Soft Sculpture에 관한 연구 : 국내작가의 작품분석을 중심으로

김지영 동덕여자대학교Art & Craft 연구소 2007 예술논총 Vol.9 No.-

It is said that art is a transmission of soul using materials. This indicates that art expresses, transmits and forms a man's feelings and mood. This will be applied to not only pure arts in narrow terms but also craft that is an applicable art and living art such as design and etc. Since the living art is attached to the body or located in a living space, it has more impact than the pure art which influences a limited period only. However, the mixed culture of contemporary society that can be summarized as 'tendency to prefer new products', 'irrational selfish mind' and 'decadent play' has changed the life style of modem people and, furthermore, the status of feeling and behavior patterns of individuals. Therefore, living design that might be a guidepost of modem civilization has become more flowery and frivolous. In an aspect, this is a natural phenomenon; a fundamental examination is needed for the upcoming research, however. The origin of soft sculpture covers a wide range. However, the beginning of it could be the Collage Technique which was developed by Cubism artists who had felt the limitation of flat screen in the early 20th century. Soon after, it brought diverse and free changes from flat to cubic. That is to say, it has become a carrier to extract the shape of a formative object. In modem society, culture, politics and economy continue reality by exchanging influences among themselves. The present reality such as complexity and variety is reflected not only to the fabric arts but also to all forms of art, needless to remind the word; 'art is a reflection of a society'. However, until even present moment, it is undeniable that people stick to the physical features of textile. Therefore, the limitation of modem handicrafts could be solved by continuing researches with more creative ideas based on the results and it can provide various formative effects.

전통 누비에 관한 연구

이지은 동덕여자대학교Art & Craft 연구소 2006 예술논총 Vol.8 No.-

Modern society can be regarded as that with technology and information revolution. In this circumstances, modernization of traditional culture and clothing restores disappearing humanity for the sake of beautiful future and recreates tradition beauty as future-oriented value from the current point of view. Therefore, the purpose of this study is to recognize traditional quilting which has been developed as our unique works by reflecting and succeeding our aesthetic consciousness for a long time and to recreat quilting In modern ways within our tradition by understanding our tradition rightly and finding out its value. Thus, by introducing our traditional culture into modern clothing, this study seeks for new traditional creativeness.

미술시장, 비평, 그리고 글로벌 솔리다리티(Global solidarity)

심상용 동덕여자대학교Art & Craft 연구소 2007 예술논총 Vol.9 No.-

알렉산드로 스카르랏티의 오페라 : <꼭 닮은 사람>, <티그라네>, <그리젤다>의 구조 비교

박문정 동덕여자대학교Art & Craft 연구소 2006 예술논총 Vol.8 No.-

Alessandro Scarlatti(1660-1725) has usually credited In the history of opera as the founder of the Neapolitan school of the eighteenth century. However, Scarlatti was in Naples from 1685 to 1702 and for shorter periods after 1709. He wrote operas not only for Naples but also for Rome, Venice, and Florence. It is not known exactly how many operas he produced; about eighty-five are traceable, of which number a little more than half are extant, some incompletely. Scarlatti's early operas, performed at Rome previous to 1684, show the influence of Legrenzi and Stradella, the second generation of Italian opera. The small forms, the free mixture of recitative and ana passages, and the use of the ground-bass are all characteristic of this period. It was during his stay in Naples that Scarlatti began to develop more individual characteristics. By 1700 Scarlatti had established the new Italian overture, which consists three parts (fast-slow-fast), called sinfonia. Most of the arias are of small dimensions, and the harmonies are often intricate and subtle. The recitatives are freely intermingled with arioso, and aria passages. The later operas show an increasing emphasis on vocal ensembles and growth in the size and importance of the orchestra. In Tigrane the horns are introduced for the first time. The beginning of the overture to Griselda shows evidence not only of a homophonic style in orchestral writing but also of the typical later classical division between strings and winds according to function--the strings having arpeggios and tremolos while oboes and trumpets reinforce with chords on the strong beats. In this paper, three operas written in different periods to compare the stylistic differences. Scarlatti's first opera, Gli equivoci nel sembianle(l679) is a comedy of mistaken identities and amorous intrigues in the pastoral mode. It was one of the most popular and widely performed works of the composer's long career. A small cast and simple scenic requirements make it an ideal work for performances today. With T/grane(l715), one can see the mature style of Scarlatti's operas. In Tigrane, the recitatives and succeeding arias are found together as a musical and harmonic unit. Of the fifty-five recitatives in Tigrane are led directly into arias or into recitativi stromentati. A great variety of arias--cantabile, bravura, and so forth-v-is also found in this opera. The number and length of arias given to each character in Tigrane reflect the importance both of the role and of the singer at the first performance. The overall structure of the opera follows for the most part the "exit-aria" plan. Most of the action consists in subtracting characters one by one as each sings his aria and leaves the stage. The exception is the finale, in which characters are brought on III successive scenes until everyone is present for the denouement. The last opera of Scarlatti, Griselda confirms quite closely to the type of opera seria that was being cultivated by younger Italian composers in the 1720s. An increasing emphasis on vocal ensembles and growth in the size and importance of the orchestra. The beginning of the overture to Griselda shows evidence not only of a homophonic style in orchestral writing but also of the typical later classical division between strings and winds according to function. An even more significant development in the later works is the accompanied recitative. Fundamentally, Scarlatti in his operas remained a conservative composer, though not altogether unaffected by the current of the times. Griselda never became widely popular due to its musical style, which was considered as an old style. However, the very qualities of the operas produced in the last years of his life are admired by later generations and his contributions to the development to the Italian opera should never be under estimated. 알렉산드로 스카르랏티0660-1725)는 18세기를 전후하여 가장 많은 오페라를 작곡한 이탈리아의 작곡가이다. 스카르랏티는 40년이 넘는 활동을 하는 동안 오페라를 100여곡 이상의 오페라를 작곡한 것으로 알려져 있으며 나폴리 오페라 악파의 창시자로 인정받고 있다. 스카르랏티의 오페라 또한 몇 시기로 나누어 볼 수 있는데 그의 초기 오페라들은(1684년 이전) 작은 규모로서 레시터터브와 아리아가 자유롭게 섞여있는 전원적인 코미디와 같은 성격을 지니고 있다. 일반적으로 하나의 오페라 작품에 아리아가 40-60곡이나 되며 형식은 AB 혹은ABB같은 2부 구조로 된 것이 많다. 또한 관현악은 리토르넬로로서 사용되며 아리아의 반주는 대개 통주저음 뿐인 것이 많다. 그러나 스카르랄티는 나폴리에서활동을 시작하면서부터 스타일상의 변화를 보이는데 이 당시의 오페라는 규모가커지며 보다 체계적인 형식과 양식이 서곡과 아리아에서 확립된다. 오케스트라의규모는 확대되고 레시터티브는 아리아와 아리오조 패시지와 자유롭게 섞이게 된다. 감정표현은 보다 격렬해지고 오페라 전체의 연결성을 강조하게 된다. 아리아들은 기교적으로 더욱 화려해지며 서정성이 증가하고 형식은 다카포(ABA)구조가 자리를 괌는다. 오케스트라의 사용 또한 초기에서 보다 다양하고 풍성해져서콘티누오 아리아는 줄고 오케스트라로 반주되는 아리아가 늘어나며 레시터터브또한 오케스트라로 반주되는 경우가 많다. 스카르랏티의 초기 오페라에서는 콘티누오 악기에 화음반주를 맡기면서 정확하게 화음을 기입하려고 애쓰지 않는 경향이 있었으나 후기로 갈수로 현악기를 점점 중요하게 다룬다. 특히 현대적 조성에 기조를 두는 그의 후기 오페라들에서는 젊은 시절의 거친 불협화음은 부드러워지고 선을은 점점 화성에 의하여 받쳐진다. 특히 빠름-느림-빠름의 3부구조로 된 이탈리아 서곡양식의 확립과 다카포 아리아 형식의 확대 등은 나폴리 오페라가 이탈리아 오페라의 전통을 수립하는 발판이 되게 하였다. 그러므로 본고에서는 스카르랏티의 첫 번께 오페라 <꼭 짧은 사람>(GliEquivoci nel Sembiante), 성숙기 작품인 <티그라네>(Tigrane. 1715)와 마지막오페라인 <그리젤다>Griselda 1721)를 분석 연구하여 봄으로서 스카르갖티의오페라 작품에서 나타나는 양식과 구조상의 변화를 살펴보는 동시에 그가 오페라 사에 남긴 위업을 되새겨 보고자 하였다.

웰빙디자인산업 및 3R 개념 디자인 현황 분석

남미경 동덕여자대학교Art & Craft 연구소 2006 예술논총 Vol.8 No.-

This paper will discuss issues concerning the design ideology supporting the creation and development of 3R(Reuse, Reduce, and Recycle) concept design and the present status of well-being design industry. This design ideology is based on the unique qualities of design production and on the forms or ideas from nature or the natural characteristics of materials, representing natural organic design, made of recycled. There is a common assumption that recycled design is synonymous with ecological design. There can be no doubt that makers are aware of environmental issues and it is indeed true that some designers and makers are passionate advocates of environmental responsibility and place this at the core of their work. There is a confidence in the work of the established designers and makers working with recycled materials; they may be experimenting but it is an assured form of experimentation. They may be open to the ideas of free association with recycled objects but they are, nevertheless, masterful in their handling of materials. The challenge for future makers is not to emulate the styles of current makers nor to follow their lead in working with particular kinds of recycled material, but to strive to create their own personal style of making based on the realization that the true spirit of freedom in working with recycled materials lies in the relationship between maker and materials, combined with the ability to respond to the particular spirit of the age In order to create designs which are truly objects of our time. The new phenomenon is caused by the changes in the lifestyle and the increase in the sentimental elements of commodities. Companies begin to have interests in the development of naturalistic design to cope with the radically changing consumption environment in the future.

17-18세기 감정미학의 변천 : 모방에서 표현으로

김택완 동덕여자대학교Art & Craft 연구소 2007 예술논총 Vol.9 No.-

Musika¨sthetisch gesehen ist das 18. Jahrhundert eine Epoche der großen Wandlungen, weil das Ausdrucksprinzip der Musik sich von der remen Darstellung der Affekten zur Entaußerung der individuellen, subjektiven Leidenschaften und Empfindungen vera¨ndert hat. Die musika¨sthetischen Anschauungen bis zur Ha¨lfte des 18. Jahrhunderts waren durch die barocke Affektenlehre und die von Dubos und Batteux geleitete Nachahmungsasthetik beherrscht, deren Grundlage im Rationalimus lag. Da versteht man die Musik als die Nachahmung oder abbildliehen Darstellung der Affekten oder Empfindungen des Menschen, die als Natur begriffen wurden. Gegen die Mitte des 18. Jahrhunderts erschien aber eme neue ku¨nstlerische Tendenz und ersetzte die alte, die unter Einfluß von J.-J. Rousseau und von der englischen Philosophie des Gefuhls den Ausdruck der individuellen und subjektiven Empfindungen und Gefu¨hle betont hatte. Diese vom Bu¨rgertum getragene a¨sthetische Tendenz war Empfindsamkeit, an die sich bald der Sturm und Drang anschloß. Von nun an druckte sich das individuelle Ich in der Musik aus. Der Mensch wurde kein Gegenstand der Nachahmung mehr, sondern behauptete sich als ein Subjekt. Empfindsamkeit und Sturm und Drang ubten weiter den Einfluß auf die deutsche Romatik aus.

New experiments with Formal Structures in the Three Works by Gui Sook Lee

이귀숙 동덕여자대학교Art & Craft 연구소 2007 예술논총 Vol.9 No.-

As a composer who is highly conscious of formal structures, I have found myself experimenting in recent years with forms involving the process of departure from the original material and a varied return to that previously-stated material. Progressing from these experiments into a new formal outline, I have produced a mosaic form in one movement that is structured in several sections. To illustrate my experiments with new formal designs, three works, Motion for piano and orchestra (2001), Crustal Balls for violin, clarinet and piano (2005) and The Moment for solo piano (2007) will be offered as examples of mosaic structures. Alternating between slow and fast tempos, the pieces are constructed in mosaic forms which are subdivided into several parts. Approximately two-thirds of the way through each composition, I begin to reiterate ideas from the previous sections in a freer manner with motivic transformation. The works selected for this presentation consist of alternating slow-paced and animated sections that feature varied returns of previously stated thematic material. Music is perceived through the flow of time, and the listener can recognize what the piece says only after hearing the music for a certain period of time. From this viewpoint, to comprehend the flow of music, the musical materials in the piece could be circulated in any order. The thematic materials in the first half of the compositions are juxtaposed in order as Parts A-B-C, and these contrasting ideas are then revisited in a different texture and reduced proportionally during the second half of the piece. This process of statement and varied restatement leads to an economical, highly integrated one-movement composition that is easily perceived and well-received by the listener.

이귀숙의 7개의 한국가곡에 관한 분석연구

이귀숙 동덕여자대학교Art & Craft 연구소 2006 예술논총 Vol.8 No.-

이귀숙의 7개의 한국가곡은 현대시를 바탕으로 작곡되어져 새로운 가곡형식 을 산출하였다. 이는 전통적인 시의 구조에서 벗어나 자유시의 형식에 따라 작곡 된 결과이다. 이러한 7개의 가곡에 나타난 시의 소재는 인간의 감정에 비유된 자 연과 연관되어 있으며 또한 이는 한국적인 정서가 배어나오는 근원이 되기도 한다. 구체적으로 가곡의 형식 구조는 시의 내용과 길이에 따라 2부분, 3부분, 4부분으로 작곡되었다. 전통적으로 피아노 반주와 인성을 위한 독창가곡은 보통 성악부분(피아노 반주 포함)에 많은 관심이 집중되어왔다. 그러나 낭만시대부터는 피아노 부분(피아노 서주, 간주, 후주)에 대한 높은 관심으로 성악부분(선율 & 피아노 반주)과 피 아노 부분과의 적절한 균형이 이루어지기 시작했었다. 가곡에서 피아노는 악기의 특성상 성악선율을 반주하는 것 외에 시의 내용을 암시하는 서주(Prelude), 시의 전개를 이끌어가는 간주(Interlude) 그리고 시의 전체적 내용을 마무리하는 후주 (Postlude)등 작품의 음악적 구조를 더욱 견고히 하는 다양한 역할을 할 수 있다. 이러한 점에서 이귀숙의 가곡은 시의 내용을 음향적으로 잘 표출할 수 있는 피아노 부분에 비중을 두어 음악구조적인 변에 있어서 피아노와 성악의 동등한 역할을 강조하였다. 이귀숙의 7개 한국가곡의 화성적 토대는 고전·낭만시대의 조성구조로부터 벗어난 자연단음계, 화성단음계, 5음음계, 중세선법 등 다양한 음계에 의해 만들어졌다. 이러한 음재료들을 기초로 성악부분은 한국적 내면정서가 깃든 자연스런 선율로 표출되고 피아노 부분은 한국적 화성이 현대적 음향으로 채색된다. 그러므로 이귀숙의 7개의 한국가곡들은 음악형식 및 구조적 비율 그리고 화성적 토대 변에 있어서 전통의 테두리 안에서 작곡가의 독자적인 현대적 음악어법으로 새롭게 작곡되었다. 이러한 결과로 이귀숙의 가곡들은 한국적인 요소와 서양적인 음악기법이 적절히 융합된 새로운 한국가곡 형식을 탄생시켰다. The Seven Korean Songs by Gui Sook Lee are based on contemporary free poetry, with the subjects being taken from diverse images of nature that reflect human emotions and evoke Korean spiritual depths. This poetry inspired the composer to use new formal designs that are constructed with two, three and four-part song forms according to the contents and lengths of the poems. Traditionally, the primary emphasis in songs for solo voice and piano accompaniment is on the human voice. However, as styles shift from the Classic to the Romantic era, one fmds that the increased attention given to the piano leads to greater equality between voice and piano accompaniment. As in much nineteenth-century song, Gui Sook Lee's songs place great importance on the piano, using preludes, interludes and postludes to establish the mood and atmosphere of each song. An excellent balance is achieved between the solo piano sections and the parts featuring voice with piano accompaniment. In striving for this balance, she has demanded and achieved an altered technique of performance in the piano solo sections, with much of the motivic materials being shared between the piano parts and the vocal sections. Gui Sook Lee's harmonic style is a diverse one that is characterized by natural, harmonic, pentatonic, and medieval scales or modes. These harmonic vocabularies have been accepted and incorporated into her individual compositional techniques. Through her formal structures, harmonic language, sonorities, and other compositional devices, Gui Sook Lee's seven Korean art songs demonstrate her ability to integrate Korean spiritual elements with contemporary musical idioms. She uses Western instruments, but in ways that clearly evoke the Korean soul and spirit.

F. J. 하이든의 현약 4중주에 대한 小考

박문정 동덕여자대학교Art & Craft 연구소 2007 예술논총 Vol.9 No.-

작은 방에서 3-4명이 연주하는 실내악, 그중에서도 두 대의 바이올린과 비올라 그리고 첼로가 연주하는 현악 4중주는 18세기 후반 고전음악시대에 비엔나를 비롯한 유럽에서 대단히 유행한 장르였다. 소규모의 연주자에 의한 연주는 중세, 르네상스, 바로크 시대에도 있었다. 그러나 고전음악시대로 들어오면서 중산층의 대두와 더붙어 실내악은 귀족들의 저택에서나 일반 가정음악회에서 더욱 번창하게 되었고 그중에서도 현악 4중주는 가장 사랑받는 장르였던 것이다. 현악 4중주의 기원에 대해서는 알 수 없으나 18세기 중엽 비엔나에서 새롭게 대두되었던 가벼운 실내, 실외음악이었던 디베르티멘토, 세레나데, 차사치오네 등의 음악과 관련이 있다. 1750년대에 시작된 현악 4중주는 디베르티벤토와 같이 악장수의 제 한이 없이 3악장에서 5악장으로 작곡되었다. 18세기 중엽은 논리적 사고와 극적인 감정표현이라는 욕구에 따라 작곡가들은 소나타 형식이라는 새로운 형식을 실험하고 있었다. 그리하여 단순한 디베르티벤 토에서 소나타 형식을 도입하여 현악 4중주라는 새로운 장르가 탄생하게 된 것 이다. 일생을 연구하며 새로운 것을 추구하였고 자신을 발전시켜 나아갔던 하이 든(Franz Joseph Haydn, 1732-1809)은 당시 귀족들이 즐겼던 실내악 연주를 위 하여 20세경부터 현악4중주곡을 쓰기 시작하여 만년에 이르기까지 꾸준하게 현악 4중주곡을 작곡하였다. 67곡의 완성된 현악 4중주콕을 남긴 하이든은 교향곡 양식을 완성시킨 작곡가로도 존중받지만 현악 4중주에 있어서도 그의 업적은 역사적으로 대단히 중요하다. Opp. 1-2를 시작으로 하여 Op. 103의 미완성 작품에 이르기까지 하이든의 현악 4중주곡들은 그의 놀라운 실험정신과 지속적인 발전 을 통해서 18세기 후반에 이르러서는 가장 사랑받는 장르의 하나로 자리 잡았다. 그러므로 하이든의 현악 4중주곡을 시대별로 살펴보는 것은 이 장르의 역사적 발전과정을 배우는 지름길이기도 한 것이다. 하이든은, ppO 1-2를 통하여 현악 4중주라는 매체에 경험을 쌓게 되었고 Op. 20에 이르러 현악 4중주를 하나의 장르로 자리 잡게 하였다. Op. 33부터는 동기 발전이라는 테크닉을 활발하게 구사하기 시작했으며 ,Op. 50부터는 첼로의 활약 이 두드러지게 나타난다. 그리고 .Opp. 64, 71, 74, 76은 성숙한 4중주곡들로서 자 유로운 형식구조의 활용과 대위적인 짜임의 능란한 구사 등으로 4악기의 동등한 대화라는 양식을 완성시켰다. 드디어 Op.76에 이르러서는 거의 교향악적인 깊이 와 심오함 그리고 완벽한 4악기의 조화로 이 분야의 최고의 작품에 도달한다. Op.77에서는 이전 작품들 보다는 간결한 미를 느끼게 한다. 그리고 쇠잔한 작곡 가는, pO 103에서는 전 악장을 끝내지 못하고 2, 3악장만을 남기고 세상을 댔다. 이상과 같이 하이든은 그의 현악 4중주곡들올 통하여 일생동안 그가 추구하고 실험했던 고전시대 최고의 음악세계를 보여주는 것이다. 그러므로 그의 현악 4중주곡을 시대별로 살펴보는 것은 하이든의 현악 4중주의 이해뿐만 아니라 18 세기 후반의 고전음악의 발전상을 이해하는 것으로도 의미가 깊다고 하겠다.