중국 아동 그림책에 나타난 요괴 이미지와 문화에 관한 연구 : - 『서유기』를 중심으로 -

궈윤루 청주대학교 예술대학원 2025 국내박사

Children’s picture books, a book form that emerged in mid‑17th‑century Europe, have garnered widespread international acclaim for their innovative visual elements and sophisticated narrative structures.As picture books have disseminated and developed within China, they have progressively become an important medium for children to engage with indigenous cultural heritage. Chinese monster (yāoguài) culture, with its deep roots and unique ethnocultural attributes, constitutes a significant component of traditional Chinese culture. However, amid the tide of globalization, Western mythological systems—such as Greek and Norse mythologies—as well as foreign supernatural traditions, including Japan’s yūrei and Korea’s shamanistic lore, have continuously entered China, forming both fusion and competitive dynamics with native culture. Western icons—such as unicorns, vampires, fairies, wizards, and magical princesses—frequently appear in children’s picture books, subtly influencing Chinese children’s cultural perceptions. In contrast, Chinese traditional monster–themed picture books—from the fantastic beasts of the Classic of Mountains and Seas to the demons of Journey to the West—embody rich cultural narratives and philosophical depth. Within today’s Chinese children’s picture-book market, there remains ample scope for creative exploration of traditional monster themes. This dissertation addresses the following four principal aspects. Firstly, it delves into the intrinsic relationship between Chinese monster culture and children’s picture books. Based on the origins and historical evolution of traditional monster culture, this study analyzes how such culture is concretely represented in picture books for young readers. Chinese monster imagery spans from ancient mythological creatures to classical literary demons, each carrying profound moral didacticism and cautionary functions. Over time, these monsters have retained their narrative potency while acquiring more vivid, child-appropriate traits. By examining artistic means—such as color usage, form design, facial expression, and narrative structure—this research investigates strategies for “childifying” monster imagery and discusses its pedagogical value in cultivating courage, wisdom, and ethical sensibilities among children. Secondly, it presents a systematic review of monster imagery in the original Journey to the West. This chapter organizes a taxonomy of the novel’s various monsters and traces their cultural origins. Through an in-depth analysis of their character attributes, visual representations, and symbolic meanings, it illuminates the key role these images play in plot progression and moral instruction. Furthermore, by deeply dissecting the narrative functions of these monsters, the study offers rich inspiration for modern picture-book creation, exploring methods to maintain tradition while achieving innovation. Recommendations are proposed for reconfiguring monster imagery to align with children’s cognitive levels and emotional experiences, thereby facilitating the effective transmission of traditional culture. Thirdly, it focuses on the multidimensional utilization of Journey to the West monster imagery in children’s picture books. This section examines the developmental trajectory from traditional serialized editions of Journey to the West to contemporary picture-book adaptations within China, analyzing artistic treatments of monster imagery—form design, color schemes, and compositional layout. It also investigates the influence of Western art styles and the aesthetic characteristics of Europe, America, Japan, and Korea, discussing strategies for cultural localization and adaptation. Through comparative studies of domestic and international picture-book works, this research evaluates international reception and the effectiveness of cultural export, highlighting differences in artistic style, technique application, and narrative approach. Lastly, it explores the innovative reconstruction of traditional cultural elements in modern children’s picture-book creation. Emphasizing design innovation in monster imagery, this chapter examines how traditional Chinese art forms—such as ink wash painting, Peking opera, embroidery, and blue-and-white porcelain—can be integrated with contemporary visual innovations to satisfy children’s aesthetic preferences while stimulating imagination and creativity. Strategies are proposed for balancing cultural inheritance with artistic innovation and for designing monster figures suited to the global children’s readership. By systematically investigating how Journey to the West monster imagery is applied and reimagined in children’s picture books, this research elucidates the cultural-transmission value and educational functions of traditional Chinese monster culture. Comparative analysis of Chinese and foreign picture-book works reveals design differences across cultural contexts and their impact on children’s psychological development. In pursuing both the essence of Chinese tradition and breakthroughs in modern picture-book artistry, this dissertation offers methods for organically combining indigenous cultural elements with international expressive techniques—thereby effectively propagating Chinese heritage and fostering cultural awareness and pride among young readers. 그림책은 17세기 중엽 유럽에서 기원한 서적 형식으로, 독창적인 시각 적 요소와 서사 구조를 바탕으로 전 세계적으로 폭넓은 인정을 받아왔다. 중국에서 그림책이 보급되고 발전함에 따라, 그림책은 점차 아동들이 본토 전통문화를 이해하는 중요한 매개체로 자리 잡게 되었다. 중국의 요괴 문화는 깊은 뿌리를 가지고 있으며, 독특한 민족적 특성과 글로벌 문화적 영향을 지닌 중국 전통문화의 중요한 구성 요소이다. 그러나 글로벌화의 물결 속에서 그리스 신화, 북유럽 신화와 같은 서양 신화 체계와 일본의 귀신 문화, 한국의 샤머니즘 등 외래문화가 중국에 지속적으로 유입되며 본토 문화와의 융합 및 경쟁 관계를 형성하고 있다. 서양의 유니콘, 뱀파이어, 요정, 마법사, 마법 공주 등은 아동 그림책에 자주 등장하여, 중국 아동들의 문화 인식에 무의식적으로 영향을 미친다. 반면, 중국 전통의 요괴 주제 그림책은 『산해경』에 나오는 기이한 짐승이나 『서유기』의 요괴들처럼, 풍부한 문화적 내러티브와 역사적 철학을 내포하고 있다. 현재 중국 아동 그림책 시장에서 전통 요괴 주제를 다룬 창작 분야에는 여전히 큰 탐구 여지가 존재한다. 본 연구는 다음 네 가지 주요 내용을 다뤘다. 중국 요괴 문화와 아동 그림책의 내재적 관계를 심층적으로 탐구했다. 중국 전통 요괴 문화의 기원과 역사적 변천을 바탕으로, 그 문화가 아동 그림책에서 어떻게 구체적으로 표현되는지 분석했다. 중국의 요괴 문화는 고대 신화에서 고전 문학 작품까지 다양한 형태의 요괴들을 포함하고 있으며, 이들 이미지는 깊은 도덕적 교훈과 교육적인 기능을 지니고 있다. 시간이 흐르면서 이들 요괴는 문화적 내러티브를 유지하면서 더욱 생동감 있는 특징을 띠게 되었다. 본 연구는 색상 사용, 형태 디자인, 표정 묘사 및 이야기 구성 등 예술적 수단을 통해 요괴 이미지의 어린이화 처리 방안을 분석하고, 이들 이미지가 아동의 용기, 지혜 및 도덕관념 형성에 미치는 교육적 가치를 논의했다. 『서유기』 원작 속 요괴 이미지에 대해 체계적으로 고찰했다. 이 요괴들의 분류 체계와 문화적 기원을 정리하고, 『서유기』 요괴 이미지의 다양성과 독특성을 밝혀냈다. 요괴의 성격 특성, 시각적 표현, 문화적 상징 의미를 심층적으로 분석하여, 이야기 전개와 도덕적 교훈 기능을 실현하는데 있어 이들 이미지가 차지하는 중요한 역할을 드러냈다. 또한 『서 유기』 원작 속 요괴 역할에 대한 깊은 분석을 통해 현대 아동 그림책 창작에 대한 풍부한 영감을 제공하며, 전통을 유지하면서 혁신을 이루는 방법을 탐구했다. 이를 통해 아동들의 인지 수준과 감정적 경험에 적합하게 요괴 이미지를 재구성하고, 전통문화의 효과적인 전달 방법을 제시했다. 『서유기』의 요괴 이미지가 아동 그림책에서 어떻게 다차원적으로 활용되는지에 대해 집중적으로 연구했다. 중국 내 『서유기』 아동 그림책 의 전통적인 연속화에서 현대 그림책으로의 발전 경로를 살펴보고, 요괴 이미지에 대한 형태 디자인, 색상 활용 및 구성 배치 등의 예술적 처리를 분석했다. 또한, 서양 미술 스타일이 이들 이미지에 미친 영향, 유럽, 미국, 일본, 한국 등의 미학적 특성을 연구하여, 문화적 차이를 반영한 요괴 이미지의 조정 전략 및 현지화 과정을 심도 깊게 논의했다. 이를 통해 국제 시장에서의 수용도와 문화적 효과를 평가하고, 중외 『서유기』 아동 그림책의 비교 연구를 통해, 예술적 스타일, 기법 적용, 서사 방식의 차이를 논의했다. 마지막으로, 현대 아동 그림책 창작에서 중국 전통문화 요소의 혁신적 재구성에 대해 탐구했다. 특히 요괴 이미지의 디자인 혁신을 중점적으로 연구하며, 전통적인 중국 미술 요소(수묵화, 경극, 자수, 청화백자 등)와 현대적 시각적 혁신을 어떻게 결합하여 아동의 미적 취향을 충족시키고, 상상력과 창의력을 자극할 수 있는지를 분석했다. 전통문화 전승과 현대 예술 혁신 사이의 균형을 찾는 방법을 제시하고, 글로벌화 아동 독서 요구에 적합한 중국 요괴 이미지를 설계하는 방안을 모색했다. 본 연구는 『서유기』 요괴 이미지가 아동 그림책에서 어떻게 적용되고 혁신되었는지를 체계적으로 연구하여, 중국 전통 요괴 문화가 아동 그림책 창작에서 가지는 문화 전승 가치와 교육적 기능을 밝혀냈다. 중외 그림책 작품 비교 분석을 통해, 다양한 문화적 배경에서의 요괴 이미지 디자인 차이를 살펴보고, 아동 심리 발달에 미치는 영향을 논의했다. 연구는 중국 전통문화의 정수를 전하는 동시에, 현대 아동 그림책 창작에서 미적 혁신과 예술적 돌파구를 추구하며, 중국 문화 요소와 국제적 표현 기법을 유기적으로 결합함으로써, 중국 전통문화를 효과적으로 전파하고 아동들의 민족 문화에 대한 인식과 자부심을 배양할 수 있는 방법을 제시 했다.

알렉산더 맥퀸 컬렉션에 나타난 그로테스크 특성을 활용한 패션디자인연구

김지훈 청주대학교 예술대학원 2024 국내석사

본 논문은 알렉산더 맥퀸 컬렉션에 나타난 그로테스크 특성을 분석하고 이를 활용한 패션디자인을 개발하여 창의적인 패션디자인을 제시하는 데 있다. 알렉산더 맥퀸 컬렉션에 나타난 특성을 고찰하기 위해 알렉산더 맥퀸의 생애와 성장배경을 살펴보고, 작품세계에 대하여 고찰하였다. 그로테스크의 발생개념과 배경을 선행연구를 통해 살펴보았으며, 패션에서 나타난 그로테스크에 대한 분석을 4가지 특성으로 고찰하였다. 기괴한 공포, 비정상적 유희, 신체훼손과 왜곡, 극단적 혐오로 특성을 분류하였다. 알렉산더 맥퀸 컬렉션에 나타난 기괴한 공포의 외적 특성은 악마, 죽음 등 공포심을 유발하는 오브제와 디테일의 사용, 공포적인 분위기 연출, 현실에 존재하지 않는 미지의 세계와 생물에 대한 공포로 볼 수 있었다. 내적 의미는 인간의 본능에 각인된 공포, 내면의 공격적이고 파괴적인 본능, 비인간적인 현대사회에 대한 고발로 도출되었다. 비정상적 유희에서 도출된 특성은 현실에서 벗어난 듯한 상상적인 신체 표현, 어린아이의 장난처럼 어울리지 않는 우스꽝스러운 오브제 사용, 기존에 인식되던 조화로운 비율의 파괴, 상상속에 있을 법한 미지의 생물 표현으로 살펴보았으며, 내적 의미로는 현실도피, 웃음으로 현대사회를 비판과 풍자, 인간의 한계를 넘고자 하는 내적 욕망의 표현으로 살펴보았다. 다음으로 신체 훼손과 왜곡의 외적 특성은 뼈와 근육 등 보이지 않는 신체 부위 노출, 신체를 훼손한 듯한 오브제의 사용이였다. 그 안에 담긴 내적 의미는 고정관념의 파괴, 인간존재의 가치 상실, 인간의 정체성 야기, 전통적인 미를 파괴하고 새로움을 추구하는 것이였다. 마지막 극단적 혐오에서 보이는 외적 특성은 혐오감을 주는 오브제, 디테일의 사용, 노골적인 성적 표현, 신체의 직접적인 표현, 신체에 가해진 폭력으로 볼 수 있었다. 내적 의미로서는 사회에 대한 불만의 표출, 불안과 분노 및 고통의 표현을 통한 해방감 전달로 살펴보았다. 본 연구의 목적은 알렉산더 맥퀸 컬렉션에서 표현된 그로테스크 특성을 분석하고 이를 바탕으로 디자 인을 개발하여 디자인 특성에 대한 방향성을 제시하는데 있다. 디자인 제시 방법으로 CLO 3D 소프트웨어 7.3 ver. 를 활용하여 재현성을 가지는 친환경적인 방법으로 가상의상 디자인을 제안하고자 하였으며, 디지털 소프트웨어의 활용과 친환경적인 방법을 제시했다는 것에 의의가 있다. 창의적인 패션디자인 연구의 기초자료로 확장되어 활용될 수 있기를 기대한다. The purpose of this paper include analysis of the characteristics of the grotesqueness in the Alexander McQueen Collection and presentation of a creative fashion design by developing a fashion design that utilizes such characteristics. The life and growth background of Alexander McQueen were examined, and the world of his works was contemplated in order to examine the characteristics of the Alexander McQueen Collection. The concept and background of the manifestation of grotesqueness were examined through preceding studies, and the analysis of the grotesqueness illustrated in fashion was contemplated with its four characteristics. These characteristics were categorized as bizarre horror, The external characteristics of bizarre horror in the Alexander McQueen Collection can be seen as the use of fear-inducing objets and details such as demons and death, the rendering of a frightening ambience, and the fear of the unknown and creatures that do not exist in the reality. The inner meaning was deduced from the fear imprinted on human instincts, the aggressive and destructive instincts within, and the accusation of the inhumane modern society. The characteristics deduced from the abnormal playfulness were examined through the imaginative expressions of the human body that seems to be out of reality, the use of ridiculous objets that do not belong together as though it were a child's play, the destruction of established cognition of harmonious proportions, and the expression of unknown creatures that could only exist in one’s imagination. Its inner meaning was examined as an escape from reality, a criticism and satire of modern society through laughter, and an expression of an inner desire to transcend the limitation of human beings. Next, the external characteristics of body mutilation and distortion were the exposure of invisible body parts such as bones and muscles, and the use of objets that appear to be the mutilated body. The internal meanings in them were the destruction of stereotypes, the loss of the value of human existence, the inducing of human identity, and the destruction of traditional beauty to pursue newness. Lastly, the external characteristics illustrated in the extreme abhorrence were the use of objets that induce disgust, use of details, explicit sexual expressions, direct expression of the body, and violence inflicted on the body. Expression of dissatisfaction with the society, and conveyance of the sensation of freedom through the expression of anxiety, anger and pain were examined as its internal meaning. The purpose of this study is to analyze the characteristics of the grotesqueness expressed in the Alexander McQueen Collection and to present the direction for design characteristics by developing a design based on them. CLO 3D software 7.3 ver. was utilized as a design presentation method to propose a virtual apparel design in an environment-friendly manner with reproducibility, and this study is significant in that utilization of digital software and environment-friendly method were presented. It is hoped that this paper can be expanded and utilized as a basic material for further creative fashion design researches.

한중 합작영화와 리메이크 영화에서 나타나는 현지화 전략 연구

우지엔후이 청주대학교 예술대학원 2025 국내박사

본 논문은 한중 합작 영화와 중국 리메이크 한국 영화에 등장하는 토종 영화를 살펴보았다. 현지화 전략을 분석하고 그 특징과 의의를 탐구한다. 중국과 한국은 문화적 차이에도 불구하고 활발한 영화 협력을 통해 상호 교류를 유지해 왔으며, 특히 합작 영화와 리메이크 작품은 양국 영화산업 협력의 중요한 분야가 되었다. 본 논문은 문화이론을 바탕으로 한중 합작 영화와 리메이크 영화가 각국 시장에서 현지화하기 위해 채택된 주요 전략과 이러한 전략이 양국의 문화 전파와 국가 이미지 형성에 미치는 영향을 파악하고 중국과 한국의 현지화 전략의 차이를 비교하여 파악하고 문제와 제안을 제시한다. 제1장은 서론으로, 연구의 목적과 의의를 고찰하고, 연구대상과 연구방법 에 대하여 해석을 진행하였으며, 선행연구에 대하여 총결을 진행하였다. 제2장에서는 현지화 전략에 관한 이론적 탐구를 진행하여 현지화와 핵심 전략 및 현지화 전략의 필요성을 서술하였다. 제3장과 제4장에서는 각각 한중 합작 영화와 중국 리메이크 한국 영화를 비교 분석하고, 합작 모델과 특성을 정리하며, 한중 두 버전의 서사 특성과 스타일 특성을 비교 분석하여 현지화 전략의 구체적인 활용을 살펴보았다. 제5장은 영화 현지화 전략과 국가 이미지의 관계에 대해 토론을 전개하고, 영상 작품이 문화 담체로서 담은 국가 이미지를 분석하며, 국가 이미지에 영향을 미치는 법칙을 총결하고, 현재 단계의 중국 영화가 국가 이미지 형성에 대한 부족함을 제시한다. 제6장은 결론으로 논문중의 문제에 대하여 해답을 진행하고 현지화 전략의 계시를 총결하며 중국 영화산업 발전에 대하여 건의를 제출한다. This paper examines Korean-Chinese co-productions and local films appearing in Korean films. Objective To analyze the localization strategy and explore its characteristics and significance. Despite the cultural differences between China and South Korea, they have maintained mutual exchanges through active film cooperation. In particular, co-production and remakes have become an important area of cooperation in the film industry between the two countries. Based on the cultural theory, this paper determines the main strategies adopted by the localization of Korean and Chinese co-produced and remade films in various countries, as well as the influence of these strategies on the cultural communication and the formation of national image of the two countries, finds out the gap between the localization strategies of China and South Korea through comparison, and puts forward questions and suggestions. The first chapter is the introduction, which examines the purpose and significance of the research, explains the research object and research methods, and summarizes the advance research. The second chapter discusses the relevant theory of localization strategy, and expounds the necessity of localization and core strategy and localization strategy. The third and fourth chapters respectively compare and analyze the Korean and Chinese Korean films, summarize the cooperation mode and characteristics, and analyze the narrative characteristics and style characteristics of the two Korean and Chinese versions, and investigate the specific application of the localization strategy. The fifth chapter discusses the relationship between the film localization strategy and the national image, analyzes the national image of the video works as the cultural carrier, summarizes the laws that influence the national image, and puts forward the shortcomings of the national image shaping at the current stage. The sixth chapter is the conclusion, which answers the questions in the paper, summarizes the enlightenment of the localization strategy, and puts forward suggestions for the development of China's film industry.

트랜스미디어 스토리텔링 : 엄가령 소설의 영화화를 통한 여성 이미지 변화에 대한 연구

황증 청주대학교 예술대학원 2025 국내박사

Novels and films are two art forms rooted in life. While they share commonalities, there are also many differences between them. With the advancement of internet technology and other innovations, people increasingly seek information that combines both visual and auditory effects. Literary creation has begun to draw from film techniques, placing greater emphasis on visual and auditory storytelling, scene dynamics, and a cinematic sense. Novels provide a wealth of story resources for films, contributing to many outstanding cinematic works. In today’s trend of transmedia storytelling, Yan Geling’s works, with their unique value and profound portrayal of female characters, have become a focus of academic research. This study focuses on the transformation of female images and the representation of cultural connotations in the film adaptations of Yan Geling’s novels within a transmedia storytelling context. As a prominent author in contemporary Chinese literature, Yan Geling’s works present a unique female perspective through meticulous character portrayals and rich historical settings. Through transmedia storytelling, her works have been adapted into films, enriching the portrayal of female characters and allowing for reinterpretation within new cultural contexts. This thesis systematically analyzes the presentation, positioning, and cultural symbolism of female images in Yan Geling’s representative novels and their film adaptations, using perspectives from narratology, film aesthetics, and cultural semiotics. Starting from the theoretical foundations, this research outlines the framework of transmedia storytelling and female character representation, clarifying the narrative transformations involved in adapting literature to film and the innovative impact of transmedia storytelling on the portrayal of female characters. Based on this framework, the thesis examines the multilayered qualities of female characters in Yan’s novels and explores how, in their film adaptations, these characters are extended and enriched through narrative restructuring, pacing control, visual storytelling, and symbolic imagery. Additionally, this study investigates the role of social and historical backgrounds in shaping character traits and how transmedia storytelling reconstructs these contexts during adaptation, thereby endowing female images with new cultural connotations in the film adaptations. In the film aesthetics section, the thesis explores the role of cinematic elements such as camera language, sound and music, and scene design in enhancing the expressiveness of female characters. It analyzes how these elements deepen the emotional resonance and symbolic meaning of female characters, enabling them to convey cultural significance through visual symbols and spatial imagery. These design choices allow female characters to possess a stronger emotional appeal, enhancing audience engagement and cultural impact. Finally, this study examines the cultural symbolism of female characters in Yan Geling’s film adaptations, investigating how these adaptations contribute to the social recognition and acceptance of female images, as well as cross-cultural interpretations and reception within different cultural contexts. The findings suggest that transmedia storytelling not only innovatively diversifies the representation of female characters but also enables Yan’s female figures to be reinterpreted and accepted within a global cultural context. By analyzing Yan Geling’s transmedia adaptations, this research further expands the application of transmedia storytelling theory in the study of female character representation, offering new perspectives and theoretical support for the depiction of female images and cultural implications in film adaptations. It demonstrates how film adaptations, through media transformation, strengthen the cultural value and social significance of female characters. 소설과 영화는 생활에서 유래한 두 가지 예술 형식이고 비슷한 점도 있고 현저한 차이도 있다. 인터넷 기술과 과학기술이 발전함에 따라 사람들은 시각과 청각의 이중 효과를 가진 정보를 접하는 경향이 강해졌다. 문학 창작도 영화와 텔레비전의 표현 기법을 참고하여 영화에 풍부한 이야기 자원을 기여하고 많은 걸출한 스크린 가작을 만들었다. 오늘날 트랜스미디어 스토리텔링이 성행하는 시대의 흐름 하에서 엄가령(嚴歌苓)의 작품은 그 독특한 가치와 여성 이미지에 대한 깊은 묘사로 학술 연구의 초점이 되었다. 엄가령의 소설은 다양한 사회계층의 여성에 초점을 맞추고 기생, 이민 소녀, 정치피해자 등 여러 가지 이미지를 묘사하였다. 그는 자세한 묘사를 통해 이런 여성들의 곤경에서의 강인함과 성장을 보여주었으며 여성의 운명에 대한 관심을 충분히 구현하였다. 엄가령의 작품은 서사적으로 매력이 있을 뿐만 아니라 선명한 화면감과 카메라 감도 갖추고 있다. 작가는 능숙한 문학 기교와 영화 언어에 대한 감지를 통해 소설을 영상화 효과를 갖추게 하였다. 트랜스미디어 스토리텔링에서 영화 각색은 원작의 줄거리를 충실하게 나타낼 뿐만 아니라 인물 관계를 재구성하고 서사 구조를 조정함으로써 여성 이미지를 풍부하게 하였다. 감독은 시각적 기호를 통해 이러한 캐릭터에 상징적 의미를 부여하고 주제를 심화시키며 관중들의 상상 공간을 넓혔다. 트랜스미디어 스토리텔링의 시각에서 볼 때 소설은 문자를 통해 여성의 내면을 깊이 있게 묘사하고 영화는 영상과 음향 효과를 통해 그의 외적 이미지와 행위를 직관적으로 보여주며 더욱 깊은 사회와 문화적 의미를 부여하였다. 본 연구는 여성 캐릭터가 어떻게 서로 다른 역사와 문화 배경에서 자신의 정체성과 가치를 찾는지를 제시하는 동시에 영화에서 여성 이미지 서사의 특징과 문화적 의미를 분석하고 트랜스미디어 스토리텔링에서 여성 이미지의 변화 발전과 문화적 가치를 잘 이해하였다. 이 연구를 통해 엄가령의 문학 창작을 이해하는데 새로운 시각을 제공할 뿐만 아니라 현대 사회에서 중국 여성 이미지의 변화를 분석하는데 중요한 근거를 제공하였다.

장편 시나리오 <린다> 분석 연구

장일식 청주대학교 예술대학원 2021 국내석사

영화 제작을 목표로 하는 시나리오는 기획 의도에 의해 수정 또는 각색 작업 과정을 거쳐 완성작에 도달하게 된다. 영화는 극장 상영이 이뤄진 후에는 시나리오의 수정이 불가능하기 때문에 영화 제작에 들어가기 전 기획단계에서의 캐릭터 및 스토리 구성은 기본적이면서 가장 중요한 작업이다. 장편 시나리오 <린다>는 영화 제작을 목표로 기획된 시나리오이다. 이미 여러 차례 각본 수정 과정을 거쳐 기존에 기획된 단편영화에서 장편영화로 확장되었다. 동성 간의 애정에 관련된 이야기로 출발하였으나 인간이 욕심에 의해 같은 실수를 반복하며 살아가는 이유는 희망에 있다는 주제를 스토리에 녹여 현실적 시사를 목표로 스토리를 풀어내려 했던 이유는 다소 생소한 소재인 성소수자 스토리에 대한 거부감을 상쇄시키고 대중적 방향의 주제 및 구성을 위한 결과이다. 장편 시나리오 <린다>는 남산 소월길이 주된 배경이다. 현재도 남산의 소월길에서는 트랜스젠더의 성매매가 이뤄지고 있으며 특이 취향의 남자들을 상대하는 성매매로 생활을 이어가는 트랜스젠더들의 삶을 사실적으로 표현해 내기 위해 실제 소월길에서 일어난 사건 사고의 자료를 참고하였으며 서울 이태원 일대에서 활동하는 트랜스젠더의 인터뷰 내용을 활용하여 각본 작업이 이뤄졌다. 장편 시나리오 <린다>는 사실적 사건과 허구적 사건을 창작 및 적용하였다. 사실적 사건은 시나리오의 현실감을 올려주며 허구적 사건은 스토리의 흐름에 따른 재미적인 요소를 제공한다. 시나리오 <린다>는 2012년 4월 소월길에서 성매매 호객행위를 하는 트랜스젠더를 대상으로 삼아 폭행과 금품을 빼앗은 10대 폭주족이 검거된 실제 사건을 활용하였으며 4가지 허구적 사건을 창작, 적용하여 긴장감을 유지하려 노력하였다. 시나리오 <린다>의 플롯 분석을 통해 스토리 구성의 문제점을 파악할 것이다. 시나리오의 재고를 위해 가장 중요한 부분은 이야기의 흐름이 올바르게 진행되고 있는지 확인하는 것이다. 플롯 구성 확인 및 분석은 시나리오를 창작함에 있어서 절대 빼놓을 수 없는 필수 과정이라 할 수 있겠다. 현재까지 창작된 시나리오 <린다>의 스토리 라인부터 5단계로 구성된 플롯을 분석하고 3장 이론을 활용하여 사실적 사건과 허구적 사건이 긴장감을 유지할 수 있도록 조화롭게 적용되었는지, 등장인물의 적절한 공간 배치가 이뤄졌는지 확인하고 과거, 현재, 미래의 시간적 배경과 낮과 밤의 공간 분석을 통해 시나리오 플롯 구성의 시·공간 적용이 적절하였는지 확인할 것이다. 장편 시나리오 <린다>의 재고 및 제작의 방향을 제시할 것이다. 본 연구는 장편 시나리오 <린다>의 제작에 앞서 시나리오의 문제점을 파악하고 보완하는데 그 목적이 있다. 영화 제작에 앞서 완성도 있는 시나리오로 발전시키기 위해 필수 구성 요소를 도출해 낼 것이며 등장인물 및 공간의 이미지를 제시하여 성소수자 캐릭터와 로케이션(location) 공간을 좀 더 사실적인 측면으로 보완하는데 노력을 기울일 것이다. A scenario aiming at the production of a film reaches a complete work, going through revision or adaptation by the intention of planning. Since the scenario of a film cannot be revised after screening at the theater, the composition of characters and stories in the planning stage before entering the production of the film is the basic and the most important job. Creative feature film scenario Linda is a scenario planned for the production of a film. It expanded from a short film previously planned through the process of revising the scenario several times already. It began as a story about same-sex affection, but it would tell the story, aiming at realistic suggestions by melting the theme that men live, repeating the same mistakes by greed for hope in the story for the offsetting of repulsion again sexual minorities’ story, which is a somewhat unfamiliar subject, and for the theme and composition in a popular direction. Feature film scenario Linda is mainly set on Namsan Sowolgil. Currently, on Namsan Sowolgil, there is transgender people’s prostitution, and especially, to express the lives of the transgender people who earn a living by prostitution with men with a peculiar bent, this study referred to the materials of the incidents that had taken place on Sowolgil, and the scripting work was done, utilizing the contents of interviews with transgender people who were active in Itaewon, Seoul. Feature Film Scenario Linda created and applied realistic events and fictitious events. Realistic events increase the sense of the reality of a scenario, and fictitious events provide elements of amusement according to the flow of stories. The scenario Linda utilized a true incident in which teenage motorcycle gangs were arrested, who assaulted and took the money and things from the transgender people who touted prostitution on Sowolgil in April 2012 and tried to maintain the tension, creating and applying four fictitious events. Through an analysis of the plot of the scenario Linda, this study would understand problems with the storyline composition. The most important part to reconsider the scenario is to check if the flow of stories properly progresses. Checking and analyzing the plot composition would be essential courses that cannot be missed in creating a scenario. This study would analyze the plot consisting of five steps from the storyline of the creative scenario Linda and check if realistic events and fictitious events have harmoniously applied so that they can maintain tension, utilizing the theory of 3 chapters, check if characters’ space was properly arranged and check if the application of time and space of the scenario plot composition has been appropriate through an analysis of the temporal background of the past, present and future and space of day and night. This study would reconsider the feature film scenario Linda and present a direction of production. This study aims to understand and supplement problems of the scenario before the production of the feature film scenario Linda. To develop it into a complete scenario before the production of the film, this study would draw prerequisites and present the characters and images of space to make efforts to supplement the LGBTI (lesbian, gay, bisexual, transgender, and intersex) characters and location space on a more realistic side.

기억의 이미지화를 통한 유리 조형 표현 연구

서지혜 청주대학교 예술대학원 2025 국내석사

Sometimes, we feel bored with monotonous daily life. Living in contemporary society, it is often realistically challenging to constantly pursue new and exciting endeavors. Furthermore, if the same things keep happening in daily life, I used to feel unbearable boredom rather than feeling stable. To overcome this, I chose to 'look back on ordinary experiences'. This means looking back on things that I didn't care about and thinking of them again because of getting used to routines. In other words, I mean to experience slow life in an intended way and to experience the same things in a new way. All the experiences that I have lived became a starting point for self-exploration and a foundation for building my identity. For example, I have known what I like and what I dislike while experiencing many things in my life. I realized that I established my identity by understanding my personal taste. Thus, this study deals with three topics : music, scent and travel. They symbolize joy of finding my own taste and imply personal sentiment at the same time. I aimed to transform memories, which often linger as vivid yet sometimes blurred and suspended images, into a glassmaking works. To achieve this, I used the Pâte de Verre technique, known for its abstract and hazy qualities, aligning with my unique imagery of indistinct and ethereal impressions. Through various formative experiments, the organic images resembling both movement and stillness emerged as the glass powder and granules melted in the kiln. These visuals also closely resembled my internal representation of memories, leading to the definition of this phenomenon as "arrested flow." While "arrest" and "flow" may appear contradictory, the interplay mirrors the nature of memories derived from experiences: as moments transition into the past, they continue to extend indefinitely throughout my life. In other words, the "arrested flow" expressed in this study symbolizes the overlapping and ever-expanding process of countless memories. This study aimed at exploring possibilities of glass art by contemplating meanings of daily life images embodied in artworks through an analysis of artworks created between 2023 and 2024. Despite being based on personal memories and experiences, I hope the artworks serve as a medium for sharing experiences with viewers. In conclusion, the important purpose of this study is to solidify my artistic vision through the analysis and organization of my works. 우리는 삶을 살아가며 반복되고 단조로운 일상에 가끔은 권태를 느끼고는 한다. 현대 사회를 살아가면서 매번 새롭고 자극적인 일만을 하기에는 현실적인 어려움도 있다. 더군다나 본인은 일상이 똑같은 일들로 반복되면 안정감보다는 참을 수 없는 싫증을 느끼는 편이었다. 이를 극복하기 위하여 본인이 선택한 것이 역으로 ‘보통의 경험을 되돌아보기’이다. 이는 반복으로 인하여 익숙하기 때문에 그냥 지나쳤던 것들을 다시 바라보고, 한 번 더 생각해 보는 것을 의미한다. 즉 의도적으로 삶을 천천히 경험하고, 또 같은 것을 새롭게 경험하고자 하는 것이다. 본인이 살아가며 겪은 모든 경험은 스스로에 대한 이해와 탐구의 시작점이 되었을 뿐만 아니라 정체성 확립의 기반이 되었다. 예를 들어 본인은 지금까지 살아오는 동안 다양한 경험을 통해 스스로가 무엇을 좋아하고 싫어하는지를 알아나갔으며 개인적 취향을 성립함으로써 스스로의 정체성을 확립했다고 자각하였다. 따라서 본 연구에서 다루는 음악, 향기 그리고 여행이라는 세 가지 주제는 그동안 본인만의 취향을 찾게 되었을 때의 기쁨을 상징함과 동시에 개인적 정서를 내포하고 있다. 연구자는 선명히 회상되는 듯하지만 때로는 흐릿하게 멈춰진 이미지로서 남아 있는 기억들을 유리 조형 작업으로 발전시키기 위하여 본인이 가진 심상 특유의 비구상적이고 흐릿한 이미지와 유사한 유리 캐스팅 기법 중 하나인 빠뜨 드 베르(Pate de verre) 기법을 활용하여 작업을 진행하였다. 다양한 조형 실험의 결과로부터 나온 유리 가루와 알갱이들이 가마에서 녹으며 발현된 움직이는 듯, 멈춰있는 듯 느껴지는 유기적 이미지가 기억에 대한 본인의 심상과 흡사하여 이를 ‘정지된 흐름’이라 규정하였다. ‘정지된 흐름’에서 ‘정지’와 ‘흐름’은 서로 상반되는 이미지를 가지고 있으나 경험으로부터의 기억은 과거가 되며, 이 과거는 본인이 살아가는 동안에 무한히 연장되는 것을 의미한다. 즉, 본 연구 작품에서 표현하고자 하는 ‘정지된 흐름‘은 수많은 기억의 중첩이 또다시 연장되어 가는 과정을 의미한다. 본 연구에서는 2023년부터 2024년까지 제작한 작업에 관한 내용 분석과 더불어 작품에 구현된 일상의 이미지가 갖는 의미를 고찰함으로써 유리 조형 예술로의 가능성을 탐구하고자 하였다. 사적인 기억과 경험들에 기반한 심상을 표현한 작품임에도 불구하고 관조자들과 서로의 경험을 공유할 수 있는 매개체가 되기를 바라며 본 연구를 통해 그간의 작품들에 대한 분석과 정리를 하는 과정에서 스스로의 작품 세계를 견고히 하고자 하는 것에 중요한 연구 목적을 둔다.

대만 가족 영화에 재현된 모녀 관계 연구 : <고독의 맛>, <폭포>, <미국 소녀>를 중심으로

리치우이 청주대학교 예술대학원 2025 국내박사

This thesis aims to deeply examine the narrative representation of mother-daughter relationships in three representative Taiwanese family films Lonely Taste( , 2020),The Falls( , 2021), — 孤味 瀑布 andAmerican Girl( , 2021) and their socio-cultural 美國女孩 — implications. To this end, this study utilizes a combination of text analysis, feminist film theory, semiotics, and narratological approaches to explore how mother-daughter relationships are reconstructed and re-signified within the broader context of changes in Taiwan's family structure, the awakening of gender consciousness, and social transitions in contemporary Taiwanese society. The introduction of the thesis reviews the process of Taiwan's modernization and the resulting changes in family functions and structures, as well as the evolution of gender roles. It particularly discusses how the "role of motherhood" embodies a dual tension between tradition and modernity at the intersection of family ethics and social norms. The main body of the thesis then proceeds with individual case analyses of the three films.Lonely Tasteconstructs a narrative of family memory and intergenerational healing through funeral rites and object symbols, revealing the conflicting tension between maternal responsibility and personal emotions. The Fallsportrays the collapse and reconstruction of the mother-daughter symbiotic relationship from a psychosocial perspective through the dual narrative of a confined space and mental illness during the COVID-19 pandemic. Meanwhile,American Girlpresents the healing potential of the mother-daughter relationship through narrative strategies of physical touch, emotional expression, and language recovery, centered on the identity confusion and emotional disconnection of a return migrant mother-daughter pair in the context of the SARS period. Furthermore, this study compares and analyzes the patterns of mother-daughter relationships, the reconstruction of maternal images, and emotional narrative strategies across the three films, identifying similarities and differences in terms of genre characteristics, narrative structure, visual techniques, and symbolic systems. Through this, the thesis aims to elucidate how these works reflect Taiwan's family values, emotional structures, and gender consciousness, and how mother-daughter relationships function as both a "vessel of emotion" and a medium for socio-cultural transfer, embodying power dynamics and emotional tensions within the family. This thesis contributes to expanding theoretical interest in micro-level emotional structures, such as mother-daughter relationships, in the field of Chinese-language family film studies. By combining cultural, semiotic, and emotional analysis, it aims to build an academic framework that bridges three key themes: family ethics, gender power, and identity formation. Additionally, it provides a pathway for future analysis in Asian women’s film studies. 본 논문은 대만 가족 영화를 대표하는 세 작품인 <고독의 맛>(孤味, 2020), <폭포>(瀑布, 2021), <미국 소녀>(美國女孩, 2021)를 중심으로, 영화 속 모녀 관계의 서사적 재현 양상과 그 사회문화적 함의를 심층적으로 고찰하고자 한다. 이를 위해 본 연구는 텍스트 분석(Textual Analysis)을 기반으로, 여성주의 영화 이론, 기호학, 서사 구조 접근을 종합적으로 활용하여, 동시대 대만 사회의 가족 구조 변화, 성별 인식의 각성과 사회적 전환이라는 거시적 맥락 속에서 모녀 관계가 어떻게 재구성되고 재의미화되는지를 탐색하였다. 논문의 서론에서는 대만의 근대화 과정과 그로 인한 가족 기능 및 구조, 성 역할의 변천 과정을 조망하며, 특히 ‘모성 역할’이 가족 윤리와 사회 규범의 교차점으로서 전통성과 현대성의 이중적 긴장을 어떻게 내포하고 있는지를 서술한다. 이후 본문에서는 세 작품에 대한 개별 사례 분석을 진행한다. <고독의 맛>에서는 장례의식과 사물 기호를 통해 가족 기억과 세대 간 상처 회복의 서사를 구축하며, 모성 책임과 개인 감정 사이의 갈등적 긴장을 드러낸다. <폭포>는 코로나19 팬데믹 상황 속에서 폐쇄된 공간과 정신 질환이라는 이중적 내러티브를 통해, 모녀의 공생 관계가 붕괴되고 재구성되는 과정을 심리사회적 차원에서 그려낸다. 한편 <미국 소녀>는 SARS 시기의 이중문화 배경 속에서, 귀환 이민자 모녀의 정체성 혼란과 감정 단절을 중심으로 신체 접촉, 감정 표현, 언어 회복의 서사 전략을 통해 모녀 관계의 치유적 가능성을 제시한다. 본 연구는 나아가 세 영화의 모녀 관계 양상, 모성 이미지의 재구성, 정서적 내러티브 전략을 비교 분석하면서, 장르적 특성, 서사 구조, 시각적 기법 및 상징 체계면에서의 유사점과 차이점을 도출하였다. 이를 통해, 이들 작품이 대만 사회의 가족 가치관, 감정 구조, 성 인식을 반영함과 동시에, 모녀 관계가 어떻게 가족 내부의 권력 구도 및 정서적 긴장을 담아내는 ‘감정의 그릇’이자 사회문화적 전이의 매개체로 기능하는지를 밝히고자 한다. 본 연구는 중국어권 가족 영화 연구의 연장선에서, 모녀 관계라는 미시적 감정 구조에 대한 이론적 관심을 확장시키고, 문화적·기호적·정서적 분석이 결합된 통합적 틀을 통해, 가족 윤리, 성별 권력, 정체성 구성이라는 세 가지 주제를 가로지르는 학술적 지형을 구축하는 데 기여하고자 한다. 또한, 아시아 맥락에서의 여성 영화 연구에 확장 가능한 분석 경로를 제시하는데 그 의의가 있다.

돌봄 윤리학 관점에서 본 포스트메모리 세대의 한중 위안부 영화 서사 연구 : 영화 <아이 캔 스피크>, <정정> 을 중심으로 -

덩쥔 청주대학교 예술대학원 2025 국내박사

In cultural narratives centered on comfort women films, marginalization, neglect, and suppression frequently occur, resulting in features of absence and concealment. After the Anti-Japanese War, survivors of the comfort women system were cast into tragic fates, unable to reintegrate into society, becoming marginalized figures in their own realities. Comfort women films are characterized by trauma narratives. The postwar trauma they depict is not only visible on the physical level but also permeates deeply into the psychological layers of survivors. Physical trauma threatens life and destroys the body, while psychological trauma entails the collapse of values, the rupture of identity, and leads to mental disorders and anxiety. These complex factors interweave to create multilayered expressions of trauma narratives in comfort women cinema, making the study of these films a significant academic task. This study focuses on the Korean film <I Can Speak> and the Chinese film <Jeongjeong>. Both works are rich in analytical value across various dimensions such as genre, narrative structure, character portrayal, plot development, and thematic expression. First, the generational context of these stories reflects the lived realities of comfort women survivors in the postmemory generation. Second, both films share a thematic emphasis on women’s destinies. Accordingly, this study aims to analyze the two films from the perspective of care ethics. Care ethics centers on relationships between individuals and between individuals and society. This research adopts care ethics and film narratology as its theoretical foundation to offer a novel interpretive framework. It analyzes the demands of care ethics and the strategies of cinematic expression, and explores ethical reflection and judgment within cinematic narratives. To begin, a conceptual clarification of the study subject is necessary. The “comfort women films” in this study refer specifically to narrative fiction films, not documentaries. While both forms address comfort women issues, fiction films reconstruct the past through dramatized narrative and visual language, whereas documentaries seek to recreate historical truth through records of real people and events. Therefore, this research focuses solely on fictional representations of comfort women, excluding documentary films from its scope. Although many documentaries on the subject exist in both Korea and China, fictional films are relatively scarce. In this regard, this study offers theoretical and practical contributions to the future production of comfort women cinema. Second, the scope of the research is also clearly defined. A comfort women film is not merely one that mentions comfort women, but one that places their experiences at the center of the narrative. A film centered on a specific topic should maintain that topic as the core element of its theme, characters, and plot. Thus, a comfort women film must have a comfort woman as a central character, and her story must drive the main narrative. If the presence of comfort women is marginal or subordinate to other storylines, the film cannot be categorized as a comfort women film. Third, this study sets its temporal scope within the context of the postmemory generation. Films from this period use wartime as background, but their central focus is the lives of survivors after the war and the psychological scars they bear. The “postwar” period varies slightly in definition between Korea and China referring to the time after — liberation from Japanese occupation in Korea, and the time following victory in the Anti-Japanese War in China. Comfort women films of the postmemory generation differ narratively from earlier wartime films. Past films often depicted war brutality directly, emphasizing visual shock and condemning Japanese militarism, with an intent to portray the suffering of comfort women. However, such portrayals may inadvertently cause secondary victimization and psychological discomfort, especially for female audiences. From a care ethics perspective, this approach is problematic. Women should not be portrayed as mere objects of the gaze but must be acknowledged as narrative subjects, with attention paid to their inner emotional worlds. Films of the postmemory generation adopt indirect storytelling and gentle strategies of care. They focus on the survival stories of individual comfort women and shed light on their postwar hardships. These films further analyze their psychological transformations and reflect deeply on themes such as humanity, justice, memory, and forgetting incorporating — elements of cinematic therapy (cinematherapy). Moreover, these films reflect the mindset and behaviors of their own time. Comfort women films evolve in line with social discourse: narrative perspectives shift, themes develop, storytelling methods diversify, characters are reimagined, and audio-visual language continues to advance. This dissertation comprises six chapters, structured according to a logic that progresses from surface phenomena to internal essence. Chapter 1 (Introduction) defines key concepts, clarifies terminology, reviews previous research, and explains the selection of <I Can Speak> and <Jeongjeong>. The methodology includes literature review, case analysis, and comparative research. Chapter 2 (Theoretical Framework) outlines the core ideas of major theorists and constructs an analytical model by combining care ethics with film narratology, laying the foundation for later analysis. Chapter 3 (Character Construction) discusses character-building strategies, focusing on external factors such as feudal ethics, class power, and survival conditions. It explores the transformation of female images from victims to saviors, witnesses, and recorders. Chapter 4 (Narrative Strategies) analyzes textual narrative elements such as themes, perspectives, structures, and genre blending, comparing narrative features and differences between Korean and Chinese comfort women films. Chapter 5 (Visual and Auditory Narratives) investigates cinematic techniques through mise-en-scène, cinematography, color, lighting, and sound design. It studies how these elements shape characters, advance the plot, and express themes. Chapter 6 (Conclusion) summarizes the research, highlights its significance and limitations, and proposes future directions and practical implications for comfort women film studies and production. 위안부 영화를 중심으로 한 문화 서사에서는 종종 무시되고 억압되며 주변화되는 현상이 나타난다. 이로 인해 부재와 은폐의 특징이 존재한다. 항일전쟁이 끝난 이후, 위안부 생존자들은 비참한 운명에 놓이게 되었고, 사회에 통합되지 못한 채 현실로부터 도피하며 사회의 주변인이 되었다. 위안부 영화는 트라우마 서사의 특징을 띠고 있다. 전후 트라우마는 신체적인 수준에서만 드러나는 것이 아니라, 내면 깊숙한 심리적 층위에까지 스며들어 있다. 신체적 트라우마는 생명에 대한 위협이자 육체에 대한 파괴이며, 심리적 트라우마는 가치관의 붕괴, 자아 정체성의 단절을 포함하며, 나아가 심리 장애와 정신적 불안을 유발한다. 이러한 복합적인 요인들이 상호 작용하면서 위안부 영화에서 트라우마 서사의 심층적 표현을 구성하게 된다. 따라서 위안부 영화에 대한 연구는 매우 중요한 과제를 안고 있다. 본 연구는 한국 영화 〈아이 캔 스피크〉와 중국 영화 〈정정〉을 중심으로 한다. 이 두 편의 영화는 장르, 서사적 특성, 인물 형상, 줄거리 구성, 주제 표현 등 다양한 측면에서 연구 가치가 충분하다. 두 작품은 비교 연구의 기초를 제공한다. 첫째, 이야기의 세대적 배경은 포스트메모리 세대의 위안부 생존자들의 생존 실태를 반영한다. 둘째, 여성의 운명에 대한 관심이 공통적으로 드러난다. 따라서 본 논문은 돌봄 윤리학의 관점에서 두 영화를 분석하고자 한다. 돌봄 윤리는 인간 사이의 관계, 그리고 인간과 사회 환경 간의 관계를 중심으로 사고한다. 본 연구는 돌봄 윤리학과 영화 서사학 이론을 이론적 토대로 삼아, 전혀 새로운 시각에서 두 영화를 해석하고, 돌봄 윤리의 요청과 영화적 표현 전략을 분석하며, 영화 서사의 윤리적 성찰과 판단을 제시하고자 한다. 먼저, 본 연구의 대상에 대한 개념 정의가 필요하다. 본 논문에서 다루는 위안부 영화는 다큐멘터리가 아니라 극영화다. 위안부 영화를 둘러싼 개념은 혼동되는 경우가 많다. 영화는 극화된 서사 방식과 예술적 영상 언어를 통해 재구성된 이차 창작물이며, 다큐멘터리는 실제 인물과 사건에 기반한 기록 영상으로 역사적 진실을 재현하는데 목적이 있다. 요컨대, 영화는 허구 또는 각색을 중심으로 하며, 다큐멘터리는 비허구적 성격을 가진다. 따라서 본 연구의 대상은 이차 창작물로서의 위안부 영화에 한정하며, 위안부 관련 다큐멘터리는 연구 범위에 포함되지 않는다. 한국과 중국에서 위안부를 주제로 한 다큐멘터리는 상당히 많지만, 극영화는 매우 드문 실정이다. 이러한 점에서 본 연구는 향후 위안부 영화 창작에 이론적·현실적 기여를 할 수 있다. 둘째, 본 연구의 범위 또한 명확히 해야 한다. 위안부 영화는 단순히 위안부를 배경으로 한 영화가 아니라, 위안부를 중심 서사로 삼은 영화다. 특정 소재를 중심으로 한 영화란, 특정 주제나 사건, 인물, 개념, 사회 현상을 핵심으로 삼은 서사를 의미한다. 따라서 위안부 영화는 주요 인물이 위안부여야 하며, 서사적 비중 또한 이야기 전반을 관통해야 한다. 즉, 인물 간 관계와 줄거리 전개 모두에서 위안부 서사가 주도적 역할을 해야만 위안부 영화로 명명할 수 있다. 한국과 중국의 많은 영화들이 위안부를 언급하고 있으나, 위안부의 이야기가 극의 중심을 차지하지 않는 경우가 많다. 이러한 경우, 해당 영화는 위안부 영화라 할 수 없다. 셋째, 본 연구의 시간적 범위를 설정한다. 본 논문이 다루는 것은 포스트메모리 세대의 위안부 영화다. 이 시기의 위안부 영화는 전쟁을 배경으로 삼되, 중심은 전후 생존자들의 삶과 전쟁이 남긴 심리적 상처에 있다. 전쟁 이후라는 시점은 한·중 두 나라의 역사 인식에 따라 다소 차이를 보인다. 한국에서는 일제강점기에서 해방된 이후 현재까지를 의미하며, 중국에서는 항일전쟁 승리 이후를 의미한다. 포스트메모리 세대의 위안부 영화는 기존의 전시 위안부 영화와는 서사적 시점에서 차이를 보인다. 과거의 위안부 영화들은 전쟁의 참혹함을 직접적으로 드러내며 시각적 충격을 강조하고, 일본 군국주의의 만행을 고발하며 위안부의 고통을 표현하는데 주력했다. 그러나 이러한 방식은 피해자인 여성들에게 2차 가해가 될 수 있으며, 여성 관객에게도 심리적 불편함을 유발할 수 있다. 이는 돌봄 윤리학 관점에서 문제적이다. 영화는 여성을 응시의 대상이 아닌, 서사의 주체로 설정해야 하며, 여성의 내면 세계에 대한 관심이 필요하다. 포스트메모리 세대 위안부 영화는 간접 서사와 부드러운 돌봄 전략을 택한다. 위안부 개개인의 생존 이야기에 집중하며, 전쟁 이후 그들의 삶이 얼마나 고단했는지를 조명한다. 나아가 이들 내면의 심리 변화를 복합적 요인과 함께 분석하고, 인간성·정의·기억·망각 등의 주제를 심층적으로 성찰한다. 이는 시네마테라피적 의미를 내포한다. 또한, 포스트메모리 세대의 영화는 당대의 사고방식과 행동양식을 반영해야 한다. 위안부 영화는 시대의 흐름에 따라 변화한다. 시대 담론의 전환, 서사 주제의 진화, 서사 방식의 혁신, 인물 형상의 재구성, 시청각 표현의 돌파 등이 이를 뒷받침한다. 본 논문은 현상에서 본질로, 외면에서 내면으로 접근하는 분석 논리에 따라 총 6장으로 구성되어 있다. 제1장은 서론으로, 위안부 영화 개념을 정의하고, 주요 용어를 설명한다. 선행 연구를 정리하고, 〈아이 캔 스피크〉와 〈정정〉을 분석 대상으로 선택한 이유를 밝힌다. 연구 방법으로 문헌연구법, 사례분석법, 비교연구법을 도입한다. 제2장은 돌봄 윤리학의 이론적 틀을 구축한다. 주요 이론가들의 핵심 개념을 정리하고, 돌봄 윤리와 영화 서사학의 결합을 통해 분석적 틀을 구성한다. 이는 이후 인물 형상·극본·영상 서사 분석의 기초가 된다. 제3장은 인물 형상의 구성 전략을 다룬다. 봉건 윤리, 계급 권력, 생존 환경 등 외적 억압 요소를 중심으로 인물 형상의 미학과 창작 전략을 분석한다. 피해자·구원자·증언자·기록자로서의 여성 이미지, 집단 이미지에서 개별 이미지로의 이행 등을 다룬다. 제4장은 영화의 텍스트적 서사 전략을 분석한다. 서사 주제, 시점, 구조, 장르 융합 등의 서사 기법을 고찰하며, 〈아이 캔 스피크〉와 〈정정〉을 중심으로 서사 특징과 한·중 위안부 영화의 공통점과 차이점을 비교한다. 제5장은 영상 서사의 특성을 분석한다. 시각적 서사와 청각적 서사의 이중 축에서 영화의 인물 형성, 이야기 전개, 주제 표현 방식을 고찰한다. 시각 분석은 미장센, 장면 연출, 색채·조명, 편집 리듬 등을 중심으로, 청각 분석은 인물 목소리, 음악, 음향 효과를 중심으로 한다. 제6장은 결론으로, 전체 연구 내용을 요약하고, 연구의 의의와 한계를 제시한다. 향후 위안부 영화 연구와 창작을 위한 방향성과 실천적 제안을 제시한다.

드니 빌뇌브 영화에 나타나는 건축 미장센에 대한 기호학적 연구 : <듄> 시리즈와 <블레이드 러너 2049>를 중심으로

천청팡 청주대학교 예술대학원 2025 국내박사

건축 미장센은 영화에서 문화적 함의를 담은 시각적 구성 요소이자, 서사의 의미와 정서를 전달하는 중요한 기호 체계로 기능한다. 특히 SF 영화 영역에서 건축 미장센은 영화 세계관의 시각적 구축뿐만 아니라 서사의 진행, 관객의 정서적 몰입 및 문화적 은유 표현을 위한 복합적 기호로 작동한다. 그러나 기존 연구에서는 건축 미장센의 서사적 기능과 의미 생성 방식에 대한 기호학적 접근이 체계적으로 이루어지지 않아 연구의 공백으로 남아 있다. 이러한 학술적 필요성을 충족시키기 위해 본 연구는 드니 빌뇌브 감독의 SF 영화 <듄> 시리즈와 <블레이드 러너 2049>를 분석대상으로 삼았다. 이 작품들은 독특하고 웅장한 건축 미장센의 활용을 통해 서사적 및 시각적 표현에 성공한 대표적 사례로 평가되며, 영화에서 건축 미장센이 기호학적으로 작용하는 방식을 밝히기에 적합한 연구 대상으로 선정한다. 본 연구는 움베르토 에코의 기호학 이론을 기반으로 영화 내 건축 미장센의 의미 구조, 공간적 부호화, 서사적 기능 간의 상호작용 메커니즘을 규명하였다. 이를 위해 코드 이론, 열린 텍스트 개념, 기호 생산 이론 등 을 활용하여 영화 속 건축 미장센의 다층적 기호 체계를 분석하는 프레임 워크를 마련한다. 방법론적으로는 기호학적 텍스트 분석을 주로 사용하여 작품 내 건축적 배치와 공간 구성 방식이 어떻게 서사적 의미를 생성하는지를 심층적으로 분석하였으며, 문헌 연구와 비교 분석을 보조적으로 병행하여 연구의 포괄성과 심도를 높였다. 연구 결과, 빌뇌브 감독의 영화에서 건축 미장센은 단순한 배경적 요소가 아니라 영화 서사의 핵심적 기호로 적극 활용되고 있음이 드러났다. <블레이드 러너 2049>에서는 수직과 수평적 공간 배치를 통해 사회 계층의 구조적 불평등과 기억의 분절을 시각적으로 표현하며, 디스토피아적 세계관과 정체성 혼란을 효과적으로 구현한다. <듄> 시리즈에서는 웅장한 공간과 상징적 형태의 건축 미장센을 통해 권력 관계, 생태적 위기 및 종교적 함의를 담아내며 문화적 상징성을 풍부하게 전달한다. 이처럼 두 작품은 각기 다른 건축 미장센 전략을 통해 서사적 의도와 주제적 의미를 명확히 시각화하고 있다. 본 연구의 학술적 혁신성은 영화 서사 분석에서 건축 미장센을 중심으로 기호학적 접근을 시도함으로써 영화 기호학과 공간 미학의 융합적 연구 영역을 확장한데 있다. 나아가 빌뇌브 감독 작품에 대한 기호학적 연구의 공백을 메우고, 영화 서사와 건축 미장센의 관계에 대한 이론적 이해를 심화시켜 영화 미학 및 기호학 연구의 새로운 관점과 방법론을 제공 한다. Architectural mise-en-scène functions as a critical visual component in films, embedding cultural implications and serving as an essential semiotic system to convey narrative meanings and emotional resonance. Particularly within the genre of science fiction cinema, architectural mise-en-scène is not merely a foundational visual element that constructs cinematic worlds but also serves multifaceted roles in narrative progression, audience emotional engagement, and cultural metaphorical expression. Despite this significance, systematic semiotic investigations into how architectural mise-en-scène influences narrative functions and meaning-making in film have remained limited. Addressing this academic gap, the current study selects Denis Villeneuve's science fiction films, the series and <Blade Runner 2049>, as primary analytical objects. These films exemplify distinctively grandiose architectural mise-en-scène and visual styles, effectively serving as exemplary cases to explore how architectural mise-en-scène operates semiotically within cinematic storytelling. Grounded in Umberto Eco’s semiotic theory, this research systematically investigates the interplay among semantic structures, spatial coding, and narrative functions of architectural mise-en-scène in the selected films. Utilizing key concepts from Eco such as code theory, open text, and semiotic production, the study establishes a multi-layered analytical framework. Methodologically, the research primarily employs semiotic textual analysis to deeply interpret how spatial arrangement and architectural configurations within the films generate narrative meanings, supplemented by literature review and comparative analysis to enhance comprehensiveness and analytical depth. The findings demonstrate that Villeneuve actively utilizes architectural mise-en-scène as a central narrative signifier rather than a mere backdrop element. In Blade Runner 2049, the vertical and horizontal spatial configurations visually manifest structural social inequalities and fragmented memories, effectively constructing a dystopian worldview and identity disorientation. Conversely, the Dune series employs majestic spaces and symbolic architectural forms to embody complex power dynamics, ecological crises, and religious implications, thereby enriching the cultural symbolism conveyed. Each film distinctly employs architectural mise-en-scène strategies to visualize narrative intentions and thematic meanings. The academic novelty of this study lies in its focused semiotic exploration of architectural mise-en-scène within cinematic narrative analysis, thereby expanding the interdisciplinary research space between film semiotics and spatial aesthetics. Additionally, this work addresses the existing scholarly gap regarding semiotic analyses of Villeneuve's films and deepens theoretical understanding of the relationship between cinematic narratives and architectural mise-en-scène. Consequently, the study contributes new theoretical perspectives and methodologies to film aesthetics and semiotic research.

제로 웨이스트 커팅 컨셉에 따른 패턴 디자인 : 3D 버추얼 디자인 프로그램 활용

웨이쿠이린 청주대학교 예술대학원 2024 국내석사

오늘날 패션산업에서는 지속 가능성이 중요한 이슈가 되었다. 제로 웨이스트 커팅 (Zero-Waste Cutting)은 원단 사용을 최적화하여 생산 과정에서 발생하는 폐기물을 최소화하는 것을 목표로 하는 혁신적인 디자인 방법이다. 제로 웨이스트 패턴 디자인은 독창적인 원단 분할과 배열을 통해 기존의 커팅 방식을 개선하고, 원단의 낭비를 줄이고 원단 활용도를 높이며, 제로 웨이스트 패션을 실천하고 지속 가능한 패션의 발전을 촉진한다. 이런 배경을 반영하여 본 연구에서는 제로 웨이스트 커팅 컨셉에 따른 패턴 디자인 개발하였다. 또한 3D CLO를 활용하여 착장 시뮬레이션을 하였다. 본 연구는 제로 웨이스트 의류의 발전 역사를 추적하고, 고대와 현대의 제로 웨이스트 디자인의 디자이너와 작품을 연구하고 요약하며, 제로 웨이스트 커팅 방법을 요약하였다. 연구의 결론은 다음과 같다. 첫째, 3D CLO, V-Stitcher, Style3D 등의 소프트웨어를 포함하여 의류 디자인에 3D 버추얼 소프트웨어를 적용하는 방법이 논의되었다. 이러한 소프트웨어는 원단의 물리적 특성과 떨어지는 효과를 시뮬레이션할 수 있을 뿐만 아니라 가상 환경에서 여러 번 조정하고 최적화할 수 있으므로 실제 생산 시 시행착오를 줄일 수 있다. 둘째, 제로 웨이스트 패턴 커팅 방법 중 오메트릭 커팅(Geometric Cutting), 퍼즐 커팅(Puzzle Cutting), 모듈 커팅(Module Cutting), 미니멀 커팅(Minimal Cutting) 방법을 적용하여 패턴 디자인을 개발하였다. 셋째, 원단 활용도를 향상시키고 설계 유연성과 정확성의 향상을 파악하기 위하여 3D CLO 소프트웨어로 원단의 물리적 특성을 시뮬레이션하는 실험을 진행하였고, 원단의 활용도를 극대화하기 위한 착장 시뮬레이션을 진행하였다. 본 연구에서의 3D 버추얼 프로그램을 활용한 제로 웨이스트 패턴 디자인은 실제 응용 분야에서 상당한 이점이 있으며 패션 산업을 보다 지속 가능한 방향으로 발전시키는 데 도움이 될 것으로 사료된다. 또한 3D 버추얼 프로그램을 활용하여 제로 웨이스트 커팅 방법을 적용한 패턴 디자인의 기초 자료를 제공할 수 있는 의의가 있다. In today's fashion industry, sustainability has become a critical issue. Zero-Waste Cutting is an innovative design method aimed at minimizing waste generated during the production process by optimizing fabric usage. Zero-Waste Pattern Design improves traditional cutting methods through creative fabric division and arrangement, reducing fabric waste, increasing fabric utilization, practicing zero-waste fashion, and promoting the development of sustainable fashion. Reflecting this background, this study developed pattern designs based on the Zero-Waste Cutting concept. Additionally, dressing simulations were conducted using 3D CLO. This study traces the history of zero-waste clothing, researches and summarizes the designers and works of ancient and modern zero-waste designs, and summarizes zero-waste cutting methods. The conclusions of the study are as follows: First, the method of applying 3D virtual software, including 3D CLO, V-Stitcher, and Style3D, to clothing design was discussed. These software tools can simulate the physical properties and drape effects of fabrics, allowing for multiple adjustments and optimizations in a virtual environment, thus reducing trial and error in actual production. Second, pattern designs were developed by applying geometric cutting, puzzle cutting, module cutting, and minimal cutting methods among the zero-waste pattern cutting methods. Third, to improve fabric utilization and enhance design flexibility and accuracy, experiments were conducted to simulate the physical properties of fabrics using 3D CLO software, and dressing simulations were conducted to maximize fabric utilization. The zero-waste pattern design using 3D virtual programs in this study is considered to have significant advantages in practical applications and help develop the fashion industry in a more sustainable direction. Furthermore, this study is significant as it provides foundational data for applying zero-waste cutting methods using 3D virtual programs.