Chinese Ayre and to suggest composition method and direction of Chinese Ayre.

실내공간에서 나타나는 벽체구성특성에 관한 연구

유욱 한서대학교 국제예술디자인대학원 2015 국내석사

건축의 본질적인 요소로서 공간은 인간이 처음 울타리를 치기 시작하면서 흑은 그들이 살고 있는 동굴의 구조적 개선을 해 나갈 때부터 어떤 형태로라도 존재하였다. 그러나 18세기 이전까지 공간이라는 단어를 사용하지 않았고 그 개념은 충분히 발달되지 않았으나 공간에 대한 인식은 근대 과학 기술의 발전과 변화와 더불어 변하기 시작했고 인간을 둘러싸고 있는 구체적인 형태를 지닌것으로 바뀌게 되었다. 건축에서 공간을 구축하는 구체적은 형태의 벽체는 공간을 구축하는 가장 중요한 역할을 한다. 벽체는 실내 공간에 기능을 부여하고 형태를 표현하는 중요한 요소일 뿐만 아니라 실내공간의 영역을 한정짓고 그것의 특성을 나타내는 기본적 요소이다. 본 논문은 이론과 사례연구를 통하여 실내공간에서 벽체의 특성을 체계적으로 분석하고, 연구하는데 주안점을 두었다. 첫째 실내공간과 벽체의 기본 개념을 분석하고, 실내공간과 벽체의 상호 관계에 따른 벽체의 의미에 대하여 연구하였다. 벽체를 환경적 요소, 물리적 요소, 기술적 요소와 인적 요소 등 네 부분으로 구분하고, 이 요소들이 실내공간을 구성하는데 밀접한 연관성이 있는 벽체구축방식에 대한 이론을 정리하였다. 둘째 건축의 외벽과 내벽을 구분하여 그것의 기본 속성, 역할 및 중요성에 대하여 구체적으로 비교분석하였다. 셋째 실내 공간에서 나타나는 벽체의 색채, 재료사용 및 설계 방법을 대표적인 실내건축의 실제 사례를 들어 설명하였다. 마지막으로 실내 공간을 구축하는 벽체의 역할 및 공간과의 관계에 대하여 실제사례를 통해 분석하였다. 본 논문은 구체적인 형태로서 벽체가 사용될 수 있는 가능성을 제시하고 현대 건축에서 재현되고 있는 기본개념, 이론, 실제 사례 등을 통해 연구하고 분석하는 것을 그 목적으로 한다. Wall is architectural space environment with beauty of function and form an important part of its spiritual connotation of architectural space and the characteristics of the interior space shape and has a crucial role in ascension. This article first from the perspective of space research building wall, the wall body and wall design detailed analysis, and combining the architectural design related theory and a large number of examples from different angles to study the wall design of architectural space. First of all, this article from the perspective of the space, the architectural space and the basic concept of the wall, and from the relationship of space and wall body, explores the meaning of the wall there. Based on the environmental impact factors, material factors, technical factors and human factors four aspects parsing wall, every kind of factors is closely combined with wall design of architectural space, conduct the thorough research to the influencing factors on wall body as wall theoretical basis of design practice. To distinguish between building exterior and interior wall at the same time, and then a detailed analysis and comparing the basic properties, function and meaning, for the study of the walls in the building space design to provide a certain basis. Secondly, the article further analyzes the wall design of architectural space. Himself on the wall itself in parsing and then reveals the walls in the building wall colour and material the use of the principle and design method, through the typical examples of design method. Finally, this paper made a comprehensive interpretation of wall in building space design expression, at the same time to add some on the wall extending in the field of other aspects. Combined with a large number of examples and analysis of discussing the relationship between the wall in the design of architectural space and function. At the end of the article with himself in writing this paper reference of some related content, hope to provide more help to readers.

L.H. Berlioz의 연가곡 『Les Nuits d'Eté』0p.7에 관한 연구 : 피아노와 오케스트라 반주부의 차이점을 중심으로

김희연 韓瑞大學校 藝術大學院 2005 국내석사

L.H. Berlioz, who is referred to as the leader of neo-romanticism, namely, the post-romanticism, was not like most of romanticist musicians; he was not a pianist. Because of this, he wrote almost no solo music for instrumental music or chamber music, but he attempted on several genre to combine the voice and musical instruments. He wrote more on choir than other song writers while placing much of his studies and passion on 'new musical instrument method' to realize the sound effect efficiently. He was the true creator of new “orchestra and program music" as well as the genuine founder of the ”contemporary orchestra“. In particular, he knew that adding the musicians in brass technique for sonority would make good accomplishment of true pianissimo (pp) for the string musicians not for the volume of the sound alone, and has achieved the frame works of modern orchestra technique by adding the wood wind instrument and others for having the unified voice color to the chord. The theme of this thesis, six poems, was selected from 『La Commedie de la Mort』 of Theophile Gauthier, a romanticist writer and given the title of 《Les Nuits d'Ete》, and all five poems other than the first song, <Villanelle>, had the background of summer night. After the middle of the 19th century, with Berlioz writing on 『Modern Instrument and Orchestra』 as the turning point, the later part of the 19th century displayed the colors of orchestra in various forms that the song also had the mutually connected tendency that, breaking away from the past when the piano was used only for the accompaniment of song, but it significantly spread out to the accompaniment of orchestra, and it had been evident to add the vocal music to the symphony music of orchestra as well. This 《Les Nuits d'Ete》 has its features that stands out in selecting the necessary instrument for each music and emerge the effect of program effect with the volume, quality and color, not just the accompaniment of large scale of orchestra. As the result of analysis and research of 6 musics, the first music had the movement of birds by using the violin and thrush by using the fagott, the second music had the fantasy in dream by using the trill of Arpa (Harp) and violin appropriately described. In the third music, the contrast of notes that requires to express in the simple ups and downs for its extreme for the highest part (flute) and the lowest part (faggot) of orchestra for extreme contrast for even more enriched colors, and in the fourth music, the oboe and the clarinet amplify the sad melody of vocal part for even more. In the fifth music that brings calm and gloomy atmosphere reduced the pipe music part significantly that the two instruments, flute and clarinet, sporadically displayed in the music to add its gloomy feel, and in the final music, the sixth music, the string music part describes the wave of ocean and wind blowing are appropriately depicted. As it was shown, when the dynamic movement is expressed, the piano has simply expressed in limitation of its dynamic change from pp to ff, while orchestra expresses even more extreme dynamics with its numerous instruments, changes in playing method from the application, and sequential addition in each instrument, and it would be able to deliver the feeling and color of lyrics even more enriched condition. In light of such a result outcome, the expression of such a song of Berlioz has much more splendid color with expression of lyrics in diverse and sophisticated manner that may caused the turning point of arrangement in orchestra for music with artistic accompaniment. A thesis submitted to Committee of the Graduate School of Arts, Hanseo University in partial fulfillment of the requirements for the degree of Master Music in August 2005.

중국애니메이션 캐릭터 조형성 연구 : 보련등중심으로

웅천상 한서대학교 국제예술디자인대학원 2013 국내석사

세계 경제가 날로 일체화되는 오늘날 문화의 경쟁도 이미 세계 각 나라 간의 정치, 경제, 군사, 과학기술 다음으로 가는 새로운 경쟁 영역이 되었다. 문화 영역에서 영상산업은 문화산업의 중요한 구성 부분으로 강한 문화전파 역할을 하고 있다. 그중에서도 애니메이션영상은 문화 전파와 확산에 중요한 요소가 되고 있다. 즉 애니메이션을 구성하고 있는 캐릭터는 이 전파 경로에서 결정적인 역할을 하고 있다. 이러한 배경에서 애니메이션 캐릭터 디자인의 조형은 매우 중요하다고 사려 된다. 중국은 수천 년 역사가 말해주듯이 풍부한 문화유산이 있다. 수많은 문화 표현형식과 민족문화 양식은 모두 예술 창작에서 둘도 없는 원천자료들이다. 연구자는 중국 전통문화를 통하여 애니메이션 캐릭터 디자인의 발굴에 주목하고자 한다. 이는 전통 조형형식의 계승과 활용을 포함 될 뿐 만 아니라, 중국 문화정신에 대한 성찰과 발전도 포함한다. 전통 예술을 접목한 애니메이션 캐릭터 디자인의 고찰을 위하여 연구자는 중국애니메이션 <보련등>을 중심으로, 관련 서적, 자료를 수집하고 캐릭터 디자인의 조형성을 연구하였다. <보련등>의 캐릭터 조형성은 형태, 색감, 복식 등으로 분석하여 전통예술을 바탕으로 애니메이션 캐릭터디자인이 설정되었음을 확인 할 수 있었다. 본고는 오늘날의 심미적 관점으로 전통 조형 중의 일부 혹은 전체를 변형, 추출, 확대하여 애니메이션 캐릭터의 개발을 적극 주장한다. 이를 통해 시대적 특징과 중국적 개성이 명료한 애니메이션 캐릭터 디자인의 개발에 이바지 하고자 함이다. Living in an economical-integrated society, the increasing fierce competition of culture has been updated to a new level, succeed the competition of politic, economic, military and science between all kinds of countries. With its intensive cultural transmission function, animation constitutes the essential part of cultural industries and conducts an important approach for cultural infiltration and transmission. The animation character plays a conclusive role in the cultural transmission process, as well as the creative design does. Currently, United States and Japan seem to monopolize the animation industry. Their unique style and splendid management system lead them to a widely recognition by the audiences and the dominated position in the world. Deeply affected by western countries’culture, Chinese animation producers failed to assess their own strength. Instead, they put a lot of thoughts imitating foreign animation characters. Although they took the acclaimed characters as examples, they were not able to make a splash in the international animation marketplace, mainly due to the domestic element deficiency. Therefore, in order to propel Chinese animation industry and to obtain acclaims from the audiences, the producers need to spend more time on researching and to take the full advantages of Chinese domestic strength, for instance, an animation character with Chinese unique cultural traits. Chinese civilization originated thousand years ago along with plentiful cultural heritages, whereby various cultural performance formats and ethnic cultural patterns are provided for the artistic creations. This is also beneficial for us to add Chinese traditional cultural elements, which contain both the application and refine of animation characters and the enlightment from Chinese spirit, during the designing process. It is necessary to refine the essential parts from the traditional character designs based on modern aesthetical theory, and then reform and apply them, in response to implement in-style Chinese unique animation characters and to add the artistic elements and reputation. The animation character designer should always deeply analyze the design concept theory of animation character, character’S position, and latent consumer groups, as well as concentrate on fulfilling customer’s satisfaction. The designer should create the character more reasonable and acceptable by using the analyzed results and an objective attitude. In response to understand and learn animation character design in an advanced way, the writer wrote this paper named after< A study on the creative design of Chinese animation characters> based on the animation < lotus lantern >. During the process, the writer collected relevant books and documents, used accessible information of the future developing function and the design method of animation character design. Through this paper, the writer makes a profound comprehension on the situation of Chinese animation character design, and is capable to criticize the character design in a new visual angle.

중국 전지(剪纸) 애니메이션에 관한 연구 : 1957~1966년대 작품 분석을 중심으로

노인정 한서대학교 국제예술디자인대학원 2014 국내석사

본 논문은 중국 전지 애니메이션 연구를 주제로 1957-1966년 사이 중국의 전지 애니메이션 대표작품을 분석하였으며, 영화의 제재, 창작 배경, 캐릭터 디자인, 배경 디자인 등에 대하여 점진적인 분석을 시도하였다. 1957-1966년 사이의 대표작품은 모두 중국 민족의 전통 문화를 흡수하고, 전지의 조형과 그림자극의 예술 특징을 참고했다는 점에서 공통점을 갖고 있다. 그 중 <저팔계 수박을 먹다>는 중국의 고전소설『서유기』에서 취재하였고, 인물의 캐릭터 조형은 오리기, 새기기를 위주로 하였다. 민간 이야기를 개편한 <어동>은 민간 전지와 그림자극의 예술 표현 수법을 구사하여 인물 캐릭터가 더 선명해졌다. 그리고 사랑을 테마로 한 <황금색 소라>는 조형 디자인에서 조각, 전지의 기법을 사용하고 섬서(陕西)그림자극의 특징을 흡수하고 캐릭터 디자인 및 도안의 장식과 색채 방면에서 정교함과 수려함을 보여주었다. 1957-1966년 사이 중국 전지 애니메이션의 성숙 탐색기에서 제재의 선정이나 캐릭터의 조형이나 전지 애니메이션의 제작에서나 모두 문화 내포가 깊은 중국의 민간 전통 예술을 구사하였다. 이로 하여 이 시기에 출품된 작품의 특징 중 하나가 고유한 민족 스타일을 선사하고 있다는 점이다. 이 시기의 작품은 다른 시기에 비하여 특유의 선명한 시대의 낙인이 있다. 당시의 역사적 배경 등 특정 요소에 의해 전지 애니메이션이란 새로운 형식이 탄생되었다. 이 작품들은 단순한 오락이 아닌 심각한 사상내용을 가급적 완벽한 예술 형식과 결합함으로써, 작품의 사상내용이 형식에 융합되어 관객들로 하여 즐거움을 느끼는 동시에 깨달음도 얻게 하였다. 이러한 연구 결과를 위하여 본 논문의 구성은 서론에서 연구배경과 목적을 기술하고 2장에서는 중국 전지 애니메이션에 대한 역사적 배경과 이해를 위한 고찰을 하였으며 3장에서는 본 논문의 목적인 3개의 작품을 연구 분석하는 장이 되며 4장에서는 3장의 연구 분석을 통한 작품의 특징을 기술하는 장으로 구성하였다. 마지막 결론으로 절차가 진행되었다 This study analyzed the representative Chinese paper-cut animation works from 1957 to 1966 by taking Chinese paper-cut animation study as the topic and attempted to conduct cumulative analysis about movie materials, creation background, character design and background design and so on. The representative works from 1957 to 1966 had absorbed the traditional culture of Chinese people and commonly referred to the paper-cut modeling and the artistic characteristics of shadow play. Among the works, <The Pig Zhu Bajie Eats Watermelons> gathered the materials from Chinese classical novel 『Pilgrimage to the West』. The character modeling focused on cutting out and whittling. The work <Yu Tong> restructured from a folk tale employed the artistic expression methods of folk paper-cut and shadow play and its characters were more distinct. In addition, <The Golden Conch> with love as the topic used sculpture and paper-cut techniques in the modeling design, absorbed the characteristics of Shanxi shadow play and presented the delicacy and beauty in the aspect of character design and the decoration and color of the patterns. In the mature exploration of Chinese paper-cut animations from 1957 to 1966, in the selection of materials, the character modeling and the animation production, Chinese traditional folk art with deep connotation was used. Accordingly, one of the characteristics of the works produced in this period was the presentation of inherent fold styles. The works in this period have unique and distinct brand of the times when compared to the works in other period. According to the specific factors like the historical background, new forms of paper-cut animations have come to being. These works made the audience feel joyful and find enlightenment by combining not the entertainment but profound thought contents with the perfect artistic forms and integrating the thought contents into the forms. The composition of this study for the research results is as follows. In the introduction, research background and purpose were stated. In chapter two, the review of historical background and observation for the understanding of Chinese paper-cut animations were conducted. In chapter three, three works which were taken as the research subjects in this study were analyzed. In chapter four, the characteristics of the works gained from the analysis in chapter three were described. Conclusion was drawn finally.

중국 수묵애니메이션 제작기법에 관한 연구 : 특위(特偉)의 수묵애니메이션 작품을 중심으로

공덕외 한서대학교 국제예술디자인대학원 2012 국내석사

Ink-and-wash animation which is Chinese own expression introducing Chinese traditional ink-and-wash painting to animation includes deeply cultural base, particular periodical background and historical thought. The history of Chinese animation started from <Noisy studio> which was Chinese first animation in 1926 and ink-and-wash animation started to open the opening act with <Tadpole finding mother> manufactured formally in 1960 after starting to be manufactured in about 1956. After cultural revolution, government gave stable support financially before the economic opening. It was the time before overseas famous animations were imported to China and Chinese manpower of animation got out to other countries. So, it could be concentrated to manufacture animations in China. Under the condition, various materials and manufacturing methods were developed. Ink-and-wash animation which is a new trial of traditional animation introduced traditional ink-and-wash painting to animation and made a great contribution for animation's artistic grade with atmosphere of ‘to be’ and ‘not to be’ coexistence and elegant scene. Ink-and-wash animation which is new form created by Chinese artists expresses characters and background by dividing them respectively through the Chinese ink-and-wash method and shot with animation's special technology. So, the atmosphere of thick and vain ink-and-wash painting through the video. ink-and-wash painting is one of unique painting forms which can be representative for Chinese traditional culture. Teukwi, who was a ink-and-wash painter and animator introduced ink-and-wash painting to animation, so developed particular area, ink-and-wash animation. Especially, <Tadpole finding mother> and <Piping shepherd boy> announce chinese ink-and-wash animation to the whole world. By combining various expressions of landscape painting, Chinese traditional method with animation, it drew the emotion of the tip of a writing brush as well as it's a representative work of ink-and-wash animations as an unique work manufactured cut-out method. Ink-and-wash animation is another development during the traditionalized process of Chinese animation. General animation mainly colors border line, but ink-and-wash animation expresses with unique painting style which expresses the object with ink's thick and vain through the brush line (筆線)and line concentration (渲染). Dim sound of tungso and danso is filled in about half of screen and dialogue is expressed by maximum moderation. If watching one animation, people can obtain the feeling as if they are in the exhibit of Eatern paintings. After presenting Ink-and-wash animation, <Tadpole finding mother> manufactured in 1960, <Sansujeong> which had been called by the best of Chinese animation for 10 years obtained worldwide fame of Chinese ink-and-wash animation through the all kinds of prizes on international stage. Visual shock and visual acception of ink-and-wash animation are fulfilled by complicated manufacturing process and much time of manufacture. For one short ink-and-wash animation, it takes more time to manufacture than general animation by 3 or 4 times. After reformation opening of 1978, Chinese animation started to show the sign of decline because of the negative effects such as simple story, complicated manufacturing process, etc. after the introduction of lots of foreign animation. And, ink-and-wash animation started to get out of the interests of people gradually, but innovative development of computer technology became an opportunity of ink-and-wash animation in the last part of the 20th century. Chinese animators achieved successful results by trying to manufacture short 3D ink-and-wash animation with 3D software technology. In ink-and-wash animation, 3D solid space could be formed. If watching it from the aspect of artistic aesthetics, ink-and-wash animation must be continuously raised, but the developmental prospect of traditional ink-and-wash animation is not positive from the aspect of marketing. Therefore, Chinese traditional ink-and-wash animation must be continuously developed to the aspect of art, not commerce, with 3D Ink-and-wash animation which was newly appeared. 수묵애니메이션은 중국의 전통 수묵화를 애니메이션에 도입한 중국 특유의 표현형식으로, 이의 출현에는 깊은 문화적 기반과 특정한 시대적 배경 및 역사적 사상이 들어있다. 중국 애니메이션의 역사는 1926년 중국의 첫 애니메이션 작품 <소란스런 화실(大鬧畫室)>의 제작으로부터 시작되었으며, 수묵 애니메이션은 1956년경 제작을 시작으로 1960년에 정식 제작된 <엄마 찾는 올챙이(小蝌蚪找妈妈)>로 서막을 열기 시작하였다. 문화혁명 이후, 경제 개방 전에는 정부로 부터 경제적으로 안정된 지원을 받았다, 그당시는 해외의 유명 애니메이션이 중국에 수입되기 전이었으며 또한 중국내의 애니메이션 인력이 해외로 빠져나가기 전으로써 중국내 애니메이션 제작에 총력을 다 할 수가 있었다. 이런 조건 하에 다양한 소재와 제작 방법이 개발되었다. 수묵애니메이션은 전통 애니메이션에서의 새로운 시도로써 전통적인 수묵화(水墨畫)를 애니메이션에 도입하여 유무상생(有無相生)의 분위기와 우아한 화면으로, 애니메이션의 예술적 격조에서도 큰 기여를 하게 되었다. 수묵 애니메이션은 중국 예술가들이 창조한 새로운 애니메이션 형식으로서 중국의 수묵화 기법으로 캐릭터와 배경을 각각 분리하여 표현하고, 애니메이션 촬영의 특수 처리기술로 촬영함으로써, 농후(濃厚)하고 허실(虛實)한 수묵화의 분위기를 영상으로 표현한 것이다. 수묵화는 중국의 전통문화를 대표할 수 있는 독특한 회화 형식 중 하나이다. 수묵화가 겸 애니메이터였던 특위는 수묵화를 애니메이션에 도입하여 수묵애니메이션이라는 독특한 영역을 개발하였다. 특히<엄마 찾는 올챙이>와 <피리 부는 목동>은 중국의 수묵애니메이션을 세계적으로 알렸던 작품으로, 중국의 전통 화법인 산수화의 다양한 표현을 애니메이션에 융합하여 붓끝에서 이루어지는 서정을 그려내었을 뿐 만 아니라 컷 아웃 기법으로 제작한 독특한 작품으로 수묵애니메이션중 대표적인 작품이다. 수묵애니메이션은 중국 애니메이션의 전통화 과정중의 또 다른 발전이다. 일반 애니메이션은 윤곽선을 위주로 채색을 하지만, 수묵 애니메이션은 필선과 선염(渲染)을 이용하여, 먹색의 농염(濃艶)과 허실로 대상을 표현하는 독특한 회화 양식으로 표현한다. 화면의 반 정도가 여백으로 은은한 퉁소 소리와 단소 소리가 흘러 나오고, 대사는 최대한 절제하여 표현한다. 한편의 애니메이션을 보면 동양화 전시회에 갔다 온 것 같은 느낌을 가질 수 있다. 1960년에 제작된 수묵애니메이션 <엄마 찾는 올챙이>가 발표된 이후 10년 동안 중국 애니메이션의 최고로 불리는 <산수정(山水情)>은 국제무대에서의 각종 수상을 통하여 중국 수묵 애니메이션의 세계적 명예를 누렸다. 수묵애니메이션의 시각적 충격, 시각적 감수(甘受)는 복잡한 제작과정과 많은 제작 소요시간에 의해 이루어진 것이다. 한 편의 단편 수묵 애니메이션 작품제작에 소요되는 시간은 일반적인 애니메이션 보다 3배 내지 4배의 제작 시간이 소요된다. 1978년 개혁 개방 이후 외국 애니메이션의 대량 전래로 중국 애니메이션은 간단한 스토리, 복잡한 제작과정 등의 폐단으로 인하여 쇠락의 기미를 보이기 시작하였으며. 수묵애니메이션도 차츰 사람들의 관심에서 벗어나기 시작하였다, 그러나 20세기 말 컴퓨터기술의 혁신적인 발전은 수묵 애니메이션의 재도약의 계기가 되었다 . 중국 애니메이터들은 3D 소프트웨어를 기술을 이용하여 단편 3D 수묵애니메이션 제작을 시도하여 성공적인 결과를 이루었다. 수묵애니메이션에서도 3D 입체공간을 형성 할 수 있게된 것이다. 예술의 심미적 측면에서 볼 때 수묵애니메이션은 계속 발양(发扬)되어야 하지만, 마케팅 측면에서 전통적인 수묵애니메이션의 발전 전망은 긍정적이지 않다. 따라서 새롭게 등장한 3D 수묵 애니메이션과 더불어 중국의 전통 수묵애니메이션을 상업적 측면이 아닌 예술적 측면으로 지속 발전 시켜야 한다.

L. H. Berlioz의 연가곡 : 『Les Nuits d`Ete(여름밤)』Op.7에 관한 분석 연구

홍다영 한서대학교 국제예술디자인대학원 2012 국내석사

이 논문은 19세기 낭만주의 시대에 문학과 음악을 결합시켜 표제음악이란 새로운 장르를 창시한 베를리오즈의 연가곡 『Les Nuits d'Eté(여름밤)』에 관한 분석 연구이다. 이 연가곡은 1840-1841년에 프랑스에서 작곡 되었으며 베를리오즈의 친구 데오필 코티에의 시에 선율을 덧붙여 6개의 가곡으로 만들어졌다. 본 연구자는 이 연가곡을 분석, 연구하기에 앞서 19세기 프랑스는 시대적으로 어떠한 배경을 갖고 있었으며 역사적 흐름을 겪고 있었는지 먼저 파악하고자 한다. 더불어 프랑스 예술가곡의 특징을 살펴본 후 19세기 문학과 어떠한 관계를 갖고 있는지 알아볼 것 이다. 이 시기의 음악적 특징 중 하나인 묘사음악 과 word painting 에 대해서도 간략히 알아보고자 한다. 베를리오즈는 음악적 재능 이외도 문학적인 소질이 다분했다. 그래서 평소에도 문학에 관심이 많았고 절친했던 프랑스 시인 데오필 코티에의 시집 《죽음의 희극》을 읽고 자신의 상황을 대변해 주는 감정을 느꼈던 것으로 보인다. 당시 베를리오즈는 4년에 걸쳐 준비했던 오페라를 초연했지만 실패로 끝나면서 많은 어려움을 겪고 있었고 가정도 심하게 흔들리고 있었던 상황이었다. 그래서『Les Nuits d'Eté(여름밤)』은 이런 베를리오즈의 상태를 대변하는 연가곡이라고 할 수 있겠다. 본 연구자는 이 6개의 가곡을 시와 음악적 표현의 상관관계에 대해서 접근을 하여 음악적 기호가 갖는 시의 의미를 중심적으로 살펴보고 더불어 음악적 표현 기법 이외의 화성에서 주는 시의 의미적 변화를 살펴보기 위해 화성 분석으로도 접근 하였다. This report is an analytic study on 『Les Nuits d'Eté (Summer Night)』, the song cycle by Berlioz who founded the new genre of program music which combines literature and music in the 19th century Romantic era. This song cycle was composed in France in 1840-1841, and consists of six songs created by adding melody to the poetry of Théophile Gautier, a friend of Berlioz. The researcher intends to investigate the historic background of 19th century France and what historic flow was being experienced at the time before the analysis/study of this song cycle. Moreover, the characteristics of French artistic songs will be examined, and then the relationship with 19th century literature will also be investigated. The imitative music and word painting which were some of the musical characteristics of the era will also be briefly covered. Berlioz was much talented in literature besides his musical gift. Thus, he always had much interest in literature, and he read the poetry collection 《La Comédie de la Mort (The Comedy of Death)》 by Théophile Gautier who was a close friend and appears to feel that it spoke for his own situation. At the time, Berlioz was having much trouble as the first performance of his opera which he prepared for four years ended up as a failure, and his family was also going through hard times. Therefore, 『Les Nuits d'Eté (Summer Night)』 can be said to be the song cycle that represents such state of Berlioz. The researcher approached these six songs about the correlation of poetry and musical expression and examined the meaning of the poetry by the musical symbols in priority, and also approached in harmony analysis to find out the change of meaning of poetry in harmony beside the musical expression techniques.

오페라 라보엠과 영화 뮤지컬 렌트의 연기 비교 연구 : 셔레이드 기법을 중심으로

강서연 한서대학교 국제예술디자인대학원 2020 국내석사

본 논문에서는 오페라[라보엠]과 뮤지컬[렌트]의 연기 비교를 목표로 하며 셔레이드 기법을 중심으로 비교, 분석 연구하였다. 오페라와 뮤지컬은 종합예술이라는 공통점을 가지고 있지만 가장 큰 차이점은 음악이다. 클래식중심으로 되어있는 오페라와 달리 뮤지컬은 대중들이 쉽게 접할 수 있는 발라드, 락, 째즈, 팝, 크로스오버 음악 등 여러 가지 음악을 자유롭게 사용하고 변형하여 사용된다. 분석 대상인 오페라[라보엠]과 뮤지컬[렌트]는 두 작품 모두 대중성과 작품성을 인정받은 작품들이다. 오페라[라보엠]의 창작 작품인 뮤지컬[렌트]는 락 음악과 현대에 나타나는 다양한 사회 문제들을 추가하여 새롭게 재탄생했다. 현재 오페라[라보엠]과 뮤지컬[렌트]를 통하여 작품의 공통점과 차이점을 제시한 연구는 많이 있지만 두 매체를 셔레이드 연기 기법으로 비교, 분석한 연구는 지금까지 없었다. 뮤지컬 연기에 관한 연기 방법론 연구는 비교적 많이 연구되었지만 오페라 연기에 관한 관련 논문은 부족한 것이 사실이다. 같은 무대예술로서 음악만 다르게 사용하는데도 불구하고 연기에 대한 중요성은 서로 다른 차이를 지니고 있다. 영상예술에서의 오랜 역사를 가지고 있는 셔레이드 기법은 대사 이외의 간접적 의미표현을 총칭하는 개념이다. 많은 연기 방법론 중 셔레이드 연기를 택한 이유는 셔레이드 기법은 대사로 설명하는 것보다 훨씬 더 강한 인상으로 관객들에게 더 효과적인 방법으로 다가오기 때문이다. 등장인물에서의 셔레이드 연기는 시간적 배경과 등장인물들의 연령과 학력, 직업, 성격 그리고 극 전체 스토리를 판단하는 자료가 되며 또한 관객들에게 배우들의 ‘안면표정’과 동체 그리고 사지의 ‘제스처’와 소도구를 통해서 가장 직접적이고 친근하게 극의 스토리가 전달된다. 그러므로 셔레이드 기법 중 동작표현의 셔레이드, 소도구 표현의 셔레이드, 장소 표현의 셔레이드, 사운드 표현의 셔레이드 네가지로 분류하려고 한다. 연구의 정확성을 위해 실제 무대공연을 녹화한 실황DVD를 참고하였다. 하지만 전체 무대를 녹화가 아닌 부분 촬영 여건상 전체 무대를 관찰하기 힘들었으며 배우들의 안면표정과 동체를 관찰하는 데에도 어려움이 있었다. 본 논문에서는 오페라[라보엠]과 뮤지컬[렌트]에서 셔레이드 연기가 영상예술에서만큼 무대예술에서도 중요한 위치에 있다는 것에 목적을 둔다. 그리고 지속적인 연구를 통해 무대예술에서의 연기훈련에 있어서 관련 지망생과 전공자들에게 도움이 되었으면 한다. This study mainly compared and analyzed charade to compare acting between the opera [La Bohème] and the musical [Rent]. Opera and musical have something in common as they both are a composite art, but the biggest difference is music. Unlike opera, which is based on classical music, musical is free to use and modify various genres of music such as ballad, rock, jazz, pop, and crossover music that are easily accessible to the public. The opera [La Bohème] and the musical [Rent], which are the subjects of this analysis, are both recognized works for their popularity and workability. The musical [Rent], a creative work of the opera [La Bohème], was newly reborn with the addition of rock music and various social problems in modern times. There are many studies that suggest the commonalities and differences of the works through the opera [La Bohème] and the musical [Rent], but there have been no studies comparing and analyzing the two media with the acting technique of charade. Although the acting methodology of musical acting has been studied relatively much, there is a lack of related studies on opera acting. Even though only music is used differently as the same stage art, the importance of acting is different. Charade, which has a long history in visual arts, is a general term for indirect meaning expression other than dialogue. Among many acting methodologies, the reason for choosing charade acting is that charade is so much more impressive than description with dialogue that it is more effective for the audience. The charade acting of characters serves as a resource for judging the temporal background, the age, educational background, career, and personality of the characters, as well as the whole story of a play. And it can tell the story of a play most directly and intimately to the audience through actors' facial expressions and bodies, limb gestures, and props. Therefore, this study aims to classify charade into four types: movement expressions, prop expressions, place expressions, and sound expressions. To ensure accuracy, this study referred to a DVD with the live recording of the actual stage performance. However, it was difficult to observe the entire stage because the stage was partially filmed not recorded entirely, and it was also difficult to observe the actors' facial expressions and bodies. This study aims to show that charade acting in the opera [La Bohème] and the musical [Rent] is as important in theatrical art as in visual art. In addition, it is hoped that continuous research will be helpful to relevant applicants and majors in acting training in theatrical art.

르누아르 작품에 나타난 인상주의적 색채감과 고전주의적 형태감의 관계연구

양승갑 한서대학교 국제예술디자인대학원 2017 국내석사

Pierre-Auguste Renoir is remembered as a leading Impressionist painter. Taking a closer look at Renoir’s world of art, we could know that to overcome the limitations of his impressionistic art, he explored and searched for alternatives thoroughly. This study aimed at representing, after his years of consideration, how his impressionistic style and technique changed, what the characteristics of his time-periodic paintings are, and how he developed his peculiar aesthetic form by surpassing the limitations. Moreover, we particularly focused on the new interpretation : unlike general interpretation, Renoir spent most of his life not escaping, but ‘upgrading’ his Impressionistic painting style. Carrying out this study, through time-periodic analysis of Renoir’s arts, I got to know he took a prudent approach for classical style, putting down his style – the style he pursued before. In the perspective of Renoir’s art worlds, categorizing his arts into time-period could not have much significance. The reason for that could be found in analyzing the relations between the theme and form. Relating Renoir’s life with the change of his painting style, his fundamental theme had not changed over the years and only form showed the subtle differences. To analyze exactly and in detail, I adopted the method to analyze time-periodic way. The results of this study are as follows. Firstly, several trips to Italy inspired Renoir to try to be more true to sense of volume – drawbacks of the Impressionistic systematic technique. Secondly, the use of the vibrant colors, which is his late painting’s characteristic, is his pursuing Impressionistic colors consistently. Thirdly, harmony of the Impressionistic colors and classical contour led Renoir to create art in his personal styles. In conclusion, the purpose of this study lies in exploring Renoir’s own painting art world by newly considering the superficial interpretation that Renoir felt the Impressionism as the danger he had to escape from. 본 연구는 인상파의 대가 P.르누아르의 인상파적 작품이 평가가 많이 되어 인상파 화가로 알려져 있지만 그의 예술세계를 깊이 살펴보면 인상파 회화의 한계를 극복하기위해 탐구와 모색의 시기를 개척하는데, 이후 시기들이 갖는 의미에서 르누아르의 화풍이 어떻게 변화하는지, 또한 시기별 작품의 특징은 어떠한지를 살펴보고 각 시기별 화풍의 특징을 통해 르누아르는 어떻게 인상파의 한계를 극복하여 독자적인 회화세계를 창조하였는지에 대하여 고찰하였다. 또한 본 연구에서 주목하는 바는 일반적인 해석과 달리 초기 르누아르의 인상파 탐구의 시기와 그 이후 지향했던 인상파 극복의 시기를 르누아르가 인상파를 직시하면서도 그 한계를 극복하고자 했다는 점으로 새롭게 해석하였다. 이점을 중심으로 선행연구들을 통하여 이론적 배경으로 르누아르의 생애와 작품의 특징을 살펴보고, 르누아르 작품의 연대기적 분석에 따른 조형적 특징을 조금 더 구체적으로 살펴보며 주제와 형식의 관계를 분석해 나아가는 방향으로 연구가 진행되었다. 본 연구를 진행하면서 르누아르 예술세계의 연대기적 분석을 통해 그가 짧지 않은 탐구와 모색의 시기를 거치면서 그 시기 동안 자신의 추구하던 많은 것들을 내려놓은 상태로 탐구를 해왔다는 것을 알 수 있었는데, 이것으로 오랫동안 신중하게 접근하였다는 사실을 알 수 있었다. 또한 연대기적으로 나누는 것은 실상 르누아르의 예술세계를 바라보는 관점에서 무의미 할 수도 있다는 것을 알 수 있었는데, 주제와 형식의 관계분석에서 그 이유를 찾아볼 수 있었다. 그 이유는 르누아르의 생애와 화풍이 변해가는 흐름을 연관 지어 보면 그의 근본적 주제는 변함이 없었고 형식만이 작은 차이를 보이고 있기 때문이다. 물론 더 정확하고 자세하게 분석하기 위해, 본 연구자는 연대기를 나눠 분석하는 방법을 택했다. 본 논문의 결과는 다음과 같다. 첫째, 르누아르가 이탈리아 방문을 통해 깊은 감명을 받고 양감의 형태에 충실하고자 한 결과로 기존 인상파회화가 지닌 양감의 부재를 극복하려했다. 둘째, 후반기의 그는 색채를 밝고 화려하게 쓰는 것이 특징인데 이것은 인상파의 색채를 구현함으로써 가능할 수 있었다. 셋째, 인상파적인 색채와 고전적인 형태감의 조화로 기존 인상주의 화가들과 차별화된 르누아르만의 독창적인 예술세계를 확인할 수 있었다. 결론적으로 르누아르가 인상주의를 도피해야할 위험으로 느꼈다는 기존의 르누아르 작품의 피상적 해석을 다시금 새롭게 정리함으로써 르누아르만의 인상파적 회화세계를 확인할 수 있었다는 점에서 본 연구의 의미를 찾고자 한다.

자외선에 의한 유화작품의 훼손

조영신 韓瑞大學校 藝術大學院 2002 국내석사

모든 예술작품은 유기질과 무기질이 서로 어우러진 물질로서 시간의 경과와 주변자연환경의 영향으로 노화된다. 작품의 훼손요인은 매우 다양하며, 작품의 제작방법에서 보존관리에 이르기까지의 모든 요소가 작품훼손의 요인으로 부각될 수 있다. 이러한 여러 훼손요인들 중 자외선의 영향은 예술작품의 전시환경이나 작품보존환경에 큰 문제점으로 부각되고 있다. 이에 본 논문에서는 자외선에 의한 유화물감의 변색을 밝히기 위해 자외선에 의한 손상실험을 실시한 결과 짧은 실험기간동안의 자외선노출에 의해서도 실험에 이용한 20개의 색상에서 색 변화가 관찰되었으며, ultramarine blue와 permanent yellow 등에서 큰 변화를 나타내었으나, zinc white와 cobalt violet 등에서는 큰 변화를 보이지 않았다. 이 실험결과로 자외선이 작품변색에 직접적인 원인이 된다는 것이 증명되었고, 또한 적외선 및 X선, 감마선 등도 작품훼손의 요인이 될 수 있다는 것을 암시하였다. 특히, 현대 문화생활에서는 실내공간의 활동이 늘어나고 조명기구도 매우 다양하게 발달되어 빛에 의한 문제점이 미술작품의 주요 훼손원인이 되었다. 유물의 전시는 빛의 조사에 의해 가능하나, 이로 인한 손상은 필연적이다. 이러한 손상의 최소화를 위한 조사량을 정기적으로 측정하고 각 유물의 적산조도를 과학적으로 연구하여 적합한 조명방법에 대한 연구가 절실히 필요하다. 본 논문에서는 빛의 영향 중 자외선의 문제만 언급하였으나 빛이 작품에 미치는 영향 전반적인 연구가 진행되어야 할 것으로 사료된다. Every work of art is made up of organic and inorganic substances which are blended together, however, these paintings age as the time progresses and also by their natural surroundings. Despite all the factors, the main cause of such damages is found to be the UV rays which become the primary problem of paintings' exhibition and preservation. This thesis will show the discoloration of oil colors by UV rays, which is proved by the experiment that even with a short exposure to UV rays cause some discoloration on twenty colors including 'ultramarine blue' and 'permanent yellow' but not big color differences in 'zinc white' and 'cobalt violet'. According to this experiment, it has shown that the direct effect of the UV rays to paintings' discoloration, and also suggests that the infrared rays, X rays, and gamma rays may cause the damages to paintings as well. Especially, modern cultural life expects better indoor activities which are followed by the development of more diverse and advanced lighting apparatus systems thereupon the light becomes the major source of discoloration. The paintings' exhibition is made possible by lights' irradiation, however it is inevitable for paintings to be damaged by lighting systems. Additional research is in need to minimize such damages and also to display appropriate lightings in exhibition such as regular measurements of adequate irradiation and scientific investigation of illumination. This thesis only mentions UV rays among the effects of light, however further research is needed to examine the general effect of light on paintings.