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플랑드르 회화의 언어적 비유와 알레고리적 해석에 관한 비평
김허경 ( Kim Heo Kyung ) 한국기초조형학회 2016 기초조형학연구 Vol.17 No.6
본 논문은 언어적 비유를 통해 플랑드르 회화의 정점을 이루어낸 히에로니무스 보쉬와 피터 브뢰겔의 작품에 나타난 알레고리의 본질적인 의미와 해석에 관한 비평적 시각을 고찰하였다. 보쉬와 브뢰겔은 네덜란드의 견고한 전통을 기반으로 중세가 막을 내리고 새로운 종교개혁의 여명이 교차하는 정치적, 종교적, 사회적 변화 속에서 종교적 비유와 도덕적 풍자에 관한 알레고리를 화풍에 구축하였다. 따라서 이들이 시대적 관습과 종교적 주제, 선과 악의 이중구조에 따른 알레고리적 표현방식들을 작품 속에 어떻게 구현하였는지 시와 속담, 성서적 알레고리를 근거로 구체적으로 분석하고자 한다. 이에 15, 16세기 플랑드르 회화가 형성(발전하게 된 시대적 배경을 통해 미술의 사회적 특수성을 살펴보고 시대적 흐름에 따른 알레고리의 언어개념을 알아본다. 특히 20세기 초반 발터 벤야민이 현대적 의미로 재평가한 언어적 본질에 기초한 알레고리 이론에 주목하였다. 보쉬와 브뢰겔은 종교와 역사의 엄중한 교훈을 토대로 독창적인 비유적 어법과 비판적 시각으로 인간의 본성을 탐구함으로서 이들이 속한 당대 현실의 개혁정신을 일깨웠다. 보쉬와 브뢰겔이 이끌어낸 공통적인 주제와 내용, 알레고리적 특성들은 플랑드르 문화와 미술의 특수성에서 발견할 수 있는 상징적인 요소이자 그들의 예술론을 판단하는 진정한 기준인 것이다. 이는 시대와 역사를 관통하여 현대미술을 통찰하고 해석할 수 있는 매개의 역할 즉 방법론적인 틀을 제공할 수 있기에 매우 시사적이다. This thesis explores the meaning of allegory in Hieronymus Bosch and Pieter Bruegel`s work. Bosch and Bruegel established a style of religious symbols and moral satire amidst the sociopolitical and religious changes. I aim to analyze how allegoric expressions were embodied within religious themes and the good and evil through poem, saying and biblical allegories. It looks into the social distinctiveness, linguistic concept of allegory of each time and allegory theory that Benjamin reinterpreted in the early 20c. They awakened revolutionary spirit exploring human nature through metaphoric language and critical perspective based on religious and historical lessons. The subject, contents and allegoric features that both of them had are symbolic elements of Flemish culture as well as the standard that defines their art. It is suggestive as a method that gives insight to contemporary art over time.
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천경자 회화에 나타난 상징의 내적표상 연구 ― ‘광주시기(1944-1954)’를 중심으로 ―
김허경 ( Kim Heo-kyung ) 전남대학교 호남학연구원 2017 호남학 Vol.0 No.62
광주·전남화단은 해방의 시기를 전후하여 일본 유학을 떠난 세대들이 광주와 목포에 정착하면서 회화의 표현방법에 있어 시대적 전환기를 맞게 된다. 이러한 변화의 흐름은 서양화뿐만 아니라 전통적으로 문기(文氣)와 시적 감흥을 중시하던 동양화에서도 포착된다. 천경자는 호남 남화의 회화적 형식과 보수성이 강한 전통 수묵화법이 대세를 이루고 있던 때에 현대 채색화의 새로운 가능성을 모색하였다. 본 논문은 천경자의 예술에서 근대적 과도기의 전통 속에 독자적 화법을 탐구하였던 ‘광주시기(1944~1954)’의 작품을 주목하였다. 연구의 범위인 ‘광주시기’는 해방전후와 한국전쟁의 격동기를 거치면서 작가의 직접적인 경험이 반영된 자전적인 이야기를 함축하고 있으며 이는 훗날 천경자 예술세계의 원천이자 근원적 배경이 되었기 때문이다. 이 시기에 나타난 상징적 이미지들은 작가 개인의 삶과 내적 경험을 투영한 매개체로서 독자적인 조형성을 보인다. 천경자의 작품에 반영된 내적 경험의 형상들을 분석하기 위해 작품 제작의 토대가 된 광주에서의 활동을 근거로 해방전후, 1950년대 화단의 상황과 작가의 예술형성과정을 고찰하였다. 또한 무의식의 자기원형과 상징의 의미를 알아보고 죽음에 관한 내적인 경험과 자기성찰의 과정에서 표출된 초기의 작품들을 살펴보았다. 천경자는 전통적인 동양화의 패러다임으로부터 탈피하고자 실험적인 표현을 시도했으며 이는 자전적인 요소를 반영한 소재들로 상징화되었다. 천경자는 내면의 감정을 극복하고자 무의식에 내재된 자기원형을 기반으로 내적 표상을 표출함으로써 독창적인 화풍을 구현하였다. 광주에서의 활동을 근거로 천경자 예술의 근원을 고찰한 것은 작가의 정신과 작품에 내재된 특성을 규명하기 위한 방법론으로 예술작품이 상징화된 내적표상의 이미지로서 자기치유의 원동력이 되었음을 확인케 한다. As those returning from Japan after studying started to settle down in Gwangju and Mokpo around Korea’s independence in 1945, the art scene of Jeollanamdo and Gwangju entered a turning point, especially in terms of the modes of expression. Such changes could be found not only in Western paintings but also in Oriental paintings that traditionally emphasized the spirit of writings and poetic inspiration. While dominant were ink wash painting techniques that pursued the form and conservatism of Honam namhwa painting, Chun Kyung-ja explored the potential of modern color paintings. This thesis focuses on the works from Chun’s ‘Gwangju period(1944~1954)’ during which she demonstrated her distinct painting techniques as a female artist in the midst of the modern transition. This ‘Gwangju period’ that the thesis examines connotes the autobiographical narrative consisting the artist’s torment of destiny as well as her direct experience throughout Korea’s independence and the Korean War. Most of all, it underpins Chun’s oeuvres both as the root and backdrop. Thus the symbolic images that appear in this period are media with unique formativeness reflecting the personal life and internal experiences of the artist. How can we interpret the implications of the symbols and images of internal representation? The thesis investigates the art scene and formation of Chun’s works focusing on the 1950s during her practice in Gwangju and studies the symbolic features to analyze the representation of Chun’s internal experiences presented in her works. Also, it looks into the works that show symbols of internal experiences and self-reflection about the unconscious self archetype, namely death. Chun experimented expressions to break out from the traditional paradigm of Oriental painting, which were symbolized in themes that reflect autobiographical components. Chun can be categorized as a symbolism artist as she produced her own artistic language based on her autobiographical stories to overcome her inner emotions. Exploring the fundamental basis of Chun’s art based on her practice in Gwangju helped define the intrinsic features of the artist’s mind and works and upholds the role of art work as a symbol system and motive of self-treatment.
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한국 현대미술로 보는 ``실제적`` 여성주의의 시각연구
김허경 ( Kim Heo Kyung ),정금희 ( Jung Kum Hee ) 한국기초조형학회 2016 기초조형학연구 Vol.17 No.4
2000년대에 이르러 페미니즘 미술가로 인식되었던 저명한 여성미술가들이 스스로 페미니스트이기를 부인하기 시작했다는 점에서 한국미술계에서 여성미술과 여성주의의 정체성이 어떻게 형성, 전개되어 왔는지에 대해 주목하게 한다. 한국 페미니즘 미술을 모색하던 1960년대 후반부터 페미니즘 인식에 대한 작가와 평론가의 견해 차이가 나타나기 시작되었으며 이러한 간극은 여성미술, 여성주의, 여성성, 페미니즘의 용어로 혼용되면서 더욱 심화되었다. 이 논문은 한국의 여성미술가들이 페미니즘 정체성과 거리를 두는 이유와 작가의 사회적 존재 방식이 어떠한 상관관계를 갖고 있는지에 관한 문제제기에서 출발하여 미술계 내에서 여성주의 미술의 본질과 그 경계에 대한 담론이 어떻게 형성되어 왔는지 고찰한다. 이에 어빙 고프만(E. Goffman)의 정체성론을 통해 자아가 사회 환경과 맺는 역동적인 관계성, 즉 ‘역할거리’(role distance)를 이론적으로 이해하고 1980년대와 1990년대를 중심으로 ‘역할거리’에 따른 여성주의 미술에 나타난 정체성간의 변화방식과 전개과정을 살펴본다. 또한 작가가 스스로 규정하는 여성미술, 여성주의는 무엇인지에 대한 분석을 위해 국·내외에서 활동하고 있는 이불(1964~ ), 김수자(1957~ )의 작품을 토대로 여성주의의 정체성이 어떻게 분화하고 있는지 확인한다. 이들은 사회적·정치적·문화적차이를 뛰어넘어 자아와 타자에 대한 소통, 관계에 대한 매개의 역할을 수행하면서 새로운 정체성에 대한 탐구를 시도하고 있다. 한국 현대미술의 흐름 속에서 ‘실제적’ 여성주의의 시각을 연구하는 것은 오늘날 국제전시가 표방하는 여성주의와 개별 작가들의 정체성 문제에서 발생하는 충돌을 완화하고 그 간극의 이해를 통해 한국 여성미술가들이 나아가야 할 방향성을 찾기 위함이다. When female artists recognized as feminism artists in Korean art scene started to deny to be feminists in the 2000s, the formation and development of Korean female art and feminism draw attention. The thesis explores the essence and development of feminism art and discourse of its border, questioning the correlation between Korean female artists distancing themselves from feministic identity and their mode of existence. Based on E. Goffman``s ``role distance``, it examines the changes in the identity of feminism art in 1980-1990s. Through Lee Bul and Kim Sooja who mediate communication and relationship between the self and the other and explore new identity, it looks into how they are defined and divided by artists. Studying ``real`` feministic approach in Korean contemporary art is to relieve the conflict between feminism claimed by international exhibitions and each artist``s identity and to search the future direction of Korean female artists by understanding the gap.
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