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임준희 서울교육대학교 교육전문대학원 2017 국내석사
Integrated classes are emerging in preparation for the pending “explosion of knowledge” in modern society; these classes cultivate the creative convergent talents required by the societies of the future. The integration and convergence classes can go beyond the limits of present curriculum education and allow students to explore solutions to problems through various perspectives and approaches, thereby fostering creativity. In the present arts curriculum, famous artworks are usually been presented, and tasks and activities typically occur in the framework of art-expression activities; however, more attempts are now being made to get out of the framework. In other words, art is beginning to integrate and converge with other fields, such as science, and aspects of society beyond the aesthetic sense and technique that have been traditionally learned in art class. Character design is a typical example of this trend. The character can function not only as entertainment and an economic aspect but also as a medium for conveying knowledge and information. Therefore, creative thinking is far more central in character design areas compared to others, and its range of application is thus increased. Therefore, it is a very suitable field for applying the fusion education method. It has not been long since character design appeared in the art curriculum, but the character itself has already been a communication medium and popular artwork form familiar to the public. It can be seen in manga, animation, stationary, and advertisements, and imaginary animals created by our ancestors. However, unlike the character's history, character education in the curriculum has not been around for long, and many aspects thereof remain to be studied. Before starting the research, I suggested that research on character design should have two aspects, materials and methods, just as diverse food items are created according to ingredients and cooking methods. The first was the question of where to get the materials needed for character design, and the second was the question of how to dissolve the materials in the characters. To answer the first question, I observed primitive, imaginary animals created by ancestral humans and discovered that they shared points with modern animated characters. I discovered that someone originated from an existing creature, as if it were “nothing new in the world,” and it was a funny curiosity to say, “What about integration with the ecological observation area of science?” To answer the second question, I reviewed previous research on the creative method. Among the many research methods that have been studied so far, I have concluded that SCAMPER is the easiest and the most effective way to dissolve these materials properly. The purpose of this study is to summarize the educational significance of “integrated art and science education” through previous studies, to explain the merit of applying art and science integrated lessons and the SCAMPER technique to character design, and to suggest alternatives through concrete examples of instruction. The following conclusions were drawn in this study. First, in the character design class of elementary school art, integrating with the biological observation area of the science subject led to a more scientifically meaningful result. Because the drawing process was preceded by observing and describing the creatures of the science subject, it was possible to describe parts of the character in more detail, and it was possible to depict the scientific expression by painting the figure with reference to each of its functions. Second, by using the SCAMPER technique, students were able to express characters easily and effectively. The most difficult part of the design was coming up with the initial idea. However, students could start easily and quickly without fear of the idea by applying it according to the steps of SCAMPER technique, and the students were able to effectively make a new form using existing creatures. Third, creative expression through character design and lessons integrated with science were possible using the SCAMPER technique. When the works of the groups were compared, many stereotypical expressions of imitated characters or anthropomorphic animals occurred in the control group, whereas that expression type was seen little in the experimental group. Fourth, the process of applying the observation with the biological observation area of the science subject to character design became an opportunity for students to think fusedly. This is because the scientific knowledge other than the art subject was inevitably needed to solve the problem of “designing the character by applying the features and functions of the animal's organ.” This situation resulted in students being able to think comprehensively. 미래사회가 요구하는 창의융합형 인재를 기르고, 현대사회의 ‘지식의 폭발’에 대비하여 교과통합수업이 대두되고 있다. 통합수업은 기존의 교과분절식의 교육의 한계를 넘어 학생들이 다양한 관점과 접근 방법으로 주어진 문제 상황에 대한 해결방법을 탐색하게하며 그 과정에서 창의성이 증진될 수 있다. 미술교과에서도 이전까지는 기존의 유명한 미술작품들 위주로 제시되고, 과제나 활동도 미술 표현활동이라는 틀 안에서 이루어졌다면 근래에는 그 틀 밖을 벗어나려는 시도가 많아지고 있다. 즉, 근래에 들어 미술 교육과정에 편입되기 시작한 영화, 애니메이션, 광고 등은 전통적으로 미술시간에 배워왔던 미적 감각과 테크닉을 뛰어넘어 과학, 사회 등 다른 분야와의 통합 수업이 불가피하게 되었다. 그 중 대표적인 것이 캐릭터 디자인이다. 캐릭터는 정보를 전달함에 있어서의 심미적 기능과 상업적 기능에 따른 경제적 측면 뿐 아니라 지식이나 정보를 전달하는 매개로서 다른 디자인 영역 가운데에서도 창의적 사고가 절대적으로 요구된다. 또한 앞으로도 그 활용 범위가 더욱 늘어난다고 할 수 있어 교육적 가치가 충분하기에 앞서 언급한 교과통합 수업의 적용에 매우 적합한 분야라고 볼 수 있다. 캐릭터 디자인이 미술교과에 등장한 것은 오래되지 않았으나 캐릭터는 그 이전에 이미 우리 인간에게 친숙한 의사소통 매개체이자 대중적인 예술작품이었다. 가까이에는 만화나 애니메이션, 팬시, 광고에서 찾아볼 수 있고 멀리는 우리 인류역사의 초창기 선조들이 만들어낸 주작, 현무, 봉황과 같은 상상 동물까지도 넓게 보면 캐릭터 디자인의 결과물이라고 볼 수 있다. 그러나 교육과정에는 최근에 들어서야 시각문화영역과 함께 캐릭터 디자인 활동이 등장하기 시작하였기 때문에 연구되어야할 과제가 여전히 많이 남아있다. 연구를 시작하기 전에 본 연구자는 마치 요리를 할 때, 재료와 조리방법에 따라 천차만별의 다양한 음식이 창조 되듯이 캐릭터 디자인에 대한 연구 또한 두 가지 측면에서 이루어져야 한다고 보았다. 첫째는 ‘캐릭터 디자인에 필요한 아이디어의 소재는 어디에서 가져와야 할까?’ 하는 문제였고 둘째는 ‘그 소재를 캐릭터 안에 어떻게 녹여낼까?’ 하는 방법의 연구였다. 먼저 첫 물음에 답을 찾기 위해 옛 선조들이 만들어낸 원시적 상상 동물부터 현대의 애니메이션 캐릭터까지 관찰해보며 그 공통점을 찾을 수 있었다. 누군가 ‘세상에 새로운 것은 없다’라고 했던 것처럼 기존의 생물로부터 비롯되었다는 사실을 발견할 수 있었고 ‘과학의 생태관찰 영역과 통합을 해보면 어떨까?’ 하는 재미있는 호기심이 들게 되었다. 두 번째 질문에 답하기 위해서는 창의적 발상법에 대한 선행연구들을 찾아보며 고민하게 되었는데 지금까지 연구된 수많은 발상법 중에서도 이 아이디어의 소재들을 알맞게 캐릭터에 녹여낼 수 있는 쉽고 효과적인 방법이 SCAMPER라고 결론을 짓게 되었다. 따라서 본 연구는 선행연구를 통해서 미술·과학 통합교육과 캐릭터 디자인의 교육적 의의를 제시하고, 캐릭터 디자인에 미술·과학 통합수업과 SCAMPER 발상법을 적용하는 당위를 밝히며, 구체적인 수업 사례를 통해 그 대안을 제시하는 데에 의의가 있다. 본 연구를 통해 다음과 같은 결론을 얻을 수 있었다. 첫째, 초등학교 미술의 캐릭터 디자인 수업에 과학교과의 생물 영역과 통합하여 수업을 실행함으로써 과학적인 의미가 담긴 결과가 나온다는 것이다. 과학과의 동물을 관찰하고 자세히 그리기의 과정이 선행되었기 때문에 캐릭터의 더 자세한 부분 묘사가 가능했으며 캐릭터의 각 기능에 따른 생김새를 생각하며 그리게 되어 과학적인인 의미를 담을 수 있다고 볼 수 있다. 둘째, SCAMPER 창의적 발상법을 활용함으로써 쉽고 효과적으로 캐릭터를 표현해 낼 수 있었다. 디자인에서 가장 어려운 부분이 바로 처음 발상의 과정임에도 SCAMPER 발상법의 단계에 따라 적용해봄으로서 발상의 두려움 없이 쉽고 빠르게 시작할 수 있었으며 실제로 존재하는 동물들의 모습을 활용하여 새로운 형태를 효과적으로 만들 수 있었다. 셋째, 과학과의 통합수업과 SCAMPER 창의적 발상법을 이용한 캐릭터 디자인을 통해 독창적인 표현이 가능했다. 비교 집단에서의 작품에서는 기존의 캐릭터를 모방하여 그리거나 단순히 의인화된 동물 등의 진부한 표현이 많았던 반면에 실험 집단에서의 작품은 단 한 점도 같거나 진부하지 않았다. 넷째, 과학교과의 생물영역을 캐릭터 디자인에 적용하는 과정이 학생들로 하여금 융합적으로 사고할 수 있게 하는 기회가 되었다. '동물의 기관의 생김새와 기능을 적용하여 캐릭터 디자인하기'라는 문제를 해결하기 위해서는 미술교과 외의 과학적 지식이 필요할 수밖에 없었기 때문이다. 이러한 상황이 결과적으로 학생들이 종합적으로 사고할 수 있게 했다.
발레전문무용수의 흉추가동성을 위한 Pilates 프로그램 개발
임준희 국민대학교 일반대학원 공연영상학과 무용학전공 2018 국내박사
The necessity of using advanced techniques has been gradually increased for ballet dancers to express the intended dance, adapting to the change in modern ballet in which creative ballet performances increase. As movement techniques are developed, the intensity of the training for ballet dancers increases. Consequently, the frequency of exposure to injuries also increases. Most movement techniques in ballet consist of motions that require the excessive flexibility of the waist. Due to the use of these techniques and repetitive training, the backache is common to the ballet dancers. Through an analysis of the preceding studies, this researcher concluded that the lumbar pain of ballet dancers is caused by the increase of abnormal movement between the lumbar vertebral bodies through the compensation of the stiff thoracic vertebrae. This study aims to develop a Pilates program that secures the thoracic vertebra mobility as a way to prevent a backache caused by excessive techniques and repetitive training based on the physical·psychological effects of Pilates proven in the preceding studies. For this purpose, this study first concretely investigated how Pilates programs have been developed for the rehabilitation of dancers specializing in ballet at home and abroad. Based on this, the program was developed through a total of four steps, including the researcher’s preparation, goal setting, the composition of a plan for the program and validation, and the development of the program. The program developed in this study through the above procedures established theoretical grounds and secured reliability and validity. The Pilates program that secures the thoracic vertebral mobility, suitable for ballet dancers, developed through literature review based on an analysis of the preceding studies, basic ballet motions, Balanced Body Pilates Method, kinematics, functional anatomy, a survey of needs and an expert group’s validation. The Pilates program that secures the thoracic vertebral mobility is recommended to be implemented a total of 10 times (for 40 minutes two times in five weeks). The composition of the period of application, time and session was presented on this researcher’s own discretion, so it can be reconstructed for the subject’s situations. The program was composed so that it could contribute to preventing injuries and rehabilitating ballet dancers by setting goals as follows: “Recognition and assessment of the present state” for Sessions 1-2; “Recovery of rotation” for Sessions 3-4; “Recovery of lateroflexion” for Sessions 5-6; “Recovery of extension” for Sessions 7-8; and “flexion” for Sessions 9-10 and finally securing the thoracic vertebral mobility. The program is divided into three stages, “Physical·psychological relaxation, “Securing the thoracic vertebral mobility” and “Reconstruction of the body.” As above, finally, the Pilates program was developed to secure the thoracic vertebral mobility of ballet dancers, consisting of 10 sessions. Hopefully, the program presented in this study will be applied to ballet dancers in the future and its positive effect will be verified. Moreover, hopefully, professional dancers who are exposed to the risk of injuries will recognize the ideal anatomical postures themselves. It is hopeful that the professional dancers who recognized the ideal postures will understand the cross-training to bring their deformed bodies to the neutral position and apply it on the stage of training for the prevention of injuries and rehabilitation and further the stage of living in ordinary times. In addition, it is expected that Pilates will come into wide use as a professional training method for the prevention of injuries and the recovery of wounds. Also, the program developed in this study should be applied to the actual ballet dancers, and its effects should be verified. In the meantime, it would be necessary to conduct a study to develop programs for the rehabilitation of more various body parts and programs utilizing various Pilates machines. 발레전문무용수들은 점차 고난도의 기술을 사용할 필요성이 증가하였다. 창작 발레공연이 늘어나고 있는 현대 발레의 변화에 발맞추어 의도한 무용을 표현하기 위함이다. 동작기술이 발전 될수록 발레전문무용수의 훈련 강도는 높아지며, 그만큼 부상에 노출되는 빈도도 늘어난다. 발레의 동작기술은 허리의 과도한 유연성을 요구하는 동작들이 주를 이룬다. 이러한 기술의 사용 및 반복훈련으로 인해 발레전문무용수들에게 요통이 흔히 발병된다. 선행연구 분석을 통해 본 연구자는 발레전문무용수들의 요추 통증이 경직된 흉추의 보상작용에 의해 요추 추체 간 비정상적인 움직임을 증가시켜 유발시킨 것이라고 보았다. 본 연구는 기존의 선행연구에서 검증된 필라테스의 신체적·심리적 효과를 기초로 하여 무용수들의 과도한 기술 및 반복훈련으로 인한 요통을 방지하기 위한 방법으로서 흉추가동성 확보 필라테스 프로그램을 개발하는 것이 목적이다. 이를 위해 먼저 국·내외에서 발레전문무용수의 재활을 위한 필라테스 프로그램이 어떻게 개발되었는지 구체적으로 살펴보았다. 이를 토대로 프로그램은 연구자 준비, 목표설정, 프로그램 계획안 구성 및 타당도 검증, 프로그램 개발 총 4단계를 거쳐 개발되었다. 위와 같은 절차를 거쳐 본 연구에서 개발된 프로그램은 이론적 근거를 확립하고 신뢰성과 타당성을 확보하였다. 선행연구 분석에 의거한 문헌고찰, 기본적인 발레동작, Balanced Body Pilates Method, 운동역학, 기능해부학, 요구도 조사, 전문가 집단의 타당도 검증을 통해 개발된 발레전문무용수에게 적합한 흉추가동성 확보 필라테스 프로그램은 다음과 같다. 흉추가동성 확보 필라테스 프로그램은 5주 동안 주 2회, 40분씩 총 10회 실시하는 것을 권장한다. 적용기간 및 시간, 회차 구성은 본 연구자가 임의로 제시한 것이므로 대상자의 상황에 맞게 재구성할 수 있다. 프로그램은 1-2회『현 상태 인지 및 평가』를 시작으로 3-4회 흉추의『회전 기능의 회복』, 5-6회『측굴 기능의 회복』, 7-8회『신전 기능의 회복』, 9-10회『굴곡 기능의 회복』이라는 회차별 목표를 설정하여 최종적으로 흉추가동성을 확보하여 발레전문무용수의 부상 예방 및 재활에 기여 할 수 있도록 구성하였다. 프로그램 단계는『신체·심리 이완』,『흉추가동성 확보』,『신체 재구조화』의 3단계로 나뉜다. 이상과 같이 최종적으로 10회에 해당하는 발레전문무용수의 흉추가동성 확보를 위한 필라테스 프로그램을 개발하였다. 추후 본 연구에서 제시한 프로그램이 실제 발레전문무용수에게 적용되어 긍정적인 효과가 검증되기를 바란다. 나아가 부상의 위험에 노출된 전문무용수들이 스스로 이상적인 해부학적 자세가 무엇인지를 인지하기를 바란다. 이상적인 자세를 인지한 전문무용수들은 변형된 자신의 몸을 중립으로 가져오려는 크로스 트레이닝(Cross-training)을 이해하고 부상의 예방과 재활을 위한 훈련 단계, 나아가 평상시의 생활 단계에서 적용하기를 바란다. 더불어 상해 예방과 부상 회복을 위한 전문적인 훈련방법으로서 필라테스가 널리 보급되기를 기대한다. 또한 본 연구에서 개발한 프로그램은 향후 실제 발레전문무용수에게 적용되어 그 효과를 검증해야 할 것이다. 한편, 보다 다양한 신체 부위의 재활을 위한 프로그램과 다양한 필라테스 기구를 활용한 프로그램 개발 연구가 이루어져야 할 것이다.
임준희 건국대학교 교육대학원 2009 국내석사
본 연구는 학교의 음악과목에 잠식되어 있을 사회 이데올로기 원리를 경험적으로 진단하기 위한 것이다. 우리사회가 민족주의의 이데올로기의 지배적 영향 아래 있으며 이것이 학교교육을 통해 스쿨링된다는 전제 하에 학교에서 행해지는 음악교육에서 민족주의가 어떠한 양상으로 존재하고 있는 지 확인하여 그 특성이 나타나는 방식을 설명하고자 한다. 이러한 목적을 위해서 먼저 객관성을 갖춘 자료라고 판단되는 교육과정과 현행 교과서들을 분석·관찰하였다. 교육과정은 해방 이후 현재에 이르기까지 각각의 시대적 요구를 폭 넓게 수용하면서 개정되어왔으며 따라서 그것의 변천에 따라 정치적 의도나 사회적 변화의 개입을 관찰할 수 있을 것이라 판단된다. 또한 현행교육과정에 문서화되어 나타나 있지 않을 특성에 대해서는 사회적으로 주목받았던 사건들과 교과서들을 둘러싼 친일관련논쟁을 통해 잠재적 교육과정의 개념으로서 설명하였다. 두 번째로는 국악과 국악교육의 철학적 배경을 점검하였다. 이에 대한 연구를 위해 특히 주목한 개념은 홉스봄의 “만들어진 전통”에서 설명하고 있는 전통의 허구성이다. 국악이 소위 “전통”이라는 이데올로기와 결합됨으로써 음악의 본질적 성격에 앞서 민족주의적 성격을 강조하게 됨을 파악하였다. 그리고 국악교육의 목적이 궁극적으로 무엇을 향해 있는지에 따라 이를 통한 이데올로기 교육의 가능성을 타진하였다. 연구 결과, 음악과 교육과정에서 시대적 흐름에 따라 그 정도가 조금씩 변화하면서 민족주의가 스쿨링되고 있었으며, 문서화된 지침과 관계없이 사회적 분위기와 음악교육자들의 인식양태에 따라서 민족주의의 진행은 계속되고 있었다. 또한 국악과 전통의 개념이 서로 상응하는 것과 관련하여 국악에 대한 민족주의적 가치관의 개입을 확인하였다. 그리고 비록 그 철학적 배경이 미약하여 국악교육의 의의에 관한 분명하고 확고한 기준이 없는 상황이기는 하나, 대부분의 교육의의에 대한 논의들을 통해 민족주의적 영향력이 강력함을 알 수 있었다. 이러한 경험적 사실은 음악교육이 민족주의라는 이데올로기의 영향에서 자유롭지 않을 뿐 아니라 그 자신도 이를 스쿨링하는 기제가 되고 있음을 보여준다. 이것은 한편으로는 민족주의가 우리 사회의 강력한 지배 이데올로기로서 기능하고 있음을 다시금 확인시키고 있다. This study is designed to investigate the face of nationalism which filtered into some aspects of music education in schools and illustrates what act of nationalism inspired the spread of nationalism through the music class. With this in mind, in this paper, the curriculums from 1954 until 2007 were examined. The curriculum at the national level could show an objective view of its ideology, because social demands have led seven times amendment on the course of instruction. In addition, as schools cover more than official curriculum, major social issues and the music textbooks were analyzed qualitatively to understand the impact of the hidden curriculum. This study also involved a meaningful discussion on Korean traditional music which has serious implications of "The Invention of Tradition" by the historians Eric Hobsbawm and Terence Ranger. Much of what we think traditional is actually a product at most of the last couple of centuries and also Korean traditional music is highly probable to be an example of invented traditions. The result of this study provided clear evidence that music education is schooling in nationalism through the curriculum, textbooks, teachers, an atmosphere, and the ideology of Korean music as so-called "The Invention of Tradition". Even though there is no clear standard of the meaning of Korean traditional music education in schools, nationalism is doubtlessly influential on it because it dominates our schools and society.
임준희 건국대학교 산업대학원 2016 국내석사
본 연구는 서울 ‧ 경기권에 거주하는 출산 경험이 있는 산모 321명과 산모를 관리하는 전문 관리사 55명을 대상으로 두 그룹으로 분류하여 설문 조사하였다. 산모의 일반적 특성과 출산 경험에 관한 조사, 산후조리 이용 실태, 산후마사지 이용 실태 그리고 산후마사지 만족도를 조사 하였다. 연구 결과 산후조리 이용 방법은 산후조리원 이용이 49.9%로 가장 많았고 산후조리원을 이용하는 기간은 2주가 가장 많았으며 산후마사지를 이용해본 경험이 있는 응답자는 79.4%로 월등히 높았다. 소득별 산후마사지 이용 경험 에서는 소득이 300~500만원인 사람들의 유료의 산후마사지 이용율은 72.2%로 소득이 높을수록 이용율이 높았다. 마지막 출산 년도가 최근 일수록 산후마사지 이용 횟수가 증가 하였고, 마지막 출산 년도가 최근 일수록 가정내 출장 산후마사지의 이용 비율도 증가 하였다. 전문 산모 관리사의 설문 결과 산모 관리 경험은 78.%가 그렇다고 응답 하였고 전문적인 교육 이수를 묻는 응답은 64%가 그렇다고 하였으며 전반적인 지식 유무 질문에는 보통인 경우가 42.9%이다. 산모 집단은 관리사의 실력에 전반적으로 만족하는 수준 이였으며 산후마사지의 활성화 방안으로 전문 관리사의 전문적 지식과 관리 스킬이 중요하다고 하였고 국자차원의 복지혜택을 원하는 것으로 나타났다. 전문 관리사 역시 전문 관리사의 지식함양이 중요하다고 보았으며 국가공인 산모 마사지사 자격증 신설 및 전문적인 교육기관의 보급을 선택하였다. 산후조리에 마사지가 중요하게 작용되고 있는바 산모의 관리 요구도가 높아질수록 산모 전문 관리사는 전문적인 교육을 통해 지식 함양에 힘써야 하며 국가 차원의 혜택도 필요할 것이다 The study recruited two different groups of 321 postpartum mothers who have given birth and 55 professional massagers in Seoul and Gyeonggi-do areas and conducted a survey on general characteristics and birth experience of postpartum mothers, use status of postnatal care and postnatal massages, and satisfaction levels of the massages. As a result, the most proportion of postpartum mothers (49.9%) answered that they used postnatal care through postnatal care centers; the most used period was 2 weeks, and as many as 79.4% of the respondents said they had gotten postnatal massages. When it comes to experience of postnatal massages by income, 72.2% out of those with incomes between 3 million and 5 million KRW used paid postnatal massages service, showing the higher the income, the higher the use rate. The later the year of the last birth, the higher the use rates of postnatal massage service as well as visiting-home postnatal massage service. As a result of surveying professional postpartum caretakers, 78% of them answered that they had served postpartum mothers and 64% had completed professional training courses. When asked if they had overall knowledge, 42.9% of them answered that their knowledge was moderate. The group of postpartum mothers answered that they were generally satisfied with the massagers’ skills, and that expertise knowledge and skills of professional massagers were important to vitalize postnatal massages. Moreover, they wanted the service as welfare benefits at the national level. Professional massagers also said that developing their knowledge was critical, choosing implementation of national certification for massage for postpartum mothers and widespread of professional training institutions. As massage service has been considered more important for postnatal care and more postpartum mothers require care service, professional massagers for postpartum mothers need to further try to improve their knowledge through professional training with help at the national level.
본 논문은 코메니우스의 아동교육론의 기저가 되는 사상과 관념을 고찰하고 코메니우스의 관점에서 본 교육자의 역할을 이해하여 코메니우스의 아동 교육론의 교육적 시사를 밝히는데 그 목적이 있다. 이러한 연구목적을 달성하기 위하여 코메니우스의 생애와 그의 저작과 시대적·사회적·학문적 배경을 살펴보았으며, 코메니우스의 아동교육론의 기저로서 코메니우스의 종교관·자연관·인간관을 분석하였다. 이러한 분석을 기반으로 코메니우스의 아동교육론을 고찰하였으며, 이에 근거하여 교육적 의의와 한계를 제시하였다. 위의 연구결과를 바탕으로 코메니우스의 아동교육론의 교육적 시사를 제시하면 다음과 같다. 첫째, 아동의 최초 교육자인 부모의 역할을 중요하게 여김을 시사한다. 둘째, 감각과 실물을 통한 교육을 중요하게 여김을 시사한다. 셋째, 아동을 귀중한 인격체를 가진 전인적인 존재로 인정하는 것을 시사한다. 넷째, 아동을 생각하는 존재, 철학 하는 존재로 보았음을 시사한다. 다섯째, 아동을 성장 가능한 교육의 대상으로 본 것을 시사한다. 코메니우스의 아동교육론의 교육적 한계는 다음과 같다. 첫째, 기독교적 세계관 중심의 사상이기에 일반 아동을 대상으로 하기에는 무리가 있다. 둘째, 지나치게 일률적이고 정형화된 교육의 강조로 창조적 감흥이나 예술성을 개발하는데 한계가 있다. 셋째, 단계에 따른 교육을 지나치게 강조함으로 인해 개인의 고유한 발달을 무시할 우려가 있다.
임준희 한국예술종합학교 무용원 2012 국내석사
This study aims to investigate and understand various factors of dancers' performance anxiety in dance through a 'qualitative analysis' based on personal experiences of interviewers. Performance anxiety in dance, in this study, is a neutral, not negative, concept as 'arousal' accompanying physiological activation in dance performance and as 'stress' as reaction against situational demands. So the researcher set the two subjects for the study; What are the circumstantial factors leading to dance performance anxiety? and what are the personal factors leading to dance performance anxiety? For the interview, the researcher chose dancers who had deep experiences of related situations and were able to depict and explain such experiences concretely, and they were 3 contemporary dancers, 3 Korean traditional dancers, and 4 ballet dancers. Collected data were analysed under CQR(Consensual Qualitative Research) method with participation of 4 raters and 1 supervisor. After analysis, the researcher drew results in each type of factors as follows. First, the circumstantial factors leading to dance performance anxiety are subdivided into two high categories: human circumstance and physical circumstance. Second, the personal factors leading to dance performance anxiety are subdivided into three high categories: self-consciousness, movement skill, and body's ability. It has been found that the first high category of the circumstantial factors, human circumstance, comprise four subordinate categories, namely relationship between co-workers/director/choreographer, conflicts or troubles between people, expectations of others and reception of audience, stating in order of frequency of answers. The second high category, physical circumstance comprise also four subordinate categories, in order of frequency of answers, namely stage(lighting, sound), teamwork with others, floor condition and temperature in performance place. From the personal factors, the first high category, self-consciousness, were found to comprise seven subordinate categories, stating in order of frequency of answers, criteria set by self, incontrollable emotions, lack of confidence, fear for comparison or assessment, sense of guilt, and fear for fail. Movement skill, the second high category has been shown to have 2 subordinate categories; of two, the technical domain was bigger than the expressional domain. In body's ability, the third high category, its frequency of answers has shown the order of physical strength, physique and injury/pain. This study presented research results on what makes dancers anxious psychologically in dance performance, what they are afraid of the most and what kind of thoughts make them have such anxiety, carrying out in-depth interviews and conducting CQR method to analyze data from interviews. Such an attempt makes it possible for the dancers to perceive the factors of psychological anxiety, and through their perceiving, they can effectively control and handle those factors to accomplish the best execution of dance. Furthermore, this study can serve as a valuable guide for dancers to find information about how they should cope with and manage general mental pressure, and for developing testing tools to diagnose factors of dancers' mental anxiety in advance of performance. 본 연구는 무용수행시 무용수들에게 나타나는 다양한 무용수행불안의 요인을 면담자 개인 경험에 기초하여 질적 분석을 통해 심도 있게 분석하고 이해하고자 하는 것이 목적이다. 본 연구에서의 무용수행불안이란, 무용수행시 생리적 활성화를 수반하는 ‘각성’과 상황적 요구에 대한 반응으로서의 ‘스트레스’로 부정적 인식의 의미가 아닌 중립적인 의미이다. 이에 따라 설정한 연구문제는 첫째, 무용수행시 무용수행불안을 일으키는 환경적 요인은 무엇인가에 대한 것이고 둘째, 무용수행시 무용수행불안을 일으키는 개인적 요인은 무엇인가에 대한 것이다. 이와 같은 연구문제에 대한 답을 얻기 위하여 연구 주제가 되는 현상에 대해 깊이 있는 경험을 하였고 그 경험을 분명히 묘사할 수 있는 현대무용수 3명, 한국무용수 3명, 발레 무용수 4명을 조사대상으로 선정하여 각각 인터뷰를 진행하였다. 이를 통해 수집된 자료는 ‘합의에 의한 질적 연구방법’을 사용하여 4명의 평정자와 1명의 감수자가 참여하고 분석하였다. 자세한 분석결과를 영역별로 살펴보면 첫째, 무용수행시 무용수행불안을 일으키는 환경적 요인은 2개의 상위영역인 인적상황, 물리적 상황으로 나누었고, 둘째, 개인적 요인에 해당되는 상위영역은 3개로 자기의식, 동작기술, 신체능력으로 나누었다. 연구문제 (1) 환경적 요인에 해당되는 첫 번째 상위영역인 인적상황에서는 4개의 하위영역이 도출되었는데, 동료/지도자/안무가와의 관계, 사람들 사이에서 발생하는 갈등이나 문제 상황, 주변 사람들의 기대, 관객의 반응 순이었다. 두 번째 상위영역인 물리적 상황에서도 4개의 하위영역이 도출되었다. 응답빈도에 따라 나열하면 무대(조명, 음향), 동료와의 호흡, 바닥상태, 무용수행 장소의 온도 순이다. 연구문제 (2) 개인적 요인에 해당되는 첫 번째 상위영역인 자기의식에서는 7개의 하위영역이 도출되었다. 스스로 세운 기준, 통제 불능의 감정, 자신감 결여, 비교나 평가에 대한 두려움, 죄의식, 부상에 대한 공포, 실패에 대한 공포 순이다. 두 번째 상위영역인 동작기술에서는 2개의 하위영역이 응답빈도에 따라 기교적, 표현적 순으로 나타났으며 세 번째 상위영역인 신체능력에 해당되는 하위영역은 3개로 체력, 체격, 부상/통증 순으로 나타났다. 본 연구는 무용수들이 무엇 때문에 무용수행시 심리적 불안을 겪고 있는지, 무엇을 가장 불안해하는지, 어떠한 생각으로부터 그 불안이 시작되었는지에 대하여 참여자들을 심층면담하고 그 자료를 질적 분석을 하여 연구결과를 제시하였다. 이러한 시도는 무용수들에게 그들의 심리적 불안요인을 자각시키고, 그 자각을 통해 심리적 불안 요인을 효과적으로 통제, 조절함으로써 최상의 무용수행 효과를 달성하도록 도와 줄 것이다. 더 나아가 훗날 무용수들에게 무용수행불안과 스트레스 극복, 대처 방법까지 세워 줄 수 있는 정보로서 제공될 수 있으며, 무용수들의 심리적 불안 요인을 사전에 진단할 수 있는 무용수행불안 검사 도구를 개발하고자 할 때에도 유용한 정보로서 활용될 것이라 예상한다.