국내 대학신문 제1면 편집디자인에 관한 연구 -6개 여자대학교 신문 분석을 중심으로-

李美鎭 淑明女子大學校 디자인大學院 2005 국내석사

University Newspaper is just as significant, nevertheless existing within the university being printed for people on campus, in its roles and functions as other established media in a sense that it is for a great number of people. For the fact that it becomes the path for communication between university members, its role is especially very important. Considering the current status however, it can be witnessed that university newspaper is not properly performing its role as a path for communication within the campus society. To guard the power of influence and draw attention from readers as a medium, university newspaper needs to work on improving the visual aspects where it most lacks its competitiveness against other media. The object of this study is to find solution for newspaper design with a layout that is nice to look at and easy to read through promoting individuality and distinguishment adopting positive design on the pages of newspaper. Also through analyzing university newspapers, find out what the traits of layout and editing are of university newspapers and study methods for betterment and direction of aim. This study is of something that has analyzed and arranged dividing the constituents into several categories determining that visual design of newspaper pages plays a very significant role in the formation of university newspaper’s image. To perform such, 6 school newspapers of domestic women’s universities –Duksung Women’s University, Dongduk Women’s University, Seoul Women’s University, Sungshin Women’s University, Sookmyung Women’s University, Ehwa Women’s University - have been chosen for the study. The Analysis on each paper has been performed around constituents of the cover page. This was in consideration of the cover page having the most exposure and contributing the most in forming the visual identity of the newspaper with the title of the paper. The constituents of design editing of university newspapers cover page can be observed divided as title of paper, typeface, color, pictures, layout, grid system, lines and space, advertisements, and etc. This thesis has analyzed comparing these constituents, set as standards, of 6 domestic women’s universities’ newspapers. Through analyzing the allocation of the consisting visual constituents, it has been pursued to seek problems in the layout and paper design, and solution for amelioration. As a result of analyzing the cover pages, the domestic university newspapers are making efforts in visualizing the page. However, it was noticeable that they were yet always produced within a certain frame not being able to make pages more animated for the reasons of newspaper-specific bounds. Moreover, due to using not properly defined rules, an emergence of a number of factors that are rather deteriorating the readability and causing confusion of information. It is necessary to deliver information fast and accurately through establishing consistency and unity among all of the visual constituents by maintaining harmony with considerations to space and graphics used around the page along with rules of the constituents. For newspapers to continue to maintain readers’ attention and the power of influence as a medium in the 21st century, it is crucial to no longer consider design editing as another mere process of newspaper production or a simple tool for editing pages. The participants that are involved in university newspaper should give thoughts to ‘how you can make newspaper better’ with professional knowledge adopting the concept of art direction. University newspapers also need to continuously try to reform and renovate the pages through utilizing visual information following the change of times. 대학신문은 대학인을 대상으로 하는 대학 내의 신문이라 하더라도 다중을 상대하는 매체라는 점에서 그 기능과 역할은 기성매체 못지않게 중요하다. 특히 대학구성원 간의 커뮤니케이션의 통로가 되기 때문에 그 역할은 매우 중요하다고 볼 수 있다. 그러나 현재의 상황으로 볼 때 대학 사회 안에서 대학신문은 정보 전달의 통로로서의 역할을 제대로 수행하고 있지 못함을 볼 수 있다. 대학 신문이 미디어 매체로서 영향력을 지키고 독자들로부터 관심을 갖기 위해서는 다른 매체들과의 경쟁에서 가장 뒤떨어진 시각적 측면을 보완하는데 관심을 가져야 한다. 본 연구는 대학신문의 분석을 통해 대학신문의 레이아웃과 편집상의 특징은 무엇인지를 알아보고 앞으로 대학신문이 고려해야 할 신문 지면의 개선 방안과 지향해야 할 점은 무엇인가를 연구하여 신문 지면의 적극적인 디자인 적용으로 인한 신문의 개성화, 차별화 형성으로 독자들에게 보기 좋고, 읽기 쉬운 레이아웃을 중심으로 한 신문 디자인에 대한 발전적인 방법을 모색하는 데 그 목적이 있다. 이 연구는 대학 신문의 이미지가 형성되는 데는 신문 지면의 시각적 디자인 요소들이 끼치는 영향이 크다고 판단하고, 그 요소들을 여러 항목으로 나누어 분석, 정리해 본 것이다. 이를 위해 국내 6개 여자대학교인 덕성여자대학교, 동덕여자대학교, 서울여자대학교, 성신여자대학교 숙명여자대학교, 이화여자대학교의 교내 신문을 연구대상으로 선정했다. 분석은 각 신문의 1면 구성 요소를 중심으로 이루어졌다. 이는 제 1면이 가장 노출빈도가 높고 제호 혹은 면머리가 포함되어 있어 신문의 시각적 정체성을 형성하는데 가장 큰 기여를 하고 있다는 판단에 따른 것이다. 대학 신문 제1면 편집디자인의 구성요소는 제호, Typeface, 컬러, 사진, 레이아웃, 그리드시스템, 선과 여백, 광고 등으로 나누어 살펴볼 수 있는데, 본 논문은 이러한 구성요소를 기준으로 하여 국내 6개 여자대학교 신문을 비교 분석하였다. 이러한 지면구성 시각요소들의 배치를 분석하여 신문디자인과 레이아웃의 문제점과 개선점을 찾아보고자 했다. 1면을 분석한 결과 국내 대학신문들은 지면의 시각화에 많은 노력을 기울이고 있지만, 아직은 신문사 특유의 한계적인 상황으로 인해 살아 움직이는 듯한 지면 제작을 하지 못하고 항상 일정한 틀 속에 갇혀 제작 되고 있음을 볼 수 있다. 또한 제대로 정의 내려지지 않은 규칙의 사용으로 오히려 가독성을 떨어지게 하고 정보의 혼란을 초래하는 요소들도 적지 않게 나타나고 있다. 각 구성요소들의 일정한 규칙과 주변에 사용된 그래픽과 여백 등을 고려한 조화 유지를 통해 모든 시각적 구성요소들이 일관성과 통일성을 이루게 하여 정보를 신속하고 정확하게 전달할 수 있도록 해야 한다. 신문이 21세기에도 미디어 매체로서 영향력을 지키고 독자들로부터 관심을 갖기 위해서는 무엇보다도 편집디자인을 신문제작 공정의 한 단계로만 인식하거나 지면 편집을 위한 단순한 기능정도로만 생각하는 것을 벗어나 대학신문을 제작하는 구성원들도 아트 디렉션의 개념을 도입한 전문적인 지식을 바탕으로 하여 ‘신문을 어떻게 하면 더 가치있게 만들 것인가’를 고민해야 할 것이다. 이제 대학신문도 시대의 변화에 따라 시각 정보를 통한 과감한 지면의 혁신과 편집개혁을 위해 지속적으로 노력해야 한다.

서울지역 3개 여자 대학의 웹 아이덴티티(Web Identity) 디자인에 관한 연구

李恩英 숙명여자대학교 디자인대학원 2006 국내석사

Korean universities has faced the emerged information-oriented and internationalization environment of 21st century, and has tried strengthening their mpetitiveness to survive. Accordingly, they have introduced the business image marketing, CI(Corporate Identity) into their unified UI. The Good image of company makes their customers confident and faithful to the goods and service, so it can relate with their competitiveness. These days, universities have the same situation as the above to make their customers (students, their parents, business people and faculty) confident and faithful as well. As a result, the management of UI becomes the urgent issue. Therefore, Korean universities have made the regulations about UI since early 90's and developed it mainly and practically as the promotion strategy since middle 90's. In the 21st century, the universities have faced the digital era with the most powerful and easiest public communication, the internet. The interactive system, internet is different from the old one-way communication system, and is leading the society revolution with openness and freedom. Then, universities have made the web-site and presented convenience to their customer. However, when they made the web-site, they made the mistake to depend on only technical web technology and simple operation not regarding the concept of off-line UI developed since 90's. In other words, the web-site level was stopped into the copy of printed materials and the limited usage of web-tools, because the characteristics of on-line were not considered important. Lack of unique identity can't take the users' interest and attraction in the on-line of enormous information mixed with useless and valuable things. Nowadays, it appears that the new area, web design gets the specialization for the internet, and more and more universities have started the renewal of their web-site to improve their social reputation and future strategy and to harmonize variable people's demand and generation gap. In a word, while the concept of UI is expanding into the web-site of internet, it becomes important issue to install the total Web Identity, and the purpose is as follows; firstly, they must take the competitive advantage in the global and oriented-information ages. Secondly, on-line image, total Web Identity can make off-line UI image upgraded and more intensive. Now, this research shall choose three women universities of four-year college degree in Seoul which renewed the web-site recently as the research object, and show how well Web Identity is arranged and managed as the strategy of UI improvement. After analyze visual graphic elements focused; the web-design logo-symbol, color, typographic, layout and graphic, the result is as follows; Duksung Women's University renewed the main page of web-site in 2006, and then has shown the process to make the identity aimed for the future life with confidence and intimacy and distinct young women's image. DongDuk Women's University focused the trend excessively in the renewal, so gets the error to give the confusion in the color image because UI and Web Identity do not have onsistency about the color. Otherwise, Sookmyung Women's University has the best practice in the visual graphic elements of Web Identity. It shows the unified identity in the on-line corresponding to the university vision in the off-line, and realizes the top leadership of women worldwide, which is their motto and challenge strategy. The conclusion is that the UI shall be recognized clear in the conditions with Web Identity integrated and applied from UI standards, but Web Identity renewed with only trend or technology change makes it difficult to upgrade their image and work out as expected. Therefore, it should be considered very important that Web Identity must have the consistency with UI to intensify and emphasize university visions. Moreover, the visual graphic elements in the web-design also should have reflexibility and meet users' demand according to the new society change. 우리나라의 대학들은 교육개방을 앞둔 21세기의 급변하는 정보화, 국제화 환경 속에 국내외에서 치열한 경쟁을 하고 있다. 이에 대학들은 생존을 위해 기업들의 CI(Corporate Identity) 이미지 마케팅을 도입하여 통일된 UI를 정립해 오고 있다. 기업의 좋은 이미지는 고객들에게 기업이 생산하는 제품이나 서비스에 대해 신뢰감과 충성도를 주어 기업의 경쟁력 증진으로 연결된다. 대학도 마찬가지로 그들의 고객인 학생, 학부모, 기업인, 내부직원들의 신뢰감 및 선호도를 위해 UI의 올바른 정립이 시급한 과제가 되었다. 그 결과, 지난 90년대 초 국내 대학들은 UI를 도입하고, 중반부터는 홍보 전략의 하나로 UI를 개발하고 활용하고 있다. 21세기에 대학들은 교육 개방 외에 대중적으로 가장 강력한 Communication의 수단인 인터넷의 활용으로 디지털 시대를 맞이하게 되었다. 기존의 일 방향 운영체제인 통신 시스템과는 다르게 쌍방향 운영체제인 인터넷은 사용자들에게 정보의 공개성과 자유성을 주며 사회 변화를 주도 하고 있다. 이에 발맞춰 대학들 또한 웹사이트를 구축하고 그들의 고객들에게 편이성을 제시하려 하였다. 하지만 90년 이후 본격적으로 활용한 Off-line 상의 UI를 인터넷 웹사이트에 적용하는 과정에서 디자인이 배제된 단순한 제작 기술에 의한 행정적 운영 관리에 의존하였다. 즉, On-line 상의 특성을 이해하지 못하여 인쇄물을 화면으로 옮기는 수준에 그치거나, Tool의 한정적인 기능사용에만 머물렀다. 무분별하게 쏟아지는 정보의 바다인 On-line 상에서는 사용자에게 흥미와 매력을 줄 독창적 아이덴티티(Identity)를 구현하지 못했다. 최근 들어 인터넷에 특화된 기술과 디자인을 겸비한 웹 디자인 이란 새로운 영역이 생겨났으며, 폭발적으로 증가하는 사용자들의 다양한 요구사항들과 더불어 대학들의 사회적 평판이나 앞으로 지향할 가치, 다양한 대내외 구성원들의 세대·기호 차이까지 융화하는 과정을 위해 웹사이트를 리뉴얼 하는 대학이 점차 늘고 있다. 다시 말해, UI의 개념이 인터넷의 산물인 웹 사이트로 영역이 확장되고 있는 가운데, 통일되고 총체적인 Web Identity를 구축해야하는 당면 과제가 도출되며, 그 목적으로 첫째, 인터넷을 기반으로 급속도로 성장하고 치열해지고 있는 국제화, 정보화 시대의 경쟁상황에서 경쟁우위(Competitive Advantage)를 지켜나가기 위해서다. 둘째, 체계적인 Web Identity 확립을 통하여 On-line 상에서 대학의 통합된 이미지를 전달함으로써 대학에 대한 UI 인식을 한층 더 업그레이드, 강화시키기 위함이다. 이에 본 연구에서는 최근 새로이 리뉴얼한 4년제 서울지역 여자 대학교 3개 대학 웹 사이트들을 중심으로 대학의 UI를 강화하기 위한 전략으로 Web Identity가 얼마나 잘 정착되어 가고 있는지에 대해 로고-심볼, 컬러, 타이포그래피, 레이아웃, 그래픽 등 웹 디자인 시각 구성요소에 대해 분석한 결과 학교별로 다음과 같은 양상을 보였다. 덕성여자대학교는 젊은 여자 대학의 이미지 차별화를 분명히 하고 보다 높은 신뢰와 친근감을 줄 수 있는 대학이미지 변화를 위해 2006년 UI와 웹사이트를 리뉴얼하면서 통일된 대학 아이덴티티 정립을 위한 시도를 메인페이지의 변화를 통해 보여주고 있었다. 동덕여자대학교는 트렌드에 변화에 치중한 바람에 리뉴얼한 웹사이트에서는 UI와 Web Identity가 상반된 컬러 이미지에서 오는 대학 컬러의 인식의 혼돈을 유발했다. 그에 반해, 숙명여자대학교는 Web Identity의 시각적 요소별로 살펴보았을 때 UI적용이 Web Identity에 가장 잘 정립한 사례로 On-Off line 상의 대학의 전략과 일관된 Web Identity를 보여주므로, 대학이 모토로 하는 여성이 이끄는 세계 최고 리더십 대학을 향한 도약하는 전략을 일관된 Web Identity로 보여주고 있었다. 이 같은 대학들의 특징에서 나타난 문제점을 통해 본 연구자가 얻은 결론은 Web Identity가 UI의 규정을 기초로 적용되지 못한 채 트렌드 변화에 따라 리뉴얼한 사이트 경우에는 전체적인 대학이미지 업그레이드 효과를 기대하긴 어려웠지만 UI 시스템 규정에 따른 웹 디자인으로 Web Identity를 일관되게 구성한 대학 사이트에서는 대학의 특성이 하나의 통합된 아이덴티티가 정립된 대학 이미지로 선명하게 인식되었다. 이에 따라, 보다 경쟁우위를 점유하기 위한 통일되고 총체적인 대학 아이덴티티 구축을 위해서는 대학의 이미지 전략과 UI가 규정한 시스템의 범주내의 대학 UI 인식을 강화를 위한 일관성은 유지하면서 새로운 변화에는 유연하게 대처할 수 있는 Web Identity의 디자인의 시각적 요소에 대한 심도 높은 연구가 이루어지길 바란다.

현대 화예포장 디자인의 연구 : 친환경 디자인을 중심으로

김효남 숙명여자대학교 디자인대학원 2003 국내석사

화예포장디자인은 상품으로서 주는 사람의 감정전달 매체로서의 효과가 크며 받는 사람의 주변 분위기를 반전시키는 역할을 하므로 중저가의 상품으로 일반 제품을 선물하는 것보다 그 상품가치가 더 크다. 또한 화예포장디자인은 소비자의 생활수준 향상에 따른 개성적 욕구충족을 위한 상품으로 발전하고 있으며, 이를 위한 중요한 요소로 포장이 인식되고 있다. 이는 자신의 개성충족과 가치상승을 위해서 격이 높은 플라워 샵에서 구매하는 것으로서 알 수 있으며, 이는 화예디자인의 브랜드화에도 영향을 미치고 있다. 이와 같이 포장디자인이 중요시된지는 그리 오래되지 ㅇ낳으며 산업혁명 이후 대량생산과 대량소비로 인한 포장의 중요성이 대두되고 포장이 말없는 판매원 및 감성을 지닌 기호적 제품으로 인식됨에 따라 포장디자인은 더욱 발전되어 왔다. 소비자는 정보화 시대를 맞이하여 기호와 감성이 더욱 다양해지고 가치관에 있어서도 변화가 유발되었으며 상품 선택의 기준이 기본적인 성능이나 품질만이 아닌 자신의 개성과 이미지에 맞는 상품을 선택하게 되었다. 즉, 감성적, 문화적 이미지를 소비하는 사회가 된 것이다. 이런 면에서 포장디자인은 기본적인 보호-보존 기능에 상징적 가치나 기호적 가치가 부가가치로서 역할이 추가되었으며 이는 화예포장디자인에도 그대로 적용된다. 현대시장에서 상거래 상에 놓여있는 상품으로서의 신뢰를 유지하는데 상품의 보호,보존, 운반의 편리성 기능에서 상품의 가치상승, 구매의욕의 유방, 의미, 감정전달, 브랜드화, 메시지 전달, 부가서비스 가치까지 화예포장 디자인의 영역이 확대된 것이다. 또한 용도 면에서도 축하용도, 위로, 결려용도, 감사용도, 기념용 등으로 다양화되었다. 하지만 고도의 경제성장이면에는 자원의 낭비를 비롯한 환경문제가 내재되게 마련이다. 이로 인해 환경친화디자인 및 그린디자인의 필요성이 제기되고 있다. 따라서 본고에서는 화예포장디자인에 있어서 그린 디자인의 필요성을 인식하고 현황을 분석하여 개선방안을 제시하고자 하였다. 현대에 들어서 화예포장디자인은 소비자의 마음을 끌기 위한 포장과 장식이 많아지고 다양한 포장재료의 발달로 값싼 재료가 발달하였다. 저렴한 비용으로 상품을 포장하고, 소비자에게 비싼 가격으로 상품을 판매하게 되어 포장이 필요없는 경우에도 과대과장포장의 경향이 강하다. 이와같은 환경문제의 해결을 위한 그린디자인의 전략에는 각각 생산단계, 판매 및 소비단계, 사용 후 처분단계에서의 기준이 있다. 본 고에서는 이러한 전(全) 단계에서의 기준을 화예포장디자인에 적용하여 연구하였고 현대화예포장디자인의 유형별, 재료별 현황과 브랜드를 분류하고, 수명주기 전 단계(구입, 제작, 유통, 사용, 폐기단계)를 고려하여 각 단계에 적용된 화예포장디자인의 상품의 특징을 분류하고 분석하였다. 본고는 이러한 분석을 통해 그 문제점을 파악하고 그린디자인에 의한 화예포장디자인 프로세스를 제안하였으며 이를 토대로 환경문제 해결에 대한 디자이너의 적극적인 참여와 실용화에 본고의 의의가 있다고 하겠다. Package Design in modern society has at once material and emotional function. Package Design involves all activites of making and creating wrappings that assume fixed types to implement such functions. History of the package design is not long. Packaging became to draw public attention due to mass production and consumption since the Industrial Revolution, and more emphasis and improvement were given on the package design as it has been recognized as silent sals representatives or favorite items that convey emotion. With an information-oriented era coming, as customers; fiastes and emotion beacame more divesified. so also did values. Thus. customers have come to make their choice considering their own individuality and image, as well as fundamental functions or quality. That is, we are at the times that consume emotional and cultural image. In this regard, the package design has additional parts to play which are symbolic or preference values, besides basic fucntions of protection, preservation. It also apllies to the floral&art design and package design. It can be regarded as extension of domain of the floral & art design and package design (from protection, preservation and convenience to convey) to the betterment in values of products, inducting to buy. conveying meaning , emotion, brands or message, and giving additional services. Its use also has diversitified including congratulation. consolation encouragement, appreciation and commemoration. High economic growth, however, has always have ingerently environmental problems including waste of resources. Thus, a necessity has been raised for pro-environment design and green design. Accordingly, in this study. I suggested some methods to solve that problem, by analyzing current status in the field of the floral&art design and package design. Modern floral&art design and package design has more flourished by giving much diversification in packing and decorations to appeal to customers, and it varies in prices due to development of diversified packageing material. Products are wrapped with low-priced packing matterials and delivered to customers at high price, and thus excessive packaging has become prevalent. The green design strategy to settle environmental problem provides standards at each stage, including production, sale and consumption, and disposition after use. In this study, the standards of the whole stages were applied to the floral & art design and package design. Also, I classified the floral&art design and package design by type. material and brand, and the features or items applied to each stage. considering the entire stages of life span. which involves buying, production, distribution, use and dispostion. I suggested process of the floral&art design and package design created by the green design, through understanding the problems. Thus, the study has a significance to arouse concern and active participation of designers for solving environmental problems and putting it to practical use.

그래픽 디자이너 솔 바스의 작품에 관한 연구

정주연 숙명여자대학교 디자인대학원 2000 국내석사

Saul Bass is an American graphic designer who had great influence in the world of design. He was the pioneer of American graphic design during World War II, and fused 20th century new culture into graphic design. Saul Bass is a living history and giant in American graphic design. This thesis reviews Saul Bass artistic ideology, analyzing the characteristics of his work in modeling and design through his major art works, and eventually evaluates his position and influences in modern design ideology. He was actively involved in all fields of graphic design, from corporate identity logos, which helps companies promote sales, to posters, advertising, and designing movie titles. His career in designing movie titles began with Carmen Jones, in 1954 and peaked in the 50s and 60s. His work in movie titles continued until the 1990s. In designing corporate identity logos, he started his first design in 1963 and actively worked until the 70s and 80s. He continued his corporate identity design until he died. Among his design portfolios, his work in movie titles has evaluated him as one who exalts movie title design to the art, and has made him a legend in the American movie industry. His design features the delivery of symbolic images by expressing the simple and impromptu essence of the subject. His simple design expression can be found in two-dimension designs as well as in all his works such as packages, poster design, and title design. With an excellent sense and creativity, his works in movies, which started in 1950, shows not only a consistency in movie titles, but also a consistency that appears in all movie-related graphics, such as posters and movie advertising. Beginning in 1960, Saul Bass contributed to the development of American CI by producing corporate identity programs. The programs he created were developed to overcome any kind of manners, while also overcoming time limit. This was big change since it was generally accepted that CI should be changed every 10 years. As one of the greatest designers in the 20th century, the important contribution of Saul Bass is that he expanded graphic design into films and lifted it to the art. He firmly found graphic design while applying various changes and experimental trials. Finally he expanded graphic design to films and created a new genre of art. The wisdom and ability of Saul Bass, has influenced many of today's designers and opened unlimited possibilities for them. 솔 바스(Saul Bass)는 세계의 디자인계에 지대한 영향을 미친 미국의 그래픽 디자이너이다. 그는 2차 세계대전 당시 미국 그래픽 디자인계의 선각자였으며, 20세기의 새로운 문화를 그래픽 디자인에 용해시킨 디자이너였다. 실로 솔 바스는 미국 그래픽 디자인계의 산 역사이자 거장이다. 이에 본 연구에서는 솔 바스의 예술적 이념을 살펴보고 대표적인 작품등을 통해 그의 조형적 특성 및 그가 추구한 디자인세계를 분석해 봄으로써 현대 그래픽 디자인 사상에 그가 차지하는 위치와 영향력을 평가해 보았다. 그는 기업의 판매촉진을 위한 기업 아이덴티티 프로그램(CI)에서부터 포스터 디자인, 광고 디자인, 영화 타이틀 디자인에 이르기까지 그래픽 디자인의 전 분야에서 활동하였다. 영화 그래픽 디자인은 1954년 영화 카멘 존스(Carmen Jones)를 시작으로 1950년대와 60년대에 아주 활발한 활동을 하였으며, 1990년대까지 계속되고 있으며, 회사 CI에 있어서는 1963년에 시작으로 1970년대와 80년대에 주로 왕성한 활동을 하였으며 죽기 직전까지 그의 회사 CI작업은 계속 이어졌다. 그의 디자인 작업중에서 영화 타이틀 디자인은 "타이틀 디자인을 예술의 경지까지 올려놓은 사람"으로 평가를 받았으며 영화 디자이너로서 그의 명성은 미국 영화계의 전설로 남아 있게 되었다. 그의 디자인 특징은 주제의 본질을 간결하고 즉흥적으로 표현하여 상징적인 이미지를 띠고 있으며, 간단 명료한 그의 디자인 표현방식은 평면 디자인은 물론 포장, 포스터 디자인, 타이틀 디자인 등 그가 한 모든 작업에서 발견된다. 그는 1950년부터 시작된 그의 영화 그래픽 디자인은 그의 뛰어난 감각과 창의력을 바탕으로 영화타이틀디자인은 물론 포스터 디자인, 영화 그래픽물전반에서 나타난 타이틀디자인과 영화광고물에 일관성을 보여 주었다. 1960년부터 솔 바스는 기업 아이덴티티 프로그램(CI)들을 제작하면서 미국의 CI발달에 중요한 역할을 하였다. 그의 프로그램은 그 당시 10년마다 바뀌던 디자인에서 벗어나 오랜 세월 사용할수 있도록 양식에 구애받지 않고 시간을 초월한 형태로 만들었다. 솔 바스의 업적에서 중요한 것은 그래픽 디자인의 영역을 영상의 분야까지 확대시켜 예술의 경지로 승화시킨것이라고 할수 있다. 그는 그래픽 디자인의 발판을 구축하고 다양한 변화와 실험적인 것을 추구하여 그래픽 디자인의 영역을 영상의 분야로 확대시켜 예술의 한 형태로 끌어 올렸다. 그는 20세기의 가장 위대한 디자이너 중의 한사람이며, 영화 포스터 디자인은 물론 타이틀 디자인까지 예술로 승화 시켰다. 현대 그래픽 디자인을 영상의 분야로 확대시킨 솔 바스의 지혜와 재능은 현대를 살아가는 디자이너들에게 많은 영향을 주었으며 무한한 가능성을 제시한다.

자생적 자연의 특성을 반영한 공공환경디자인 제안 : 청계천 개발 사례를 중심으로

권경인 숙명여자대학교 라이프스타일디자인대학원 2018 국내석사

Although humans have maintained a convivial relationship with nature since eons, nature still plays a crucial role in psychological and emotional aspects; ergo, the present research, has set its purpose in suggesting alternative designs of public spaces by developing guidelines within the city that envisages the importance of natural elements. Public designs carry a publicness that is both enjoyable and usability, and it is its public service that grants them the far-reaching power and publicness. Therefore, only having those natural elements, modern public designs could obtain the power of that publicness. The present study emphasizes the design of public spaces that are easily accessible to the public, having set its starting point on the application of natural elements that are imperative for people within the modern society, bringing them closer to mother nature. The standard of what we would refer to as natural elements was based on the concept of natural and pristine nature, and we intended to suggest elements of design that were rather, inspired by nature. The study implemented the use of qualitative research method in order to convey the directionality of the inspiration from the designer and researcher from the already existent quantitative research framework, along with the representative research method, more specifically the ground theory method. First, for the images of the nature landscape that were collected for the research, we proceeded to use the behavior scene analysis technique and describe the characteristics from the nature landscape image, and extracted the original statements using them. For a more systematic generalization and analysis, we had extracted the statement through axial coding. And after, having obtained statements from axial coding we conducted a selective coding to develop a guideline, in order to apply the design easily. From the developed guidelines, we chose a public place for its implementation, an area that had the purpose of delivering nature to the residents, the case of Cheonggyecheon. Before the final selection, we had taken under consideration, factors such as, how it had been losing its purpose of delivering the eco-friendly environment image, and based on our developed guidelines, we worked on applying the eco-friendly designs to it. In this study, non-verbal visual images were implemented through the action scene analysis technique. Original statements from each image were created, making git a great data for linguistic statements, and using the ground theory method to produce a guideline that can enable the creation of design elements that are easy to use. The present study is meaningful in the sense that it applied the qualitative research method within the visual arts field, even though it might have its limitation as an early stage research. To illustrate its value lies on the potential for it to become a guideline for both designers and public design administrators to create better public spaces and improve its management. 국 문 초 록 현대 도심 속 인간의 생활은 도시화로 인해 점점 자연에서 유리되어 가고 있지만, 자연은 상당히 오랜 기간에 걸쳐 인간과 함께 해 왔으며, 현재까지도 인간에게 정신적, 정서적인 면에서 잠재적이고 중요한 배경의 역할을 하고 있다. 따라서 본 연구는 이러한 자연적 요소를 도심내 공공장소에 부여하는 가이드라인을 개발, 활용하여 공공디자인의 대안적인 제안을 하는 것을 목적으로 하였다. 공공디자인은 여러 사람이 사용하고 향유하는 서비스라는 개념에서 공공성을 가진다. 따라서 오늘날의 공공디자인에는 현대인들이 필요로 하는 자연적 요소가 첨가되었을 때 그 파급력을 가진다고 할 수 있다. 자연의 소재와 원리에 따라 행하는 조형작업을 본 연구에서는 화예디자인의 주요한 특징으로 보고 공공디자인에 있어서의 화예디자인의 적용은 자연이 인간의 생활에 미치는 영향을 간주해볼 때 매우 의미가 있다고 판단하였다. 이러한 공공디자인 속의 자연이 정신, 육체적인 휴식을 제공하게 되면, 그 공공성으로 인해 일반 대중들에게 광범위하고 높은 접근성으로 긍정적인 효과를 가져다 줄 수 있다. 본 연구에서는 현대인들이 디자인의 역량을 가장 빈번히 접할 수 있는 곳이 공공장소의 디자인이라는 점에 주목하고, 오늘날의 현대사회를 살아가는 사람들에게 필요한 자연의 요소를 어떻게 하면 더욱 가깝게 느낄 수 있도록 적용할 수 있을 것인지를 연구의 시작점으로 한 동시에, 자연적 요소의 기준을 인간의 손이 닿지 않은 자생적자연 이라는 개념에 두고 공공디자인에 이러한 자연에서 영감을 받은 디자인의 요소를 제안하고자 하였다. 디자인제안에 앞서 본연구에서는 기존의 양적연구의 틀에서 벗어나 디자이너와 연구자가 받은 직접적인 영감을 보다 효과적으로 전달하기 위해 질적연구의 방식을 적용하였고, 그 중에서 대표적인 연구 방법인 근거이론방법을 사용하였다. 우선 연구를 위해 수집된 자생적자연의 이미지를 행동장면분석 기법을 적용하여 각각의 이미지에 나타나는 자생적자연의 특징을 기술하고, 그것들을 활용하여 개방코딩 단계에서의 최초 기술문을 추출하였다. 이렇게 추출된 기술문을 보다 일반화시키고 체계적으로 분석하기 위해 두차례의 축코딩을 진행하였다. 이러한 축코딩을 통해 얻어진 기술문을 다시 선택코딩 한 후 가이드라인을 개발하여 디자인에 보다 쉽게 적용하도록 하였다. 도출된 가이드라인을 적용할 공공장소로는 서울시민에게 자연을 제공할 목적으로 만들어진 청계천을 사례로 선정하였다. 선정에 앞서 청계천이 원래의 자연의 친근함을 제공하는 기능을 상실하고 있는 점에 주목하고, 상기 가이드라인을 중심으로 청계천이라는 공공장소에 자생적 자연의 요소를 부여하는 자연친화적 디자인을 제안하고자 하였다. 이번 연구는 언어적으로 문자화 되어있지 않은 시각 이미지 자료를 행동장면 분석기법을 통해 각각의 이미지부터 기술문을 도출하면서 문자화된 언어적 기술자료로 사용할 수 있는 가능성은 물론, 근거이론방법을 통해 보다 나은 그리고 보다 활용하기 쉬운 디자인적 요소를 만들어낼 수 있는 가이드라인의 개발에도 유용한 의미를 가질 것으로 보인다. 시각예술분야의 질적연구방법론을 적용한 연구라는 점에서 본 연구는 의미가 있다고 할 수 있으나 초기연구인 점 등을 고려하여 그 한계가 있을 수 있다. 그러나 앞으로의 재연구를 통해 창작자인 디자이너와 공공디자인행정 및 경영관리자가 보다 나은 공공 공간의 조성 및 경영에 활용 할 수 있는 가이드라인을 만들어 나갈 수 있는 시작점이라는 데 의의가 있다고 하겠다.

얀 치홀트(Jan Tschichold)와 허브 루발린(Herb Lubalin)의 타이포그래피 디자인 비교 연구

최윤선 숙명여자대학교 라이프스타일디자인대학원 2009 국내석사

Typography, that is to say, visual language has had a great influence on informative communication in human life. Typography has been changing coping with visual sensation, reflecting image of the times along with historic progress. The fine visual artistic works have their own orders, including intellectual elements and planning qualities. It is important that the visual works should have the same tendency of their forms and contents so as to communicate specific meaning. Those of the works should be correct in accordance with their purposes of the communication. The visual sensation is widely used by various means of public relation in business and enterprises for lots of exhibition, posters, and propaganda etc. Visual expressions play their utmost roles as media of communication and message in daily life. Especially typography contains human spirit and emotion to express a lot of aspects with unlimited formal beauty and designable sensation. Accordingly typography plays an essential role in visual design. Also we are able to easily accomplish the purpose of communication by dint of the contents of typographic letters. Above all visual sensations have a great number of potentialities in communicative information. Under the presupposition of unlimited potential possibility on visual sensation design in typography, we will be able to extend its utility of visual communication in pursuit of absolute of ideal. Typography is very widely applied more and more to many fields as various roles deformities in comparison with the past. Typography is mow being deformed and progressed due to much utility of its widely used range and various roles. Jan Tschichold is a representative graphic designer presenting extremely new typography most simply and manifestively. He aims to harmonize the flow of the times with the progress of industrial society more than individual personality. I am arguing that he presented and originated distinctively typical model of typographic design in visual language. Herb Lubalin, a representative of typographic expressionism in America, commenced to unify conceptual creation in visual language and typographic trend of pictorial framework through his works. I am also arguing that he came up with unlimited possibilities on the bases of very avant-garde, creative experiment in view of technological progress and visionary innovation by way of graphic expressionism in America. In chapter 1, I described the background and the pertinence to study Jan Tschichold and Herb Lubalin, suggesting the object, the range and the method of this dissertation. In chapter 2, I discussed the importance of contents, the depth of the sphere on the typography through the study of its history. Additionally I also presented the object and the meaning of expressional typography and modern typography between Jan Tschichold and Herb Lubalin according to the background and flow of the times from the 20th century to the modern times. In chapter 3, I deeply studied the trends of the two prominent graphic designers, which made a great stroke in the progress of typography and design in the twentieth century. I discussed here the applicable methods with regard to design founded on the characteristic and logic between Jan Tschichold’s new typography and herb Lubalin’s expressional typography. In chapter 4, I wholly presented the background of the two distinguished designers’ lives and the motivation on their devotion to typography, discussing their accomplishments in the typographic design left behind them also. In chapter 5, I studied the commonness and the difference of their designs between Jan Tschichold’s works and Herb Lubalin’s . They are as follow: 1.independent form 2.typography and mixed form 3.typography and modification. I discussed the common sphere in the works of the two graphic designers regardless of the commonness and the difference of theirs. In chapter 6, I studied the influence Jan Tschichold and Herb Lubalin have had on typography, and discussed directional variation of design and its progressive phenomena. In conclusion, I an arguing that we should develop the direction of the betterment and progress in new typography design, keeping pace with the world’s variation. This dissertation aims to study the inventive graphic designs between Jan Tschichold’s and Herb Lubalin’s compatively, and discuss insufficiency to modern designers through analyzing two designers. 인간의 삶에는 정보 전달을 위해 시각적 언어 즉, 타이포그래피 가 큰 영향을 준다. 타이포그래피는 역사와 함께 발전하여 변화해 오듯 시대적 모습이 반영되어 바뀌고 있다. 시각 요소들은 지적이며 계획적으로 운용되고 훌륭한 작품들을 만들어 질서를 갖추고 있다. 특정한 내용을 전달하기 위한 목적을 가진 시각 작품은 형태와 내용이 같은 성향을 가져야 한다는 점도 중요하다. 즉, 형태와 내용이 무엇을 전달하느냐 하는 목적이 일치하고 정확해야 한다. 시각은 의사 전달을 위한 표현 수단이며 전시회, 각종 포스터, 광고, 기업 등을 위한 방법으로 폭넓게 이용되고 있다. 일상 생활에서 시각적 표현은 의사 소통과 메시지 전달 등으로 역할을 다하고 있다. 타이포그래피는 인간의 정신과 감정을 담아 풍부하게 표현할 수 있는 양상을 띠고 형태감과 디자인성 또한 무한하다. 타이포그래피는 시각 디자인에서 중요한 역할을 하고 있다. 문자를 통해 내용을 직접적으로 전달할 수 있는 특성으로 커뮤니케이션의 목적을 쉽게 성취할 수 있다. 그것은 시각이라는 조건으로 무한한 표현 가능성을 갖고 있다. 이처럼 커뮤니케이션은 보다 더 풍부하고 원활하여 긍정적이며 자유롭게 할 수 있는 잠재적 가능성을 내포하고 있다. 인간이 커뮤니케이션을 궁극적으로 절대적 이상을 원할 때 긍정적 커뮤니케이션의 가능성을 확대시킬 수 있다. 현재 타이포그래피는 과거보다 많은 역할을 하며 응용되어 사용된다. 폭넓은 사용범위와 다양한 역할로 타이포그래피를 여러 방면으로 변화시켜 더욱 발전하고 있다. 얀 치홀트의 신 타이포그래피는 타이포그래피를 가장 단순하고 무한하게 표현한 대표적 작가이다. 그는 시대가 개인의 개성보다는 산업 사회의 발전에 어울리는 빠른 전달을 목적으로 하고 있다. 시각언어에 명료한 모범답안을 제시한 타이포그래피 디자인 영역이 그로부터 시작되었다고 할 수 있다. 미국의 표현주의적 타이포그래피로 대표적인 작가 허브 루발린은‘시각적 언어의 개념설정’과 ‘회화적인 구조의 타이포 그래피의 추이’를 작품을 통해 하나로 통합시키는 작업을 했다. 그는 미국의 그래픽 표현주의에 의해 타이포그래피 기술의 진보와 사상을 변혁시켰다. 전위적이고 창조적인 실험이 이루어져 시각 표현에 있어 무한한 가능성을 제시하였다. 얀 치홀트의 신 타이포그래피와 허브 루발린의 표현주의적 타이포그래피를 비교하기 위해 1장에서 7장으로 나누고 그에 따른 설명은 아래와 같다. 제 1장 서론에서는 얀 치홀트와 허브 루발린의 타이포그래피에 대해 쓰게 된 배경과 이유에 대해 설명하였다. 연구를 하게 된 목적과 범위를 제시하고 방법에 대해 상세히 고찰하였다. 제 2장 타이포그래피의 역사적 고찰에서는 얀 치홀트와 허브 루발린의 타이포그래피 세계에 대해 알아보기 전에 타이포그래피란 무엇이며 역사와 타이포그래피가 어느 영역까지 깊이 내재되어 얼마나 중요한지에 대해 설명 하였다. 얀 치홀트의 신 타이포그래피 와 허브 루발린의 표현주의적 타이포그래피, 현대 타이포그래피와 의미, 목적을 시대적 배경과 흐름에 따라 과정을 알아보고 20세기 에서 21세기 현대에 이르기까지 논의하였다. 제 3장에서는 20세기에 타이포그래피에 큰 획을 긋고 디자인의 발전을 가져온 얀 치홀트와 허브 루발린의 타이포그래피의 특징과 경향에 대해 연구하였다. 또한 얀 치홀트의 신 타이포그래피와 허브 루발린의 표현주의적 타이포그래피의 특징과 논리를 바탕으로 디자인과 응용방법에 대해 서술하였다. 제 4장에서는 얀 치홀트와 허브 루발린이 살아온 배경과 그들 이 타이포그래피를 전념할 수 있게 된 계기와 과정을 모두 제시하 고 그들이 남긴 디자인적 배경에 대해 자세히 연구하고 설명하였다. 제 5장에서는 얀 치홀트와 허브 루발린의 타이포그래피 작품의공통점인 1. 타이포그래피 단독형, 2. 타이포그래피+이미지 혼합형, 차이점으로는 3. 타이포그래피 수식형(modification)으로 나누어 연구하였다. 제 6장에서 얀 치홀트와 허브 루발린이 현대 타이포그래피에 미친 영향을 연구하고, 21세기에 받아들인 디자인적 방향의 변화와 그 변화에 따른 발전된 현상에 대해 논의하였다. 마지막으로, 결론에서는 얀 치홀트와 허브 루발린의 작품 세계를 통하여 교훈을 얻고, 급변하는 시대의 흐름에 부응하여 타이포그래피가 발전 될 수 있도록 개선 및 발전 방향을 제시하였다. 본 논문에서는 다양한 분야에 많은 영향을 준 타이포그래피의 대표적인 작가, 얀 치홀트와 허브 루발린의 작품과 생애를 통하여 그들의 타이포그래피의 특징을 비교, 연구하였다.

스트라이프 패턴을 이용한 니트드레스 디자인 연구

유화숙 숙명여자대학교 디자인대학원 2003 국내석사

현대를 살아가는 인간에게 개성표현은 필요불가결한 자아의 표현이라고 할 수 있다. 패션을 통하여 우리는 내적 감정의 개성표현을 가장 많이 표현할 수 있다. 현대 패션 경향에서 개성적 표현 욕구가 커지면서 표현 방법에도 독창적이고 창의적인 디자인 요소가 다양하게 요구되고 있다. 급속하게 첨단화 되어 가는 현대 사회에서 인간의 의복에 대한 이미지 표현은 과거의 복고적 요소와 첨단적 요소가 공존하고 있다. 다양한 패션 아이템들이 부각되면서 최근에는 니트웨어에도 독창적인 패션 니트웨어가 새롭게 주목되어 패션의 한 영역에서 개성의 표현수단으로 선택 되어지고 있다. 이와 같이 니트웨어에 대한 관심이 감각적인 패션 니트로 확대됨에 따라 그동안 등한시하였던 니트디자인 개발이 다각도에서 연구되고 있다. 최근 니트 산업체에는 첨단 컴퓨터 자동 횡편기 출현에 의해 다양한 니트 조직을 응용한 디자인 전개가 활발히 이루어지고 있다. 또한 원 스톱 작업형인 무봉제 니트 편직기가 도입되면서 가공 공정을 단순히 하거나 가공 공정이 전혀 필요치 않은 무봉제 니트웨어가 상품화 되는 등, 고 부가가치의 제품이 개발 되어지고 있다. 이러한 무봉제 니트웨어는 디자인 구현에 있어 조직이나 패턴의 전개 과정에서 특이성과 공통성을 갖게 된다. 본 연구는 무봉제 니트웨어를 제작하는 원리와 특징에 착안하여 니트의 기본이 되는 메리야스 조직으로 편직하고, 부분 니팅이 가능한 되돌아뜨기 기법을 응용하여 인체의 실루엣 위에 다양한 스트라이프 패턴을 전개시켜 표현하는 방법으로 새로운 니트 드레스를 창작하는데 그 목적이 있다. 본 연구내용은 첫째, 이론적 배경으로 니트의 개념과 특성을 알아보고 니트의 기본 조직의 편성 원리를 분석하고 니트의 다양한 조직을 살펴보았다. 그리고 스트라이프 패턴 전개에 필요한 디자인의 구성원리와 특징에 대하여 분석하고 정리하였다. 둘째, 현대 패션에 나타난 스트라이프 패턴에 대하여 살펴보고, 셋째, 이상의 이론적 배경과 현대 패션의 스트라이프 패턴 사례연구의 결과를 토대로 스트라이프 패턴을 이용한 니트드레스 8점을 제작하였다. 연구방법으로는 이론적인 접근으로 패션 관련 서적 및 논문과 인터넷 자료, 패션 정기 간행물을 토대로 조사하고 사진 자료를 수집, 분석하였다. 작품 제작 방법으로는 수편기를 사용하여 메리야스 조직으로 니팅하였는데 스트라이프를 강조할 수 있는 안뜨기 조직을 표면으로 선택하였다. 니팅 기법으로는 되돌아뜨기 기법을 사용하여 코의 증감을 조절하였으며, 하나의 작품이 완성되는데 불필요한 봉제선을 없애면서 가능한 무봉제 완성형의 제작기법을 선택하였다. 작품 아이템은 선의 표현이나 연장성을 고려하여 니트드레스를 선택하여 인체에 조화롭게 스트라이프를 배치시키고 바탕색은 검정 색을 사용하고 패턴이 되는 스트라이프는 백색을 사용하였다. 작품의 소재로는 나일론 테이프, 면 놋트 얀(cotton knot yarn), 면 슬러브 얀(cotton slub yarn), 면 실크사, 모헤어, 면과 종이 테이프, 셔닐 얀(chenille yarn), 앙고라 얀, 탐탐 얀(tamtam yarn), 은사, 금사, 금 벽사(gold corkscrew yarn) 등 특수사를 사용하였다. 작품제작시 니트의 드레이프성을 나타내면서 형태를 고정시키는 방법으로 상이한 특성의 실이 강조되는 스트라이프 선으로 사용하였으며, 작품제작 상황에 따라 형태를 강조하는 특수 소재를 삽입하기도 하였다 본 연구의 결론은 다음과 같다. 첫째, 디자인 요소에서 찾을 수 있는 무한한 선의 형태와 인체의 선은 사선과 곡선, 또는 어떠한 선과의 만남도 자연스럽게 수용할 수 있음을 알게 되었다. 다양한 스트라이프 패턴을 인체의 관능적인 굴곡에 따라 재배치하여 작품에 표현하므로써 스트라이프 패턴은 현대 디자인 경향을 반영한 창작적 다양한 표현 가능성을 제시할 수 있었다. 둘째, 니트의 소재는 드레이프성이 강하여 니트웨어에서 나타나는 형태 불안정 요소를 결점으로 인식하는 것이 일반적인 견해이다. 그러나 본 연구에서는 소재의 선택에 있어서 드레이프성이 강한 원사와 그렇지 않은 원사를 적절히 배합시켜 사용함으로써 벨 세이프 실루엣과의 절충적 형태를 제작할 수 있었다. 이 드레이프성을 니트웨어 디자인에 응용하여 다양한 실루엣에 유용한 선을 창작할 수 있는 가능성을 제시할 수 있었다. 셋째, 니트드레스의 소재선택에서 원단의 질감에 충실하기 위해 다양하게 사용되지 않는 팬시 얀을 사용하였다. 또한 복잡한 여러 조직 대신에 니트의 기본 조직인 메리야스 조직을 이용한 결과, 특이한 팬시 얀의 특성에 맞게 원사를 이용하므로써 복잡한 니트 조직을 사용하지 않아도 니트웨어에서 디자인을 창작함에 원사가 갖는 중요성과 가치를 재인식 할 수 있었다. 넷째, 본 연구 작품에서 되돌아뜨기 기법 응용은 니팅에 있어 자유로운 치수 증감에 기본적으로 많이 사용되는 기법으로, 첨단 편직기에서 생산될 수 있는 무봉제 니트웨어 제작에도 최적합 기법이라 할 수 있다. 다섯째, 무봉제 니트웨어를 제작하기 위하여 스트라이프 패턴의 구도는 증감이 되는 치수를 예측하고 니팅되는 방향에 맞추어 시작선과 끝선을 배치하여 작품 제작의 전 과정이 원 스톱 라인으로 마무리 될 수 있도록 하였다. 니팅이 진행되는 전 과정을 미리 예측하고 제작에 임하므로 가장 유용하고 합리적인 선을 도출해 낼 수 있었다. 이상과 같이 스트라이프 패턴을 이용한 독특하고 창의적인 무봉제 니트웨어를 디자인하여 제작하므로 니트웨어의 일반적인 관념을 깨고 다양한 용도의 예술성과 실용성을 겸한 실루엣의 니트웨어 디자인 창작 가능성을 제시할 수 있었다. To the people living in the modern era, expression of individuality can be called the expression of oneself that is essential. Through fashion, we can express the most the individuality of our inner feelings. As the desire to express individual expression in modern fashion trend grew, different ways of individual and creative design factors are demanded. In the modern society that is advancing rapidly, the retro and a la page factors coexist in the image expression about people's garment. As different fashion items emerged, unique fashion knit wear is attracting attention recently and it is being selected as a way of expressing individuality in an area of fashion. Following this expansion of knit wear into sensual fashion knit as mentioned above, knit design development, which had been neglected for the time being, is being studied from various aspects. Recently, designs that use various knit texture are actively being developed by the introduction of high tech automatic computer flatbed knitting machine. Also, as one stop work type sewing free knitting machine was introduced, high value added products are being developed such as knit wears with simplified process or seamless knit wear. These seamless knit wears come to have unique features and common features in the development process of texture or pattern in the realization of design. This study aims at the principle and characteristics of producing seamless knit wear and the purpose of this study is to create a new knit using the method of making the expression by developing various stripe patterns on the silhouette of human body by knitting, which is the basics of knitting, and applying return stitch that enables partial knitting. The content of this study is first, to look into the concept and characteristics of knit, analyze the principle of basic knit fabric composition and various knit fabrics. Then, I have analyzed and summarized the design construction principle and characteristics required for stripe pattern development. Second, I have looked into stripe patterns appeared in modern fashion, third, based on the above theoretical background and modern fashion's stripe pattern case study, I have made 8 knit dresses using strip pattern. As a method of study, I have investigated fashion related books and thesis, internet data and fashion periodicals and collected and analyzed photographic references for theoretical approach. For the method of making the dresses, I have used hand-knitting machine to make knitted fabric, and I have selected the purled side for the surface that can emphasize stripes. For knitting technique, I have used return stitch to increase and decrease number of stitches, and I have chosen seamless finish method by eliminating unnecessary seam lines in completing a work. For the item of work, I have selected knit dress in consideration of expression of line and elongation and laid out stripes in harmony to the human body, and for color I have used black and for the stripes that makes the pattern, I have used white. For material, nylon tape, cotton knot yarn, cotton slub yarn, cotton silk, mohair, cotton and paper tape, chenille yarn, angola yarn, tamtam yarn and special threads such as silver yarn, gold yarn and gold corkscrew yarn etc. I have used stripe line as a way of showing the draping nature of knit and to hold, which at the same time, holds the shape in place and emphasizes the thread in different characteristic. The conclusion of this study is as follows. First, I have found out that the endless shapes of lines that can be found in the design factor and the lines of body can accept encounter with any kind of line naturally. By re-allotting various stripe patterns according to the sensual curves of the human body to express in my works, stripe patterns could suggest the possibility of making various creative expression that reflects modern design trend. Second is that general opinion that the unstability of shape that is seen in knits due to its strong draping nature as its shortcoming. However, in this study, by appropriately mixing yarns with strong draping characteristics and those not, I could make a shape that compromises with bell shape. By applying this draping nature, I could suggest the possibility of creating lines that is useful for various silhouettes. Third, in the selection of knit dress material, I have used fancy yarn that are not used commonly in order to keep the substantiality of the textile's texture. Also, as the result of using knitted fabric, which is the basics of knit, instead of using various complicated fabrics, I could re-recognize the importance and value of yarns as knit wear design could be created by using yarns that fit to the unique fancy yarns' characteristics without using complicated knit fabric. Four, the return stitch applied in the works of this study is what is basically and commonly used to enlarge and reduce the size freely in knitting that can be called as the most suitable method in seamless knit wear production that is produced by high tech knitting machines. Five, in order to produce seamless knit wear, the start and finish lines of the stripes were laid out to fit the knitting direction by estimating the measures that will be enlarged and reduced so that the entire process can be completed in a one top line. As production began after estimating the entire process of knitting the work, I could derive the most useful and reasonable lines. As above stated, I could break the general conception on knit wear and suggest the possibility of knit wear design in the silhouette that has both artistic quality and practical purpose for many uses by designing unique and creative seamless knit wear using strip pattern.

華藝造形에서의 아르누보(Art Nouveau) 이미지 表現方法에 관한 硏究

문영란 숙명여자대학교 디자인대학원 2003 국내석사

화예디자인은 공간을 기초로 하여 자연과 조형 위에 성립되는 예술이다. 화예디자인은 살아있으나 시간적 유한성을 지닌 생명체를 소재로 사용함으로 우리의 삶 속에서 변화된 새로운 조형 가치를 부여한다. 화예디자인은 살아있는 생명체인 식물과 꽃이라는 소재를 주재료로 하고 그 외 다양한 부수적 재료를 특별한 형태로 표현하여 작가의 개인적 사회적인 직접적이거나 간접적인 체험들을 하나의 통일된 양식을 택하여 표현하는 것이다. 때문에 화예디자인은 당대의 사회와 문화, 그리고 역사성과 양식을 반영하는 ‘시대적 산물’이라 할 수 있다. 또한 예술에 있어 ‘양식’이란 작품의 특징적인 모습이라 할 수 있는데, 이는 전체적으로 일견되는 것이기 때문에 작품이 아무리 복잡하게 보이고 다양한 표현을 드러내더라도 한편으로 통일성을 가지기 마련이다. 그렇기 때문에 화예디자인에 있어서도 양식은 살아있는 생명체인 꽃과 식물 이외에 다른 소재 개개의 독특함이 함께 어우러져 ‘화예’라는 그 자체가 아닌 ‘화예가 이룬’ 그 특성을 반영하는 전체성을 띠게 된다. 따라서 본연구는 화예디자인의 스타일(style:모습), 즉 ‘양식’ 연구를 통해 종합예술로서 화예 조형이 보여주고 있는 “아르누보 이미지 표현 양식”을 찾고, 화예조형에서의 아르누보 이미지 표현의 기준을 설정하고 표현방법을 찾기 위해, 아르누보 양식의 의미와 특징, 그리고 아르누보의 영향을 미술사 및 예술 관련 분야의 문헌과 기존 연구물을 토대로 아르누보와 화예디자인의 작품표현 양식이 어떤 관계성을 이루고 있는가를 밝혀 내고자 아르누보는 과거의 역사주의로부터 탈피하여 자유롭고 새로운 것을 창조하려는 움직임, 즉 유럽의 전통 예술에 반발, 혁신적인 새로운 예술을 수립하려는 19세기 후반의 자유 분방한 조형운동이다. 단어의 어휘적인 의미 그대로 심미주의적이고 장식적인 양식의 ‘새로운 예술’이었던 이 양식은, 1890년에서 1910년까지 약 20여 년간 예술의 거의 모든 장르, 회화, 조각, 건축, 문학, 음악과 심지어 철학 등에 이르기까지 문화적, 지적으로 새로운 혁명을 추구하던 서양 문명의 황금기가 배출한 것이었다. 아르누보의 조형 특성은 주된 모티프가 자연의 꽃과 식물, 그리고 여인의 긴 머리, 곤충, 동물 등이 된다는 것이며, 꽃으로는 붓꽃, 양귀비, 튜울립, 장미, 해바라기 등이, 식물로는 늘어지는 곡선의 덩굴 종류인 아이비, 담쟁이덩굴, 포도덩굴이 주로 사용되었다는 점은 알파벳 C자형의 곡선의 유동성을 기조로한 당초무늬, 팔메트 문양, 와권선 형태의 변형을 볼 수 있다는 점을 들 수 있다. 아르누보 양식은 과거의 역사적 양식으로부터의 이탈을 목적으로 형태, 장식, 용도, 재료의 변형하거나 장식성을 강조하는 경향을 보였다. 그리고 아르누보 시대에는 식물과 꽃의 직접적인 화예조형은 나타나지 않았으나, 모든 장르에 걸쳐 구조적, 기능적, 장식적 표현의 대부분을 꽃과 식물의 문양이 차지하였고, 이러한 표현들은 화예조형에서 논의되는 표현 양식들로 나타났다. 그래서 타 양식에 비해 아르누보 양식은 모든 부분이 자연의 유기적 형태와 식물 모티프로 장식되어 화려함의 극치를 이루었음을 볼 수 있다. 이와 같은 현상들은 어찌보면 아르누보 시대에 보이는 화예 조형의 예가 된다고도 할 수 있다. 현대에는 화예가 아르누보 양식의 보조적 매개체, 장식적 소재로서가 아니라 그 위치가 역전되어 오히려 화예조형 작품에서 아르누보 이미지가 표현되고 있다고 생각되는 작품들을 적잖게 발견하게 되는데, 이를 3장에서는 아르누보 소재의 특성을 크게 형태, 상징적 의미. 질감의 측면으로 나누어 살펴 정리하였다. 4장에서는 앞서 살핀 결과를 토대로 아르누보 이미지가 화예디자인에 어떻게 표현 되고 있는지 작품을 중심으로 재료(소재), 형태, 색채, 장식적 측면으로 분류.구분하여 살펴보았다. 화예디자인에서 아르누보 이미지를 담고 있는 작품들은 재료적 측면에서 자연물 그대로, 그리고 단독으로 사용되기도 하지만, 보통은 복합적이거나 재가공(재구성)되는 경향을 보인다. 또한 형태적 측면에서는 아르누보의 특징인 장식성과 심미성 및 상징성이 반영된 표현을 볼 수 있다. 따라서 전체적인 표현은 주로 오브제와 소재의 수직 혹은 수평의 형태로 나타난다. 이외에도 생명과 운동성을 암시하는 격동적인 표현의 유선형을 포함하여 수평형의 반원형태, 초승달형과 소용돌이형태(swirling), 하향유수형, 떨어지는(폭포형)형태, 변형된 당초문양과 C자형 곡선 형태도 나타난다. 장식적 측면에서 아르누보 이미지는 주된 모티프가 되는 자연 식물의 형태가 곧 장식의 기본 요소가 된다고 할 수 있는데, 장식은 아르누보 이미지 화예디자인의 소재와 표현 방법 통하여 꾸미는 것을 의미하게 된다. 화예디자인에서의 장식성은 모티프가 되는 식물의 형태 자체 장식과 그 외의 요소들인 부속물들에 대한 첨가와 변형을 통한 장식이 있을 수 있다. 아르누보 이미지 화예디자인 장식적 표현 방법으로는 클러스터링(Clustering), 그룹핑(Grouping), 꽃의 모양 변화시키기(Changing a flower's appearance), 플레이팅/브레이딩(Plaiting/Braiding), 파베(Pave), 터프팅(Tufting), 행잉(hanging)등의 기법이 있다. 마지막으로 색채는 아르누보 이미지 화예디자인의 조형 특성과 밀접한 연관이 있는 요소로 아르누보의 여성적이고 감각적, 장식적이라는 특징을 잘 반영하는 요소라 할 수 있다. 화예디자인에서 아르누보 이미지의 색채는 차분하게 가라앉아 있으면서도 미묘한 대비를 통해 환상적이면서 은은한 느낌을 주는 낮은 채도의 파스텔 톤이 주를 이룬다. 또한 이국적 분위기를 나타내는 미묘한 색채와 환상적인 분위기의 난색계 중심의 comportable tone, 장식성이 주는 조금은 사치스러운 이미지(gorgeous tone)와 화려함(flash tone), 사랑스러움, 부드러움, 여성적인 섬세함(feminine tone)을 느낄 수 있는 색이 많다. 이러한 아르누보 이미지의 특징은 구체적인 화예 조형 작품으로 구분하여 형태적, 표현기법적, 재료적, 색채적 특징으로 나누어 살펴 볼 수 있다. 물론 구체적인 작품을 통해 보여지는 화예 디자인의 아르누보 이미지 표현은 어느 한 측면만을 나타내도록 표현하거나 한 특징만을 지닌다고 단언하기 어려운데, 이러한 아르누보 이미지 표현의 다요소 종합적인 특징 역시 화예디자인을 창조적·조형적 예술 영역으로 확장할 수 있는 가능성을 보이는 요소라 할 수 있다. 현재 우리의 화예디자인은 다른 예술 장르와 마찬가지로 학문적으로 새로운 화예디자인의 방향이 제시되어야 하는 새로운 전환기를 맞이하고 있다. 따라서 사실상 이제 화예디자인의 표현 양식이 설치미술의 경향과 더불어 4차원 조형 예술의 한 장르로 발전하고 있는 현 시점에서 화예디자인이 진정한 창조적, 조형적 예술의 한 영역으로 자리를 잡기 위해서는 이를 뒷받침할만한 이론 체계 마련이 필요하다. 따라서 현재의 화예디자인 작품에 전체적으로 나타나고 있는 특징적인 표현 경향과 상당한 유사성을 가지고 있다고 판단되는 근대 미술사의 아르누보 양식을 화예디자인 작품 사례를 통해 아르누보적 시각으로 살펴 보고 연계지어 해석하여 아르누보 양식의 특성이 현재 화예디자인의 조형 활동에 어떤 원리와 요소로 나타나고 있는지 모티프, 형태, 장식성, 미성, 색채, 오브제 등으로 세분화하여 살펴 봄으로 화예디자인학을 구성하는 이론적 체계 마련에 밑거름이 되고자 한다.

화예디자인에서의 키네틱적 특성에 관한 연구 : 타 장르와의 비교를 중심으로

박경옥 淑明女子大學校 디자인大學院 2004 국내석사

The floral art and design refers to an area of art to represent human's inner plastic world by using materials from nature. In modern times, aesthetic sense has come to be individualized through massive change and development, requiring in-depth research into artistic and aesthetic aspects. While in most of art styles, genres are broken down and forms of art are shared, the boundary of expression to be overlapped. In this study, I intend to look into kineticism in association with the floral art and design, in an attempt to seek for a new style in the floral art and design. The kineticism emerging from scientific development and influences of advanced media in the 21st century, introduces movement to art. It exactly meets to the tendency of pro-environment design, technology design or human-centered design, which the 2st century design aims at. For this end, in the second chapter of this study, the kineticism which first brings four-dimensional temporal and spatial concepts into art will be reviewed in its significanc in terms of art history, through examining kinetic factors shown in paintings and sculptures. Its distinctions are approached in the light of conceptual viewpoint. In the third chapter, judging from that approach through comparison with other plastic arts is also significant. In order to understand diversified and substantial form of expression in the light of aesthetics, the kinetic factors in modern architecture that denies fixation or immobility, and instead attempts virtual movement. In addition, the kinetic factors are also analyzed in the area of dresses and their ornaments in pursuit of enlarged expressions through passage of time and involvement of viewers, breaking away from fixed clothes styles. Next, the fourth chapter tells about elements of kinetic motions shown in the floral art and design from the substantial viewpoint, by categorizing them into expression of actual movement, relative movement, and virtual movement, through applying how to categorize in architecture and dresses centering on concepts reviewed above. In the fifth chapter, distinctions and limitations apeared in introduction of motions in the floral art and design are revealed, suggesting direction for conversion of thought to enlarge expression in spectators, to get actively involved in the artworks, artworks of design, when design are transformed into human-centered design by non-material, technologic design from expression of new material development. The floral art and design that has limitedness according to passage of time has achieved diversity in expression and skills under the more challenging in conducting experiments, and spectators to be ready to accept it. Also, establishment of theoetical system is urgently needed in order to contribute to creation of the contemporary value by interpreting values and spirits of expression styles. With this study, I expect to lay the groundwork for recognizing vitality and unlimited possibility that the floral art and design has, and for enhancing creative spirit and extending areas in the world of artworks in this field following transformation of aesthetic value. 화예디자인이란 작가가 자연 소재를 이용하여 인간의 내적인 조형세계를 표현하는 것이다. 현대에 이르러 미의식이 개성화되면서 상당한 변화와 발전을 하게되어 예술적·학문적으로 깊이 있는 연구가 요구되고 있다. 많은 예술 형태가 장르의 파괴, 형식의 공유를 추구하고 있는 가운데 화예디자인에서도 표현의 경계가 모호해지고 형식과 영역이 서로 중첩되는 경향을 보이고 있다. 본고는 화예디자인의 새로운 형식의 모색으로 20세기 과학의 발전과 첨단 매체의 영향으로 대두된, 예술에 움직임 요소를 도입하여 표현하는 키네티시즘을 화예디자인과 연계해서 고찰해 보려고 한다. 이는 21세기 디자인이 추구하는 인간 중심의 디자인, 테크놀로지 디자인, 친환경 디자인의 경향에 부합하므로 연계해서 고찰하는 것은 의미있는 연구라 생각한다. 본 연구의 진행과정으로 2장에서는 회화와 조각에 나타나는 작품의 움직임 요소를 살펴봄으로써, ㅇ메술에 4차원의 시간성과 공간성을 도입한 최초의 미술양식인 키네티시즘의 미술사적 의의를 고찰하여 그 특징을 개념론적 입장에서 접근하였다. 3장에서는 흥미롭게 펼쳐지는 다양하고 실체화된 표현양상을 미적으로 이해하기 위해서는 다른 조형예술과의 비교를 통한 접근도 의미가 있다고 보아 고정성과 부동성을 부정하고 실제적 움직임의 도입을 시도하는 현대 건축에서의 키네틱적 요소를 분석하고, 고정적인 복식의 형태에서 벗어나 시간의 흐름과 관람자의 참여를 통한 확장된 표현을 추구하고 있는 복식에서의 키네틱적 요소를 분석하여 화예디자인과의 상관론적 관점에서 비교 분석 하였다. 4장에서는 앞서 살펴 본 개념을 카네티시즘의 축으로 하여 건축·복식에서의 분류 방법을 적용하여 화예 디자인에서 나타나는 키네틱적 움직임의 요소를 실제적 움직임의 표현, 상대적 움직임의 표현, 가상적 움직임으이 표현으로 나누어 실제론적 관점에서 고찰해 보았다. 5장에서는 이상에서 살펴본 화예디자인에서의 움직임 요소 도입에 나타는 특징과 한계성을 밝히고 화예디자인의 표현 확장을 위해 사고의 전환에 따른 방향을 제시한다. 기존의 수동적이던 관객을 작품에 참여하도록 유도하여 움직임을 표현하는 작품으로 21세기 디자인이 지향하는 상호성, 쌍방성에 의한 인간중심의 디자인으로, 비물질재료를 도입하여 나타내는 작품에서 친환경 디자인으로, 기계도입 및 신소재 개발에 따른 작품의 표현에서 테크놀로지 디자인으로 현대가 추구하는 디자인 경항에 한 단계 다가갈 수 있도록 움직임의 작품을 재현해 보았다. 시간적 변화에 따른 유한성을 지닌 화예디자인은 문화, 예술사조의 영향을 받으며 표현적, 기술적 다양성을 이룩해 왔으나 이제는 작가들의 다양한 실험정신과 관객의 적극적인 수용이 요구되며 또한 표현 양식들의 가치와 정신을 해석하고 체계화시켜 동시대적 가치창출에 기여하도록 이론적인 체계의 정립이 절실히 요구된다. 본 연구가 초석이 되어 화예디자인 자체가 지니고 있는 생명력과 무한한 가능성을 인식하고 새로운 것에 대한 창조적인 정신의 고양과 미적 가치의 전환에 따른 화예 작품세계에서의 영역 확장이 이루어지기를 바란다.

배식화예디자인의 기호학적 해석에 관한 연구

주윤영 숙명여자대학교 디자인대학원 2006 국내석사

In the 21st century, an ecological world view has been on the rise as people became aware of the fundamental limitation of the mechanical view of the world. With it, people turned their interests and attention to nature and environment, in badly wanting and high expectation of Planted Floral Art & Design which uses plants with numerous functions as well as long-lasting vividness. As human beings and nature have evolved, Planted Floral Art & Design also has exhibited excellence in artistic value with high-quality skills and diversified ways of expression. Nevertheless, the fact is that the area has not been recognized or interpreted as part of plastic arts, and thus in need of more academic understanding and researches. Semiotics currently prevalent in all academic areas started to be in the limelight in art history, when post-structuralism coming into Angle-American nations was transformed into post-modernism. In this context, this study views Planted Floral Art & Design as a sign and translates it in a way of semiotics, laying a grounding work for understanding Planted Floral Art & Design. Planted Floral Art & Design is a formative art, and conveys various visual messages to viewers or users through connotational operation as a non-verbal symbolic system, creating new terminology for floral art and design in a way of manipulation, transformation and various compositions. This study intends to interpret this symbolic operation of Planted Floral Art & Design, on the basis of semiotic theory of C. W. Morris. The first chapter of this study tells about backgrounds, purpose, contents and process of this study, and the second chapter describes attributes and definition of Planted Floral Art & Design, helping to understand its concept through looking into other similar areas including horticulture and landscape architecture. Its history is examined through two areas, the west and Korea. And theory on Planted Floral Art & Design is studied through its componential four elements; plants, culture base, supportive base, and sub-materials. The third chapter reviews, as a basis of interpretation, occurrence and development and two major streams of semiotics. And theory and three areas of semiotics maintained by C. W. Morris, and their relationship are studied. And, interpretation on formative arts in terms of semiotics is also looked into through visual signs, artistic semiotics, and figurative signs. Based on it, I, recognizing Planted Floral Art & Design as sign of formative arts, try to interpret, in three areas of syntactics, semantics, and pragmatics, the process it serves as signs according to its relations with sign vehicle, designatum, interpretant, interpreter. In the final chapter, based on all those research conclusions, I summarize interpretation of Planted Floral Art & Design in terms of semiotics, and come up with ways for diverse possible evolution of Planted Floral Art & Design. With this study, I have endeavored to make Planted Floral Art & Design, a visual representation system that expresses artistic intention of artists with numerous materials, recognized as one sign of formative arts, and to pave the way for its use and receiving process (to viewers or users) in academic field, and thus solidify its place as an important factor in the ecological paradigm and analyze in an objective way. I truly expect that this study could contribute to putting Planted Floral Art & Design on a solid part of floral art and design and encouraging floral artists to create various art works in Planted Floral Art & Design. 오늘날 기계론적 세계관의 근본적인 한계에 대한 자각으로 21세기의 생태론적 세계관이 대두되었다. 이는 자연과 환경에 대한 관심을 불러일으키며 생명의 지속성을 비롯한 여러 가지 특성에 의해 다양한 기능성이 두드러지는 식물체를 주된 매개체로 하는 배식화예디자인에 대한 기대 및 필요성을 점차 높이고 있다. 그와 더불어 인간과 자연의 존재와 함께 발전하여 오늘날 수준 높은 기술과 표현의 다양성을 이룩한 배식화예디자인은 뛰어난 예술성을 보이고 있어 조형예술로서 인정하고 해석해야 함에도 불구하고 이에 관한 학문적 이해 및 연구가 미비한 실정이다. 한편 오늘날 모든 학문에 편재하고 있는 기호학이 후기 구조주의가 영미권에 유입되어 포스트모던(Post-Modern)이라는 이름으로 변신을 꾀하면서 미술사에서 새롭게 조명 받기 시작하였다. 본고에서는 이러한 흐름에 따라 배식화예디자인을 하나의 기호로 보고 이를 기호학적으로 해석하여 배식화예디자인을 이해하기 위한 학문적인 토대를 마련하고자 하였다. 배식화예디자인은 미술의 한 분야인 조형예술로서 조작, 변형 및 다양한 구성을 통해 새로운 화예언어를 창출하여 비언어적 기호체계로서 의미작용을 통해 감상자 혹은 사용자에게 다양한 시각적 메시지를 전달한다. 본고에서는 배식화예디자인의 이러한 기호작용을 C. W. Morris의 기호학적 이론에 근거하여 해석하고자 하였다. 본 논문의 Ⅰ장에서는 연구 배경 및 목적과 연구 내용 및 방법을 밝히고 Ⅱ장에서는 배식화예디자인의 속성 및 정의, 원예와 조경 등 유사 분야의 고찰을 통해 배식화예디자인의 개념을 이해하였으며 배식화예디자인의 유래를 서양 및 우리나라로 나누어 살펴보았다. 이어서 배식화예디자인을 구성하는 4가지 요소 즉 식물체, 배양기반, 지지기반, 부소재를 통해 배식화예디자인에 관한 이론을 고찰하였다. Ⅲ장에서는 해석의 근거가 되는 기호학의 발생 및 발전, 그리고 기호학의 두 가지 큰 흐름을 살펴보고 C. W. Morris가 주장하는 기호학의 이론 및 기호학의 3분과와 그들 간의 관계를 살펴보았다. 그리고 시각기호 및 예술기호론과 조형기호학 등을 통해 기호학 관점에서 조형예술의 해석에 관해 간단히 살펴보았다. Ⅳ장에서는 위와 같은 내용을 바탕으로 C. W. Morris의 기호학 이론 관점에서의 배식화예디자인을 하나의 조형예술 기호로 인식하고 그것을 구성하는 기호매체, 지시대상, 해석내용, 해석자의 관계에 따라 기호로 작용하는 과정을 통사론, 의미론, 실용론으로 나누어 해석하였다. Ⅴ장 결론에서는 각 장의 연구 성과들을 토대로 배식화예디자인의 기호학적 해석내용을 정리하고 이를 통해 앞으로 배식화예디자인의 다각적인 전개를 제안함으로써 본 연구 전체를 마무리하였다. 본 연구는 식물체 및 다양한 재료를 이용하여 작가의 예술적 조형의지를 표현하는 가시적 표상체계의 한 부분인 배식화예디자인을 하나의 조형예술기호로 인식하고 그것이 해석자(감상자 또는 사용자)에게 받아들여지는 과정 및 그것의 사용에 대한 학문적 토대를 마련하여 생태학적 패러다임에 있어서 중요한 요소로서 인식을 굳히고 조형예술의 한 영역으로 인식하고 객관적으로 분석할 수 있는 사유의 장을 마련하고자 한다. 더불어 이러한 연구를 통해 차후 배식화예디자인이 화예디자인의 한 영역으로 확실히 자리 잡아 화예작가들을 통해 다각적인 배식화예디자인 작품이 창출되도록 하는데 이바지하기를 기대한다.