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조윤라,이소현 한국발레연구학회 2014 발레연구논집 Vol.28 No.-
우리나라 발레역사는 8.15 광복 이후의 정지수, 한동인, 이인범, 진수방등 발레계의 1세대를 시작으로 할 수 있지만 6.25 동란 이후 침체기 때에 임성남, 홍정희의 출현으로 새로운 창작발레 활동 시도를 한 결과 비로소 다시 태어났다. 임성남과 홍정희는 전문단체발레단인 국립발레단과 대학발레단의 큰 성장과 발전을 이루었으며, 어려웠던 시대적 상황 속에서도 많은 무용가들의 계 속적인 활동으로 한국발레의 새로운 시도를 이루어왔다. 본 연구는 동시대 활동했던 무용가중 임 성남, 홍정희의 대표작품인 「지귀의 꿈」과 「코리아 환상곡」을 무용의 신체움직임과 공연의 형태 를 객관적인 분석이 가능하도록 제시한 자넷 에드쉐드의 4단계 분석 틀 중 1단계 분석방법으로 작품에 나타난 성향을 연구한 결과 다음과 같은 결론을 얻었다. 첫째, 동작면에 있어서는 임성남과 홍정희는 한국적 춤사위와 발레의 동작 혼합으로 느리고 빠 른, 약하고 강한 다양한 움직임을 사용하였다. 둘째, 무용수에 있어서는 임성남은 남녀 혼합의 구성, 주연과 조연, 군무의 역할이 구분되어 각 역할의 춤이 분리되어있고 홍정희는 여성무용수들로만 구성되어졌으며 한명의 주역 과 군무들은 역할의 차이가 없이 다양한 성격의 춤을 추고 있다. 셋째, 시각적으로는 임성남은 다양한 군무진과 무대 위에서의 소품사용, 각장의 무대장치와 맡 은 역할에 따른 의상으로 다양함이 있었고, 홍정희는 각 장면 분위기에 따라 의상의 변화와 4장의 무대장 치를 사용하였다. 넷째, 청각적으로는 임성남은 오케스트라 라이브음악을 사용하고 무용수들의 악기연주와 춤이 복합적으로 이루어졌으며, 홍정희는 녹음음악인 안익태의 한국 환상곡 중 작품에 맞는 음악의 부분을 사용하여 공연하였다. 다섯째, 복합성에서는 임성남은 발레마임과 한국적 움직임을 발레동작에 접목시켰으며, 대본을 기본으로 클래식 발레 형식에 따른 안무를 하였고, 홍정희는 구체적인 대본이 아닌 작 품의 이미지를 표현하여 각 장의 주제를 한국적 움직임을 발레동작에 접목시킨 군무 춤으로 각장의 주제를 표현 하였다. Korean ballet has developed continuously, withstanding the turbulent times following the regaining of national independence, led by the first generation dancers including Ji-su Jeong, Dong-in Han, In-beom Lee, Su-bang Jin and many other active performers. This study is an analysis of The Dream of Jigwi and Korea Fantasy, ballet performances choreographed by Seong-nam Lim and Jeong-hee Hong respectively, two leading figures in Korean ballet since the 1970s. The analysis used the first of the four-stage methodology proposed by Janet Adshead for objective analysis of dance moves and the composition of performance. The findings are as follows. First, as for dance moves, both choreographers developed moves suitable for the Korean material by incorporating Korean traditional dance forms. They both employed a variety of moves from slow to quick, and soft to strong movements. Second, as for dancers, Lim employed both male and female dancers, with specific roles and choreographies assigned to main and supporting actors as well as group dancers. Hong, on the other hand, employed female dancers only, with one main character, and other group dancers engaging in many different choreographies collectively without specially assigned roles. Third, as for visual elements, Lim highlighted the nature and themes of the performance by means of various stage settings for each scene, the use of props such as drum, sword and Korean traditional sleeve extensions, and different costumes for each role. Hong, on the other hand, emphasized the sensation by using props such as sharkstooth scrim, fog, lengthy cloth, and through the stage setting of the scene four and different costumes commensurate with the theme of each scene. Fourth, as for sound elements, Lim used an orchestra playing live music, with dancers engaging both in playing musical instruments and dancing. Hong, on the other hand, used Symphonic Fantasy Korea, a recorded track composed by Eak-tae Ahn, by extracting relevant parts for the stage. Fifth, as for complexity, Lim, on the basis of a script, used storytelling and ballet mime according to the forms of classic ballet. Hong, on the other hand, embodied the theme of each scene in the form of image expression, instead of using a detailed script.
마신의 <삼각모자>를 통해 나타난 민속무용의 창조적 확장
이지혜 한국발레연구학회 2014 발레연구논집 Vol.28 No.-
민속무용은 인류의 역사와 함께 발전하여 현재까지 이어져오면서, 본능적으로 추었던 춤에서 점차 형식화되고 기능화된 캐릭터 댄스로 발전하였고 디베르티스망이라는 형식으로 발레에서 중 요한 부분을 차지하게 되었다. 본 연구는 마신의 <삼각모자>에서 나타난 민속적 요소들을 분석하여 민속무용이 단순한 춤의 형식이 아닌 발레창작에 영감을 주는 소재로서 발레의 발전과 창작범위 확장에 기여한 부분을 연 구하여, 발레 레퍼토리 개발의 역사적 기초를 제공하는데 연구의 목적을 둔다. 마신은 자신의 대표작 <삼각모자>의 안무에 민속무용을 적극적으로 수용하였으며 스페인 출신 예술가와의 협업을 통해 작품전체에서 스페인의 민속성을 나타내고자 하였다. 첫째, 대본 및 음악 분야에서는 스페인 출신인 시에라와의 대본 작업을 통하여 작품 배경을 스 페인으로 설정함으로서 작품 전체에 스페인적인 요소가 드러나도록 하였고, 음악 역시 스페인 출 신이며 스페인적인 음악을 추구한 작곡가 파야를 통해 스페인 전통음악인 파루카와 판당고를 사용 하면서도 기존의 발레 음악과는 다르게 무용수들이나 메조 소프라노의 육성을 활용하기도 하였다. 둘째, 움직임에 있어 안무가 마신은 스페인 집시 무용수 펠릭스를 통해서 스페인적인 움직임을 구성하고자 스페인 민속무용인 판당고와 파루카를 주역 무용수들의 솔로에 적극 수용하였으며, 작품 전체에서 스페인 민속무용의 특성인 화려하고 강한 느낌의 팔동작과 부츠나 구두를 착용한채 발을 구르거나 손뼉을 치는 동작이 많이 보여진다. 셋째, 의상 및 무대장치를 담당한 스페인 출신의 화가 피카소는 스페인 전통의상의 다양함과 화려함을 수용하는 동시에 스페인 민속무용에 자주 등장하는 도는 동작이나 스커트를 흔드는 동 작에 적합하도록 의상을 디자인하였으며, 무대장치는 단순함을 강조한 디자인으로 스페인의 산악 지대를, 옅은 배경색으로 스페인의 건조하고 온난한 기후를 표현하였다. 이처럼 스페인을 대표하는 예술가들과의 성공적인 협업을 통해 마신의 <삼각모자>는 민속무용 이 발레의 디베르티스망에서 한 단계 더 나아가 발레 창작의 소재로 발돋움할 수 있도록 해주었 으며, 캐릭터 발레를 시도하여 작품화한 것만으로도 역사적 가치를 인정받고 있다. 오랜 시간동안 발레의 생성과 발전에 기여하며 함께 성장해 온 민속무용이 발레의 디베르티스 망으로 형식화되고, 더 나아가 마신의 <삼각모자>를 통해 캐릭터 발레로 발전된 역사는 민속무용 의 창조적 확장이 곧 발레의 발전을 의미하는 것이라 할 수 있으며 현재 다양화되고 있는 창작 발레 양상의 한 맥락으로서 민속무용의 확장을 통한 창작 발레의 발전을 기대할 수 있을 것이다. As folk dance has come of age by developing with the history of mankind, it gradually became formalized and developed into functionalized character dance from the dance that people danced instinctively and became an important part in ballet as divertissement format. Massine actively accepted folk dance in choreography of his own representative work, <Three-Cornered Hat>, and intended to express folk sense of Spain through his work by cooperating with artists from Spain in terms of spacial background, music composition, stage setting, and costume. He tried to express spanish elements in his work by setting Spain as the background by collaborating with a writer from Spain, Sierra. The music was from Spain as well, and unlike existing ballet music, he used spanish traditional music, Faruca and Fandango, through a composer, Falla, who pursued Spanish music, and used dancers or chorus voice of mezzo-soprano. Falla’s music is very dramatic that they are evaluated to be appropriate for dramatic stories and fancy spanish folk dance and to have perfect musicianship enough to be performed solely by orchestra without ballet. A choreographer, Massine, accepted spanish folk dancers, Fandango and Faruca, as the leading solo dancers wholeheartedly to compose spanish movement through a spanish gypsy dancer, Felix, and included many movements of fancy and angular arm movements, stomping with boots or heels on, and clapping hands in the whole production. A spanish artist, Picasso, who was in charge of costume and stage setting, highlighted simplicity of excluding details with his unique three dimensional and unique tendency, and adopted soft colours to compose unified atmosphere. The costume accepted diversity and splendor of spanish traditional costume, and at the same time, they were designed to fit spinning motion or movement of swinging skirts that often appear in Spanish folk dance, and the stage setting expressed mountainous area in Spain with simple design and dry warm climate with light background color. As said, <Three-Cornered Hat> portrayed the atmosphere of a town in Spain as music, costume, and stage setting formed perfect harmony based on the script, and the reason why <Three-Cornered Hat> became a huge success was because representative artists from Spain collaborated through the whole production. Through the production, <Three-Cornered Hat> by Massine contributed for folk dance to grow into a material for creative ballet from divertissement of ballet, and is receiving historical value by just making it into a work of art by attempting the character ballet. The folk dance, which has been contributing to the production and development of ballet for a long time, can be referred to as a significant keyword of the dance history as a representative culture that can express characteristics of each race in the global era of the world becoming one through communication. How folk dance that originated from regional culture became divertissement of ballet and developed into the character ballet through <Three-Cornered Hat> by Massine indicates that the creative expansion of folk dance signifies the development of ballet, and the development of creative ballet through the expansion of folk dance can be expected as a context of creative ballet aspect that is becoming more diversified now.
김은수 한국발레연구학회 2013 발레연구논집 Vol.27 No.-
<봄의 제전>은 혁명적인 현대파의 거성 스트라빈스키의 혁신적인 작품으로 ‘선사시대의 전원 곡’으로 불리는 원시주의 음악의 결정체이다. 스트라빈스키는 이 곡에서 리듬, 박자, 선율, 관현 악법 등 매우 새롭고 현대적인 작곡법을 사용함으로써 서양음악의 모더니즘 시대를 열었다. 음악 과 무용 두 분야에서 매우 중요한 가치를 지니고 있는 <봄의 제전>은 20세기 안무와 음악에 중 요한 밑거름이 되었고, 이 음악이 갖는 독특성과 새로운 아이디어는 많은 안무가들의 창작 의욕 을 자극시켜왔다. <봄의 제전>이 갖는 새로운 작곡 체계에 근거하여 오늘날 까지도 다양한 음악 적 해석에 기초한 작품들이 꾸준히 시도되는 만큼 이 음악에 대해 자세한 연구가 필요하기 때문 에, 이 연구에서는 발레 <봄의 제전>의 음악을 심도 있게 분석하는 것을 그 목적으로 하여, 작곡 가의 작곡 의도와 작품에 나타난 20세기 새로운 리듬 개념을 함께 살펴보았다. 많은 음악학자들이 <봄의 제전>을 리듬 면에서 매우 독특하고 혁신적이라는 찬사를 하고 있 지만, 연구 결과 이 작품은 리듬 이외에도 러시아 민속 선율의 변형 및 활용, 혁신적인 악기 음 색의 배합, 예상을 뒤엎는 다이내믹 등 모든 면에서 현대적이며 실험적인 작품으로 평가할 수 있었다. 다양한 형태의 폴리리듬, 불규칙한 악센트, 화음과 선율의 단편들을 비대칭적인 구조 하에서 반복하는 등 리듬의 실험적인 연구로 인하여 이 곡은 놀라운 역동성과 추진력을 갖게 되었고, 바 로크 시대 이후 서양음악을 지배해 왔던 강약의 규칙을 완전히 탈피한 획기적인 작품이 되었다. <봄의 제전>에 나타난 템포와 박자는 작품의 내용과 장면 묘사를 위하여 다양하게 활용되었다. 급격한 템 포의 변화와 한마디 단위로 바뀌는 박자변화를 볼 수 있었고, 지금까지 흔히 볼 수 없었던 5박, 7박, 11박 등 다양한 종류의 홀수박자를 사용하였다. 선율은 가사의 강세와 리듬이 음악의 박자에 맞지 않는 러시아 민속음악을 토대로 하였다. 작 품의 주제는 민속선율의 원형을 알아볼 수 없을 정도로 변형하였다. 2~5개의 음으로 선율을 구성 하였고 기존에 존재하지 않는 음계들을 창조하여 독특한 분위기로 변환시켰다. 화성 및 조성 역시 전통적 규칙에서 벗어나 복화음을 계속 반복하여 화음 덩어리로 표현하였 으며, 곡의 처음 부분에 제시한 조표에 치중하지 않고 복조성, 다조성 등 조성을 겹쳐놓음으로써 더욱 원시적으로 보이게 하였다. 다이내믹에 있어서도 ppp 에서 fff 까지 변화의 폭이 크고 sf, sff, sfff (그 음만 특히 세게) 등의 강세 표시도 나타났다. 효과적인 장면 묘사를 위하여 한 마디 동안 p 부터 ff 까지 다이내믹이 변 화하기도 하고, 쉼표 다음에 갑자기 ff 가 등장하기도 한다. senza sordino, con sordino 등 약 음기 사용이 빈번하고, 매우 커다란 음향을 얻고자 현악기의 detache(한음에 활을 한번 씩만 긋 기), 금관악기의 pavillon en l'air(공중을 향해 연주) 기법을 사용하였다. 스트라빈스키는 다채로운 관현악법으로 곡의 내용을 묘사하고자 했다. 대규모로 편성된 이 작 품에서 그는 신비한 분위기를 묘사하거나 민속 선율을 노래할 때에는 목관악기와 현악기를, 불규 칙한 리듬으로 원시성을 표현할 때에는 타악기와 금관악기를 많이 사용하였다. 타악기와 낮은 현 악기를 동시에 사용함으로써 풍부한 울림을 주거나, 솔로음색을 활용하여 신비감을 주기도 하였 다. 연주방법에 있어서도 고도의 기술을 요하는 음역, 특이한 연주법, 트릴, 트레몰로, 장식음 과 다양한 악상기호를 통하여 작품의 내용을 충분히 표현하고자 하였다. 발레음악 <봄의 제전>은 새로운 미의 척도를 다양하게 추구했던 시기에 스트라빈스키의 실험 을 통해 만들어진 ‘변화와 혁신의 결정체’이다. <봄의 제전>은 20세기 전체를 아우르는 독특한 리듬 어법을 탄생시킴으로써 이후 새로움을 추구하는 많은 작곡가들에게 도전과 확신을 안겨준 획기적인 작품이다. "The Rite of Spring" by I. Stravinsky premiered on the 29th of May in 1913 by S. Diaghilev's Ballets Russes at Théȃtre des Champs-Élysées, Paris, with choreographer V. Nijinsky and conductor P. Monteux. This work has got a great importance as 'avant-garde' style both in music and choreography. Especially the music is appraised highly by primitivism and nationalism. This music has stimulated a lot of choreographers since that time. Nowadays there are many dance versions with the same music. Therefore it is necessary to comprehend and analyze this music. And the purpose of this study is to analyze "The Rite of Spring" by I. Stravinsky. As a result of the research, this music showed characteristics of modern music : rhythm, tempo, meter, melody, dynamic, orchestration. Stravinsky showed wide range of rhythmic variety from the typical barlines and regular accents to polyrhythm such as triplets, quintuplets, six triplets and glissando. He tried to express special scene using drastic tempo and unusual odd time signature such as 5, 7, 11 beats. Sometimes he changed meter every bars. Melody is based on the Russian folk song which has irregular accents. He broke up this melody and recomposed it beyond comprehension. He expressed the unique ambience with these melodies using 2 notes, tetrachords or his own scales. His harmony and tonality are deviated from typical rules. He amalgamated tonality using different harmonies and keys simultaneously. It could derive the primitive ambience. This music has a large range of dynamics. Dynamic changes from p to ff in one measure, abruptly ff comes right after rest. And also the composer wrote various playing indications for effective dynamic description such as 'senza sordino', 'con sordino', 'detache', 'pavillon en l'air', etc.. I. Stravinsky composed this music with very large scaled orchestra. He used woodwinds and strings for the mysterious melodies and atmosphere, used percussion and brass for the primeval rhythms and dynamics. By using strings and percussion of lower register, he derived plentiful sonority and also by using the several solo melodies by string he derived mysterious atmosphere. He demanded advanced instrumental techniques with unique playing methods; trill, tremolo, ornamentation, etc.. I. Stravinsky's new composition achieved confirming to modern music. Its novelty consisted not only in the rhythm but even more in the hitherto unheard orchestral effects and chordal combinations, and in the ruthless logic and elemental power with which all these were combined. His music exemplify nearly every significant musical tendency of the first half of the 20th century, his career might almost by itself serve as an epitome of that changeful epoch.
김은수 한국발레연구학회 2014 발레연구논집 Vol.28 No.-
<삼각모자>는 파야가 작곡한 스페인 민족주의 음악의 걸작이다. 이 곡은 발레음악이 스페인의 대표적인 민족음악으로 평가받고 있다는 점에서 중요한 의미를 담고 있다. 그러므로 본 연구에서 는 민속성과 예술성을 겸비한 이 작품의 가치를 증명하는 데 연구의 목적을 두었고, 분석 결과 다음 네 가지 범주로 그 특징을 정리할 수 있었다. 첫째, 발레음악에 민속어법을 효과적으로 도입하였다. 스페인 노래의 감탄사, 메조 소프라노의 목소리, 민속무곡 리듬, 다양한 기타주법, 아라비아 음계, 중세선법 등을 사용하였다. 둘째, 순환구조, 다박자, 다조성 등 근대적 작곡 기법을 도입하였다. 특정한 상황이나 인물을 지정하기 위하여 호타, 지방관, 세기디야 같은 몇 개의 주제들을 사용하였다. 셋째, 동시대 음악사조의 영향을 받았다. 인상주의 작품에서 나타나는 자세한 연주법, 피아노 의 타악기적 사용, 그리고 <봄의 제전>에서처럼 대담한 관현악법을 사용하였다. 넷째, 18세기의 작곡기법도 고수하였다. 단순한 닥틸 리듬, 정박 진행, 협화음의 목가적 음향 을 사용하는 등 전통과 혁신이 잘 조화되어 나타났다. 일반적으로 <삼각모자>는 스페인 민속무곡에 프랑스 현대작곡기법이 가미된 작품으로 알려져 있 었지만, 연구 결과 18세기의 고전적 스타일, 19세기의 순환구조, 드뷔시의 인상주의, 스트라빈스키 의 원시주의 등 다양한 사조가 혼합되어 있었다. 다시 말해 <삼각모자>는 해체와 재구성을 통한 독창적인 작품이다. 민속무곡의 창조적 확장이라는 관점에서 보았을 때 <삼각모자>는 예술적 주류 에서 제외된 지역의 작곡가들에게 커다란 가능성을 제시한 중요한 발레음악으로 평가할 수 있다. “The Three-Cornered Hat” is a masterpiece of spanish national music composed by M. de Falla. It is very significant that ballet music has become most popular, symbolic, and important in the musical field in a country. Therefore, the purpose of this study is to research the valued details of “The Three-Cornered Hat” which comprises of traditional and artistic factors. As a result of this research, the outputs can be summarized in four main categories. First, Falla used various elements of folk music effectively, such as spanish exclamations, mezzo soprano voice, characteristic dance rhythms, various guitar techniques, Arabic scale and medieval modes. Second, it shows cyclic forms, multi meter and multi tonality. To specify a particular situation or character there are several themes, such as Hota, Corregidor, Seguidilla, etc.. Third, it contains the contemporary musical trends. For example, detailed expressions in impressionism using the piano as percussion, and drastic orchestration like Stravinsky's primitivism. Lastly, it contains musical figures of the 18th century, such as simple dactyl rhythm, down beat accent, harmonic progress, etc.. “The Three-Cornered Hat” contains various compositional trends: a classical style in the 18th century, the cyclic form in the 19th century, impressionism and primitivism, despite being known as a as a combination of Spanish traditional music and French contemporary techniques. It is a unique music which was born in a process of dissolution and reconstruction. “The Three-Cornered Hat” can be evaluated as an important ballet music which was an inspiration to composers who were outside the mainstream and evoked great potentials.
감성 발달을 위한 문화예술교육으로서 발레교육의 가능성 탐색
홍애령 한국발레연구학회 2013 발레연구논집 Vol.27 No.-
현대사회는 물질만능주의와 개인주의가 팽배하여 인간의 도덕적 품성과 감수성이 간과되고 이 로 인한 사회적 문제가 야기되고 있다. 이를 예방하기 위한 방편으로 강조되고 있는 전인교육은 주지교과 중심으로 시행되어 이성적인 지식과 경험은 크게 발달시켰으나, 전인을 양성하는 또 다 른 축인 감성의 발달은 간과되어 왔다. 최근 감성교육을 통한 감성적 지식과 경험의 발달은 창의 적인 인재 양성을 위한 중요한 요소가 될 뿐만 아니라 조화로운 전인교육 측면에서도 강조되고 있다. 그동안 인간의 이성과 감성의 조화로운 발달이 가능한 예술교육의 중요성이 논의되어 왔으 며, 그중에서도 감성교육으로서 활용 가능성이 큰 분야로 발레교육을 들 수 있다. 발레는 음악, 문학, 미술, 조명, 의상이 조화를 이룬 종합무대예술로, 발레교육을 통해 학생들은 신체적 측면뿐 만 아니라, 정의적 측면, 특히 예술적 감수성 및 표현성의 발달을 이룰 수 있다. 그러므로 본 연 구는 전인교육을 위한 감성 발달의 도구로서 문화예술교육의 가치를 정의하고, 대표적인 문화예 술교육 중 하나인 발레교육의 감성교육으로서의 가치와 발레교육에서의 바람직한 감성교육적 접 근방법을 제시하고 적용 가능한 프로그램을 제안하였다. Mammonism and invidualism; these are evils common to all the classes in this society. Humanity and morality have been ignored it caused many social problems. In this situation, whole-person education as an educational way of prevention takes effort core subject-centered. It develops not an emotional aspect but a reasoning knowledge and experience. Recently, growth of emotional knowledge and experience are essential factor for development of creative human resource and harmonious education. Historically some may regard art education create harmonic development. Specially, ballet education is useful as an emotional education in many aspects. Ballet is a performing art corporate music, literature, fine art, light, and costume. Through the ballet education student can achieve development of physical health, artistic emotion, and expression skill. In this research identify the value of ballet education as one of the culture and art education and emotional education. Lastly, research suggest available ballet education program for emotional education.
Stravinsky의 ‘봄의 제전’ 음악을 사용한 안무작품 분석
장지원 한국발레연구학회 2013 발레연구논집 Vol.27 No.-
“명작의 가치는 영원하다”는 말이 있듯이 세계적인 음악가 스트라빈스키(Igor F. Stravinsky) 의 음악과 니진스키(Vaslav Nijinsky)의 만남이 이뤄낸 명작발레 <봄의 제전>은 당시 큰 반향을 일으키며 성공적인 무대로 기억되지는 않았지만 이후 오늘날까지 수많은 인물들에게 음악적, 안 무적 영향을 미치며 계속적인 시도를 이끌어내고 있다. 따라서 과거 작품에 대한 기록을 바탕으로 각자의 안무색을 지니며 다각도의 버전을 지닌 <봄 의 제전>은 국내외 안무가들에 의해 제작되었고 세계적으로 널리 이름을 알린 작품들로는 모리스 베자르(Maurice Bejart)와 피나 바우쉬(Pina Bausch), 앙줄랭 프렐조카주(Angelin Preljocaj), 마리 쉬나르(Marie Chouinard), 쉔 웨이(Shen Wei), 자비에르 르 로이(Xavier Le Roy), 이마 누엘 갓(Emanuel Gat), 카 퓌블릭(Cas Public) 등의 인물들이 완성해낸 것들과 국내로는 국수 호, 안은미, 안성수의 작품을 들 수 있다. 이들의 작품에 대한 내용 설명들은 많지만 그 평가의 측면은 호불호(好不好)가 달라질 수 있기 때문에 그 측면을 살펴보는 일이 필요하게 된다. 따라 서 본 연구에서는 각 안무가에 대한 여러 평론가들의 리뷰를 바탕으로 예술적 특징을 고찰해보는 데 연구의 목적이 있으며 이는 앞으로도 봄의 제전 음악을 사용해 안무하고자 하는 여러 안무가 들을 위한 하나의 비전을 제시할 것이다. 사실상 <봄의 제전>이라는 음악을 접목시키는 것 자체가 어떠한 안무가에게도 음악적 난해함과 유명세로 인해 큰 부담감을 주겠지만 비평적 관점에서 새로운 버전에서는 어떠한 새로운 움직 임과 이미지를 만들어 내느냐가 관건이다. 더불어 혁신적인 움직임과 내용을 완성한다 할지라도 관객들은 스트라빈스키 음악에 대한 이해도와 친숙함이 이미 높기 때문에 음악을 뛰어넘는 움직 임과 작품이 나와야 만이 보는 사람들의 눈을 충족시킬 수 있을 것이라 생각된다. 뿐만 아니라 유명한 대가들의 음악을 작품에 사용할 때에는 과거 동일 음악을 이용한 여러 작품들에 대한 적 당한 이해가 필요하지만 안무자 자신만의 주관이 확실히 표현되어야만 한다. 그러한 면에서 모리스 베자르의 <봄의 제전>이 남성주의적 시각을 지니는 동시에 쉔 웨이와 같이 신고전주의적 특징을 보인다면 피나 바우쉬의 작품은 여성주의적 시각을 담는 동시에 앙줄 랭 프렐주카주와 같이 여성적 희생이 부각되기도 했다. 또한 마리 쉬나르처럼 포스트휴먼의 내음 을 풍기는가하면 카 퓌블릭이나 국수호의 작품에서는 원시성이 부각되며, 자비에르 르 로이처럼 컨셉츄얼하거나 이마누엘 갓의 살사춤의 차용이나 국수호의 전통춤사위의 사용 등 움직임의 기법 을 달리하기도 한다. 안성수의 경우는 음악적 구성을 타로 카드로 푸는 독특함을 보이기도 했다. 그렇지만 무엇보다도 위에서 언급했던 국내외 작품들의 공통점은 다양한 버전들에 있어서 안무가 들이 뛰어난 음악적 감각과 곡 해석력을 바탕으로 음악적 변형을 가했거나 혹은 움직임의 측면과 주제적 측면에서의 독창성에 있다. 결국 전 세계에 걸쳐 60여편에 달하는 버전이 나왔을 정도로 <봄의 제전>은 지금도 여전히 수 많은 안무가들의 창작적 원천이 되고 있다. 국내외 안무가들의 이러한 도전 속에서 지난 세기의 위대한 유산을 반추해보며 우리는 도래할 또 다른 도전과 모험을 준비해야 할 것이다. The purpose of this study was to make a many-angled and in-depth analysis of the artistic activity of 11 choreographers by using Stravinsky's music <The Rite of Spring>. Based on the record of past work is not keeping up with their own version of the colorless, with multiple viewing angles to a <The Rite of Spring> is produced by domestic and foreign choreographers were widely reported by the name Maurice Bejart and Pina Bausch, Angelin Preljocaj or Marie Chouinard, Shen Wei, Xavier Le Roy, Emanuel Gat, Cas Public. And domestic choreographers were Kook soo ho, An Eun Mi, An sung soo. For the purpose of supporting their work description are many sides of likes and dislikes that assessment this study, because it can vary with each choreographer on many critic's reviews based on viewed. In conclusion, Bejart's <The Rite of Spring> have Male libertarian perspective carrying at the same time Shen Wei looks neoclassical characteristics. such as Pina Bausch's work put at the hem line perspective on feminism also Angelin Preljocaj emerged as sexual sacrifice. In addition, smelt like post human Marie Chouinard charming when it's in the primitive favor work of Cas Public or Kook soo ho. Xavier Le Roy, like concept limited, or Emanuel Gat's tenancy of Salsa dancing and Kook soo ho use of motion-in-law's classical dance technique, otherwise. In the case of a musical composition to An sung soo using Tarot cards is unique. But more than anything else I've mentioned above, domestic and foreign works of art have in common is that, in a variety of versions of the song, with a sense of this outstanding musical interpretations of the horsepower choreographers, based on the musical aspects of the movement have been the subject or a variation in terms of originality.
장지원 한국발레연구학회 2014 발레연구논집 Vol.28 No.-
무용사에 있어서 기존의 관습과 형식을 벗어나 새로운 세계를 꿈꾸는 개혁의 인물들은 늘 존 재해왔다. 미셀 포킨과 이사도라 던컨이 시기를 맞물리며 발레와 현대무용 장르에서 이러한 일탈 을 대표하는 두 인물이다. 이들의 관계에서 던컨이 포킨의 급진적 사상에 중요한 분수령이 되었 다는 사실에 대해서는 많은 문헌들에서 다뤄지고 있으며 연구의 결과로 추출된 구체적 공통분모 는 다음과 같다. 첫 번째, 자연스럽고 자유로운 정신세계와 이를 반영한 움직임을 가지고 자유무 용을 표방했다. 두 번째, 그리스라는 이국적 세계에 대한 동경을 가지고 이를 작품에 반영했다. 세 번째, 형식적이기보다는 극적인 표현력을 강조하는 측면을 지녔다. 네 번째, 기존 무용에서 사 용되던 음악과는 다른 다양성을 추구하며 음악에 종속되지 않았다. This study aimed to compare any correlation and explore the artistic world of Michel Fokin and Isadora Duncan. Dance World, dreaming of a new world beyond the existing customs and having the type of reform figures have always existed. Michel Fokin and Isadora Duncan, during this period is a ballet and modern dance in the genre, there are two figures representing these deviations. The radical ideas of their relationship from Duncan was an important role Fokin about the fact that many documents are handled in a study specifically extracted as a result of the common denominator is as follows. The first, they advocated a reflection of the spiritual world and the natural and free movement in the free dance. Second, They have adoration in Greece, where has the exotic world was reflected in this work. Third, it highlights the dramatic expressiveness, rather than the formal side to be chosen. Fourth, they were not subordinated and to the pursuit of music, which was used in the original dance with other varieties. The two figures mentioned above have in common is that it may be a product of the contemporary era, leading excellent artistic world and extraordinary talent of music. Isadora Duncan and Michel fokin, who will not be able to deny the genius of nature. Therefore, although the genre has been a pioneer in his field but otherwise outstanding achievements in research on the two figures who played a major role in the future, will be continued in terms of investigation and educational dance.