[여성정책동향] 연구노트-여성정책정보 전달시스템 개발에 관한 연구

백영주 한국여성정책연구원(구 한국여성개발원) 2004 여성정책포럼 Vol.6 No.-

스크린 기반 설치미술의 공간 체계와 관객성 스크린 기반 설치미술의 공간 체계와 관객성 - 초기 스크린 기반 설치미술 작품을 중심으로 -

백영주 한국기초조형학회 2011 기초조형학연구 Vol.12 No.4

Screen-based installation art emerged as a form of media critique. Its artistic aim is to diversify the modes of spectatorship proposed in mass media and gain a critical distance from the conventions of media representation of our reality. The focus of early works of screen-based installation art analyzed in this paper is to reveal the hidden logics of projection space where viewers unconsciously immerse themselves into the representational world of the screen. The main concern of these works is to identify the characteristics of screen media by examining the shifting dynamics among the screen, projected images and their relations to the viewers' body. Artists tends to reveal the operative mechanisms of image productions and receptions in order to objectify and demystify the screen subject: here, the screen mediated experiences are dissected into a situation of the screening and the physical surroundings of the screen. The installation art as spatial organization, it raises the viewers' awareness of their screen-mediated environment by heightening their sensory perception of the screen as interactive object. This postulates the screen not as a world to immerse in, but as a spatial-temporal situation to experience, which awakens and merges viewers' own consciousness and senses into the integral whole. 스크린 기반 설치미술은 대중 매체의 논리와 매체가 재현하는 이미지의 관습에 길들여진 지각양상을 다변화시키고, 매체 환경에 대한 비평적 거리를 되찾기 위한 방법론으로서 실천되어 왔다. 본 논문에서 다루고자 하는 초기 스크린 기반 설치미술은 이미지가 투사되는 스크린과 관람자가 위치하게 되는 투사 공간(projection space)의 논리를 인지적으로 드러내는 것에 집중하고 있다. 이는 오브제로서의 스크린과 투사되는 이미지, 그리고 관람자의 신체가 관계 맺는 방식에 따라 다변화하는 스크린의 성격을 공간적으로 규명해내는 작업이다. 여기서 이미지가 만들어지는 메커니즘을 구조적으로 드러냄으로써 상황을 객관화하고 대상을 탈신비화하거나, 이미지가 투사되는 스크린의 외부적 상황을 인식시킴으로써 스크린이 재현하는 세계에 대한 경험을 스크린 밖으로 확장해가는 방법이 구사된다. 이러한 시도는 설치미술이라는 공간적 구성을 통해 관람이 이루어지고 있는 환경에 대한 의식을 촉구하며, 지각현상으로서 경험되는 스크린에 대한 신체감각의 회복을 유도한다. 스크린을 공감각적으로 경험될 수 있는 시공간적 상황으로서 상정함으로써, 스크린이 재현하는 이미지의 세계에 몰입하면서 분리되었던 관람자의 의식과 감각을 통합하고자 하는 것이다.

다매체 시대의 퍼포먼스 공간의 경험양식과 상호매체성

백영주 한국기초조형학회 2010 기초조형학연구 Vol.11 No.4

Along with performers, spectator is a constituent part of performance space. They are located within the same space-time, interacting with each other, with purposeful intentionality. Presence, temporality, corporeality, immediacy and liveness are main characteristics of the performance space. These characteristics are the very foundation which generate sensorial experience, communicative and participatory aspects in the performance: the performance space is a social construct. It is also a collaborative product, therefore it sensitively responds to the change of communication form, development of media and the mode of experience: it is the place where we can explore the mode of perception change. Thus its constriction and formative characteristics can be understood as communicational phenomenology. This study attempts to discuss the paradigm shifts in the mode of experience and intermediality of performance space in the multi-media Age, based on Wagner's notion of total work of art and Brechtian notion of media 퍼포머와 관객이 같은 시공간에 위치하는 퍼포먼스의 현존(presence/現存)성은 시간성(temporality), 신체성(corporeality), 직접성 (immediacy), 현장성(liveness)으로 구체화된다. 이러한 특질에 근간하는 퍼포먼스의 상호매체성은 공감각적 경험을 가능하게 하고, 소통과 참여를 촉진하는 공간적 특성을 형성한다. 이에 따라 퍼포먼스 공간은 시대에 따라 변화하는 인지양식을 탐구할 수 있는 구체적 장소가 될 수 있으며, 퍼포먼스 공간의 구성과 조형적 특성 또한 소통현상으로 설명 될 수 있다. 기술의 발전과 매체환경의 변화에 따라, 퍼포먼스 공간의 구성과 공간적 경험 양식 또한 진화하고 있다. 전통적 공연 표현양식의 패러다임인 모방과 환영적 재현에 대해 바그너(Richard Wagner)는 환영적 공간의 총체적 경험을 조형적으로 통제함으로써 현실이 잃어버린 이상을 되찾고자 하였고, 브레히트(Bertolt Brecht)는 전통적 극공간의 비평적 해체를 통해, 재현되는 이미지의 메커니즘을 파악하고 현실인식을 촉구하는 공간을 구성하였다. 근대 이후 퍼포먼스 공간은 신체적 감각의 회복을 강구하고 관객과의 직접적인 접촉방법을 모색함으로써, 모든 것이 매체로 중재되는 환경 속에서 주체성을 회복하고, 복합적인 현실의 상에 대한 다원적인 이해를 촉구하고 있다.

기억의 형상 : 메모리얼 디자인

백영주 한국기초조형학회 2008 기초조형학연구 Vol.9 No.5

The act of remembrance is to recall something, which unavoidably involves diverse contextual interpretations of one situation. When it goes beyond the personal realm and addresses collective memory, then naturally followed by the issues of historicism and its representation. Loss is the fact of no longer having something or having less of it than before, which connotes the state of being absent. To commemorate is to remember an incident, that had been occurred in the past, memorialized in relation to the present moment and the future tense: therefore it is an affirmation of continuing life. It investigates what to remember and how to remember and why. Memorial design is essentially a public procedure and is based on consensus, therefore filtering out the diversity of sociocultural values of various parties involved in a situation. This is the very predicament of its innately didactical form and its ideological function that have been frequently mishandled and misused with political intents. Indeed, its indexical materiality can fixate one's viewpoint, framing out the complexity of a situation and even reinvent. Its inevitable process of institutionalization have generated anti-memorial sentiments which provocatively have challenged the traditional conception of memorial and transformed how we think about the act of remembrance itself and its embodiment.

현대예술의 연행적 양상과 참여적 환경- 아놀드 벌리언트의 '관여' 개념을 바탕으로 -

백영주 한국기초조형학회 2010 기초조형학연구 Vol.11 No.1

Performative aspects in contemporary arts stemmed from the very question: what is art and what constitutes the art? Contemporary artists try to construct the meaning of it by incorporating phenomena of the object and conditions of the living world as integral part of their artistic components, which include the perceiver as the participant. This challenges the conventions of art-making practice and concept of the art itself, incorporating the elements that have been historically divided as individual entity : the perceiver and the object, daily experience and aesthetic experience, life and arts, the self and the sense of the world as a whole. etc. In place of the traditional aesthetic that enjoins the appreciator to adopt a contemplative attitude, distancing the art object in order to ensure its removal from practical uses, Arnold Berleant explores its appearance in art and in aesthetic perception by centering on the notion of participatory engagement in the appreciation of art. Berleant argues that art, art-making and experiencing are interdependent process that interacts with the environment. He further explores the idea of experience the work of art as apposed to seeing the art, since one's perception is not isolated act of seeing, but rather synesthetic process that requires one's engagements and active interaction with the environment. Berleant considers the environment as the 'aesthetic field' where the notion of aesthetics is interwoven part of daily components: thus aesthetic experience is a constituent of everyday-living process and way to expand our awareness of the world. This study attempts to explain the performative aspects in contemporary art practice, based on Arnold Berleant's notion of the 'participatory engagement' and the 'environment' as 'aesthetic field'. 현대예술의 연행적 양상은 표현주체에 의해 선험적으로 정의된 예술개념의 실체에 의문을 제기하면서 발현되었다고 볼 수 있다. 근대미학 전통에서의 예술이 미적 주관과 미적 대상의 관계를 이분화하고 삶의 실제로부터 일정한 거리를 유지함으로써 예술의 독립성을 추구하였다면, 현대예술은 예술품 외부의 상황과 삶의 요소, 그리고 지각자의 관계를 통해서 그 의미를 구축하려고 한다. 이에 조형성은 사물 그 자체의 미적특질에 관한 것이 아니라, 사물의 관계가 어떤 식으로 구축되어 특정상황을 이루게 되는지, 그리고 이것이 어떤 방식으로 지각되며 경험되어지는 지에 관한 것이 된다. 즉 예술의 의미와 그 미적가치가 예술대상을 지각하는 방식과 경험의 과정으로써 설명되는 것이다. 환경미학자 벌리언트는 예술을 대상이 아닌 유기적 관계를 이루고 있는 상황으로 상정하였고, 예술경험은 이에 지각자가 능동적으로 ‘관여’하여 하나의 장(場)을 이루어가는 상호작용의 과정으로 보았다. 이에 예술은 ‘보는 것’에서 공감각적으로 ‘경험하는 것’으로서, 분리되었던 지각은 통합되고 미학의 범주는 환경에 개입하는 참여적 실천을 통해 일상의 영역으로 확장된다. 본 연구에서는 아놀드 벌리언트의 ‘참여적 관여’ 개념과, 미적경험이 발생하는 장(場)인 ‘환경’ 개념을 바탕으로 현대예술의 연행적 양상에 대해 논하고자 한다.

프로세스 아트의 조형 전략과 방법론적 특성

백영주 한국기초조형학회 2010 기초조형학연구 Vol.11 No.3

Process art examines the value of progression of art making, instead of art object itself as a result. This puts the creative journey of an author and his or her formative decision making process as central thematic concern. The notion of process postulates the problem of visualizing phenomena, which consists of flux, essentially the movement of time. Thus, the notion of time and presence is pivotal here, and subsequently the methodology devised for revealing and structuring the procession of their work. Artists involved in Process art consciously emphasize the function of their acts and following phenomena by descriptively writing out sequences of what they perceive and experience. Artists describe things as they appear and re-structuralize what they sense as it is, instead of represent reality through symbolization or emulation: this proclaims that the art is becoming, neither subjected to transcendental idea nor socioculturally pre-defined concept. Moreover, it is the subjective intention and following action that construct the concept of art. Thus artist’s cognition of body and its relation to time and spatial perception is critical. This study attempts to deduct the visual characteristics of Process art by probing its formative strategy and methodology in the context of phenomenology. 프로세스 아트는 작품이 만들어지는 과정을 주제화함으로써 작가의 의식으로부터 발현되고 전개되는 창의적 여정의 중요성을 강조한다. 조형예술에서 과정을 인식함은 유동적이고 살아있는 관계로 구성되는 시간성의 문제를 조형언어로 변환하는 문제를 상정하고 있다. 작가는 신체지각 활동을 통해 현재 진행 중인 상황을 기술(記述)함으로써, 행위의 기능과 그에 따른 현상을 강조하고 그 경과를 인식시킨다. 이에 따라 작품이 만들어지는 절차를 투명하게 드러내고 구조화하는 방법들이 실험되었으며, 시간성과 현존(現存)적 태도가 강조되는 조형언어가 강구되어 왔다. 이는 주체의 의식에 나타나는 것, 지각하는 것, 경험 그 자체로 자신들이 인식하는 현(現) 상황을 기술함으로써, 사회문화적으로 고착된 미(美)의 개념에 묶이지 않고 작가 스스로가 인식 주체이자 표현주체임을 표명하는 것이다. 본 연구에서는 현상세계에 대한 체험과 접촉을 회복하고자 주관적인 발전과정의 기술을 강조하였던 현상론을 배경으로 프로세스 아트의 조형적 특성과 방법론에 대해 논의하고자 한다.

근대적 시간성이 퍼포먼스 공간 형성에 끼친 영향

백영주 한국기초조형학회 2010 기초조형학연구 Vol.11 No.6

Although reality consists of flux, essentially the movement of time, new media enable us to structure it into something tangible. Our memory, dream, unconsciousness and innermost thoughts are captured, recorded and reconfigured by mechanical devices. Technological innovations in theater brought forth fervent emphasis on phenomenological experience of theater. Image projector, sound and light equipments externalize ungraspable realm, however, what we experience is neither an actual property of a real thing nor embodied energy but an effect; we perceive and interact with mechanically reproduced sense-data. We manipulate and synthesize them to conceptualize the reality. The effects themselves do not delineate the fleeting nature of time but acts of engineering them do. Modernists performed machines or performed as machinesin order to articulate the flux and construct imageries. They displayed ferocious interests in analyzing how people moved rather than what moved people. Their audiovisual signs didactically exhibited the effects rather than generated contextual meanings. Here, spatial operation is predominant mode of executing artistic vision and it systemically facilitates planning and control of the formative process in theater making. Content and formare treated as subordinative concepts rather than interdependent whole. Theater space was compartmentalized into mechanical parts tofabricate maximum effects and what people witnessed were methodological explorations of the form. It effaced the specificity of one’s history and mechanized human emotion. 퍼포먼스(performance)는 그 자체로 어떠한 상황이며, 한시적이고 과정적인 매체이다. 이는 신체의 경험을 전제로 하고 있으며, 공간적으로 구성되는 동시에 시간적으로 발전하는 특이성을 가지고 있다. 경험의 체현물로서, 퍼포먼스 공간의 구성 방식과 조형적 양상은 사회문화적 시공간 개념의 변화에 직접적인 영향을 받으며 발전해 왔다. 기술매체와 결합한 근대적 시간경험은 산업화 과정을 거치며, 균질적이고도 합목적적인 방식으로 형식화 되어왔다. 기술매체가 매개하는 선분적인 시간개념을 바탕으로, 근대적 퍼포먼스 공간은 공간적 조율을 통해 신체 고유의 경험을 표준화하는 기계적 분화의 논리를 따르고 있다. 감정에 다다르는 길이 모방체(體)를 매개로 한 감정이입이나 심리적 동화가 아닌, 표현 주체의 신체적 운동을 통해 발현한다는 생체 역학적 인식을 바탕으로, 극공간은 운동 메커니즘을 극적으로 조직해내는 키네틱(kinetic) 공간으로 변모하게 되었다. 모방과 재현의 미학전통에서 이탈을 원했던 모더니스트들은, 매체의 형식적 효과, 즉 기계화된 감각의 이성적 경험을 바탕으로 라이브 퍼포먼스의 정체성을 수립하고자 하였다.

저가커피전문점 선택속성이 고객만족에 미치는 영향

백영주,양위주 동북아관광학회 2017 동북아관광연구 Vol.13 No.4

본 연구는 최근 급부상하고 있는 저가커피전문점(Low-cost Coffee Shops: LCS)의 선택속성을 도출하여 커피이용객의 고객만족과의 영향관계를 분석하여 저가커피시장의 수요를 정확히 분석하는 데 기여하고자 한다. 본 연구의 목적을 달성하기 위해 저가커피전문점을 방문한 경험이 있는 커피소비자를 대상으로 설문조사를 실시하였다. 연구결과, 저가커피전문점 선택속성 중 상품성, 편리성, 청결성, 신뢰성으로 고객만족에 정(+) 영향을 미치는 것으로 나타났다. 본 연구결과에 의하면 저가커피전문점의 경우, 커피구매자의 만족도의 제고에 가장 큰 영향을 미치는 것으로 편리성과 청결성으로 나타났다. 4개의 구성요인 중 가장 낮게 나타났지만 유의미한 결과를 나타내는 커피 자체의 상품성과 관련된 맛, 품질, 가격, 양, 온도 등이 유의미하게 나타나 저가커피전문점 이용객들도 커피자체가 저가이지만 가격, 맛, 품질, 양 등을 중요한 요소로 인식하고 있음을 알 수 있다. The purpose of this study is to investigate the effect of low-cost coffee shop selection attributes on customer satisfaction for low-cost coffee shop customers. In order to verify the research hypothesis, we set up a research model and research hypothesis that can study the effect of low-cost coffee shop selection attributes on customer satisfaction based on previous studies and theoretical studies. According to the results of the study, the convenience and cleanliness were the most influential factors in improving the satisfaction of coffee buyers in low price coffee shops. Unlike the large franchise coffee shop, which regards the merchantability of the coffee itself, convenience at the low-cost coffee shop is very important, reflecting the accessibility of the coffee shop and its location and operating hours. In addition, hygiene and cleanliness inside the coffee shop and open kitchen were the next important factors. The taste, quality, price, quantity and temperature related to the commodity of the coffee itself, which showed the lowest result among the four components, quantity as important factors showed meaningful results.

우크라이나 사태와 미중관계: 중국의 전략적 판단을 중심으로

백영주,김지운 부산대학교 중국연구소 2022 Journal of China Studies Vol.25 No.3

Under the Biden Administration, new Cold War discourses equal to ‘China bashing’ and strategic containment of China by the U.S. have intensified. Accordingly, China’s offensive rhetoric against the U.S. and the formation of its own camps confronting the country has been also fierce and active. In the middle of the escalating rivalry between the U.S. and China came the invasion of Ukraine by Russia, a key strategic partner of China vis-à-vis the U.S. Against this backdrop, it is easy to assume that China would be hardly hesitant to support Russia and consequently the bilateral relationship between the U.S. and China will sour greatly. However, this article argues that China will be quite cautious in helping Russia and its wartime policy toward the country and the U.S. will be also conservative in general. In strategic terms, though it is true that the last thing China wants is a Russian decline due to the war or ultimate failure of the war, it has to consider strategic losses, i.e., the backlash from each of the U.S. and Europe and the mutual consolidation of the two induced by its assistance of Russia. Economically, China’s dependence on the U.S. in trade is far bigger than its reliance on Russia. Notably, it still needs U.S. soybean and wheat for its ‘food security’ when it wants Russian fossil fuels including oil, natural gas, and coal. On top of that, it is not yet independent of U.S. advanced technological design, parts, and equipment. Politically, judging by surveys, it could be argued that the Chinese people are strongly pro-Russian at this moment and the leadership will heed and reflect their voices for its own legitimacy and power retention. However, the people’s policy preference for Russia is not so much moral support or weapon provision as negotiation to end the conflict. Overall, considering the above, the Ukraine crisis will not prompt China’s sharp change of its diplomatic course for Russia and thus for the U.S. either; in this sense, the contention that the crisis will accelerate a new Cold War or consolidation of the blocs supporting the U.S. or China lacks grounds.

진상(眞相)으로서 스펙터클 연극, 로메오 카스텔루치의 <내생(內生)하는 비극> -<#04. 브뤼셀>을 중심으로

백영주 한국연극학회 2023 한국연극학 Vol.1 No.85

불안한 서구 연극사에서 부차시되던 ‘스펙터클’을 전두 배치하는 실험은 ‘-post/탈(脫)-’ 현상의 반-권위․반-정통적 성향을 강화해왔다. 소비상업주의 문화와 영상 기술 매체가 전후(戰後) 일상을 잠식하면서, 기 드보르가 역설했던 ‘스펙터클의 사회’는 구조적으로 공고해졌고, 이미지의 전시성(展示性) 문제는 연극 비평의 주소재가 되어왔다. 반-재현․반-환영주의를 표방하며 재현체제에 저항해온 ‘이미지 연극’은 그 자체로 퍼포먼스인 동시에 피상적(皮相的)으로 대상화된다는 구조적 모순을 안고 있다. 이탈리아의 연출가/디자이너 로메오 카스텔루치는 관중과 무대 스펙터클과의 관계 역학을 ‘위압과 폭력’으로 상정한다. 이러한 폭압성은 ‘극장’이란 물리적 배치도에 이미 내재된 것으로, 지배욕이 추동하는 주종․주객 관계의 ‘익명성’과 이에 비롯되는 ‘비극’이 스펙터클의 본질로 간주된다. 억눌려있던 원초적 본성이 분출하며 터지는 폭력적 사건은 회피의 방어기제로 작동되는 ‘스펙터클 사회’의 구조 역학적 현상이다. 카스텔루치는 현대의 비극이 인간 중심적 이성에 의해 ‘신이 죽고’, 말 못 하는 ‘동물이 무대에서 사라질 때’ 태동한다고 보고, 극장을 ‘전(前)-비극적(pre-tragic)’ 존재성을 복권하는 곳으로 상정한다. 그리스 비극을 구조 모델로 한 11개의 에피소드 순환극 <내생하는 비극(Tragedia Endogonidia)>에서, 스펙터클의 문제는 ‘보고 - 보여주는’ 존재 입증의 굴레 속에서 고통 받는 ‘몸’과 직결되어 있다. 이러한 맥락에서 극장 연극은 ‘현실의 고통을 각인하는 현장(site)이자 광경(sight)’으로서 ‘스펙터클의 현실’을 보여준다. 시스템적으로 종식되지 않는 비극사 속에서 스펙터클로 대상화되는 몸은 역설적이게도 전-비극적인 전-언어적 차원을 정동적(情動的) 경험으로 치환해낸다. 말할 수 없이 고통스러운 현실은 윤리의식의 서사가 아닌 통각(痛覺)을 느끼는 몸을 통해 통찰되는 것이다. Italian theater director/designer Romeo Castellucci posits the dynamics of the audience and the stage spectacle as one of domination and violence. This inherent violence is already embedded in the physical arrangement of the theater, and the anonymity of the dominant - subjugated relationship and the ensuing tragic nature are considered the essence of the spectacle. The eruption of violence, suppressed primitive instincts, is a structural phenomenon of the 'society of the spectacle.' Castellucci believes that modern tragedy emerges when 'God dies' and 'the animal vanishes from the stage.' He asserts that the theater should be a place that restores 'pre-tragic' existence. In this context, the dramatic theater is posited as 'the reality of the spectacle,' 'a site for the registering of suffering,’ and ‘a sight of the offence,’ opposing the 'social spectacle' generated by the defense mechanisms of self-denial. In the episodic drama Tragedia Endogonidia, modeled on Greek tragedy, the issue of the spectacle is directly related to the body suffering within the constraints of 'seeing - being seen' of self-acceptance. Structurally, Tragedia Enogonidia signifies a process of realizing the existence of an inexorable reality that cannot be judged by common sense. It emphasizes the corporeality of a pre-linguistic, emotional experience; the truth of reality is revealed not through the narrative of ethics but through the affected sensation of spectacles. This paper endeavors to explore the functionality and intentionality of the Castellucci’s spectacle by analyzing the formal aspects and methodology apparent in key scenes. The primary focus lies in capturing the portrayal of tragedy as a theatrical form and seeking to understand the efficacy of Castellucci's ‘spectacle theater’.