김대성 작곡 12현 가야금 독주곡 <빛춤> 분석 연구

김바니 이화여자대학교 대학원 2013 국내석사

Creative forms of Korean traditional music have been written since 1960s, especially with Gayageum. As a performer of Gayageum, I think studying and analyzing the music performed by traditional Gayageum will help to discover the genuine sound of Korea. This paper analyzes <Bitchum: Light Dance>, which is one of the fusion pieces for solo 12 stringed-Gayageum. This piece is written by Kim Dae-sung who composes music with creative techniques based on Traditions. For analyzing <Bitchum: Light Dance>, this paper shows the composer’s values in music and the world of his works. Moreover, it also shows the explanation, structure and tuning of this piece by overviewing it. Then it treats the progress of melody and the technique of this music. <Bitchum: Light Dance> is appointed to Gayageum performer Jung Gil-sun. It is the fusion piece of Gukak that is performed with 12 stringed-Gayageum and percussions. This music is based on harmonic series, and it shows the sense of light with the change of series applied to 12 strings. It expresses dreamlike and drowsy image of light with the harmony of percussion, Jing(징). And the dynamic, active motion of light is musically expressed with the rhythm of ‘Gilgunak Chilchae(길군악 칠채)’ of percussion, Janggu(장구). This piece is composed with A-B-A'structure, sonata form and 286 of bars. Part A should be performed with the dreamlike and drowsy image of light. It is divided into part A and B, which has the speed of ♩=50 and ♩=56 respectively. The rhythm is irregularly progressed with 6/4 · 5/4 · 4/4 · 3/4 · 2/4. Part B is started with Intro, which is performed ‘slowly and relaxed’ . It is divided into the parts of C-D-E-F-G, which is performed ‘excitingly and delightfully’ . The speed for Intro is ♪=56, and the rhythm is 5/8 · 10/8. After it changes to ♩=170 in speed and 5/8 · 6/8 · 10/8 in rhythm, it performs with the rhythmic pattern of ‘Gilgunak Chilchae’ of Janggu. Part A' has similar melody with part A and it composed of part A'. Its speed and rhythm is same with the part A of A and the music finishes, recreating the dreamy atmosphere. The melodies’ progress and technique of <Bitchum: Light Dance> is as in the following. First, the melody of Gayageum in part A is progressing with percussion, Jing tuned the note ‘b♭’. The drowsy image of light is described by many chords like dissonance, augmented 4th · augmented 5th · diminished 3rd · diminished 4th and with other chords. Also, upward ornament reminding overtone is used to express it. The rhythm changes in every bars, progress of rhythm which is connected with the triplet and tie make mysterious feeling. The composer intends to apply harmonic overtone to melody by using dominant 7thchords from overtone and a chord including the note ‘f#’, which is not in the tuning of this piece. He also describes the image of swaying light by expanding the interval in melodies’ progress and using the sextuplet rhythm repeatedly. Second, the melody of Gayageum in part B is performing with the rhythm of ‘Gilgunak Chilchae’ of Janggu. The melody is played with marked mode and segmentalized rhythm in part. There is a modulation giving variety in melody, and it uses rhythm and mode which are different from the melody of traditional Gayageum in the rhythm of Chilchae. Especially, marked mode employs one sound out of organizing sounds of the mode as variable sound. This part expresses shivering movement of light using trembling interval, which enable us to feel the image of dynamic light. Third, the melody in part A' is similar with part A but frequency of triplet rhythm and the rhythm continued by ties are decreased. Also, the repeated sextuplet rhythm which shows the shivering image of light is disappeared. This finishes the music reminding the silent image of light while reperforming the melody in part A. Finally, the technique used in the piece is explained by being divided into traditional Sanjo(Folk) Gayageum and modern one. The technique which is not marked in score is explained by my performing experience. Various techniques are used in the piece. The total number of technique is 35, using 20 of traditional one and 15 of modern one. In the <Bitchum: Light Dance>, the visual elements of various images of light are expressed in music. This piece shows mysterious feeling by adding harmonic overtone which is musical elements in Western music and the traditional Korean melody of 12 stringed-Gayageum. It overcomes the limitation of 12 stringed-Gayageum through applying the variety of performing skills of left hand to 12 sounds in Gayageum. In the process of the melodies, this piece fully expresses Korean traditional feeling with the rhythm of ‘Gilgunak Chilchae’ and it can be said to be a unique music. 창작 국악은 1960년대 이후부터 수많은 곡이 작곡되었으며 그 중에서 가야금 창작곡이 가장 많이 작곡되었다. 이 중에서 전통 가야금으로 연주되는 곡을 탐구하고 분석하는 것은 가야금 연주자로서 우리의 진정한 소리와 음색을 표명함에 많은 도움이 된다고 생각한다. 본 연구는 전통에 바탕을 두고 현대적인 작곡기법을 접목시키는 작곡가 김대성의 가야금 창작곡 중 12현 가야금 독주곡 <빛춤>을 분석한 연구이다. 이 곡을 분석하기 위해 작곡자의 음악관과 가야금 작품 세계를 알아보았고 <빛춤>의 작품 개관을 통해 작품 해설, 악곡 구조와 조현법을 살펴보았다. 그리고 <빛춤>의 선율 진행을 분석하였고, 연주법을 논하였다. <빛춤>은 가야금 연주자 정길선의 위촉곡으로 12현 가야금과 타악기로 연주하는 곡이다. 자연배음을 기초로 한 조현법으로 12현에 적용된 배음열의 변화를 빛의 느낌으로 설정하였다. 빛의 몽환적이고 나른한 영상을 가야금 선율과 타악기 징의 조화로 표현하였으며 역동적이고 활기에 넘친 빛의 움직임을 장구의 ‘길군악 칠채 장단’과 함께 음악적으로 표현한 창작곡이다. 전체는 단악장으로 A-B-A'구조인 소나타 형식이고, 총 286마디이다. A는 ‘몽환적으로 나른한 빛의 영상을 상상하며’ 연주하고, A부분과 B부분으로 나뉜다. 각 부분의 빠르기는 ♩=50과 ♩=56이며 박자는 6/4 · 5/4 · 4/4 · 3/4 · 2/4로 불규칙하게 진행한다. B는 ‘느리고 넉넉하게’ 연주하는 Intro를 시작으로 ‘재미있고 흥겹게’ 연주하는 C-D-E-F-G부분으로 나뉜다. Intro의 빠르기는 ♪=56이고, 박자는 5/8 · 10/8이다. 그 이후의 빠르기는 ♩=170이고, 박자는 5/8 · 6/8 · 10/8으로 장구의 ‘길군악 칠채 장단’에 맞춰 연주한다. A'는 A의 선율과 유사하게 진행하며 A'부분으로 이루어져 있다. 빠르기와 박자는 A의 A부분과 동일하고, 몽환적인 분위기를 다시 재현하여 곡이 마무리된다. <빛춤>의 선율 진행과 연주법에 대해 정리하면 다음과 같다. 첫째, A의 가야금 선율은 ‘b♭’음으로 조율된 타악기 징과 함께 진행한다. 배음을 연상하여 상행하는 꾸밈음과 불협화음인 증4도 · 증5도 · 감3도 · 감4도 화음을 비롯한 다양한 화음이 출현하며 몽환적인 분위기 속에서 빛의 나른한 모습을 표현한다. 마디마다 변화되는 박자, 셋잇단 리듬과 붙임줄로 이어진 리듬의 진행은 더욱 신비로운 느낌을 주며 배음에서 나온 딸림7화음과 조현법에 없는 ‘f#’음이 포함된 화음의 출현은 자연배음을 선율에 의도적으로 적용시킨다. 그리고 선율 진행에서 음정 간격이 확대되는 부분과 육잇단 리듬의 반복 사용은 빛의 흔들리는 모습을 표현한다. 둘째, B의 가야금 선율은 장구의 ‘길군악 칠채 장단’과 함께 진행하면서 부분별로 특징적인 선법이 적용되며, 리듬을 세분화하여 진행한다. 또한 전조를 시켜 선율에 다양한 변화를 주며 칠채 장단 속에서 전통적인 가야금의 리듬과 선법을 거부하여 진행한다. 특히 특징적인 선법을 적용한 부분은 선법의 구성음 중 한 음을 가변음으로 설정하고, 음정의 흔들림으로 빛의 흔들림을 표현하여 역동적인 빛의 모습을 느낄 수 있다. 셋째, A'의 선율 진행은 A와 유사하지만 셋잇단 리듬과 붙임줄로 이어진 리듬의 출현 빈도가 줄어든다. 또한 빛의 흔들리는 모습을 표현한 육잇단 리듬의 반복이 없어진다는 점에서 A의 선율을 재현하지만 고요한 빛의 모습을 상기시키며 마무리한다. 넷째, 악곡에서 사용된 연주법은 산조 가야금의 주법을 수용한 전통주법과 그렇지 않은 창작주법으로 구분하여 해당 주법을 자세히 서술하며 악보에 표기되지 않은 주법은 필자가 연주를 해 본 결과로 언급한다. 악곡에 사용된 연주법은 전통주법인 20가지 연주법과 창작주법인 15가지 연주법으로 총 35가지의 다양한 연주법이 사용된다. 이상 작곡자 김대성의 12현 가야금 독주곡 <빛춤>은 빛의 다양한 모습을 선율에 적용시켜 시각적인 요소를 음악화한 곡이다. 자연배음이라는 서양 음악적인 요소를 12현 가야금에 더해 전통적인 음색 위에 신비로운 느낌을 잘 표현한 곡이다. 그리고 왼손 주법의 다양성을 12음에 접목시켜 많은 음을 연주한 것은 12현 가야금의 한계를 극복한 것으로 볼 수 있고, 곡의 전개 과정에서 ‘길군악 칠채 장단’의 삽입은 전통적인 느낌을 충분히 표현한 독창적인 곡이라 할 수 있다.

김대성 가야금작품 연구

김바니 이화여자대학교 2020 국내박사

This research is on composer Kim Dae-sung(김대성; 金大成 1967~)’s works for gayageum and his composing style for the instrument. An active composer of the Korean traditional music, a total of 31 works for the gayageum written by Kim were looked into, and grouped depending on their characteristics. Based on a comprehensive review of the works, 7 pieces(<Ddul-nhuk gah-nun Khum(2010)> for 12-stringed gayageum·<Maheum Maheul(2016)> for 25-stringed gayageum and percussion·<Yeowul(2004)> written for 12-stringed gayageum quartet·<Sahm-mae(2018)> written for gayageum quartet and percussion·<Ha-na eui Kum(2013)> for 18-stringed gayageum and orchestra·<Hoho good(2017)> for four 25-stringed gayageums)were researched and analyzed; the musical characteristics were studied, showing that various subject matters were utilized in the gayageum repertoire in focus. Based on researching and analyzing the musical style of Kim Dae-sung’s Gayageum compositions through how it has been utilized via compositional and performance techniques, the results are following: First, the utilization of subject matters brought a strong traditional musical melody but such program music elements and motives changed depending on its use as a way to express aesthetic consciousness of traditional musical style or as a musical theme intended by the composer. The 5 program music elements — traditional music, aesthetic, reflection of period, nature, and religion — were mostly used as the theme melody in Kim’s compositions. Second, the utilization of mode brought traditional modes such as menaritori, sooshimgatori, yookjabaegitori, pyeongjoseonbeop, gehmyeonjoseonbeop together with Western modes such as atonal mode and church mode. The 12-string gayageum’s progression of melody was utilized with musical scale — especially with atonal mode emphasized; Kim’s such work with mode covers both traditional tone and Western musical elements. Third, the utilization of rhythm altered shamanic music of the Korean east coast — chungbo, baegijang, sajaphuli — and applied them to the rhythm of the gayageum. One of the main rhythmic characteristics of Kim Dae-sung’s works for the Gayageum is the use of polyrhythm. The use of polyrhythm by the gayageum and percussion or between two gayageums created a whole different sound — even creating the gamelan acoustic effect. Fourth, the utilization of performance technique extended traditional performance techniques from 15 to 24, and non-traditional techniques from 5 to 14. The mixed techniques increased from 5 to 14. The usage of traditional techniques in Kim’s entire Gayageum repertoire — for traditional and updated gayageums — was the highest. The hard-pressing technique, which is used for reverberation, was widely used and especially when it was ascending or descending to and from the model tone. Also the ascending and descending reverberation went two, three, four, and five tones both ways. The wide use of traditional performance techniques led to creating musical effects with ornaments when similar melody progressed. Non-traditional techniques included one-handed techniques like harmonics, arpeggio, tremolo, and glissando; two-handed techniques included harmonics and tremolo. Such techniques like beating the instrument were used in chamber or concerto settings — creating an ambiguous tone while another melody was being performed — which then resulted in one natural acoustic effect. The mixed technique combines the two techniques above, which demonstrates traditional and Western musical elements; of the elements, a string-pressing technique with bow scratching the strings, extends the performance techniques of the gayageum with special tool in-use. Furthermore, the string-pressing technique articulated tones that were out of the standard range of tones for the gayageum; this technique allowed for overcoming the fixed-range of the gayageum through use of harmonics and arpeggios. To summarize, the musical characteristics of composer Kim Dae-sung’s works for the gayageum and his current composing style for the instrument are studied in this research. Kim is a tireless advocate for researching the gayageum repertoire. Through his intensive on-site research to really understand various traditional melodies such as folk, shamanic, and pansori, Kim Dae-sung altered the music to make it his own style; this style was then applied to his compositional writing for the gayageum. Some of the key characteristics of Kim’s writing for the gayageum are: one-movement structure, variety of subject matter, tonal variability of mode, and polyrhythm. Traditional performance technique is frequently found in Kim’s music for the gayageum — diversifying how reverberation is expressed in playing. Through Kim Dae-sung’s musical vision and his world as a composer, his research on the gayageum repertoire would be believed to be an important study on the value of the gayageum music. Not to mention it offers a chance to learn about gayageum music at the status quo. It is hoped that more research on other composers would come after this study on Kim Dae-sung’s music, and that Kim’s active composing would continue on. 본고는 작곡가 김대성(金大成 1967~)의 가야금작품 연구를 통해 김대성 가야금작품의 음악적 특징을 고찰하여 그의 작품 경향을 파악하고자 하는 논문이다. 총 31곡의 김대성 가야금작품을 독주곡·중주곡·협주곡 별로 분류하고 작곡자의 작품성향을 파악할 수 있는 작품 선정을 위해 작품 성격을 나타내는 요소의 빈도수·앞서 선정되지 않은 작품·악곡에 편성된 가야금의 종류를 고려하여 총 7곡의 작품을 선정하였다. 선정된 작품은 12현가야금 독주곡 <들녘 가는 꿈(2010)>·25현가야금과 장구를 위한 <마음마을(2016)>·25현가야금과 타악을 위한 <구름 낀 달밤의 바다(2018)>·12현가야금 4중주곡 <여울(2004)>·가야금 4중주와 타악을 위한 <삼매(2018)>·18현가야금과 서양관현악을 위한 <하나의 꿈(2013)>·25현 4대를 위한 가야금 협주곡 <호호굿(2017)>이며 작품에 활용된 소재와 표현방식을 중심으로 분석하여 음악적 특징을 고찰하였으며 그 결과는 다음과 같다. 첫째, 소재의 활용 양상으로는 모든 작품들에서 전통음악적 소재가 강하게 출현하나 표제적 요소 및 동기는 전통음악적 미(美)의식을 표현하는 하나의 음악적 재료로 사용되는지 작곡자가 지향하는 음악의 주제로 표현 되는지에 따라 작품의 주된 성격은 달라졌다. 작품에 반영된 전통음악·심미·자연·종교·시대반영의 소재는 악곡의 표현방식으로 활용되었다. 김대성 가야금작품에서 소재 활용 양상의 특징은 복합적 소재의 활용으로, 작품마다 하나의 소재가 아닌 여러 소재가 혼합되어 나타났다는 점이다. 둘째, 선법의 활용 양상으로는 전통음악의 선법인 메나리토리·수심가토리·육자배기토리·평조선법·계면조선법과 서양음악의 선법인 무조선법·교회선법(Lydian mode·Aeolian mode·Dorian mode)이 악곡별로 활용되었다. 특히 무조음악의 특징을 살려 12음계를 활용한 12현가야금의 선율진행은 전통적인 음색과 서양음악적 요소가 함께 나타났다. 김대성 가야금작품에서 선법 활용 양상의 특징은 선법의 가변음 활용으로, 선법의 구성음에서 반음을 추가하여 가변음으로 나타났다는 점이다. 셋째, 리듬의 활용 양상으로는 동해안 무악장단인 청보장단·배기장장단·사자풀이장단을 변형하여 가야금 리듬에 접목시켰고, 풍물장단인 호호굿장단·영산다드래기장단을 가야금 리듬에 접목시켰다. 김대성 가야금작품에서 리듬 활용 양상의 특징은 폴리리듬의 활용으로, 가야금과 타악기의 폴리리듬 또는 중주가야금의 폴리리듬을 제시하여 하나의 새로운 선율형태로 나타나며 이는 가믈란 음향 효과로 이어지기도 했다. 넷째, 연주법의 활용 양상으로 전통주법(전통가야금으로 전통악곡을 연주시 사용되는 주법)·비전통주법(작곡가의 창작된 악보에 표기되어 있는 주법)·혼합주법(전통주법과 비전통주법이 함께 사용된 주법)이 활용되었다. 전통주법은 최소 15가지에서 최대 24가지가 활용되었으며 비전통주법은 최소 5가지에서 최대 14가지가 활용되었고 혼합주법은 최소 2가지에서 최대 9가지가 활용되었다. 전통가야금과 개량가야금 편성의 모든 작품에서 전통주법의 활용도가 가장 높았고, 특히 여음을 표현하기 위한 누르기주법의 활용도가 다양했다. 여음 표현의 주법은 제시음으로 여음 상행 및 하행하기·제시음에서 여음 상행 및 하행하기·두음 상행 및 하행 연결하기·세음 연결하기·네음 연결하기·다섯음 연결하기 등이 활용되었다. 이러한 전통주법의 다양한 활용은 유사선율 진행시 시김새 변화를 통한 음악적 효과로 이어졌다. 작품에 활용된 비전통주법 중 두드리기나 안족 밖의 음 뜯기와 같이 주법은 중주곡이나 협주곡에 활용되어 다른 선율 진행시 모호한 음정의 선율로 어우러져 하나의 자연적 음향 효과로 나타났다. 작품에 활용된 혼합주법 중 활로 현을 긁으며 누르는주법을 함께 활용하는 주법은 특수도구를 사용함으로써 가야금 주법의 확대 효과로 나타났고, 가야금의 기본 음역대를 벗어난 음정을 누르는주법으로 표현하며 화음 또는 아르페지오를 활용하는 주법은 고정된 음역대를 극복하는 효과를 가져왔다. 이상으로 김대성 가야금작품에 나타난 음악적 특징을 살펴보고 현재 그의 가야금작품경향을 파악하였다. 작곡자 김대성은 가야금작품에 대해 끊임없이 연구하고 있는 작곡가이며 특히 직접적인 현장연구를 토대로 자신이 채보한 토속민요·무속음악·판소리 선율을 변형하여 자신만의 양식으로 가야금작품에 접목시켜 작품활동을 해오고 있다. 김대성 가야금작품의 음악적 특징은 단악장 구조·작품 소재의 복합성·선법의 가변음 활용·폴리리듬의 활용이 있으며 작품에 활용된 연주법 중 전통주법의 높은 활용도로 여음 표현의 다양화를 작품에 반영했다는 점이다. 이러한 김대성의 가야금작품 연구는 작곡가의 음악관과 작품세계를 통한 가야금 음악의 가치를 조명해 보는 중요한 작업이 되었으리라 생각되며 또한 과거 중심이 아닌 가야금 음악의 현 상황을 직시해보는 계기가 되었다고 생각된다. 본 연구는 향후 김대성 작품 및 가야금 창작음악의 연구에 활용될 수 있을 것이라 생각하며 앞으로 김대성의 꾸준한 작품활동과 이에 따른 후속 연구가 이어지길 바란다.