대학교 웹사이트에서의 효과적인 정보전달을 위한 인터페이스 디자인 연구 : 동덕여자대학교 웹사이트를 중심으로

장명숙 동덕여자대학교 디자인대학원 2010 국내석사

대학을 둘러싼 교육환경의 변화로 인하여 대학들도 기업이나 각종 사회단체들과 마찬가지로 매스미디어 채널을 통해 각 대학의 발전 가능성과 우수한 장점 등을 적극적으로 홍보하게 되었다. 특히 초고속 인터넷의 등장으로 현재 우리나라 대부분의 대학들은 웹사이트를 구축하여 적극 활용하고 있다. 이러한 배경에서 입시생 및 학부모의 대학교 웹사이트 이용률이 해마다 증가하고 있으며, 이들은 대학에게 있어 미래의 고객이 될 수 있는 주요한 홍보 타겟이 아닐 수 없다. 따라서 대학교 웹사이트는 이러한 이용자들이 필요로 하는 정보를 충족시킬 수 있어야 하며, 그러한 정보들을 효과적으로 전달할 수 있는 인터페이스 디자인 또한 매우 중요하다고 할 수 있다. 이에 본 연구는 각각의 설문조사를 통하여 입시생 및 학부모가 필요로 하는 정보를 찾고, 인터페이스 디자인의 시각적 디자인 구성요소를 중심으로 동덕여자대학교 웹사이트를 분석하였다. 이에 따라 문제점에 대한 개선방안을 다음과 같이 제시하였다. 첫째, 텍스트는 기본적인 정보전달의 기호이다. 화면상의 텍스트는 정보를 올바르게 전달해야 하며, 읽기 쉬어야 하고, 인터페이스 안에서 구동되어야 한다. 따라서 동덕여자대학교 웹사이트의 각 페이지 서브메뉴는 가시성 및 가독성을 높일 수 있도록 글자크기를 조절하고 좀 더 선명한 색상 대비를 줄 필요가 있다. 둘째, 이미지는 가장 일반적인 시각적 표현 매체로 많은 정보를 내포하고 있는 시각언어라 할 수 있다. 이에 따라 동덕여자대학교 웹사이트는 이미지의 흑백톤 사용을 줄이고, 각 페이지별 주제에 따라 그 의미가 전달되는 다양한 이미지를 사용해야 할 것이다. 또한, 동덕여대만의 느낌을 잘 전달할 수 있는 사진 및 일러스트레이션의 사용이 필요하다고 생각한다. 셋째, 인터페이스에서 색체의 사용은 중요한 정보를 강조할 수 있으며, 화면의 구성을 분리하여 사용자의 이해도를 향상시킨다. 따라서 동덕여자대학교 웹사이트의 각 페이지 메인메뉴와 서브메뉴는 글자색과 바탕색의 선명한 대비가 더욱 필요하다고 생각한다. 넷째, 정보를 사용자에게 효과적으로 전달하기 위해서는 질서 있는 레이아웃이 필요하다. 인터페이스의 레이아웃은 일관성 있는 구성과 기능을 가져야 하며 심미적으로 이루어져야 한다. 동덕여자대학교 웹사이트는 일부 어수선한 사진 배치가 시각적으로 좋지 못한 인상을 주기 때문에 불필요한 사진요소는 줄이고 적절한 크기 및 배치 조절을 통해 전체적 화면의 레이아웃을 심미성 있게 만들어야 한다. 이처럼 조사와 분석을 통해 살펴본 바와 같이 이용자의 만족도를 높이기 위해서는 많은 부분의 개선을 필요로 한다. 하지만 웹 인터페이스 디자인, 그중에서도 시각적 디자인요소는 이용자들에게 정보를 전달함에 있어 가장 빠른 전달력을 가지고 있으며 가장 큰 영향을 준다는 것이 분명하다. 또한 과거의 단순한 텍스트 위주의 웹사이트가 불과 몇 년 만에 화려하고 다양한 디자인의 웹사이트로 변화하였다. 앞으로의 웹사이트는 더욱 디자인에 민감한 웹사이트로 발전해 나갈 것이라 가정하였을 때 시각적 요소를 고려한 웹 인터페이스 디자인은 그 중요성이 더욱 커질 것이라 생각된다. 따라서 대학교 웹사이트도 이용자들이 필요로 하는 정보제공과 그러한 정보를 효과적으로 전달할 수 있는 시각적 인터페이스 디자인요소가 고려된다면 이용자들의 만족도를 보다 높일 수 있을 것이다. Following changes within the educational environment, universities are required to actively publicize their growth potentials and advantages through mass media channels, similar to the methods used by corporations and various social organizations. Particularly, with the introduction of high-speed internet, most universities within Korea are actively utilizing websites. Within such a background, the rate of use for university websites are increasing among new students and parents. At the same time, such visitors are a major publicity targets who may become potential future customers. Consequently, university websites must contain information which satisfies user needs. At the same time, interface design which effectively delivers such information is very important. As a result, this study conducted a survey for new students and parents to find information most required and analyzed the website of Dongduk Womens University focusing on visual design elements of interface design. The results of the study are as follows. First, text is the most fundamental symbol for information delivery. Text must properly delivery information on the screen and be displayed within the interface. Consequently, the sub menus of each website must adjust the font size and utilize clearer colors for added receptivity. Second, as a most fundamental form of visual expression, images can be considered to be a type of visual language which includes much information. Accordingly, the Dongduk Womens University website must decrease use of black and white images, but rather use various images which delivers accurate information according to the topic of each page. In addition, this study concludes that photos and illustrations which aptly delivers the distinctive feeling of Dongduk Womens University must be used. Third, use of colors within the interface can highlight important information while separating screen configuration can improve user understanding. Consequently, the main menus and sub-menus of each page within the Dongduk Womens University website requires more clear contrast between text colors and background colors. Fourth, in order to effectively delivery information to users, an organized layout is necessary. Some of the photos layout within the website do not give a great visual impression. Consequently, this study concludes that unnecessary photos should be reduced and the overall layout should be improved by appropriately adjusting size and layout. As shown through the survey and analysis of this study, many areas must be improved in order to raise user satisfaction. However, visual design elements are the fastest in delivering information to users and their significant effects are profoundly clear. In addition, the simple text-based websites of the past have been transformed into colorful and varied websites in just a matter of years. When considering that websites will continue to develop in terms of design, it is believe that web interface designs which consider visual elements will continue to become more important. Consequently, user satisfaction can be expected to increase if university websites provide information needed by users and consider visual interface design elements within website designs.

브랜드 이미지 전략으로서 인터랙션디자인 적용 공간 연구

이선영 동덕여자대학교 디자인대학원 2009 국내석사

현대의 급변하는 소비사회에서는 기업 간의 경쟁이 치열해 지면서 각 기업들은 자사 브랜드의 차별화를 위한 마케팅 전략 방안 구축에 심혈을 기울이게 되었다. 특히 근래의 소비자들은 제품이나 서비스를 구매하기 보다는 브랜드의 이미지 자체를 구입하는 브랜드 지향적 구매 행위를 하고 있어 브랜드에 대한 중요성은 날로 더해지고 있다. 따라서 그 어느 때보다도 브랜드 아이덴티티에 따른 브랜드 이미지의 형성이 중요하게 되었다. 브랜드 이미지의 확립을 위해 브랜드 관리와 브랜드 디자인관리는 유기적으로 결합되어 그 전략적 방법이 지속적으로 발전되어 왔다. 브랜드 이미지는 브랜드 로고, 심볼, 제품, 포장, 웹 등 다양한 매체를 통하여 구매 전, 구매 시, 사용 시 등 다양한 시점에 소비자에게 전달된다. 브랜드 이미지는 브랜드의 핵심 아이덴티티에 기반을 두고 브랜드 전략과 기업의 디자인 전략, 체계적인 관리 시스템에 의해 관리되고 그 방법은 시장 환경 및 시대변화에 따라 변화하고 있다. 기업들은 2차적인 표현매체를 넘어 3차원의 공간을 통한 브랜드 이미지 강화 전략을 실행하고 있다. 즉, 과거 기업이 제공하는 일방적인 표현매체를 통하여 행해졌던 마케팅 방법이 소비자와의 직접적인 접점을 통해 고객의 욕구를 보다 적극적으로 수용할 수 있고, 소비자와의 상호적인 교류가 가능한 공간 마케팅 영역으로 점차 확대되어가고 있다. 소비자들이 직접적으로 브랜드와 상호작용하며 지속적인 커뮤니케이션이 가능하다는 점에서 공간매체가 중요한 이슈로 등장하게 되었는데 이러한 브랜드 이미지의 형성을 위한 공간은 브랜드 가치를 반영한 고객접점공간이라는 마케팅적 접근을 할 필요가 있다. 최근 각 기업들은 고객접점공간에서 보다 효과적인 브랜드 이미지의 형성을 위한 전략으로 인터랙션 디자인을 이용한 커뮤니케이션에 주목하고 있다. 인터랙션 디자인을 통한 커뮤니케이션은 소비자에게 통합된 감성을 제공하고, 이전에는 경험할 수 없었던 새로운 감성적 체험을 가능하게 하여 소비자에게 새로운 브랜드 이미지를 형성한다. 이에 본 연구에서는 소비자들이 직접적으로 브랜드와 상호작용하며 지속적인 커뮤니케이션이 가능하다는 점에서 인터랙션 디자인이 브랜드 이미지 구축에 큰 영향을 끼치는 핵심요소임을 인지하고, 브랜드 이미지를 강화시키는 방편으로 어떠한 방식으로 공간에서 구현되었는지를 파악하는데 의의를 두고 이에 대해 논하고자 한다. In the rapidly changing consuming society, competition among the enterprises has been keening, each enterprise puts their heart and soul into the marketing strategy plan building to differentiate of their own brand. Specially recent consumers are doing an act of buying brand-oriented which is purchasing the image of brand rather than purchasing products or service. Thus the importance of brand is increasing as time goes on. Accordingly the form of brand image is important with the identity of brand more than ever. For the establishment of brand image, brand management and brand design management are combined into one. And then the strategic way has been prospered in succession. Brand image is conveyed to consumers at the various point of time such as before purchasing, time of purchasing, and time of using it through the diverse medium like logo, symbol, product, packing, and web of brand. Brand image has its roots in the core identity of brand, and is managed by brand strategy, design strategy of the enterprise, and systematical controlled-system. And then the method is changing according to the market environment and market change with times. Enterprises are carrying out the intensified strategy of brand image through the three-dimensional space beyond the second-dimensional medium of expression. That is, marketing method which has been done through a medium of expression by enterprises in the past can accept more actively the needs of customers through the direct touch point with consumers. And it is enlarged as a marketing field which is possible to interchange with customers. The medium of space is appeared as an important issue in that continuous communication is possible and consumers directly interact with brand. And the space to form brand image has need to do marketing access such as a space of brand touch point which reflects brand value. Recently each enterprise takes notice of the communication using the interaction design as a strategy to form more effective brand image at the space of brand touch point. Communication through the interaction design offers integrated sensibility to consumers, and it enables new emotional experience that is we have ever had experienced before. And through this, it forms new brand image to consumers. Therefore, this study recognizes that the interaction design is a core element which has influence on the construction of brand image in that consumers directly interact with brand and can communicate continuously. And then, this study contributes and argues how interaction design has been embodied by which way in the space as an instrument to reinforce the brand image.

기독교 서적 표지디자인에 관한 연구

민소은 동덕여자대학교 디자인대학원 2002 국내석사

우리 나라에 기독교가 전파될 당시 선교사들은 복음을 보다 효과적으로 전하기 위하여 가장 먼저 출판물을 활용하였다. 따라서 성서를 한글로 번역하고 성경, 찬송가, 전도지 등을 나누어주어서 이를 받아 읽고 많은 사람들이 기독교에 입교하여 교회운동을 일으켰다. 기독교는 복음전도뿐 아니라 우리나라의 근대화 과정에서 여러 모양으로 큰 역할을 하였음은 주지의 사실이다. 특히 국내 신문 및 출판문화의 발전에 큰 몫의 기여를 해왔다. 책은 항상 독자로부터 '선택과 판매'라는 이동성을 그 필연적 특성으로 하고 있다. 산업이 발달함에 따라 경쟁이 고도화되면서 상품을 알리는 작업이 필요한데, 1차적 광고라 할 수 있는 표지 디자인의 경우, 그 어느 때보다 중요성이 더욱더 부각된다. 책을 선택하고 읽고 이해하는데는 독자층에 따라 어떤 유형이 있으리라 생각된다. 그리고 이 유형을 파악해서 독자층에게 좀 더 효과적으로 접근할 수 있는 시각적 계획을 수립해야 한다. 가치 있는 정보란 전달되고자 하는 정보가 단순한 정보 그 자체에 머무르지 않고 상위개념으로써의 문화적 차원까지 표현된 것을 일컫는데 이러한 의미에서 기독교 서적 표지 디자인은 그 시대의 기독문화의 표현이 될 수 있고 이에 따라 그 시대의 디자인의 수준 또한 측정될 수 있다. 본 논문에서는 기독 서적 표지 디자인의 기능 및 국내·외의 역사적 변천 과정을 고찰해 보고자 한다. 또한 2000년 이후의 기독교 서적 베스트셀러의 표지 디자인을 중심으로 레이아웃, 일러스트레이션, 타이포그래피와 색채의 조형분석을 통해 현황을 파악하여 현대인들의 의식구조에 맞는 표지디자인의 필요성을 인식하고 복음의 내용을 함축성 있게 시각화할 수 있는 방향을 제시함으로써 표지디자인에 대한 중요성과 인식의 확대를 넓히고자 한다. When the Christian religion began to be propagated in Korea, the Christian missionaries used primarily publications to preach the gospel more effectively. Thus, they translated the Bible into Korean language and distributed widely the Bibles, hymnbooks, and propagating books. So, many people who received and read them started the ecclesiastical movement. It is a well-known fact that the Christianity played important roles in various aspects of modernization in Korea. Particularly, the Christianity has much contributed to the development of newspapers and publishing culture in Korea. Books always have the essential characteristics, 'readers' choice and sales to readers'. As the industry has developed and the competition has become more keen, the more effective methods to publicize products are required. Cover designs, which are the primary advertisement, are emphasized more than ever before. It is thought that there would be some typology of readers as regards choice and reading. It is necessary to understand that typology and to establish a plan which enables one to access his class of readers more effectively. Valuable information does not mean the information which remains as simple information, but the information which express the cultural dimension as an higher concept. In this aspect, the cover designs of the Christian books can be an expression of the Christian culture in the present age. Therefore, the level of present age's design can be measured by them. This study is to consider the function of Christian books' cover designs and their historical changes in Korea and foreign countries. Additionally, this study is to understand the actual situation by the figurative analyses of layouts, illustrations, typography, and colors of the best sellers among the Christian books after 2000 year, and to suggest the direction by which people can recognize the necessity of cover designs that are suitable to the structure of modern person's consciousness and by which the contents of gospels can be visualized implicitly. These efforts will contribute to expanding the importance and recognition of cover designs.

호주 원주민(Aboriginal) 미술을 활용한 텍스타일 디자인 연구

임애경 동덕여자대학교 디자인대학원 1998 국내석사

인류는 19세기 후까지 그 시대적 환경이나 사상의 영향으로 자연에 충실하면서 자연에 관한 관념을 충실히 표현해 왔다. 그러나 19세기 후반부터 현대에 이르기까지 현대문명의 발달로 인한 자연의 오염, 기계화의 와중에서 기형적으로 변질 되어가는 인간의 사고(思考)를 낳았고, 무엇 보다도 가장 큰 문제는 현대가 인간성을 상실한 시대로 변해가는 것이다. 이와같은 오늘의 상황 속에서 우리 현대인들은 정신적 만족과 원시적 회귀심리가 작용하게 되었고 원시미술이 외부 세계에 알려지게 되면서 시각과 장소를 초월한 디자인을 응용하고 제시함으로써 시각사고(視覺思考)에 혁명적(革命的)인 전환점이 되었으며 전통적인 개념에서 탈피하는데 좋은 자극제가 되었다. 오늘날 패션계에도 산업의 전환은 소비자 형태가 지금까지는 "필수품 만족"이라는 욕망충족의 시대에서 소비자의 감각적 욕망을 충족 시키는 "선택 소유의 시대"로 전환되어 가고 있다. 이것은 정신적 풍요가치를 중시하고 다양화, 개성화의 욕구가 높아지면서 차별화된 삶과 창조적 예술가치를 지닌 삶을 지향하게 되므로 의복에 있어서도 인식의 큰 변화를 가져왔다. 이 같은 현상은 텍스타일 디자인에 대한 디자인의 수요를 급격히 증가시켰고 더욱 차별화된 디자인을 요구하게 되었다. 이러한 가치의식이 복식에 원주민 미술을 도입하게 하는 계기를 마련하고 새로운 디자인을 개발하게 되었다. 이러한 관점에서 물질문명의 사회라는 배경 안에서 세계에서 가장 오래된 현존하는 원주민임에도 불구하고 외부세계에 많이 알려지지 않은 호주 원주민 미술의 생명력 있고 순수한 원시미술의 비젼을 텍스타일 디자인에 표현하여 새로운 영역의 범위를 넓히고 현대감각에 맞는 텍스타일 디자인을 개발하는데 중점을 두었다. 본 연구의 방법은 문헌자료를 통하여 첫째 원시미술의 개념과 시대적 특성을 알아본 뒤 두 번째로 호주 원주민의 역사와 호주 원주민 미술의 의미, 표현 고찰을 통해 얻어진 연구자의 영감을 통해 작품을 제작하였다. 작품은 총 10점으로 5점은 Textile CAD를 통해 텍스타일 디자인을 개발하였고 5점은 실크(Silk)와 마(痲)에 공예염을 응용하여 텍스타일 디자인을 개발하였다. 연구의 결과를 요약하면 다음과 같다. 첫째, 원시미술은 대부분이 주술적인 목적으로 이루어졌으며 문화사와 민족의 역사로 이루어진 문화의 일부분이고 상징성과 의미를 갖게되었다. 둘째, 호주 원주민의 문화 및 사회의 연속성은 그들의 세대와 세대를 통해 전해지고 있으며 현대문명 속에 살아가는 현대인에게 정신적 풍요와 시각사고를 할 수 있는 전환점을 일으켜 준다는 것을 알 수 있다. 셋째, 호주 원주민 미술의 표현 방법은 상징성, 단순화, X-선도화, 모래 페인팅등의 표현 방법을 가지고 있다. 이러한 호주 원주민 미술의 다양한 표현 방법과 모티브, 색상이 현대 텍스타일 디자인 경향과 잘 어울러짐을 알 수 있다. 넷째, 작품제작에 있어서 호주 원주민 미술 작가의 작품들에 많이 사용하고 있는 모티브, 색채, 기법을 텍스타일 디자인에 활용함으로써 텍스타일 디자인 표현 방법의 영역을 확대시킬 수 있었다. Human being had expressed honestly the concept on nature influenced by the environment and thought of the time until late 19th century. But from late 19th century until now, the development of modern civilization gave birth to abnormally deteriorated thoughts of human beings in the course of contamination of nature and mechanization, and above all, and the idea that modern times is an age of lost humanity is regarded as the most severe problem. In these circumstances like today, modern men seek spirithal satisfaction and regressive mentality to primitivism, and as primitive arts became known to the external world, it proposed to apply a design beyond vision and place, which built up a revolutionary landmark to visual thought and stimulated to escape the traditional concept. Today's fashion industry focuses on the value of spiritual abundance, and a need for diversity and individualization is increased to cause a differentiated life and a design endowed with a creative artistic value. Textile becomes a center of fashion industry to raise the added value of design, to increase the needs for design rapidly, and to require more differentiated design. In this respect, the vision of lively and primitive arts of Australian Aboriginal arts which has not been informed to the external world, despite that it is the longest Aboriginal in the world within the context of material civilization-oriented society, were applied to the textile design to extend into a new realm and to develop a textile design well-suited to the modern sense. This study was produced as a result of the investigator's inspiration acquired from learning history and meaning of Aboriginal art of Australian and analizing its expression after examining the concept of primitive arts and the character of the days through literatures. The works comprise total 10 articles, among which 5 textile designs were developed through Textile CAD and four through the application of craft dyeing to silk and linen. The sinthesis of the result of this study, First, much of primitive arts was done for the purpose of sorcery and became to assume symbolism and meaning as a part of a culture consisted of cultural and ethnic history. Second, it can be found that the cultural and social continuity of the Aborigine arts was transferred from generation to generation and brought forth a turning point which allows modern men who live in this modernized civilization for spiritual richness and visual thought. Third, Aborigine arts' method of expression involves symbolism, simplicity, X-ray painting, and sand painting. These various expressional methods, motif, and color of Aborigine arts show that they are well suited to the design trend of modern textile. Fourth, in producing works, the application of motif, color, and technique frequently found in the works of Aborigine artists to textile design could expand the realm of expressional way in the textile design.

앙리 마티스(Henri Matisse) 작품세계를 응용한 넥타이 디자인연구

오상은 동덕여자대학교 디자인대학원 1998 국내석사

오늘날 세계화, 국제화 시대를 살아가는 우리는 의복을 통해 세계의 감각을 표현하고, 자신감과 교양과 인격을, 그리고 자기의 개성을 연출해 나가고 있다. 이러한 가운데 현대 남성복의 기본적인 아이템 중 변화와 개성의 추구가 가능한 부분인 넥타이에 대한 인식이 단순한 악세사리(Accessory)의 개념을 넘어서 남성 토탈 패션(Total Fashion)의 필수적인 구성요소로서 보다 다양화, 개성화, 패션화되는 경향을 보이고 있다. 일반적으로 넥타이는 실루엣의 변화는 거의 없기 때문에 대부분 소재 활용 및 패턴 개발이 중요한 부분으로 인식되고 있다. 넥타이에 가장 많이 사용하는 패턴으로는 스트라이프, 체크, 물방울이라 할 수 있는데, 근래에는 패턴에 있어서 회화적 구도의 경향을 보이며 전형적인 고전 패턴과 공존하고 있다. 따라서 본 연구는 20세기 회화발전에 있어서 색채혁명을 일으켜 현대 미술의 선구적인 역할을 한 앙리 마티스(Henri Matisse : 1869-1954)의 독특한 회화양식인 간결한 선의 모사, 단순한 형태, 순수한 색감을 넥타이 패턴디자인에 도입시킴으로써 새로운 디자인의 가능성과 색채감각을 발휘한 섬유제품을 개발하려는데 그 목적이 있다. 본 연구내용으로는 넥타이의 발생과 변천, 앙리 마티스의 예술세계를 문헌조사와 자료를 통해 살펴 보았으며 이러한 이론적 고찰을 기초로 하여 작품을 제작하였다. 작품제작에 있어서 염색공예기법 중 색호염과 구타방염을 사용하여 8개의 넥타이 패턴디자인 구성을 하고, 부분적인 색상변화를 시켜 넥타이를 제작하였다. 또한 작품은 형태의 단순화와 장식적이고 감각적인 문양들을 디자인의 모티브로 응용하였으며 그의 독창적인 색채감각을 통해 시각적 배색 효과를 높이고자 하였다. 본 연구의 결론은 다음과 같다. 첫째, 앙리 마티스의 독특한 회화양식인 간결한 선의 묘사, 단순한 형태, 순수한 색감을 넥타이 패턴디자인에 응용하여 실용성과 미를 조화하여 개성미를 창출하는 섬유제품을 개발할 수 있었다. 둘째, 앙리 마티스의 색채감각을 통해 색면 구성과 단순화작업으로 이룩한 그의 작품을 디자인에 응용함으로써 현대적인 넥타이 디자인의 새로운 모티브를 창출할 수 있었다. 셋째, 텍스타일 디자인은 섬유산업발전의 토대로써 회화를 응용한 텍스타일 디자인의 제품화는 새로운 부가가치의 창출, 순수예술과 디자인의 친화를 도모할 수 있었다. 이와 같이 본 논문에서는 자유의지의 표현으로 전개된 현대 미술을 순수 미술로서만이 아닌 텍스타일 디자인에 응용하여 실용성과 미를 조화하여 개성미를 창출할 수 있는 패션 아이템의 하나인 넥타이에 예술로써의 질적 향상을 꾀하고자 하였다. Nowadays we, living in the globalized and internationalized world, express the world sensibility and produce our own culture and humanity as well as personality. In these trends, the necktie, an essential item of modern men's wear, which enables men to pursuit their own characters and changes, is considered as a necessary factor of Men's Total Fashion beyond the concept of simple accessory and shows an aspect of variousness, characterization, and fashion. Because the silhouette of a necktie does not change in general, the material utilization and pattern development are perceived as a important part. The most frequently used patterns in a necktie are stripe, check, and dot, but recently pictorial composition is developed to coexist with the traditional classic patterns. Therefore, this study aims to develop the possibility of new design and color sensation through textile goods by introducing the unique pictorial style such as concise depiction of lines, simple forms, and pure color sense established by Henri Matisse(1869-1954), who played a vanguard in the modern fine arts by carrying out a color revolution in the pictorial development of 20th century, into the pattern design of necktie. The content of this study involves the beginning and change of necktie and the literature and data about Henri Matisse's artistic work. And, on the basis of this theoretical investigation, work as manufactured. During the work production, hand painting and Gutta-percha resist dyeing among dyeing craft techniques were applied to constitute the pattern design of 8 neckties including partial color change. In addition, the works applied simple forms and ornamental and sensible patterns to the motive of design and tried to increase coloring effect through his creative color sensation. Thus, this dissertation is intended to adopt modern arts developed by the expression of free intention as not only pure arts but also applying textile design for the qualitative necktie improvement, one of fashion items which can create characteristic beauty through combination of practicality and beauty.

조선후기 風俗畵에 표현된 服飾을 응용한 웨딩 웨어(Wedding Wear)디자인

김민숙 동덕여자대학교 디자인대학원 2001 국내석사

최근 국제화와 더불어 여러 분야에서 전통문화에 대한 관심이 그 어느 때보다 높아지고 있다. 본 연구 역시 전통에 대한 근원적인 이해를 통해 전롱의 한 형식적인 요소의 재현에 그치는 젓이 아니라 전통문화의 장점과 정서, 시대상에 맞는 미의식을 정립하고, 이를 계승 발전시키기 위하여 전통성을 잊지 아니하면서도 현대적인 디자인을 창조함으로써 미래의 패션문화에 기여할 수 있도록 하는데 연구 의의가 있다. 본 연구의 목적은 조선후기 풍속화에 표현된 복식을 분석하여 우리 전통복식에 내재된 사상이나 상징성을 토대로 헌대적인 웨딩 웨어(Wedding Wear)를 디자인 하여 우리복식의 우수성을 재확인하고, 궁극적으로는 그러한 우수성을 바탕으로 한 국가경쟁력을 지닌 상품으로서 우리복식 디자인의 가치와 효용을 높이는 데 있다. 본 연구의 내용 및 방법으로는 복식사 관련 전문 서적과 선행 연구들을 통해 웨딩웨어의 의미와 유래, 우리나라 웨딩 웨어의 도입과 변천 등을 고찰하였다. 또한 풍속화의 개념과 조선후기 풍속화의 특징을 복식사적 측면에서 분석하였다. 이를 위하여 다수의 풍속화 중 복식의 관찰에 적합 하면서도 조선후기 시대상을 대표하는 작품을 중심으로 채택하여 사상이 나 사회상이 복식에 어떻게 표현되었는지 분석하였다. 이를 토대로 5벌의 웨딩 웨어를 제작하였다. 본 연구를 통해 얻은 결과는 다음과 같다. 첫째, 실학사상과 경제적인 여유가 풍속화의 복식에 표현되었음을 알 수 있었다. 둘째, 기능적인 요소 중 소매의 탈·부착, 보온을 위하여 사용되었던 토시, 세조대 등의 모티브를 현대 웨딩 웨어에 활용함으로써 과학적이고 아름다운 디자인이 가능하였다. 또한 풍속화에 나타난 활동적인 요소를 신랑의 웨딩 웨어에 모티브로 활용함으로써 장식미를 표현한 디자인을 창출할 수 있었다. 셋째, 평등성의 표현은 계층에 관계없이 착용되던 쓰개치마의 쓰개와 삼회장저고리의 배색효과를 모티브로 관용함으로써 신부의 베일과 상의(上衣)를 아름답게 표현할 수 있었다. 넷째, 풍속화에서의 에로티시즘(Eroticism)은 여성의 체형을 의식한 선정적이면서 개성적인 미와 치마자락 밑으로 보이는 속바지의 노출 등으로 나타났고 이를 현대적인 신부의 웨딩드레스에 도입함으로써 전통미를 부각시킨 창의적인 디자인을 창출할 수 있었다. 다섯째, 경제적 풍요로 나타난 관활한 실루엣을 신랑의 드레스 셔츠(Dress Shirt)와 신부의 스커트(Skirt) 디자인의 모티브로 도입함으로써 화려하고 아름다운 디자인이 가능하였다. 우리의 전통복식인 한복은 비실용적(非實用的)이거나 비(非) 기능적(機能的)이라고 여겨지는 경우가 많으나 본 연구 결과 조선후기의 복식은 과학적인 사고에 바탕을 둔 합리성(合理性)과 실용성(實用性), 심미적(審美的)인 요소까지 모두 갖춘 근대적 디자인의 출발점이 될 수 있는 복식임을 알았다. 따라서 전통적인 우수성을 정확하게 이해함으로써 복식을 포함한 여러 분야에서 요청되고 있는 전통의 계승과 현대화에 많은 도움이 되기를 기대한다. An interest about the cultural heritage has recently increased along with internationalization in various fields more than any other time. It's meaningful to create a modern design with traditionality by establishing the advantage and sentiment of cultural heritage and an aesthetic sense suitable to the time not by only reproducing a formal factor of tradition itself based on the fundamental understanding. The purposes of the study were to analyze the costume expressed in the genre painting during the late Chosun period and to design a modern wedding wear based on the idea or symbolism inherent in our traditional costume, so that excellency of our costume might be reconfirmed. Eventually, the value and utility of our costume design might be heigbtened as products with the national competitiveness. The contents of the study contained not only the meaning and origin of wedding wear but also introduction and changes of Korean wedding wear through the professional books related to the history of costume and early studies. In addition, the concept of genre painting and characteristics of late Chosun genre painting were analyzed from the aspect of the history of costume. It was also analyzed how the idea or social situation of the time was expressed in the costume, focusing on the works which were considered to be appropriate to observe the costume and to represent the late Chosun period among lots of genre paintings. Five pieces of wedding wear were produced based on this. The findings of the study were as follows. First, practicalism ideology and economical allowance were expressed in the costume of genre painting. Second, some motives including adhesion or removal of sleeve, wristlet to protect against the cold, and very thin band among the functional factors were applied to the modern wedding wear so as to make scientific and beautiful design possible. An active factor which appeared in the genre painting was also applied to the bridegroom's wedding wear to create a design for decorative beauty. Third, the bride's veil and upper garment were expressed beautifully using the coordination effect of color in old-fashioned woman's skirt shawl and Samhoijang chogori as a motive. Fourth, eroticism in the genre painting was revealed by the sensational and individual beauty which were conscious of woman's body line and by the exposure of underpants below the hem-line of the skirt, which was applied to a modern wedding dress for a bride, and created an original design expressed our traditional beauty. Fifth, a large silhouette expressed economical wealth in the past was applied to the motives for designs of bridegroom's dress shirt and bride's skirt to make splendid and beautiful design possible. Hanbok as our traditional costume has been often considered to be impractical or disfunctional. However it could be found that the costume of the late Chosun period could be a starting point of modern design which was endowed with rationality, practicality, and aesthetic sense extensively on the basis of scientific thought as a result of the study. Accordingly, excellence of our tradition should be correctly understood, so that it might be much helpful to the succession and modernization of tradition which have been required in several fields including costume.

Wassily Kandinsky 회화작품을 통한 Textile design 연구 : 스카 프 제작을 중심으로

한애정 동덕여자대학교 디자인대학원 1998 국내석사

장신구(裝身具)는 의복과 함께 인간의 삶과 밀접한 관계를 유지하고, 인간을 이해하는 데 직접적인 역할을 하고 있다. 아울러 의복에 대한 개념의 변화와 동시에 다양해지는 표현의 자율화를 표방(標榜)함으로써 보조적 역할에서 점차적으로 패션의 전체적 분위기를 좌우하고 리드해가는 주도적인 위치로 그 영역을 넓혀가고 있다. 장신구가 사용범위에 따른 기능만을 위한 것일 수는 없으며, 또는 보여지기 위한 것에만 그칠 수도 없다. 이러한 의미로 스카프도 단순히 방한(防寒), 방서(防署), 방진(防塵)의 범위를 넘어서 개성표출을 가능케하는 이상적인 매체로서 중요한 아이템(Item)으로 부상되었다. 1930년대 우리나라에 도입된 이후 스카프는 생활 수준의 향상과 섬유 디자인의 발전과 더불어 놀라울 만큼 다양해졌으며 대부분의 여성들이 애용하는 장신구로 자리매김을 하였다. 현재 우리나라의 스카프는 자연적 문양과, 직선이나 곡선이 규칙적 또는 불규칙적으로 구성되는 기하학적 문양, 또 민족의 장식문양인 전통문양 등이 많이 사용되었다. 그러나 본 연구에서는 이러한 기존의 문양에서 벗어나 의상 디자인에서는 많이 이용되지만 스카프에서는 그리많이 시도된 바가 없는 화가의 작품을 문양으로 도입하고자 했으며, 장신구로서의 다채롭고 자유로운 예술적인 감성을 내포하고 좀더 소비자들의 미적 의식과 감각에 부응한 예술성과 실용성을 동시에 만족시킬 수 있는 스카프 디자인 개발의 가능성을 제시하고자 하는 데 그 의의와 목적이 있다. 스카프의 모티브는 기하학적 형태와 밝은 색상으로 현대 추상화가의 선구자인 W. Kandinsky 회화 작품 중에서 도출(導出)하였으며 가능하면 세부적인 묘사를 생략하고 밝고 선명한 색채를 사용하여 스카프의 소재로 많이 사용되고 있는 실크(Silk)의 특성에 부합되는 제작방법을 연구하였다. 본 연구의 내용은 W. Kandinsky의 작품을 중심으로 전개함에 따라 W. Kandinsky 회화 작품에 나타난 그의 예술 정신과 작품 세계의 특징을 고찰하였다. 이러한 이론적 고찰을 근거로 작품을 제작하였으며, 본 연구의 작품 제작을 통해 얻은 결론은 다음과 같다. 첫째, W. Kandinsky 회화 작품의 기하하적인 요소들이 갖는 배치와 구도는 일반적으로 딱딱하다는 느낌을 갖고 있으나 규칙적인 나열의 답답함이 아니라 개방적인 공간구성으로 재구성함으로써 무한한 스카프문양 디자인 개발의 가능성과 영역을 넓힐 수 있었다. 둘째, W. Kandinsky 회화 작품의 특징인 세부적인 묘사를 생략하고 기하학적인 요소와 밝고 선명한 색채를 사용함으로써 예술과 실용의 조화에 기틀이 될 수 있었다. 셋쩨, 종전의 실크 스크린 염을 응용한 기법으로 실크 스크린 염 호료에 Dark 202라는 방염제를 넣어 줌으로써 착색 및 방염력을 동시에 생기게 함으로 프린트되지 않은 부분은 원하는 색상으로 채색을 가능케하여 표현의 다양화를 유도하였다. 현재 스카프 산업은 앞서에서도 언급한 바와 같이 기존의 문양에서 크게 벗어나지 못하고 있으며 해외 브랜드의 의존도가 높은 실정이다. 이를 해결하기 위해 대량생산되는 스카프가 아니라 미적의식과 감각에 부응한 예술성과 실용성을 동시에 만족시킬 수 있는 수공예적인 요소를 지닌 디자인이 개발되어야 한다고 본다. 그러기 위해서는 본 연구자와 같이 회화 작품의 특징을 잘 응용하여 창조적인 문양 디자인을 개발한다면 부가가치를 높일 수 있는 상품을 개발할 수 있을 것이다. Along with clothing, ornaments keep close relationship with the life of human beings, and play a positive role in understanding them. In addition, they expand their scope from an auxiliary to major role to lead the overall atmosphere of fashion gradually by advocating the self-discipline of various expressions in addition to the concept change about clothing. The usage of ornaments is neither to apply for the function according to the scope used, nor to be showed to people. Scarf came up to the surface as an important item and an ideal media which enables persoal expression above the scope of protection against the cold and frost, and dustproof. In 1930s, scarf was diversifed surprisingly along with the development of textile design and improvement of living standard after its introduction to our country, and finally it found its place as women's most favorite accessories. There are natural pattern, geometrical pattern consisted of regular or irregualr lines or curves, and traditional patterns of our racial ornaments. However, this study is intended to introduce artist's works which were much more used in apparel design but less used in scarf, breaking from the conventional patterns. In other words, the purpose of this study is to include various, free and artistic sensibility as an ornament and to present a possibility of scarf design development which can satisfy both artistry and practicality which meet esthetic sense and consciousness of purchasers. The motive of scarf was introduced from W. Kandinsky, one of the pioneers in the modern abstract artists using geometrical forms and bright colors and studied the producing methods which satisfied the character of silk, a major material of scarf, by omitting detailed depiction, if possible. The content of this study comprises W. Kandinsky's artistic spirit expressed in his pictorial works and the character of his works of art. These works were produced on the basis of these theoretical consideration, and the conclusion drawn through work production of this study is as follows. Though we feel "hardness" from the arrangement and composition of the geometrical elements in W. Kandinsky's picotrial works generally, not stifling regular array but restructuring of open space constitution leads to the possibility to develop infinite scarf pattern design and to enlarge its scope. Expressional diversity was induced by applying dyeing-proof Dark 202 to the conventional silk screen dye Horyo to generate not only coloring and the dyeing-proof capabilities simultaneously but also putting in color into the unprinted part. If an emphais is put on the development of patterns utiliziing the character of artist's pictorial works like the investigator, a highly added-value and artistic beauty oriented product can be developed.

유아의 정서 발달을 고려한 학습지 표지 디자인에 관한 연구 : 국내 4대 학습지를 중심으로(교원,웅진,대교,재능)

계순림 동덕여자대학교 디자인대학원 2002 국내석사

오늘날의 유아의 교육을 중심으로 하는 학습지의 출판 동향은 단순히 글자와 숫자를 얽히는 무조건적인 교육의 의미를 벗어나 유아에게 호기심을 유발시켜 상상력과 창의력, 사고력까지 키워주는 것이 중요한 문제로 대두되고 있다. 이에 따라 학습지의 표지 디자인에 있어서 단순한 미적 효과나 흥미를 유도하는 것도 중요하지만 그보다는 표지 디자인이 목적하는 내용의 전달이라는 기능과 그 내용의 전달을 통해 아이들의 정서 발달을 고려한 디자인이 가장 중요시되고 있다. 본 논문에서는 표지 디자인의 개념을 파악하고 유아의 성장 발달 상황을 살펴본 뒤 시각적 요소와 결합하여 분석함으로써 학습지 표지 디자인이 단순히 상업적이며 미적인 효과만을 기대하는 것이 아니라 유아가 성장하는데 있어 올바른 영향을 끼치는 유아를 위한 바른 디자인의 이해와 디자인의 응용에 이바지하는데 그 연구의 목적을 둔다. 본 논문은 국내 현재 출판되고 있는 4대 학습지(교원(빨간펜), 웅진(씽크빅), 대교(눈높이), 재능(스스로 학습지))를 중심으로 기타 학습지 회사의 제품을 연구의 대상으로 삼았다. 본 논문은 주체인 유아의 정서발달에 입각한 시각적 요소 가운데서 1)레이아웃 2)일러스트레이션 및 사진 3)타이포 그래피 4)색채 5)여백 6)재질 등을 효율적으로 분석하여 유아의 정서발달에 영향을 미칠 수 있는 연구에 중심을 두었다. 연구 방법에 있어서는 표지 디자인의 전반적인 개념과 기능을 살펴본 뒤 유아의 정서발달의 개념과 발달 과정에 따른 영향을 이해하고, 표지 디자인의 시각요소에 맞추어 국내 현재 출판되고 있는 4대 학습지(교원(빨간펜), 웅진(씽크빅), 대교(눈높이), 재능(스스로 학습지))를 중심으로 기타 학습지 회사의 제품을 수집, 분석하고 그 특성을 알아보고 시장 현황과 문제점을 도출한다. 그리고 그 분석과 현재 유아 학습지 디자인에 종사하고 있는 현역 디자이너들의 인터뷰를 통해 도출된 문제점에 대한 개선 방안을 제시하는 연구 과정을 담았다. 본 논문의 구성은 다음과 같다. 제 1장은 서론으로 연구의 배경 및 목적과 방법 및 범위에 대하여 기술하였다. 제 2장은 본론으로 표지디자인의 개념 및 개요와 유아의 정서발달의 개념과 발달과정의 이론적 배경과 국내 4대 학습지의 표지 디자인의 시각요소의 사용에 대한 현황과 분석에 대하여 논하였다. 제 3장은 문제점 도출 및 개선방안을 분석을 통하여 정리하고 현역디자이너들의 인터뷰 내용을 토대로 개선방안을 제시하여 정리하였다. 제 4장은 본 연구를 바탕으로 결론과 앞으로의 방향을 제시하였다. Today's trend to publish the learning materials centering around the preschool education is not an unconditional education which aims at just teaching characters and numerals but a cultivable education to foster imaginative, creative, and thinking power by inducing children's curiosity. Thus, it's important to lead a simple aesthetic effect or interest in designing the book cover, of course, but the function to deliverf contents, which is a purpose of ook cover design, and a design which considers children's emotional development is regarded as the mostimportant thing. The purpose of this study is to contribute to understanding and application of the concept of book cover design for children which influences on their proper growth instead of anticipating just a commercial and aesthetic effect, to looking into the developmental status of children's growth, and additinoally to analyzing the visual factor. This study targets the products of several companies which manufacturing the learning materials including especially the top four learning materials: Kyowon (Red pen), Ungjin (Think big), Daekyo (Eye height), and Jaeneung(Self-learning), domestically published at present. This study focuses on the children's emotional development by effectively analyzing the visual elements includingg 1) layout, 2 ) illustration and photo, 3) typography, 4) color, 5) space, and 6) qualitof materials. In discussing ways and means, this study examines the overall concept and function of book cover are examined, uderstands its effect on the concept and course of children's emotional developemnt, defines its charactersitcs by collecting and analyzing the products published a number of companies inicluding the top four learning materials mentioned above in order to adjust the visual elements of book cover design, and finally draws the present status ofo market and problems. And along with the analysis, it presents a reform measure to solve the problmes drawn via interviews with some incumbent designers engaged in the design of children's leaning materials. The compositions of this study are as follows: In the 1st chapter, that is, in introduction, the background, purpose, method and scope of the study are described. In the 2nd chapter, the concept and synopsis of book cover design, the theoretical background of children's emotional development, the present use of the visual elements of book cover design by the top four learnig materials in the country are discussed. In the 3rd chapter, problems and reform measure based on the interviews with some incumbent designers are deducted and defined. In the 4th chapter, the conclusion and future direction based on this study is indicated.

제품디자인에 있어서 감성적 접근방법에 관한 연구

정현선 同德女子大學校 디자인大學院 1998 국내석사

오늘날의 소비자들은 경제적 발전과 기술의 진보를 바탕으로 개발된 풍부하고 다양한 제품들을 접할 수 있게 되었으며, 물질적 풍요와 생활수준의 향상을 바탕으로 국제적인 감각 속에서 독자적 가치를 지닌 차별화된 생활 양식을 추구하고 있다. 예전에는 제품의 기능이나 외형을 중심으로 판단하여 구매하던 소비자들의 의식이 이제는 한발 더 나아가 자신의 감정이나 이미지를 표출하고 그로부터 만족감을 추구하는 방향으로 변하고 있다. 이는 다양한 기능을 갖추었더라도 조작하기 어렵거나 복잡한 제품보다는 다기능적이어도 사용하기 편하고 조작이 쉬워 특별히 매뉴얼이 필요치 않은 제품, 단순하게 아름다운 외형을 갖춘 제품보다는 소비자가 추구하는 조형적 이미지가 부여된 제품, 즉 소비자들이 사용하면서 쾌적함, 편리함 등을 느낌으로써 감성적으로 만족할 수 있는 제품이 선호 받는 이른바 감성의 시대가 도래하였음을 의미한다. ‘감성 연구’라는 시대적 요청에 따라‘감성’이라는 인간의 주관적인 측면을 연구하는 감성공학이 대두되게 되었고, 그로부터 정보공학, 센서 공학, 인간공학, 인지과학, 생체학, 심리학 등의 다양한 분야에서 각각의 분야에 맞게 체계화시키는 연구가 뒤따르게 되었다. 이러한 학문 분야들은 각기 그들의 시각에서 감성을 해석하고 그 결과를 토대로 그 분야에 적합한 시스템 틀들(system tools)을 개발하고 있다. 이에 따라 여러 학문 분야에서 각 연구 방향 및 목적에 맞게 감성을 해석하여 감성공학적으로 접근하듯이 디자인 분야에서도 인간의 감성을 공학적인 의미에서의 적용이 아닌 디자이너의 시각에서 디자인적 사고로 해석하는 연구가 필요하게 되었다. 즉, 연구 대상과 연계된 타 학문분야를 접목시켜 활용하고자 할 때에는 각 학문분야들의 본질을 이해하고 그로부터 그 시스템들을 고찰한 후, 적용시키고자 하는 분야의 목적에 부합된 사고 체계로서 변환시켜야 할 필요가 있다는 것이다. 따라서 본 연구는 기존의 일반적 제품디자인 프로세스와 그 방법들의 이해를 바탕으로 감성적으로 접근하여 사용자들에게 즘 더 만족감을 줄 수 있는 제품을 디자인하기 위한 전개 과정과 그 과정들은 어떠한 방법들로 전개될 수 있는가에 대하여 이론적 배경을 고찰하고, 이들을 토대로 디자인 프로세스와 방법들을 재정리하여 제시한다. 특히, 본 연구에서는 감성적으로 디자인에 접근하여 감성적으로 충족될 수 있는 제품의 디자인을 행할 수 있는 디자인 방법을 모색하는 것을 목적으로 하였다. 이러한 연구는 다음과 같이 진행되었다. 첫째, 이론적 배경으로서, 감성적으로 디자인에 접근하기 위하여 인간의 감성에 연계되어 있는 여러 학문 분야를 고찰한다. 둘째, 각 학문들의 연구 방법과 기존의 제품디자인의 접근방법을 살펴보고, 그 결과를 토대로 감성적인 접근방법들을 재정리한다. 세째, 위의 내용을 토대로 감성적 접근방법의 프로세스 모델을 제시한다. 이러한 연구의 진행을 통하여 다음과 같은 결론으로 정리되었다. 첫째, 급속도로 변하는 사회와 소비자들의 변화에 대응하기 위하여 제품 디자인 분야에서는 제품의 요소와 접목시킬 수 있는 인간의 감성에 대하여 확실히 파악하고, 감성적으로 제품에 접근하여야 한다. 둘째, 감성적으로 접근한 제품디자인은 디자인 프로세스의 모든 단계에서 사용자의 입장이 고려되고 검증되어야 한다. 세째, 사용자의 감성에 충실한 제품을 디자인하기 위해서는 제품의 특성에 따라 제시된 프로세스 모델을 기초로 각 단계에서 적절한 디자인 방법들을 선택하여 활용하는 것이 효과적이다. 네째, 디자인 대상이 갖는 문제들을 제품의 측면에서 해결하는 것이 아니라, 사용자의 측면에서 생각하고 해결하여야 하며, 또한 그 과정에 있어 사용자의 조작 능력까지도 고려될 수 있어야 한다. Nowadays, consumers came to be able to touch with the various affluent product which are developed on the base of economic growth and technical improvement On the foundation of the material richness and elevation of the standard of living, having the sense of the universal consumers pursue criminated way of life having the peculiar worth. The consciousness of consumers in past who judged to buy mostly with the foundation and external feature of the products has been changing these days to reveal one's emotion, image to pursue to get satisfied. For the more it means the coming of the sensibility period that people prefer the product that is convenient to use, easy to operate, even equipped the multiple function to the product that is difficult or complicated to operate and that people prefer the product that is given the formative image that people pursue to the product that is equipped with beautiful aspect simply, that is to say the coming of the times of sensibility that consumers could be content sensibly for while their using the product they feel pleasant, convenient etc. according to the demand of the times defined 'study for the sensibility', the sensibility science which is the study of the human subjective aspect 'sensibility' came to raise its head. And in the various kinds of study for example information science, senser science, human science, somatology, psychology, etc, research of systematizing properly to the each fields came to followed after. These field of study interpret the sensibility with the view point of themselves on the base of the result of the interpreting, they developed the system tools properly to the fields. Such as in the various fields of the study the interpreting the sensibility suitably to the direction of research, the purpose and the approaching sensibility scientifically as in the field of design, not the application the human sensibility scientifically but the research to interpret with the view of the designer and with the designing thought. This is to say when you want to put to practical use to graft the other field related with the investment object, you should understand the essence of each field of science and than contemplate the systems, after that you should transform into the thinking system coincide with the purpose of the field to which apply. Accordingly, on the foundation of the existing common product design process and the comprehension of the ways this research approach sensibly to contemplate of the process of the unfolding to design the product and of which way the process could be unfold, and re-arrange and show the design the product and of which way the process could be unfold, and re-arrange and show the desire process and the way with the base of the contemplation after re-arrangement. Specially of this study's purpose is approaching sensibly to designing and groping the way of design to be satisfied sensibly. The progress of the research is following. First of all, as the theory background, to approach the design sensibly contemplate the various fields of the study related with human emotion. Second of all, examining the way of each science and the way of approach of the existing design of product, on the foundation of the result re-arrange the sensitive approaching way. Third of all on the base of the upper content shows the process model. Through the process of this research the following conclusion is arranged. First of all, to correspond with the rapidly changing society and the change of the consumers, in the field of the design of product we should understand surely the human emotion that would be grafted with the element of the product, and we should approach to the product sensibly. Second of all, the sensibly approached product design should be considered and be verified the view point of the user, in the all step of the design process. Third of all, to design of the product that is sincere to the sensibility of the user, on the base of the process model, according to the character in each step in the properly design way, it is effective to chose and select. Fourth of all, when they design, they should be solved the problem that the object of design on the side of the user, and should be consider the user's operational capacity in the process.

숙녀복 DOWN WEAR DESIGN 개발에 관한 연구

이순자 동덕여자대학교 디자인대학원 2001 국내석사

20세기 이후 물질적으로 풍요로워지고 과학기술의 발달로 노동시간의 절대량이 감소된 현대사회는, 사회구성원의 여가 활동이 증가하고 건강과 외모에 대한 관심이 높아지면서 삶의 질을 보다 편안하고 윤택하게 영위하는 것이 주요 관심사가 되었다. 이와 함께 개개인의 라이프 스타일에 급격한 변화가 초래 되었고, 소비패턴도 종래의 양적 소비에서 질적 소비로 바뀌는 추세를 보이고 있다. 여가활동의 증가와 관련하여 스포츠 캐쥬얼이 패션의 주요 품목으로 부상 하였으며, 그 중에서 특히 DOWN WEAR는 F/W 시즌의 인기 있는 패션 상품으로서 높은 매출 이익을 발생시키기 때문에 숙녀복 브랜드들의 중요 아이템으로 인지되어 왔다. 그러나 1990년대 이후에는 DOWN WEAR가 스포츠 캐쥬얼 뿐만 아니라 숙녀복, 아동복, 남성복 등 전반적 부문에서, 기능성과 실용성을 강화하고 여성스러운 실루엣도 동시에 추구할 수 있는 패션상품으로 급부상 하였다. 그럼에도 불구하고 이를 소재, 제작의 측면에서나 디자인 면에서 심도 깊게 고찰한 국내외 선행연구가 전혀 없는 실정이다. 본 연구의 목적은 DOWN이 가지는 특성을 이해하고 이를 응용하여 최적의 생산 프로세스를 제안하며, F/W 시즌 뿐 만 아니라 S/S 시즌에도 착용할 수 있는 크로스오버(Crossover)용 작품을 개발함으로써 이 부문의 연구 영역을 확장하는데 있다. DOWN을 패션상품으로 제작하는 데는 그 물리적 특성상 봉제 기법과 소재 선택에서 많은 제한사항이 있으므로, 이들을 충분히 고려하여 최적의 방식을 선택하는 것이 매우 중요하다. 따라서 본 연구는 DOWN의 역사와 특성을 고찰하고 국내외 디자이너의 작품을 분석한 후 이를 패션상품에 구체적으로 응용하여, 패션 소재로서의 DOWN의 장점을 최대한 살릴 수 있는 디자인 개발과 그 제작 방법을 제안하였다. 현재의 DOWN WEAR 시장 현황을 파악하기 위하여 해외 디자이너의 작품과 국내 숙녀복 브랜드의 DOWN WEAR를 분석한 결과, 해외 디자이너는 주로 창작 작품으로 표현한 것에 비해 국내 브랜드에서는 실질적인 동절기 매출을 주도하는 패션 상품으로 자리 잡고 있음을 알 수 있었다. 본 연구에서는 먼저, 소비자가 선호하는 DOWN WEAR 패션제품을 VEST, JACKET, JUMPER, COAT, ONE-PIECE, SKIRT의 유형으로 분류하여 일반 숙녀 기성복에 응용 가능하도록 디자인·제작하였고, 이와 병행하여 예술적으로 표현한 고급화된 DOWN WEAR 작품을 디자인·제작하였다. 특히 DOWN WEAR는 봉제 방법에 따라 의상에서의 표현성이 다양하게 변화되기 때문에, 이를 충분히 반영하여 기능성과 패션성을 동시에 만족시키는 창의적인 디자인을 개발하고 상품화 가능성을 높이는데 주력하였다. 패션의 소재부문 연구의 확장에 기여하고, DOWN 소재를 사용한 일상복 디자인과 아트웨어 디자인을 병행하여 개발·제작함으로써 디자인의 다양성을 제시하며, 이를 국내외 DOWN WEAR 연구의 기초자료로 삼는데 본 연구의 의의가 있다. The rapid development of science technology during the 20th century has greatly lowered the hours for labor thus giving members of society extra time for leisure. This increased leisure time is used to satisfy our interest in health and beauty, and making the quality of our lives more comfortable is what we now focus on. This in turn initiates a change in consumer behavior, from quantity consumption to that of quality. With the growing of leisure activities, sports casual wear has become one of leading item in the fashion industry, and among such sports casual, DOWN WEAR has become the F/W season's most popular item. Because it generates high profits, many recognize it very important in lady's wear. Since the 1990's, DOWN WEAR has ceased to be sports casual only, and with functional and pragmatic aspects being added, it was widely applied to various sections of lady's, men's and children's wear. Despite this fact, there is currently no domestic or foreign academic research involving material and/or design in this field. The purpose of this study is to fully understand the characteristics of DOWN, and to utilize this understanding to propose an efficient means of manufacture, and to develop Crossover garments design desired not only in the F/W season but also the S/S season. It has to be taken into consideration that many restrictions in sewing technique and material selection in manufacturing DOWN as a fashion product when choosing a means of manufacture. That is why this study focuses on the history and characteristic of DOWN while analysing the works of domestic and foreign designers to concretely applicate them in fashion products. The current condition of the DOWN WEAR market is as follows' foreign designers usually designed creative works while domestic brands lead the winter season with practical sales in mind. This study has divided DOWN WEAR products according to consumer preference' VEST, JACKET, COAT, ONE-PIECE, and SKIRT to applicate design·manufacture in lady's wear in general, while designing and making artistically expressed DOWN WEAR. Because DOWN WEAR has drastic changes in expression according to sewing method and technique, the works presented in this study were designed with both fashion and function in mind while being marketable at the same time. The significance of this study is that it helps expand research on materials in fashion, and that it presents variety of design in everyday dress and art wear as well. This will become base data in DOWN WEAR research in this field.