한국 창작무용 작품 양상에 나타난 사회적 이슈에 관한 연구

김해란 상명대학교 예술디자인대학원 2014 국내석사

국 문 요 약 한국 창작무용 작품 양상에 나타난 사회적 이슈에 관한 연구 현대의 사회는 경제적인 발전과 테크놀러지의 발달과 함께 문화·예술 분야도 눈에 띄는 성장을 하고 있다. 특히, 삶의 질의 향상은 현대 사회인들이 문화향유에 대한 욕구도 함께 상승되어 문화·예술에 많은 관심을 가지게 되었다. 문화·예술 분야가 다양한 발전은 무용예술분야에도 많은 영향을 미치며 동반 성장하게 되었으며 순수전통예술성만 표현하였던 한국무용계에서도 대중화와 함께 사회적 이슈의 주제를 동반하는 다양한 시도들이 생겨났다. 이에 본 논문에서는 한국무용의 전통성을 담보한 한국창작무용 작품양상에서 나타난 사회적 이슈에 관한 연구를 통해 한국무용 작품의 다양성과 대중성의 확장을 알아보고자 한다. 본 논문의 내용은 다음과 같다. 첫째, 예술사회학과 무용예술의 기본적 이해를 통하여 무용예술작품의 사회적 반영과 한국 창작무용과 사회적 이슈의 연관관계에 대하여 알아보았다. 둘째, 사회적 이슈와 연관된 창작무용사례를 통하여 작품에 대중화에 대한 성공 요인과 시사점을 도출하였다. 셋째, 사회적 이슈를 소재로 삼아 한국 창작무용 공연을 기획하고, 연출, 안무 등 참여하여 공연에 대한 결과를 제시하였다. 넷째, 한국 창작무용과 사회적인 이슈가 접목이 되어 진 공연의 전 과정의 결과 평과를 통하여 사회적인 소재의 한국 창작무용의 개선 및 발전방향을 제안하였다. 본 연구를 통하여 대중성과 사회성을 반영한 한국창작무용의 작품들은 창작성을 기반으로 하는 현대무용에 비해 굉장히 적은 편이라는 것을 인지하였다. 항상 새로운 것에 시도하는 현대의 예술분야와는 달리 한국무용은 순수전통예술성을 고집하여 대중들로 하여금 고리타분함을 느끼게 하는 부분이 없지 않다. 사회가 변화하는 만큼 대중들의 관심사 부분을 한국 창작무용에 접목시켜 현대적이고 획기적인 공연을 만드는 노력이 필요할 것이며, 그에 따른 기획의 중요성과, 홍보·마케팅 부문 또한 중요할 것이다. 한국무용예술 분야의 사람들이 틀 안에 갇혀있지 않고 새로운 창작공연에 많은 관심과 시도를 하여야 할 것이다. ABSTRACT A Study on Social Issues Appeared in Aspects of Korean Creative Dance Works Kim, Hae-Ran Major in Performing Arts Management, Dept of Culture & Art‘s Management The Graduate School of Arts & Design, Sangmyung University In the modern society, the culture·arts field has grown noticeably with economic development and technological development. In particular, the improvement in quality of life makes members of the modern society increase their desire on the enjoyment of culture and have a lot of interest on culture·arts. The various development of the culture·arts field has affected the art of dancing field a lot and led shared growth, so Korean dance world to express only pure traditional artistry has done various attempts to accompany the topic of social issues with the public. The paper examines the diversity of Korean dance works and the expansion of popularity through research on social issues appeared in aspects of Korean creative dance works in security for Korean dance's tradition. The contents of this paper are as follows: First. social reflection on the art of dancing works and the association between Korean creative dance and social issues were addressed through basic understanding of sociology of art and the art of dancing. Second, successful factors and implications for popularizing the work through cases of the creative dance related to social issues were drawn. Third, Korean creative dance performance was planned by making social issues as materials, and the results of the performance were presented by participating in directing, choreography. Fourth, the improvement of Korean creative dance with social issues and its development direction were suggested through the evaluation of results of the whole process of the performance grafted with Korean creative dance and social issues. Through this study, this researcher recognized Korean creative dance works to reflect popularity and sociality are very lack compared to modern dance based on creativity. Unlike comtemporary arts trying to new things all the time, Korean dance makes the public feel bored by sticking to pure traditional artistry. Efforts to create modern and breakthrough performance by grafting Korean creative dance with the public's interest as much as a society is changed will be needed, accordingly the importance of planning and the PR·Marketing field will be important. People in the field of Korean art of dancing should attempt new creative performance with a lot of interest without being trapped inside the frame.

통합예술교육을 통한 유아발레교육 프로그램 개발과 잠재적 공연예술 관객개발 연구

이경민 상명대학교 예술디자인대학원 2014 국내석사

유아기부터의 강도 높은 교육을 발판 삼아, 지난 수 십 년간 한국은 여러 장르에서 세계적 수준의 예술가들을 배출해 왔다. 사회, 경제 분야의 안정과 더불어 전문가를 배출하기 위한 전공 교육으로서의 훈련뿐만 아니라 각종 예술 교육을 통한 감성 교육, 정서 발달, 및 전인적 인격 형성에 관심을 두는 추세가 보편화되어 가고 있는 시점이다. 특히 최근 들어 전통적인 필수 과목이었던 음악, 미술과 더불어 유아기부터의 발레 교육이 확산되고 있음을 주목할 수 있다. 유아발레교육은 유치원, 사설학원 뿐만 아니라 지역 문화센터 등에서 연령별, 수준별 교육이 진행되고 있다. 본 연구의 주제로 삼고 있는 신체적, 정서적 능력 개발을 위한 통합예술교육으로서의 발레는 춤, 음악, 미술, 의상 등 다양한 장르의 통합의 장이라는 점에서 매우 유용한 가치를 지닌다고 할 수 있다. 본 연구에서는 통합예술교육과 유아발레교육의 개념 대하여 살펴보았고 문헌 연구를 통해 유아기의 발레교육의 육체적, 정서적, 사회적인 효과 및 타 예술장르와의 통합교육 프로그램으로서의 발레교육 효과를 논하였다. 특히, 통합예술교육으로서의 유아발레교육 프로그램의 의의와 유아발레를 활용한 통합적 공연기획을 통해 발레학습자가 미래의 공연예술 잠재적 관객개발로서 성장할 수 있는 가능성을 보고자 하였다. 현재 한국의 사례로 국립발레단과 유니버설발레단의 시민발레교육 사업의 현황분석을 통해 아마추어 발레 학습자들의 공연 소비자로의 발전 가능성을 확인할 수 있었다. 또한 이들 단체의 부설아카데미에서 실시하고 있는 유아 및 아동 과정을 발레교육을 통한 통합예술교육의 한 예로 고찰하였으며, 2013년 12월 7일 공연된 “발레로 들려주는 동화이야기 - 잭과 콩나무”의 연출, 안무, 교육을 진행하면서 다양한 예술장르의 통합을 통한 공연기획 및 그 과정을 통한 교육이 유아기의 발레학습자들에게 미치는 효과에 대해 확인하고자 하였다. 현재 우리나라는 유아기 조기 교육의 관심과 발맞추어 유아발레 교육에 대한 각종 이론 및 교수법이 소개된 상태이며, 발레교육이 아동들의 정서 함양과 균형 잡힌 신체 발달이라는 교육적 효과가 널리 인식되고 있다. 또한 예술로서 무용교육은 창작, 공연, 감상 활동을 통한 미적, 예술적, 문화적인 가치와 목표를 지니고 있으며 이를 통해 감각능력을 키우는 교육, 창의성 개발 교육, 전인교육을 지향하고 있다. 유아기의 통합예술교육 프로그램은 예술을 자유롭게 향유할 수 있는 능력을 통해 균형 잡힌 삶의 방향성을 제공할 뿐 아니라 향유자로서 예술 콘텐츠를 소비하는 계층을 형성시켜 예술 산업의 발전은 물론 기초예술의 발전을 이루어 내는 중요한 초석이 될 것이다.

현대 사진예술과 조각의 관계성 연구 : 사진과 조각의 존재론적 특성을 중심으로

장정민 상명대학교 예술디자인대학원 2013 국내석사

Today, photography is undoubtedly accepted as a major genre of contemporary art. However, most studies on art photography still only examine relationship between photography and painting, and it rarely reflects the tendency of photography which is trying to be cope with its two dimensionality for a variety of forms. Therefore, this study aims to examine the relationship between photography and sculpture, one of the major genre of visual art including painting, so that photography actually has more ontological similarities with plastic arts. According to this purpose, this study tried to observe carefully how photography and sculpture intersects each other as it traces the history of photography and history of art. To do so, it tried to present the ontological similarities and differences. Also, it made every effort to prove that photography has more close ontological relationship to sculpture than painting, and it tried to show sculptural values which are found from contemporary art photography. Ontological relationships between two media drew from the study are as followings. First, early photography needed long exposure time because of its technical problem, and it inevitably took sculptures as objects since they are generally immobile. Those physical conditions make close relationship between photography and sculpture from the beginning of photography. Second, photography and sculpture used as mnemonic device since they share the characteristic of monument. Of course, not all photography and sculpture aim to commemorate, however sculpture was made as monument from its beginning, and photography was the most useful method that could represent and disseminate sculpture which are immobile. In short, photography not only represented sculpture but also substituted the role of sculpture. Furthermore, as photography started to build the archives of sculptures, it even described the history of sculpture. Third, photography and sculpture share ontological characteristic not only as techno-image but also as the art work of readymade. casting sculpture and collas machines for copying sculptures limited intervention of human hands at a minimum, and it is very similar with photography. In addition, photography started to be accredited as art ,although it copied objects mechanically, because the concept of readymade accepted the are of selection, not of creation. From then, the process of de-contextualization and re-contextualizaion was more important than the result of expression. Fourth, photography becomes an essential condition for the practice of various contemporary art and presents itself in the three dimensional space as it is cope with its two dimensionality. Also, as photography shows plasticity of mundane objects and conveys site-specific art works to the viewer, it becomes a plastic art. More recently, photography is represented as traditional and three dimensional form of sculpture, and it extends the relationship between photography and sculpture. 오늘날 사진은 현대예술의 주요한 장르로 당연하게 받아들여지고 있다. 그러나 예술사진에 대한 많은 연구는 여전히 회화와의 관계를 탐구하는 수준에 머무르고 있으며, 이에 따라 평면성을 탈피하여 다양한 형식으로 나타나고 있는 사진의 경향은 제대로 반영하지 못하고 있는 실정이다. 이에 따라 본 연구는 회화와 더불어 시각예술의 대표적 장르로 여겨지는 조각과 사진의 관계성을 탐구함으로써 오늘날의 예술사진이 조형예술로서의 성격에 보다 가까움을 증명하고자 하였다. 이에 따라 본 연구는 사진사와 미술사의 흐름을 동시에 추적함으로써 사진과 조각이 어떻게 상호 교차하였는지를 살펴보고, 이러한 현상을 통해 두 매체가 지니는 존재론적 차이점과 공통점을 제시하고자 하였다. 그리고 이를 통해 사진이 회화보다는 존재론적으로 조각과 더욱 밀접한 관계를 맺을 수밖에 없었음을 증명하고, 이를 근거로 오늘날의 예술사진에서 주로 보이는 조각적 성격을 규명하고자 하였다. 본 연구에서 도출된 두 매체 사이의 관련성은 다음과 같다. 첫째, 사진사 초기의 사진은 기술적으로 긴 노출 시간을 필요로 하였고 이에 따라 사진은 이동이 어려운 조각을 필연적으로 그 촬영대상으로 삼았다. 즉 사진과 조각의 물리적 조건으로 인해 이미 사진은 조각과 관계를 맺을 수밖에 없었던 것이다. 둘째, 사진과 조각은 기술적 영상이라는 존재론적 특성을 공유할 뿐만 아니라 레디메이드로서의 예술작품이라는 공통점을 가진다. 주물 조각과 콜라 기계를 이용한 조각의 복제 방식은 사람의 손의 개입을 최소화 한다는 측면에서 사진과 매우 유사하다. 게다가 레디메이드 개념의 도입으로 인해 창조가 아닌 선택으로서의 예술이 가능해지면서 대상을 기계적으로 복제하는 사진 또한 예술로 인정받기 시작했다. 중요한 것은 표현의 결과가 아니라 대상에 대한 탈맥락화와 재맥락화가 더욱 중요해진 것이다. 셋째, 사진과 조각은 공통적으로 기념물로서의 성격을 공유함으로써 기억의 보조 수단으로 사용되었다. 물론 모든 조각과 사진이 기념을 목적으로 하는 것은 아니다. 그러나 분명 조각은 그 기원에 있어 기념하기라는 목적이 내포되어 있었으며, 물리적으로 이동이 어려운 조각을 대신하여 사진은 그것을 재현하고 배포하는 가장 유용한 수단이었다. 요컨대 사진은 단순히 조각을 재현하는 것이 아니라 그것의 역할을 대신할 수 있는 매체였던 것이다. 게다가 이는 사진을 통한 조각 작품의 아카이브 형성으로 나아감으로써 사진은 조각의 역사를 기술하게 되기까지 하였다. 넷째, 사진은 다양한 현대예술의 실천에 필수적인 조건이 되었으며 오늘날에는 스스로 평면성을 극복하고 공간을 점유하는 조각 작품이 되었다. 일상적 오브제의 조형성을 드러냄으로써 새로운 조형언어를 도입함은 물론 장소 특정적 조각 작업은 사진을 통해서만 완결된 형태로 관객에게 전달될 수 있었던 것이다. 또한 콜라주와 몽타주를 비롯하여 오늘날에는 사진이 삼차원의 조각 작품으로 재현되면서 사진은 조형예술의 특성과 더욱 밀접한 관련을 맺게 되었다.

현대무대미술의 표현양식 연구

봉하일 상명대학교 예술디자인대학원 2014 국내석사

Modern and contemporary scenography is the beginning of symbolism practiced by Gorden Crag and Adolphe Appia rejecting the methods of producing theatre that intend to depict objectively and respect reality, namely, reacting to realism. From them, scenography had the meaning of existing as an artist in charge of performing environment of theatre art as creative visual language interpreted by scenographers breaking from stage area that had existed as background function for performing dramatic art. The use of the term ‘Scenography’ was named by Josef Svoboda who succeeded and developed the idea of Crag and Appia, the concept of which was that it should create the overall environment of dramatic art in charge of visual expression such as stage, lights, costumes, props and make ups not that it exists as representation of place for performing dramatic art. Realistic expressive style that scenography traditionally had shows modernity as extended idea from symbolic style, which accords with the features of modernism trend revealed in different time and space art such as literature, art, music, for that reason, the trend term ‘modernism of scenography’ is newly named in this study. The recovery of the mechanic facilities developed by war technology after the World War 2 progressed introduced in architectural designing of ravaged theaters, especially the hydraulic machine and electricity was used to build the active environment of stage setting. This made many stage technology need not physical labor of human any more and become modern and contemporary drama space that has sufficient physical condition for new and experimental expression of scenographer using kinetic energy. Modern and contemporary scenography after war passed through incessant changing procedures taking experimental form of expression to overcome the limitation of traditional dramatic art and Achim Freyer and Robert Wilson who expressed scenography as non-verbal drama space without depending on text can be discussed. Achim Freyer opened painterly scenography that has distinct characteristics of time and space moving to drama space without stopping the painterly technique at visual performance of plane work. Robert Wilson did scenography of image theatre viewing letters in the text as image, drew scenes that came to mind for performing dramatic art, connected several paintings based on that drawings making overall drama situation composed of paintings. Josef Svoboda and Robert Lepage extended form of expression of scenography adopting film language in performance considering drama space as language experimental place using film and cinematic technique. However, reacting expressive style emerged since the signs that acted as image to dramatic art and visual film language broke the linguistic essence and confused identity. Jerzy Grotowski sought for direction of plays practicing ‘poor theater’ to remove subsidiary set up mentioning retheatricalization of plays, Peter Stephen Paul Brook also tried to find essential duty of plays practicing ‘holy theater’ believing the importance of empathizing human elements through language excluding unnecessary artificial set up. Drama space created new stage language using media due to the development of science technology, and it can also be realized that text is replaced by performance text expressed on continuous time line not created in the hierarchial structure of dramatic art, escaping from the play, basic element of theatre. On the other hand, practiced style of ‘retheatricalization’ for the essence of theatre can be reviewed. The features and potential of modern and contemporary scenography are classified into 3 categories based on the discussion about the expressive style of modern and contemporary scenography in this study. First, extension of scenography through deconstruction a text. The central axis of theatre from ancient, middle age till modern times has been text and narrative and the objective of scenography has been moving the meaning of written and verbal language to visual image. However, scenography is to pursue the new stage language of creative behavior re-interpreting the text through deconstruction of traditional literature structure. Also, the performance of scenographer creating actively reflecting contemporary lives is need. Secondly, diversification of scenography expression through media. The existential status of pure art is missing in post-modern society while the meaning is created and the context is reconstructed making relationship with different arts. Scenography at this time should create aesthetic value of new sense and extension of expression. For that purpose, it should adopt variety of expression accommodating and using developed technology through media. Third, there is the dual aspect of scenography through returning to essence. Modern and contemporary scenography diversifying needs to contemplate the style that practice the suggestive theatre focusing on the play and actors removing artificial elements since they caused confusion of essential identity of theatre. However, it is important to have attitude that can think dialectically accommodating base and diversification simultaneously through incessant research about the essence of theatre by individual scenographer not exclusively accommodating experimental media escaping from dichotomous thinking adopting only this kind of return to essence. As scnenographer should provide the vision that expresses human view of the world through the expression of scenographer of their own since dramatic art is ‘one type of window’ watching human being. 현대무대미술은 19세기말 고든 크레이그와 아돌프 아피아가 현실을 존중하며 객관적으로 묘사하려는 연극의 제작방식을 거부하는, 즉 사실주의에 반동을 하며 실천된 상징주의의 시작이었다. 그들로부터 무대미술은 극 예술의 상연을 위한 배경적 기능으로 존재하였던 영역을 탈피하여 무대미술가에 의해 해석된 창조적인 시각 언어로서 공연예술의 환경을 담당하는 예술가로 존립하는 의의를 지닌다. ‘무대미술’의 용어 사용은 크레이그와 아피아의 이념을 계승 발전한 요셉 스보보다에 의해 명명되어졌는데 무대미술이라는 것은 극 예술의 상연을 위한 장소의 재현으로써 존재하는 것이 아닌 무대, 조명, 의상, 소품, 분장 등의 시각적 표현을 담당하여 극 예술의 총체적인 환경을 조성해야 한다는 개념이었다. 무대미술이 전통적으로 지니고 있었던 사실주의적 표현양식은 상징주의 양식부터 확장된 개념으로 근대성을 띠게 됨을 알 수 있고 이점은 문학, 음악, 미술 등 서로 다른 시·공간 예술에서 나타난 모더니즘 사조의 특징들과 부합되고 있기에 본 연구에서 ‘무대미술의 모더니즘’이라는 사조어를 신조한다. 2차 세계대전 이후 전쟁기술로 인해 발전된 기계설비들은 파괴된 극장들의 건축설계에 도입되어 복원이 진척되었는데 특히 유압식 기계와 전기를 이용하여 무대장치들이 동적인 환경을 구축하게 되었다. 이에 많은 무대기술들은 더 이상 인간의 육체적 노동행위를 필요로 하지 않게 되었고 운동에너지를 활용하여 무대미술가들이 새롭고 실험적인 표현을 하기 충분한 물리적 조건을 갖춘 현대적 극 공간이 되었다. 현대무대미술은 서구의 전통적인 극 예술의 한계를 극복하기 위해 실험적 표현형식을 취하며 끊임없는 변모의 과정을 거치게 되는데 텍스트에 의존하지 않고 비언어적인 극 공간으로서 무대미술을 표현한 아힘 프라이어와 로버트 윌슨을 논의 할 수 있다. 아힘 프라이어는 회화적 기법을 평면작업으로 그친 시각적 행위에 멈추지 않고 극 공간으로 이행하여 시·공간적 특수성을 지닌 회화적 무대미술을 펼쳤다. 로버트 윌슨은 텍스트를 문자에서 이미지로 보고 극 예술의 상연을 위해 떠오르는 장면을 드로잉 하고 거기에 바탕을 둔 여러개의 그림을 연결하여 그림으로 이루어진 전체적인 극 상황을 만드는 이미지 연극의 무대미술을 하였다. 요셉 스보보다와 로베르 르빠주는 영상과 영화적 기법을 활용하여 극 공간을 언어 실험적 장소로 보고 공연에 영상 언어를 도입하여 무대미술의 표현형식을 확장시켰다. 하지만 이러한 시각적인 영상 언어와 극 예술에 이미지 적으로 작용하는 기호들은 연극의 언어적 본질성을 해체시키고 정체성의 혼란만을 야기 시키기 때문에 거부하는 표현양식이 나타났다. 예지 그로토프스키는 연극의 재연극화를 언급하며 부수적인 장치들을 제거하는 ‘가난한 연극’을 실천하면서 연극의 방향성을 모색했고 피터브룩 또한 불필요한 인위적인 장치들을 배제하고 언어를 통한 인간적인 요소를 강조하는 것이 가장 중요하다고 믿으며 ‘성스러운 연극’을 실천하여 연극의 본질적 당위성을 찾으려고 했다. 현대무대미술의 표현양식들을 통해 본 극 공간은 과학기술의 발전에 따라 매체를 활용하여 새로운 무대 언어를 창조하였고, 또한 연극의 기본 요소인 희곡을 벗어나서 텍스트는 극 예술의 위계적인 구조 속에서 창조되는 것이 아닌 끊임없는 시간선상 위에 발현되는 퍼포먼스 텍스트로 대체되어 창조 된 것을 알 수 있다. 반면에 연극의 본질성을 위해 ‘연극을 위한 연극’으로 실천된 양식도 살펴볼 수 있다. 이에 본 연구는 현대무대미술 표현양식을 논의 하면서 이를 토대로 현대무대미술의 특징과 발전가능성에 대해 세 범주로 구분하였다. 첫째, 탈 텍스트화를 통한 무대미술의 확장화이다. 고대와 중세는 물론 근대와 현대에 이르기까지 연극의 중심축은 텍스트와 내러티브였으며 무대미술의 목표는 그러한 문자언어와 음성언어의 의미를 시각적인 형상으로 이동하는데 있었다. 하지만 무대미술은 전통적인 문학구조의 해체적 사고를 통해 텍스트를 재해석하며 창조적 행위의 새로운 무대언어를 추구하는데 있다. 또한 동시대적 삶을 반영하여 능동적으로 창조하는 무대미술가의 수행성이 필요하다. 둘째, 매체활용을 통한 무대미술표현의 다양화이다. 포스트모더니즘 사회에서는 개별예술의 존재론적 지위는 상실된 채, 서로 다른 예술들과의 관계 속에서 관계를 맺고 의미를 창출하며 맥락을 재구성하고 있다. 이러한 시점에서 무대미술은 표현의 확장과 새로운 감각의 미적 가치를 창출해 내야 한다. 이를 위해 매체활용을 통해 발전된 기술들을 수용하고 활용하여 표현의 다양성을 취해야 한다. 셋째, 본질로의 회귀를 통한 무대미술의 양면성이다. 다원화되는 현대무대미술은 인위적인 요소들로 연극의 본질적인 정체성의 혼란을 야기 시켰기 때문에 이를 모두 제거하고 희곡과 배우에 중심을 두고 제의적 연극을 실천하는 양식을 바라볼 필요가 있다. 하지만 이런 본질로의 회귀만을 취

한국무용 공연예술시장 확대를 위한 한국문화원형의 활용 방안

김초하 상명대학교 예술디자인대학원 2013 국내석사

Currently, a variety of culture in the world is sharing·developing at a rapid rate, this phenomenon can certainly be known in 'Korean Wave' in the world. 'Korean Wave' has demonstrated that Korean culture is watched by the world, as a result, Korea is growing rapidly with the title of a cultural power. In this era, Korea culture's original form has become the foundation to set up in the world. Due to characteristics such as uniqueness, traditionality, diversity etc cultural original form has, they have had a significant effect on Korea's economic, industrial development by inducing the curiosity and interest of people who are living in a different culture area. However, the development of Korean dance that can be called unique culture among them has been very slow. This is because the traditional dance is taken easy and Korean things are taken for granted naturally by being accustomed to accepting Western culture. In the situation that performing arts are developing, easy going response attitude of employees who do Korean dance has made even Korean people ignore it. To sum the situation up, the most appropriate solution at this moment was considered to take advantage of Korea culture's original form which has universality and diversity, uniqueness collectively and this researcher investigated Korea culture's original form. In addition, this is expected to be the cornerstone as the preceding data through the ultimate goal to expand the performing arts market of Korean dance in future. This study presented the way to use Korea culture's original form as a measure by expecting to expand the performing arts market of Korean dance. Measures that can be used as a practical approach were examined in terms of performance planners by recognizing that Korea culture's original form was worth in current performing arts market as a material of the dance performance. Based on the results, Ryu dance company planned 'Leave the trail' for 11th anniversary concert, suggested the direction to apply them through substantial performance planning process and verified them by writing the performance proposal that was empirical data. Therefore, the purpose of this study is to look for ways to utilize Korea culture's original form and to provide the direction to apply it to expand the performing arts market of Korean dance. To achieve the ultimate goal of 'Expansion of the performing arts market of Korean dance' in future, in-depth research and study through trial and error of the measures are required, which is the limit. So, the way of using and activating it in other aspects should be made consistently. 현재 세계의 다양한 문화는 빠른 속도로 공유·발전하고 있으며, 이러한 현상은 세계 속의 ‘한류열풍’에서도 확실히 알 수 있다. ‘한류열풍’은 우리문화가 세계 속에서 주목받고 있음을 증명하였고, 그로 인해 우리나라는 문화강대국이라는 칭호와 함께 빠른 속도로 성장하고 있다. 이러한 조류 속에서 한국의 문화원형은 세계 속에 한국이 올라설 수 있는 기반이 되었다. 문화원형이 가지는 고유성, 전통성, 다양성과 같은 특징들로 인하여 다른 문화 속에서 살고 있는 세계인의 궁금증과 흥미를 유발시켜 결과적으로 우리나라의 경제적, 산업적 발전에도 큰 영향을 미쳤다. 하지만 그 속에서도 우리나라 고유문화라 할 수 있는 한국무용의 발전은 매우 더디게 진행되고 있다. 이는 전통무용이라는 안이한 생각과 더불어 아직까지도 서양문화수용에 익숙해져 우리 것을 너무도 자연스럽게 당연시 하는 것에서 비롯되었다고 볼 수 있다. 공연예술이 발전해 가는 현 상황에 한국무용을 하는 종사자들의 안이한 대응 태도가 우리나라 사람들까지도 외면해 버리는 상황을 초래하였다. 지금까지 상황들을 종합해 보았을 때, 현시점에서 가장 적절한 해결 방안으로 보편성과 다양성, 고유성이 총체적으로 내포되어있는 문화원형을 활용 하는 것이라 사료되어 한국의 문화원형을 중심으로 연구하였다. 또한 이것은 앞으로 한국무용 공연예술시장의 확대를 위한 궁극적 목표를 통해 선행 자료로써 초석이 되기를 기대한다. 본 연구는 한국무용 공연예술시장의 확대를 기대하여 그 방안으로 한국문화원형의 활용방안을 제시하였다. 이 연구는 한국문화원형이 현재 공연예술시장에서 무용공연의 소재로써 충분한 가치가 있음을 인지하여 공연기획자의 측면에서 실무적 접근방법으로 활용할 수 있는 방안에 대하여 연구하였다. 이 연구결과를 토대로 류무용단 11주년 기념공연 ‘흔적을 남기다’를 기획해 실질적 공연기획과정을 통하여 적용방향을 제시하고, 실증적 연구 자료인 공연기획서를 작성함으로써 본 연구결과를 입증하였다. 따라서 본 논문은 한국무용 공연예술시장의 확대를 위하여 한국문화원형의 활용방안을 모색하고, 적용방향을 제시하는 것 까지가 연구의 목표이다. 향후 ‘한국무용 공연예술시장 확대’라는 궁극적 목표를 달성하기 위해서는 앞으로 활용 방안의 시행착오를 통한 심도 있는 조사, 연구가 요구되며, 이 논문의 한계점이라 하겠다. 이에 또 다른 측면의 활용방안 또는 활성화방안에 대한 연구가 지속적으로 이루어져야 할 것이다.

원(圓)의 형태를 응용한 장식용 화기 디자인에 관한 연구

김여름 상명대학교 예술디자인대학원 2008 국내석사

As the world has been changed and advanced in civilization, the distinction between the interior space and nature tend to become more clarified and far apart. In such changed environment, people tend to aspire after nature. Thus, the effort to make the miniature of nature has come up with various solutions in people's everyday life. One of these expressions of such solutions was to pick the wild flowers and put them inside the house. And it was a human's instinctive behavior that has shown to express the artistic side of humans, which was developed along with a long history. This is the start of the flower arrangement as an art. Along with the flower arrangement, the art of ceramics started for the use of a flower vase or bowl. Ceramics for flower arrangement have to mix with flowers that are very colorful and natural at the same time. However, it will reduce the effectiveness of flower's beauty rather than mingle with it if the ceramics are too fancy or curvy with complicated patterns. Therefore, it is required to have a proper balance of simpleness in patterns of ceramics. As a result, the ceramics were designed to apply the basic of simpleness, especially "a circle", in this study. All the forms of space in our lives are constructed based on the basic circles, triangles, and squares. Among those forms, circles have no end points that bring its simple curves. The curvy lines tend to express dynamics; thus, it expresses the visual impact with the eternity and unity. This is conceptualized in human's psychological studies in both Eastern and Western cultures. Also, circles have sculptural characteristics that can show to be very stabilized as well as easily changed without limit. Thus, circles are expressed in various ways ubiquitously, such as architecture, art, and design. In this study, the ceramics for the flower art were designed to apply these various characteristics of the circles as a form of different shapes. Since simple flower arrangement now turned into the flower art as to be more conceptualized, the pottery has also become the ceramics for flower art as a part of the perfection. Therefore, the purpose of this current study is to prove the major role of ceramics as a part of interior art as wellas the function of ceramics themselves for the flower art. Moreover, this study covers the historic background, downstream, and examples of ceramics, especially for the flower art purposes. Importantly, the formative characteristics of circles and representation are described with examples that circles are applied in the architectural and sculptural art for better understanding. In the process, the clay board was created for the development figure of a circle using a compass. Then, each piece was cut and paste from the clay board. This method was the best solution to express the simple but diverse patterns of a circle. And it was the main focus of this study for sculptural ceramics. The material was the mixture of white clay soil for rough expression with variety. In addition, the mat oil was used for color variation thorough several oil experiments. To conclude, it is expected that we understand the concept of modern ceramics for the flower art from the flower arrangement through this current study. At the same time, it is also expected that there are more studies involved in developing new types of ceramics with diversity that florists want for performing flower art. 문명이 발전하고 변화됨에 따라 자연과 생활공간의 구분이 명확해 지고 그 거리가 멀어지게 되었다. 이렇게 변화된 환경 속에서 인간은 자연을 동경하게 되었고 이러한 욕구로 인해 생활 속에 자연을 축소시키는 노력이 다방면에서 이루어지고 있다. 이러한 표현 중 하나가 꽃을 꺾어 집 안에서 그 아름다움을 감상하게 된 것이다. 이는 아주 오래 전부터 시작된 행위로 이것을 꽃꽂이의 시작으로 볼 수 있는데, 이러한 꽃꽂이의 시작과 함께 화기의 시작도 함께 하게 되었다. 화기는 화려하고 자연스러운 형태를 가진 꽃과 함께 어울려 장식되어진다. 이때 화기가 너무 화려한 색을 지닌다거나 어지러운 형태를 지닌다면 꽃과 어울리기 보다는 서로의 아름다움을 절감시키게 된다. 때문에 화기는 형태에 있어서의 적절한 단순함이 필요하다. 이러한 이유에서 본 연구에서는 기초도형인 원(圓)을 응용하여 화기를 디자인 하였다. 우리의 시야와 공간에서의 모든 형태는 대표적인 기초도형인 원, 삼각형, 정방형을 기본으로 하여 구성되어있다. 이 가운데 원(圓)은 다른 형태와 달리 시작과 끝이 없이 계속 이어지는 단순한 곡선의 구성이 지니는 운동감으로 인해 시각적 우수함을 갖는 동시에 영원함과 화합을 상징하여 동·서양 모든 인류의 정신적 측면에서 관념화 되어 나타나기도 한다. 또한 가장 안정적인 동시에 무한대로 변화되는 조형적 특징을 가지고 있기에 건축, 예술, 디자인 등 모든 분야에서 다양한 방법으로 표현되고 있다. 본 연구는 원이 가지고 있는 수많은 특성과 조형적 특징을 이용하여 화기를 디자인하였다. 화기는 꽃을 담아 수명을 연장시키는 기본 기능으로 사용되어져 왔지만 현재에는 꽃꽂이의 개념이 바뀌어 꽃예술 이라는 새로운 분야로 발전되어 공간을 꾸미는 조형수단으로 여겨지고 있다. 이에 따라 화기 역시 꽃이 담기는 그릇의 개념에서 꽃과 함께 장식되어지는 조형의 개념으로 발전 되었다. 이러한 변화된 흐름에 맞추어 기능과 더불어 하나의 공간을 장식하는 역할을 할 수 있도록 하는 것을 본 연구의 목적으로 하였다. 그리고 화기의 역사적 배경과 흐름을 알아보고 시대의 변화에 따른 역할의 변화를 살펴보았으며 현대에 주로 사용되고 있는 화기의 예를 찾아보았다. 이어서 원이 가지는 조형적 특성과 상징성을 살펴보고 이를 응용한 건축 및 예술작품의 예를 들어 이해를 돕고자 하였다. 시작품을 제작하는 데 있어서는 원의 특성을 보다 잘 살리기 위하여 흙 판을 만들어 형태의 전개도를 컴퍼스로 그리고 제단 하여 접합하는 과정을 거치는 판 성형의 방법을 이용하였고, 이러한 연구과정을 거쳐 단순하면서도 다양한 변화가 가능한 원의 조형적 특성을 보다 구체적으로 이해하면서 여러 가지 방법으로 분해하고 결합함으로서 얻어지는 다양한 형태를 표현하는 것에 중점을 두고 조형성이 강한 화기를 제작하였다. 소지는 거칠고 다양한 느낌을 주기 위해 입자가 고운 백색조합토를 사용하였으며 색의 변화가 있는 요변성을 가진 매트유를 유약의 실험을 통하여 다양하게 연구하고 시작품에 반영하여 다양한 변화를 주었다. 이와 같이 제작된 화기의 연구를 통해 기존의 꽃꽂이 양식에 의한 화기에서 현재 변화된 현대화기의 개념을 이해함과 동시에 기존 화기에 대한 고정관념을 버리고 플로리스트들이 원하는 새롭고 다양한 조형적 화기의 많은 연구가 계속 되기를 기대한다.

러시아 구성주의 무대미술 특성 연구

이찬협 상명대학교 예술디자인대학원 2015 국내석사

This paper focuses on theatrical production between 1917-1930, and focuses on the artistic scene and the formative relationship between nature and social change in Russia of the time. The Russian Revolution and adoption of socialism inspired young artists to develop indeed give birth to a colorful stage art based on the experimental spirit of the new age which reflected social change and involved a methodology of audience inclusiveness. This fusion of art and society was the result of disciplines and ideas between the director, playwright or choreographer yet to reflect the message of the artists with the background message that “the individual is directly involved.” The Lenin and Lunacharsky Center embodied this ideology and had its roots in the national and cultural arts policies and guidelines that established the edict that “creative potential should not leave the limits to artists control since faithfully maintaining the ideological path did not have to be exclusive of one another. These “constructivist stage artists” knew that Russians will actively intervene in the New Intellectual Movement like a social reality of the times and get establish thoughts with the active participation of informed citizens. This interest was a time of high interest and the whole country was supportive of theater with the audience interaction this community-wide active vigor and interest of the audience and actors, by changing the relationship between the stage and the audience has earned a form to create a theater space together as Constructivism. Changes in this theater space were a way to encourage the creative role of the audience for the completion of the play. It was built as part of a new society through the theater. To be presented to the audience that the world is a space that is expressed through the visual and metaphorical target. The space is the meaning of the 'theater' and actors of the act of breathing reality as the theater and the audience happening 'place' is implied at the same time. That theater audience concentration and feelings of the audience, depending on whether face-to-face in any form will vary. And yet another stage is a unique character depending on the relationship between the space occupied by actors and stage equipment. Thus, the stage forms a writer, director and actor, one of the art forms that thoughts and feelings are gathered from the audience. Therefore, if the age is changed automatically think of the producers participating in the theater and stage art changed also changed. It also has a distinguishing characteristic of contemporary arts and other stage means that the social environment is different around the theater. When viewed in this context it was characteristic of the Russian constructivist art scene to be represented as a staged theater within the theater. Russian constructivist stage for art property looks briefly as follows: 1. First, the Russian constructivist art stage properties were deprecated the 'fourth wall' concept, unlike the stage and the audience, the separation of actor and audience of theatrical naturalism emphasizes the same space, the same role. Russian constructivist art scene that occurred before and after the revolution made the theater space into one concept to elicit the active participation of citizens. This was their way of expressing the results where the ranks of civil society demand’s were looking for or even eliciting the active participation of the people in the process of building a new society. At the time this trend has appeared in the auditorium and the stage where thousands of people on stage were actively involved in these works as theatrical troupe of amateur actors and a number of Russian Constructivists was as festive as one. This property could be developed for individuals as expressions of citizenship through the development of the revolution and socialism by default. 2. Second, the Russian constructivist art scene under the influence of scientific and technological developments implemented the image of the machine age. In the stage art iron, glass, metal plates, plastic, metal pipes, etc. chose the new sanctions, stage equipment were able to move production to the actors. Modern mobile use was using a video screen and provided the industry image. These mechanical devices were a symbol of progress in science, technology and industry to the Russian constructivist stage artists. Furthermore, in pursuit of functional art which can be used in real put a lot of potential in the modern field of applied art. 3. Third, the Russian constructivist art scene under the influence of Cubism is to simplify and organize the formative stage device as the three-dimensional geometric shape made of three-dimensional space. A variety of stage equipment was basic geometric shapes into the expression. Geometric representation is made that the universal mathematical discipline and rational thought and the objective was to strip personality. The universal shape that is easily accessible, genius is the way that the artist was opposed to modernist art galleries gave birth to work. So everyone assembled a ready-made object, geometric representations that can be configured into a larger piece is an important representation in the Russian constructivist art scene. Constructivist sculpture are also taking the stage device is shown as an independent object. Each object has existed in intensity but independent means designed to be used as different meanings each scene. This stage device could have meant by specific actions of the actors in the scene, each stage as formed between the device and the audience was composed of actors with new meaning. Namely the Russian constructivist art scene is changing citizenship and the arts, science and technology, it is to realize the utopia of a harmonious combination of the industry through the art works, since the Russian Revolution wholehearted political sup 러시아 구성주의 무대미술 특성 연구 본 논문은 러시아 혁명이 발발한 1917년부터 1930년까지 활성화 되었던 러시아 구성주의 무대미술의 특성을 사회 변화와 연관 지어 연구한 것이다. 사회학자 아돌포 산체스 바스케스(Adolfo Sanchez Vazquez, 1915~2011)는 그의 연구에서 예술자체는 하나의 사회적 현상으로 규정지을 수 있으며 예술과 사회의 불가분의 관계라고 밝혔다. 19세기 유럽은 자연과학과 인문과학의 발달로 기술의 발달과 사고의 혁신이 일어나게 되었고, 이러한 변화들이 바탕이 되어 다양한 사조의 시민 문학과 예술이 나타나게 되었다. 하지만 러시아는 여타유럽과 전혀 다른 상황이 전개되고 있었는데, 블라디미르 레닌(Vladimir Ulyanov Lenin, 1870~1924)에 의해서 발발한 러시아 혁명이후 러시아의 문화·예술은 정책적 지원을 받으며 전반적으로 발전하게 되었다. 시대의 변화에 영향을 받지 않은 예술을 찾아보기는 힘들지만, 러시아 구성주의는 다른 어떤 예술 사조보다 사회 변화에 지대한 영향을 받았다. 혁명 직후 노동자와 민중 중심의 시민문화 건설에 적극적으로 부응한 예술가들은 대부분 러시아 아방가르드 계열이었는데 이들은 페테르스부르그와 모스크바에 집중되어 혁명 이전부터 서구의 아방가르드 운동에 많은 영향을 받으며 활동하였다. 하지만 1924년 이오시프 스탈린(Ioseb Dzhugashvili Stalin, 1879~1953)으로 집권체제가 바뀌자 러시아 구성주의는 형식주의라는 비난과 함께 정치적으로 압박을 받게 되었고 러시아 구성주의 예술가들의 입지가 점점 좁아지게 되고 결국 숙청당하거나 망명을 떠남으로써 그 예술 열기는 사라지게 되었다. 러시아 구성주의 무대미술의 조형적 공간감은 현대 무대미술에 중요한 영향을 주었고 실험적인 연극을 할 수 있는 토양을 제공하였고 현대 건축, 의상, 사진과 응용미술 분야인 시각 디자인 분야에도 새로운 에너지를 불어 넣었으며 현대적 조형미의 원형이 되었다. 즉 미술과 과학 그리고 생활이 조화를 이루는 사고방식의 밑거름을 제공하였다. 개념 그대로의 자연주의 연극 무대미술이 아니라면 현대 연극의 무대미술 특성은 모두 20세기 초기 아방가르드 연극의 영향을 받았다고 할 수 있다. 특히 아방가르드 연극 안에서도 러시아 구성주의 연극 연출가들의 실험적인 극 공간에 대한 이해는 현대 연극과 무대미술의 이해를 위해 필수적이다. 새로운 공간 탐구와 그것에 상응하는 조형적이고 기계적인 무대장치 개발은 고전적 아방가르드 연극 운동의 중심이었다. 이들의 무대미술에서 주목할 만한 사항은 2차원의 평면적이고 장식적인 회화의 특징이 사라지고 입체적 형태의 3차원적 조형물들이 극공간 전체에 등장하기 시작했다는 것이다. 이것은 허상의 공간이 아닌 현실적인 공간에 주목하게 되는 변화를 적극적으로 수용하는 예술가들의 사고 변화와 더불어 러시아의 사회적인 변화에서 비롯된 것이라고 본다. 러시아 구성주의 연극은 다른 어떤 경향보다 그 문제에 집중했다. 특히 시민의식의 변화, 과학기술의 발전이 가지고 온 기계시대의 역동성과 그에 따른 기하학적인 입체적 장치물들은 사회변화 특성과 연관 지은 러시아 구성주의 무대미술의 특성 중에서도 주목할 만한 특성들이다.

Bertolt Brecht의 「억척어멈과 그 자식들」의 무대의상 디자인 연구 : 해체주의적 관점에서

이유선 상명대학교 예술디자인대학원 2008 국내석사

The theatrical theories of Bertolt Brecht, including his theory of epic theatre, rejected conventional Aristotelian dramatic styles, and thereafter have played a great role in general artistic activities as well as in numerous plays and films. However, his works are now considered classics and the meaning of a classical text has gone through changes in the contemporary age. Accordingly, styles of visual communication have also taken different forms, requiring new manners different from previous ones. While stage costumes for traditional theatres in general are designed based on particular times and places, those for other cases are determined by the imagination of a costume designer and a director in which dramatic themes or what they intend to express are taken into consideration. Therefore, it is likely that the dramatic themes and the characters in those dramas that are not necessarily bound to particular times and places can be expressed more freely without any conventional or traditional restriction. In this study, we attempted to visualize Brechtian theories for designing stage costumes for one of the most significant late works of Brecht, 『Mother Courage and her Children』. In doing so, we have focused on the theory of deconstruction. The direction of this study has been deeply inspired by the film 『The Cook, the Thief, His Wife & Her Lover(1989, directed by Peter Greenaway, and costume design by Jean-Paul Gaultier)』, and the play 『Titus Andronicus(1994, directed by Julie Taymor)』. Based on Brechtian theories, these works express their themes and images effectively by frequently using alienation effect as an artistic device and gesture as an acting technique, wherein visual elements with an inclination toward deconstruction are embedded. First, those theories that could be applied to scenography among his far-ranging theoretical theories were observed in terms of alienation effect, gesture, and scenography. In the next chapter, the history and the theoretical characteristics of the theory of deconstruction were discussed, followed by reflections on how these characteristics could be associated with costumes. Based on these discussions, what roles the stage costumes play in the film 『The Cook, the Thief, His Wife & Her Lover』 and the play 『Titus Andronicus』, and what effects they had on each work were observed scene by scene. Subsequently, an analysis on 『Mother Courage and her Children』 was conducted, with a focus on the previously discussed Brechetian theatrical theories and the background knowledge about deconstruction, in order to create a deconstructionism design for its stage costumes. With that costume design, we proceeded to produce an experimental play to demonstrate its effectiveness and potential. The production of 『Mother Courage and her Children』 by Brecht with its stage costumes visualized from a deconstructionism perspective causes the audience psychological discomfort throughout the whole play. It is not only due to the primary effects coming from the forms, the materials, and the colors of the costumes, but also because of the combination of the movements treated under the rubric of Gestus by the actors wearing these deconstructionism costumes, the use of Differences and intertextual props, the digital images without any explicit relationship with the plot of the drama, and the stage setting's breakaway from phenomenon. This kind of discomfort lacking in spontaneity and resonable beauty makes the audience face the dramatic conditions in a more objective way, and perceive the image as a whole to be floating around. Thus, in contemporary interpretations of Brecht's works, a deconstructionism way of expression among others is proved to have the potential to visualize the theories of Brecht within a certain scope. 서사극 이론으로 대표되는 연출가 베르톨트 브레히트의 연극 이론들은 아리스토텔레스의 전통적 희곡 양식을 반대하면서 이후 나오는 수많은 연극, 영화 뿐만 아니라 전반적인 예술활동에 많은 역할을 한다. 하지만 이러한 브레히트의 작품도 고전의 반열로 올라서고 현대에는 고전텍스트의 의미가 점차 바뀜에 따라 시각적 전달 양식도 초기의 형태와는 다른 방법을 취하게 하여 이전의 방식과는 다른 방식을 요구하게 된다. 한편 일반적인 전통극의 무대의상은 특정시대나 장소를 바탕으로 디자인되지만 그렇지 않은 경우에는 작품의 주제나 표현하고자 하는 것에 따라 의상 디자이너와 연출가의 상상력에 따라 결정된다. 그러므로 특정시대배경에 얽매일 필요가 없는 작품에서는 관습이나 전통에 구속받지 않고 보다 자유롭게 극의 주제와 인물의 성격을 표현할 수 있는 가능성이 더욱 많다. 본 논고에서는 브레히트의 작품 중 후기의 대표작인 『억척어멈과 그 자식들』의 무대의상 디자인을 위해 브레히트의 이론을 시각화 하는 과정에서 해체주의 이론을 중심에 두었다. 이러한 논고의 방향은 1989년 피터 그리너웨이가 감독을, 장 폴 골티에가 의상디자인을 맡은 영화 『요리사, 도둑, 그의 아내, 그녀의 정부』와 1994년 줄리 테이머 연출의 연극 『타이터스 안드로니쿠스』에서 브레히트의 연극이론을 토대로 미술적 소외효과와 등장인물들의 게스투스적 연기를 빈번히 사용하면서 그 저변에 해체주의적 성향의 시각적 요소들을 배치해 놓음으로써 작품의 주제와 이미지를 효과적으로 표현했던 것을 접하면서 여기에 깊은 인상을 받았음이 크다. 먼저 브레히트의 광범위한 연극이론 중 무대의상 상에서 응용될 만한 이론을 소외효과, 게스투스, 무대미술의 세 가지 측면으로 살펴보았고 다음 장에서 언급될 해체주의 이론의 형성과 그 이론적 특성, 이러한 특성이 의상과는 어떠한 연관성을 가지는지에 대해 고찰해 보았다. 이러한 논의를 바탕으로 영화『요리사, 도둑, 그의 아내, 그녀의 정부』와 연극『타이터스 안드로니쿠스』에서 작품속의 무대의상이 각각의 영화와 연극에 어떠한 역할을 하고 그 역할은 어떠한 효과를 내는지 장면별로 살펴 보았다. 이후 논의되어진 브레히트의 연극이론과 해체주의의 사전 지식을 중심에 두고 브레히트의 『억척어멈과 그 자식들』의 작품을 분석하여 해체주의적인 무대의상 디자인을 표현해 보았고 디자인을 바탕으로 실험적인 양식의 공연을 통해 그 효과와 잠재력을 확인할 수 있었다. 브레히트의 『억척어멈과 그 자식들』의 무대의상을 해체주의적 관점으로 시각화 했을 때 관객이 느끼는 현상들은 의상의 형태와 소재, 색상에서 오는 1차적인 효과 뿐만 아니라 이러한 해체적 의상을 착용한 배우들의 게스투스적 움직임과 차연적이고 상호텍스트적인 소품의 활용, 그리고 극의 진행방향과 별 연관관계가 없는 영상과 탈현상적인 무대 배경등과 함께 어우러져 시종일관 관객을 심리적으로 생소하게 한다. 일반적이거나 자연스럽거나 적당히 아름답게 보이지 않는 이러한 불편함으로 인해 관객은 극의 상황에 보다 객관적으로 대처하게 되고 전체적인 이미지를 부유된 상태로 인식하게 된다. 이로써 브레히트 작품의 현대적 해석에서 브레히트의 이론을 일정한 범위 안으로 시각화하기 위한 방법 중 해체주의적 표현방법의 잠재력을 확인할 수 있다.

중국사상에 나타난 디자인 관점에 대한 연구 : 유가·불가·도가사상을 중심으로

왕효남 상명대학교 예술디자인대학원 2014 국내석사

교통수단과 통신수단의 발달로 각국의 교류가 더욱 더 활발해지면서 지역적인 특성에 따라 문화적 정체성과 세계화된 보편적인 가치관의 조화가 점점 더 중요해지고 있다. 이런 다문화적인 배경 속에서, 중국디자인의 문제를 파악하기 위해서는 먼저 중국 문화에 대한 심층적 연구를 통해 중국의 문화가 세계문화의 흐름에 어떻게 융합하는지에 대한 연구가 선행되어야 한다. 이에 따라 본 논문은 중국의 특정한 지리환경, 문화적 환경 속 역사에서 생성된 중국사상과 선진적 디자인 사상의 관계에 대한 연구를 통해 중국 문화 측면에서 설명하고 중국 디자이너들이 쉽게 흡수 할 수 있는 형식으로 도출하고자 한다. 본 논문은 중국의 유가사상, 도가사상, 불가사상으로 대표되는 중국사상과 근대 사회주의문화와 디자인의 관계의 대한 연구를 한다. 논문의 2장은 본론 전개를 위한 예비적 고찰이며, 주로 중국문화에 대한 역사개괄과 디자인, 사회, 정치, 문화, 경제의 상관관계에 대한 개괄과 디자인에 영향을 미친 중국역대사상을 개괄하였다. 3장은 중국의 유가사상, 도가사상, 불가사상과 근현대문화의 주요내용을 다루며 각 사상속의 나타난 디자인 이념에 대해 고찰하고, 마지막 4장을 통해 주요사상별 디자인 이념과 발전방향을 제시하였다. Given the fact that traffic and communications developed and increasingly close relationship among all countries, the integration of local culture and other cultures plays a more important role in the world. The aim of this thesis is to explore the development direction of Chinese design under global environment by researching traditional Chinese culture: Confucianism, Buddhism and Taoism. Through comparison between Confucianism, Buddhism, Taoism and advanced western design culture and drawing lessons from which, this thesis probes the design philosophy with Chinese characters. Based on the studying of Confucian ideal of benevolence, propriety and moderation, this thesis probes into the design philosophy of “human-oriented”, “design ethics” and “design for everyone’s welfare”; It discusses the philosophy of “design for love and comfort” and “design to break stereotype” according to Buddhist thought of mercy and empty; It explores “the nature of design” while studies Taoist thought of non-action. As global center transfers from East to West, western design, with 100 years’ history, starts concerning on oriental culture and philosophy. China,beingamulti-oriental-philosophiesgatheringplace,willprovideanewdevelopdirectionforinternationaldesignbenefitedfromitstraditionalandsplendidculture.

무대공연기획의 문제점 개선을 위한 방안에 관한 연구

김완겸 상명대학교 예술디자인대학원 2008 국내석사

The crisis of Pure Arts has been publicly arisen historically, in the field of Stage Performing Arts. Because of consolidation in the Stage Performing Arts, its traits are being widely presented in both creation and circulation of the Stage Performing Arts. Likewise, the crisis has been diagnosed from time to time. The Stage Performing Artists are keen on favorable environment which is well formed in terms of policy and societal, which allows them to perform, and hope for it. The industry is said to be experiencing ‘hardship’. Due to economic instability, reduction in government subsidy, emergence of alternatives and other hindering factors, it is deemed to be contracting. However, various opportunities are likely to exist when viewed through different lenses. As well as importing reputable foreign production, creative production with high quality and audience value that penetrates niche market have been successful with its global recognition that facilitates its expansion across the world. By utilizing Stage performing Arts environment that leads to improvement of scattered issues, out stage Performing Arts will definitely embrace a favorable environment. In contrast to increasing vibrancy of performing activities and expansion of Arts organizations, programming and management are still lagging behind modern times. Except for several theatres and Arts Organizations in Seoul, most of the ones in non-metropolitan districts not only lack expertise in their operations, but frequent amendments in policies and inadequate budgets are placing them in an unfeasible environment. Unprofessional management in our Stage Performing Arts is clearly discernible in programming and marketing strategies. Domestic art institutions not only perform sporadically, they have been dependent on promotional activities that are engaged in targeting false market segmentation. This comprehensive process and methodologies make predictions on prospective audiences more difficult. In this thesis, propositions have been devised for escalating liveliness and feedback on sluggish correspondence in fast evolving Stage Performing Arts. In the site of Stage performing Arts, performances have been held in ways that are inherent to its customs rather than being systematically institutionalized The researcher argues through the stages of Stage Arts performance planning, centralizing on the solutions to modern Stage Performing Arts, with the notion that performances must contain idiosyncrasy, diversification and experiences; allowing the audience to be trustworthy and intriguing. Daehak-ro, the central venue for the Stage Performing Arts consists of several problems that must be rectified. This is attributable to the stable coherence in its economical traits. To avoid these problems, the concerned parties of stages must perceive these problems and be committed in improving, in conjunction with government support. The global competitiveness of Stage Performing Arts must be enhanced and through applying new media and technology, various Performing Arts styles must be created. Besides, the dependence on public support should be diversified through nongovernmental support. In the case of domestic performing arts, the collective result of performance is limited. The entire performing arts should have a broad outlook and in long term, the performing arts should be developed with its expertise and systemization for its revitalization. In order to overcome the barriers that Stage Performing Arts is confronting, the suggestions are being made regarding policy, stage planning, international affairs and marketing. Last but not least in importance, constant studies and improvements are required by taking experts’ advice into account. 기초예술의 위기는 오래전부터 공연예술계에서 더욱 완연하게 대두되어 왔다. 창작에서나 유통에서나 공연예술이 집단 형태를 취하기 때문에 성격상 그 부침은 쉽게 가시화된다. 따라서 위기의 진단도 종종 내려진 바 있다. 공연예술인들은 공연예술을 할 수 있는 좋은 환경이 정책적으로나 사회적으로 잘 갖춰지기를 가장 중시하며 그것에 가장 큰 기대를 걸고 있다. 다들 공연시장이 “어렵다.”고 한다. 경기불안, 정부지원의 감소, 공연 이외의 볼거리 확대 등 많은 장애요소들로 인해 시장이 얼어붙고 있다고들 말한다. 하지만 다른 시각에서 살펴보면 기회 역시 많이 있다. 외국의 좋은 작품들이 들어오는가 하면 높은 작품성과 흥행성으로 틈새시장을 열어가고 있는 창작품들도 좋은 성과를 얻어서 해외에서도 인정받고 있는 공연과 한류 등으로 공연예술시장이 세계로 넓어지고 있다. 이처럼 공연문화의 환경을 잘 이용하여, 산재해 있는 문제점을 개선한다면 우리의 무대공연예술은 분명히 좋은 환경을 가질 수 있을 것이다. 대학로와 각 지방자치단체에서 공연장과 예술단체의 설립과 공연활동이 활발해진 것과는 달리 그 기획과 경영에서는 전근대적인 방식을 벗어나지 못해온 것이 현실이다. 서울의 몇몇 공연장과 예술단체를 제외한 대부분의 지방 공연장과 예술단체의 운영주체가 전문성이 떨어질 뿐만 아니라 수시로 변화되는 정책들, 부족한 프로그램 예산 등 전문적인 운영이 제대로 이루질 수 없는 환경이었던 것이다. 우리 무대공연예술의 비전문적 경영은 프로그램 기획이나 마케팅 방식에서 확연히 드러난다. 국내 예술기관들은 대부분 비정기적으로 공연을 무대에 올릴 뿐만 아니라 마케팅 대상으로서의 관객에 대한 정보가 부족한 가운데 불특정 다수를 상대로 홍보하는 것에 의존해 왔다. 이런 일괄의 과정과 방식은 누가 어떤 형태로 공연장을 찾을 것인가를 예측하는 것을 불가능하게 만든다. 본 논문에서는, 공연시장의 빠른 변화에 비해 대응이 늦은 우리 공연기획의 문제점과 무대공연예술의 활성화를 도모하기 위한 개선 방안을 제시하고자 한다. 일반적으로 사용되고 있는 무대공연예술 현장에서의 공연기획에 관한 체계적인 정립 없이, 전문성을 갖추지 않고 관례적으로 진행되어 왔다. 이에 본 연구자는 공연기획의 과정들을 통해 오늘날 무대공연의 돌파구를 찾는 것에 의미를 두고 공연예술을 관객들이 믿고 찾을 수 있도록 개성화·다양화·체험화하는 것에 중점을 두어야한다고 생각한다. 무대공연예술의 중심지 역할을 하고 있는 대학로가 여러 가지 문제를 안고 있는 것이 사실이다. 그것은 경제적인 측면을 따라가려는 현실에서 안주하기 때문이라고 생각한다. 이러한 문제에서 벗어나기 위해서는 정책적인 지원과 더불어 공연예술의 현장에 있는 관련자들이 스스로 그 문제를 인식하고 변화하려는 노력이 필요하다는 것이다. 공연예술의 국제적 경쟁력을 강화하고, 새로운 미디어와 기술의 적용을 통해 다양한 공연예술 양식을 창출해 내야한다. 또한, 공공지원에만 의존하는 것이 아니라 기업의 지원과 더불어 민간차원에서의 지원 활성화를 통해 다각화를 확대하여야 하겠다. 국내 공연의 경우, 공연결과에 대한 축적된 자료가 매우 빈약한 실정에서 전체 공연예술을 폭넓게 조망하고 긴 안목에서 공연예술을 활성화하는데 공연기획 분야의 전문화와 체계화가 진행되어야 함을 제시하는 바이다. 따라서, 무대공연예술이 가지고 있는 문제점을 극복하는 방법으로 정책적, 공연기획적, 국제교류적 그리고 마케팅적인 측면의 방안을 제시함과 동시에 공연전문가들의 측면의 방안을 고려하여 지속적인 연구와 개선의 노력이 필요할 것이라고 생각한다.