시를 활용한 창의성 교육 -초현실주의 수사법을 중심으로

조윤경 ( Cho¸ Yunkyung ) 한국프랑스어문교육학회 2012 한국프랑스어문교육학회 학술대회자료집 Vol.2012 No.-

Cet article a pour but d'analyser les caractéristiques de la rhétorique surréaliste conçue pour explorer systématiquement les zones de l'inconscient, du rêve et de l'imagination, et d’en proposer ensuite de possibles applications dans le programme pour la formation de la créativité. L'écriture automatique reflète le paysage de l'inconscient, oublié ou méconnu en dehors de cette pratique. Le message automatique se déroule au moyen de l'association libre, phonétiquement et sémantiquement. L’association libre diffère de la logique qui enchaîne d’un seul mouvement l'introduction à la conclusion. Les jeux surréalistes et les techniques de trouvaille poétique par le hasard permettent une découverte nouvelle des potentialités imprévisibles cachées dans l'homme, le langage et le monde. Parmi ces moyens, "le cadavre exquis" consiste à composer une phrase ou un dessin à plusieurs personnes, chacune ignorant ce que les autres écrivent ou dessinent. Quant au "jeu des définitions", il s'agit d’une construction à deux personnes, où l'une pose une question et l'autre donne une réponse mais sans connaître la question. En participant à ces jeux qui exaltent non pas la création consciente mais le plaisir de la découverte imprévue, les apprenants ont le plaisir de s'exprimer sans ressentir la douleur ou la contrainte qui accompagnent généralement la création. "La métaphore filée" surréaliste et la technique de l'analogie provoquent le merveilleux par l'union subite entre des objets disparates. Différente de la simple métaphore, la métaphore filée amplifie l'effet de l'étrangeté des tropes par le système de l'association dérivant de la première image. L'analogie, qui est, selon Breton, “fulgurance” ou “déclic”, fonctionne comme un tremplin de l'imagination : en nous permettant de saisir la ressemblance entre choses différentes, elle provoque un choc à nos vues conventionnelles. "L'un dans l'autre" est un jeu surréaliste créé sur le principe de l'analogie. Dans ce jeu, un joueur sorti de la pièce se métamorphose mentalement en un objet de son choix tandis que ses compagnons décident en son absence de le voir en un objet de leur choix commun. Ensuite, à travers le dialogue, à mesure que les deux objets, a priori différents, se superposent, les participants font l'expérience de la philosophie surréaliste, celle de l'immanence : dans l'un on peut trouver l'autre, et réciproquement. Dans un programme de développement de la créativité, on peut créer une métaphore filée et jouer l'un dans l'autre. Par cette activité, on peut entraîner la pensée convergente ainsi que la pensée divergente. À travers le mécanisme de l'analogie, outil efficace pour la transformation, les apprenants peuvent découvrir la nouveauté dans ce qui est habituel et se familiariser avec l'étrangeté. Ils développent ainsi la souplesse et l'originalité de leurs pensées. Le jeu de langage surréaliste renverse l'ordre du logos en poétisant le principe de la contradiction ou le paradoxe. La poésie de Robert Desnos, notamment, change les catégories ou l'ordre des mots, ou bien substitue à des mots certains antonymes ou homonymes ; elle détruit ainsi méthodiquement la grammaire. Par une telle écriture, les apprenants peuvent développer leur capacité créative consistant à transformer le monde. Les surréalistes étaient eux-mêmes découvreurs et explorateurs du merveilleux. Les figures de rhétorique surréalistes permettent aux apprenants de déployer leur imagination et de multiplier leurs expérimentations sans ressentir le fardeau de la création. En maîtrisant la rhétorique surréaliste, ils peuvent apprendre à regarder le monde d'un point de vue différent et à le réinventer à leur gré.

막스 에른스트의 콜라주 소설에 나타난 생명창조의 미학

조윤경(Yunkyung Cho) 프랑스문화예술학회 2018 프랑스문화예술연구 Vol.65 No.-

프랑스 시에 나타난 파리의 도시 이미지

조윤경(Cho, Yunkyung) 도시사학회 2018 도시연구 Vol.- No.20

본 논문은 파리를 소재로 한 자크 프레베르의 시들을 분석하면서 시인의 상상력에 의해서 파리라는 도시 공간이 어떤 이미지를 띠게 되는지를 살펴보는 것을 목적으로 한다. 시인에게 있어 파리는 어린 시절부터 그가 가장 사랑하는 장소였고, 가장 중요한 시적 영감의 근원이었다. 파리의 거리들, 광장과 공원들, 그밖에 역사적, 상징적인 장소들은 그의 시 전반에 녹아 있으며, 내밀한 공간, 전복성을 지닌 공간, 그리고 환상적인 공간으로 이미지화되고 있다. 파리의 내밀성은 어린 시절 기억을 향해 항상 열려 있는 뤽상부르 공원, 서로 사랑하는 사람들의 입맞춤을 한 순간의 영원함으로 간직하는 몽수리 공원이라는 사랑의 공간으로 표출된다. 프레베르는 파리의 소외된 사람들이나 그들이 있는 공간을 집중적으로 조명한다. 그는 그들이 기거하는 파리의 외곽과 빈민가들을 기존의 빈/부, 위험/안전, 주류/비주류, 파리지앵/이민자의 구분을 무너뜨리는 전복성을 지닌 공간으로 형상화하고 있다. 또한 시인은 실재 존재하는 거리나 구역의 이름에 대한 언어유희를 통해 파리를 환상적인 공간으로 변신시킨다. 거리의 이름이 지닌 역사적 의미와 더불어 그 이름에 들어 있는 언어적, 상상적 함의를 중의적으로 환기시키고 있는 것이다. 또한 빈민층이 거주하는 구역들의 이름이 아름다운 울림을 갖는 이름들임에 주목하여, 빈곤과 가난의 공간을 희망과 행복의 꿈꾸는 공간으로 변화시키고 있다. 이러한 시인의 상상력에 의해, 그리고 그것을 형상화하는 시 세계에 의해 실재하는 파리는 훨씬 더 아름답고 열린 도시가 되고 있다. 시인은 격렬한 구호나 메시지를 앞세우지 않고, 독자들에게 가난한 사람들, 빈민가의 소녀들의 공간을 제시하면서 그들과 더불어 충일해진 세상에 대한 공감과 화해의 시각을 펼치고 있다. The purpose of this paper is to examine what images the city space termed Paris becomes to have due to poets" imagination while analyzing Jacques Prévert"s poems based on Paris. In Prévert"s poems, Paris is visualized into an intimate, subversive and fantastic spaces. The intimacy of Paris is expressed with the Luxembourg Park, which is always open to the memory of childhood, and the space of love termed as Montsouris Park that eternally keeps the moments of kissing people that love each other. Prévert intensively illuminates the underprivileged people in Paris and the spaces they are situated in. He embodies the outskirts and slums of Paris where they live as subversive spaces that pull down the existing division between the poor and the rich, between danger and safety, the mainstream and non-mainstream, and Parisians and immigrants. In addition, the poet transforms Paris into a fantastic space through the use of language plays for the names of already existing streets or districts. He ambiguously arouses the linguistic and imaginative implications contained in the names of streets together with the historical meanings of the names. Thanks to the imagination of the poet as such and the world of poem that embodies the imagination, Paris is becoming a much more beautiful and dreamy city. The poet does not put violent slogans or messages forward, but rather presents the spaces of the poor and girls in slums while spreading the vision of empathy and reconciliation for the world that became affluent with them.

달리와 디즈니의 합작 애니메이션에 나타난 초현실주 의적 상상력 - 「데스티노 Destino」를 중심으로

조윤경 ( Cho Yunkyung ) 한국비교문학회 2016 比較文學 Vol.0 No.70

살바도르 달리(Salvador Dali, 1904~1989)와 월트 디즈니(Walt Disney, 1901~1966)는 각각 유럽의 초현실주의 미술과 미국의 애니메이션 산업을 대표하는 인물이다. 달리는 애니메이션 및 영화 기법을 미술로 구현하는 것에 관심이 있었고 미국진출을 계획하고 있었다. 한편 디즈니는 초현실주의적 상상력을 활용한 애니메이션의 예술적확장을 염두에 두고 있었다. 이에 두 사람은 1946년 「데스티노 Destino」라는 단편애니메이션의 협업을 시작하며, 디즈니사의 재정 위기로 8개월간의 작업이 전면 중단된 후 2003년에 극적으로 작품이 완성되게 된다. 본 논문은 달리의 초현실주의 상상력과 디즈니사의 판타지가 결합된 이 독창적인작품의 핵심을 이루는 `운명`이라는 주제와 그 초현실주의적 구현방식을 분석한다. 두 예술가의 협업이 판타지와 초현실주의의 경계를 넘어 어떠한 새로운 상상력을 촉발시키고, 두 영역을 확장시키고 있는지 살펴보고 있다. 사람의 형상을 한 식물, 동물, 사물과 사실적인 인물 캐릭터로 명성을 얻은 디즈니와 황량한 풍경에 공포와 욕망이 뒤섞인 이미지를 그려내는 달리라는 전혀 다른 스타일의 두 예술가의 협업이 어떻게 가능했으며 그 의의는 무엇일까? 이러한 질문을 시작으로 본 논문은 두 사람의 협업이 달리 및 초현실주의의 상상적 지평을 어떻게 넓혔고, 디즈니의 애니메이션에는 어떤 영향을 주었는지를 분석한다. 미국 망명기 초현실주의적 상상력의 변화 추이와, 디즈니애니메이션을 계기로 한 새로운 실험 양상을 살펴봄으로써, 본 논문은 궁극적으로 유럽과 미국, 초현실주의와 판타지, 상업성과 예술성이 결합된 이 작품의 의의를 밝힌다. Salvador Dali (1904~1989) and Walt Disney (1901~1966) represent European surrealist art and American animation industry respectively. Dali was interested in implementing animation technologies and movie techniques in arts and entry into the USA with the Second World War. Meanwhile, Disney was interested in artistic expansion of animation utilizing surrealistic imagination. Therefore, the two persons began animation collaboration titled 「Destino」 in 1945> But the collaboration was suspended due to a financial crisis thereby and the work was completed later in 2003. The present paper analyzes the theme `destiny` that forms the core of this creative work that combined Dali`s surrealistic imagination and Disney Company`s fantasy and the surrealistic method of implementation of the them. The present paper examines what new imagination beyond the boundary between fantasy and surrealism was triggered by the collaboration of the two artists and whether the two areas were expanded. How could the two artists in completely different styles; Disney, who gained his fame with plants, animals, and objects of human figures and realistic human characters and Dali that draws images of desolate scenery full of phantoms with mixtures of fear and desire collaborate with each other and what is the meaning? Beginning with this question, the present paper examines how did the collaboration of the two artists widened the imaginative horizon of Dali and surrealism and affected Disney`s animation. By examining the progress of changes in surrealistic imagination during the period of asylum in the USA and the modality of new experiments with Disney animation as a momentum, the present paper ultimately derives the meaning of this work that combined Europe and the USA, surrealism and fantasy, and commerciality and artistry.

통합적 예술매체로서의 책

조윤경(CHO Yunkyung) 프랑스문화예술학회 2008 프랑스문화예술연구 Vol.24 No.-

자크 타티의 「나의 삼촌 Mon oncle」에 나타난 교란의 시청각적 기호들

조윤경(CHO Yunkyung) 프랑스문화예술학회 2021 프랑스문화예술연구 Vol.77 No.-

자크 타티의 영화 「나의 삼촌 Mon oncle」은 표면상 현대화된 사회와 전통사회라는 대립 구도를 드러낸다. 그런데 이 두 사회 사이에 끼어드는 소음은 대립구도에 교란을 일으키면서 유머와 해방감을 느끼게 하고 거리 두기 효과를 거두고 있다. 또한 정신분석에서 ‘프로이트 슬립 acte manqué’이라 부르는 말실수와 오해, 오독 등 일상생활의 잡음들은 인간의 습관적인 독해의 허상을 폭로하고, 관습화된 코드를 전복시킨다. 감독은 누구나 오독, 오해, 실수를 할 수 있으며, 그것이 다른 관계의 가능성을 만들어 낼 수 있음을 시사한다. 또한 그는 관객들에게도 실수와 오독을 유도한다. 수수께끼와 같은 기호들은 영화 곳곳에 맥락없이 흩어져 다른 기호들과 반복, 변주됨으로써 관객의 상상력을 자극하여 다의적 의미를 생성해낸다.

양차대전 사이의 시대와 엘뤼아르의 시학

조윤경(Cho, Yunkyung) 한국외국어대학교 외국문학연구소 2014 외국문학연구 Vol.- No.56

양차대전 사이의 시기는 1차대전의 트라우마에서 채 벗어나기도 전에 2차대전의 전운이 감돌았던 고통과 불안의 시대였다. 지식인, 예술가들은 그때까지 믿어왔던 이성과 합리성, 진보의 가치관에 전면적으로 문제를 제기했다. 특히 양차대전 사이에 가장 활발하게 활동했던 초현실주의 예술가들은 그 이전의 시기에 도외시되었던 무의식, 광기, 꿈의 영역을 탐사하며 삶과 예술의 혁명을 도모했다. 대표적인 초현실주의 시인인 엘뤼아르는 다다의 실험기를 거쳐 초현실주의 시기, 이후 레지스탕스 운동기까지 활발한 시창작을 이어가며 시와 삶, 시와 윤리를 일치시켰던 시인이다. 대표시 「이곳에 살기 위하여」가 대변하듯, 엘뤼아르는 프로메테우스적 소명을 통해 극한적 현실을 부정하지 않고, ‘지금’ ‘이곳’에서 함께 살아갈 길을 모색했다. 이는 사랑과 이별, 고독과 연대, 삶과 죽음 등의 대립된 개념을 하나로 통합하는 불의 이미지 변용을 거쳐, 죽음을 통해 생명을 얻는 불사조의 역설적 이미지로 표상되고 있다. 이러한 이미지의 지향성은 항상 다시 시작하는 재생의 시간성과 모든 경계들을 무너뜨리는 혼재된 공간성과 연결된다. 엘뤼아르의 삶과 시적 경향은 양차대전 시기의 시대상을 반영하여 1929년 경제 대공황을 기점으로 대략 20년대와 30년대로 구분된다. 20년대에 이 시인은 다다 및 초현실주의 운동에 활발하게 가담하면서, ‘순수한 언어’의 중요성을 주창하며 간결하고 함축적인 시어, 명사어구, 격언, 속담, 아포리즘 등의 짧은 형식의 싯구를 통해 꿈과 현실, 현실의 표면과 이면 사이의 연결을 모색했다. 한편 그는 30년대에 새로운 전쟁의 위험이 감지되자 공산당에 가담하고 ‘혁명에 봉사하는 초현실주의’ 운동을 펼쳤다. 이 기간 동안에 그의 시는 점점 단언의 어조, 반복과 열거에 의해 길게 이어지는 현실참여의 시로 변모하면서 현실과 인간을 직설법적으로 노래했다. 이러한 30년대의 시적 경향은 2차대전 이후 본격적인 상황시로 다시 변모된다. 이러한 변화 속에서 보여지는 그의 시의 일관성은 개인적인 사랑과 인류애, 시와 현실적 참여를 결합시키면서 ‘지금’ ‘여기’의 현실에 대한 시적 대응을 치열하게 모색했다는 점에 있다. The period between the two World Wars was a time of agony and anxiety. The intellectuals and artists brought up overall problems concerning reason, rationality and values of progressiveness they had believed in. Particularly, the surrealist artists most active between the two World Wars promoted the revolution of life and art by exploring the spheres of unconsciousness, lunacy, and dream, which had been disregarded. As one of leading surrealist poet, Paul Eluard attempted to reconcile poetry and life, and poetry and ethics by writing poems actively from the experimental stage of Dada through the period of surrealism to the time of resistance movement. As represented by his major work “Pour Vivre Ici”, Eluard pursued a way to live together in “this place” at “present” without denying the impossible realities through a sort of Prometheus calling. This was expressed in the paradoxical image of a phoenix that was granted an eternal life for death, through the transformation of the image of fire consolidating an array of conflicting ideas: water and fire, love and farewell, solitude and solidarity, and life and death. Such a representation is connected to the temporality of regeneration that always starts again, and interrelated spatiality destroying all the boundaries. he consistency in his poems is demonstrated by the fact that he fiercely sought the poetic response to the reality of “this place” at “present” by combining personal love with love for mankind, and poems with engagement with reality. 양차대전 사이의 시기는 1차대전의 트라우마에서 채 벗어나기도 전에 2차대전의 전운이 감돌았던 고통과 불안의 시대였다. 지식인, 예술가들은 그때까지 믿어왔던 이성과 합리성, 진보의 가치관에 전면적으로 문제를 제기했다. 특히 양차대전 사이에 가장 활발하게 활동했던 초현실주의 예술가들은 그 이전의 시기에 도외시되었던 무의식, 광기, 꿈의 영역을 탐사하며 삶과 예술의 혁명을 도모했다. 대표적인 초현실주의 시인인 엘뤼아르는 다다의 실험기를 거쳐 초현실주의 시기, 이후 레지스탕스 운동기까지 활발한 시창작을 이어가며 시와 삶, 시와 윤리를 일치시켰던 시인이다. 대표시 「이곳에 살기 위하여」가 대변하듯, 엘뤼아르는 프로메테우스적 소명을 통해 극한적 현실을 부정하지 않고, ‘지금’ ‘이곳’에서 함께 살아갈 길을 모색했다. 이는 사랑과 이별, 고독과 연대, 삶과 죽음 등의 대립된 개념을 하나로 통합하는 불의 이미지 변용을 거쳐, 죽음을 통해 생명을 얻는 불사조의 역설적 이미지로 표상되고 있다. 이러한 이미지의 지향성은 항상 다시 시작하는 재생의 시간성과 모든 경계들을 무너뜨리는 혼재된 공간성과 연결된다. 엘뤼아르의 삶과 시적 경향은 양차대전 시기의 시대상을 반영하여 1929년 경제 대공황을 기점으로 대략 20년대와 30년대로 구분된다. 20년대에 이 시인은 다다 및 초현실주의 운동에 활발하게 가담하면서, ‘순수한 언어’의 중요성을 주창하며 간결하고 함축적인 시어, 명사어구, 격언, 속담, 아포리즘 등의 짧은 형식의 싯구를 통해 꿈과 현실, 현실의 표면과 이면 사이의 연결을 모색했다. 한편 그는 30년대에 새로운 전쟁의 위험이 감지되자 공산당에 가담하고 ‘혁명에 봉사하는 초현실주의’ 운동을 펼쳤다. 이 기간 동안에 그의 시는 점점 단언의 어조, 반복과 열거에 의해 길게 이어지는 현실참여의 시로 변모하면서 현실과 인간을 직설법적으로 노래했다. 이러한 30년대의 시적 경향은 2차대전 이후 본격적인 상황시로 다시 변모된다. 이러한 변화 속에서 보여지는 그의 시의 일관성은 개인적인 사랑과 인류애, 시와 현실적 참여를 결합시키면서 ‘지금’ ‘여기’의 현실에 대한 시적 대응을 치열하게 모색했다는 점에 있다. The period between the two World Wars was a time of agony and anxiety. The intellectuals and artists brought up overall problems concerning reason, rationality and values of progressiveness they had believed in. Particularly, the surrealist artists most active between the two World Wars promoted the revolution of life and art by exploring the spheres of unconsciousness, lunacy, and dream, which had been disregarded. As one of leading surrealist poet, Paul Eluard attempted to reconcile poetry and life, and poetry and ethics by writing poems actively from the experimental stage of Dada through the period of surrealism to the time of resistance movement. As represented by his major work “Pour Vivre Ici”, Eluard pursued a way to live together in “this place” at “present” without denying the impossible realities through a sort of Prometheus calling. This was expressed in the paradoxical image of a phoenix that was granted an eternal life for death, through the transformation of the image of fire consolidating an array of conflicting ideas: water and fire, love and farewell, solitude and solidarity, and life and death. Such a representation is connected to the temporality of regeneration that always starts again, and interrelated spatiality destroying all the boundaries. he consistency in his poems is demonstrated by the fact that he fiercely sought the poetic response to the reality of “this place” at “present” by combining personal love with love for mankind, and poems with engagement with reality.

자크 레다의 시에 나타난 탈경계 의식 연구

조윤경(CHO, Yunkyung) 프랑스학회 2010 프랑스학연구 Vol.51 No.-

Cet article a piur but d'explorer la conscience trans-frontière dans la poésie de Jacques Réda, notamment celle du temps, de l'espace et de l'écriture Le poète souligne "l'instant" qui nous permet de nous librer des limites du temps irréversible "L'instant" est, selon Bachelard, "le temps vertical" Il s'agit du temps arrêté, incenté, instantané et simultané, par rapport au temps passant, calculé, continuel et unilatéral Chez Réda, le temps vertical se réalise "un insrant", dans "l'intervalle", et "un jour brusquement" Dans le temps de l'arrêt et de délai, le poète regarde lui-même, et finit par comprendre le sens secret de la vie Au lieu du temps-là réalise ainsi "la transcendance" qui nous permet de dépasser la tension de la vie limitée et mortelle. Tout comme le montre bien l'adjectif "vertical" du "temps vertical", celui-ci est lié à la hauteur et au profondeur de l'espace Dans la poésie de Réda, cela est exprimé par "le fond des temps" Le prète le découvre notamiment dans l'image des flaques Pourries, Mortes, chates, elles comprennent cependant vers la verticalité qui renverse la terre et le ciel En transformant l'image des flaques par celle du ciel, le poète dévoile sa méthodologie exsitentielle le poète regarde ce qui est haut comme ciel, âme, Dieu par le biais de ce qui est bas comme terre, fenêtre, yeux des bêtes. Jacques Réda poétise les espaces "trans-frontières" comme zones, ville frontalère, loin d'espace central De plus, en soulinant l'espace abandonné, libre ou clos, le poète veut visualiser le paysage intérieur des êtres déstabilisés qui n'ont pas de lieux fixes De plus, en introduisant l'image de la ville envahie par la pluie ou par les brouillards, le poète souligne les limites du monde masquées li met en scène l'espace de la dérive entre le réel et l'imaginaire Chez Réda, le fait de marcher dans la ville est une aventure de dépasser les limites géographiques, existentielles et psycologiques, aventure permettant d'inventer le paysage du monde et celui de l'être. La mise en parenthèse est une méthode spéciale du poète pour son ecnture "trans frontière" Par le biais de la maise en parenthèse, le poète veut agir contre le courant enchaîné du texte, et enfin dépasser la mort et la finitude de l'être De plus, Réda voudrait dépasser les limites entre le conscient et l'inconscient, le moi et l'ombre, la vie et la mort en mettant en opposition l'intérieur de la parenthèse et son extérieur. Avec cette technique de l'écriture, le poète suspend le réel en tant que tel, afin d'exprimer visuellement le son silencieux ou bas des petites choses Présentée comme didascalie, la parenthèse indique aussi le mouvement des choses invisibles Elle nous perment de surmonter le monde existant en tant qu tel, et de comprendre le secret du monde nouveau. La conscience trans-frontière chez Jacques Réda ne signifie donc ni fuite ni refus Elle veut la vie toujours instable afin de poursuivre la quête sur l'existence et le monde Recherchant le dépassement, elle ne veut pas pour autant une vie pieuse, mais une sorte de révélation apportée par les paysages minuscules de la ville paysages crépusculaires, griffonnages sur le mur, flaques etc Cette conscience se réalise enfin dans l'ambivalence qui englobe tous les contradictoires jusqu'ici divisés et désunis.

초현실주의의 수사법과 창의성 교육

조윤경(CHO, Yunkyung) 프랑스학회 2012 프랑스학연구 Vol.62 No.-

Cet article a pour but d'analyser les caractéristiques de la rhétorique surréaliste conçue pour explorer systématiquement les zones de l'inconscient, du rêve et de l'imagination, et d’en proposer ensuite de possibles applications dans le programme pour la formation de la créativité. L'écriture automatique reflète le paysage de l'inconscient, oublié ou méconnu en dehors de cette pratique. Le message automatique se déroule au moyen de l'association libre, phonétiquement et sémantiquement. L’association libre diffère de la logique qui enchaîne d’un seul mouvement l'introduction à la conclusion. Les jeux surréalistes et les techniques de trouvaille poétique par le hasard permettent une découverte nouvelle des potentialités imprévisibles cachées dans l'homme, le langage et le monde. Parmi ces moyens, “le cadavre exquis” consiste à composer une phrase ou un dessin à plusieurs personnes, chacune ignorant ce que les autres écrivent ou dessinent. Quant au “jeu des définitions”, il s'agit d’une construction à deux personnes, où l'une pose une question et l'autre donne une réponse mais sans connaître la question. En participant à ces jeux qui exaltent non pas la création consciente mais le plaisir de la découverte imprévue, les apprenants ont le plaisir de s'exprimer sans ressentir la douleur ou la contrainte qui accompagnent généralement la création. “La métaphore filée” surréaliste et la technique de l'analogie provoquent le merveilleux par l'union subite entre des objets disparates. Différente de la simple métaphore, la métaphore filée amplifie l'effet de l'étrangeté des tropes par le système de l'association dérivant de la première image. L'analogie, qui est, selon Breton, “fulgurance” ou “déclic”, fonctionne comme un tremplin de l'imagination : en nous permettant de saisir la ressemblance entre choses différentes, elle provoque un choc à nos vues conventionnelles. "L'un dans l'autre" est un jeu surréaliste créé sur le principe de l'analogie. Dans ce jeu, un joueur sorti de la pièce se métamorphose mentalement en un objet de son choix tandis que ses compagnons décident en son absence de le voir en un objet de leur choix commun. Ensuite, à travers le dialogue, à mesure que les deux objets, a priori différents, se superposent, les participants font l'expérience de la philosophie surréaliste, celle de l'immanence : dans l'un on peut trouver l'autre, et réciproquement. Dans un programme de développement de la créativité, on peut créer une métaphore filée et jouer l'un dans l'autre. Par cette activité, on peut entraîner la pensée convergente ainsi que la pensée divergente. À travers le mécanisme de l'analogie, outil efficace pour la transformation, les apprenants peuvent découvrir la nouveauté dans ce qui est habituel et se familiariser avec l'étrangeté. Ils développent ainsi la souplesse et l'originalité de leurs pensées. Le jeu de langage surréaliste renverse l'ordre du logos en poétisant le principe de la contradiction ou le paradoxe. La poésie de Robert Desnos, notamment, change les catégories ou l'ordre des mots, ou bien substitue à des mots certains antonymes ou homonymes ; elle détruit ainsi méthodiquement la grammaire. Par une telle écriture, les apprenants peuvent développer leur capacité créative consistant à transformer le monde. Les sur

시적 풍경과 주체의 형성

조윤경(Yunkyung Cho) 프랑스문화예술학회 2010 프랑스문화예술연구 Vol.33 No.-