영화의 탄생과 시각예술 : 움직이는 이미지에 대한 小考

기영미 협성대학교 교양학연구소 2017 협성대학교 교양학연구소 학술대회지 Vol.2017 No.-

예술과 브랜드의 융합, 제프 쿤스(Jeff Koons)의 아트 콜라보레이션(Art Collaboration) 연구

기영미 한국디자인문화학회 2018 한국디자인문화학회지 Vol.24 No.4

Collaboration, which stands for ‘working together’ or ‘cooperating’ is no longer unfamiliar jargon to the general public. It has become a trend that is frequently referred to in our daily life. Of the variety of Collaborations, this study is focused on Art Collaboration, which is gaining attention in not only the culture and art spheres but also the entire spectrum of industries, analysing and examining the meaning of the convergence of the art, product, design and marketing to provide a theoretical foundation. For the theoretical review the methodology of Art History is used to examine how the artists moved from Modernism and High Art to the domain of convergence between art and product/brands. In the main text, this study focused on the art works of Jeff Koons and the Art Collaboration designs, while examining the kitsch and commercial art works in the perspective of Art History and analyzing collaboration cases between them and brands/product design. With this, this study intends to study the ambivalent aspects of art and brands×designer, focusing on its implications and highlight expected meaning of art collaboration. ‘협력’ ‘협업’을 의미하는 콜라보레이션(collaboration) 의 개념은 이제 더 이상 전문 용어가 아니라 대중들의 일상의 삶에서 흔하게 통용되는 트렌드가 되었다. 본 연구에서는 콜라보레이션의 다양한 유형들 가운데, 최근 문화와 예술분야뿐 아니라 산업 전(全)분야에서 새로운 트렌드로 주목받고 있는 아트 콜라보레이션(Art Collaboration)을 중심으로 예술과 상품, 디자인, 마케팅의 융합에 대한 의미를 이론적으로 분석, 고찰하여 이론적 토대를 제공함을 목적으로 한다. 이론적인 고찰은 미술사 방법론을 통해 예술가들이어떻게 모더니즘의 고급미술 영역으로부터 새로운 영역인 예술과 상품/브랜드와 융합하게 되었는가?에 대해 살펴본다. 본론에서, 이 연구는 제프 쿤스의 작품과 아트 콜라보레이션 디자인을 중심으로 제프 쿤스의 키치적이고상업적인 미술작품에 대한 미술사적 고찰과 브랜드/ 상품디자인에 그의 예술을 접목시킨 아트 콜라보레이션 사례들에 대한 분석을 고찰한다. 이로써, 예술과브랜드×디자이너의 양가적 측면을 연구하고 아트 콜라보레이션의 의의를 조명하고자 한다.

‘언문’(諺文)의 명칭문제와 사회적 의미

기영미 동아시아문화학회 2009 동아시아 문화와 예술 Vol.6 No.-

우리나라 글말인 한글이 창제될 당시 세종은 이 문자의 이름을 ‘훈민정음’(訓民正音) 즉 ‘백성을 가르치는[訓民] 바른 소리[正音]’라 하였다. ‘훈민정음’은 문자 이름이자, 책이름이며, 문자 이름으로서의 이 책은 세종이 직접 쓴 ‘예의’편과 신하들이 풀어쓴 ‘혜례’로 이루어져 있다.1 창제 당시에는 문자를 지칭할 경우에 ‘훈민정음’, ‘정음’, ‘언문’ 등의 이름을 사용하였고, 훈민정음이란 명칭은 문자 이름으로는 거의 사용되지 않았고 속칭 ‘언문’(諺文)에 대비되는 공식명칭이었다. 개화기에 이르러 우리 민족고유의 문자인 한글의 가치를 높이 평가하게 되어 ‘정음’(正音), ‘국문’(國文)등의 명칭이 통용되기도 하였다. 근대 이후 ‘한글’은 남한 쪽의 통칭,북한 쪽의 통칭으로서 ‘조선글’등이 사용되었고, 근대이후 ‘한글’이라는 명칭이 일반화되었다.

공공미술에서의 집단적 참여와 소통의 의미 - 크리스토의 공공프로젝트를 중심으로 -

기영미 한국조형교육학회 2010 造形敎育 Vol.0 No.38

The aim of this study is to examine the meaning of the collective participation and the communication in public art through Christo's public project. The works of Christo have been executed in public places and natural environment out from ‘the white cube', in that they are more a kind of projects in what the whole process is itself a part of art. His public projects use a peculiar method of wrapping. It raised the problem of the publicity of the place, and of the communication between the artist and the audiences/participants. Here the artist secured finances for himself and the wrappings were removed after a short periods. It was a new way of doing art, where the general public participated in and collaborated in a collective project. with this, the key concept of Christo's project, the expansion of participant, interactivity and collaboration that take place of the concept of artist as a private creator. In short, it is significant that the public art project of Christo not only changed the environment of the sites but extended the meaning of work of art into a social and public realm. 현대의 공공미술은 모더니즘의 제도적 장치인 미술관에서 벗어나 확장되고 다중적인 장의 역할을 함으로써 장소성에 대한 풍부한 담론들을 재생산해 내고 새로운 장르 공공미술의 지형도를 그려내고 있다. 공공미술에서의 확장된 장과 다중적인 공간은 장소 특정성의 한계를 벗어나 사회적, 경제적, 정치적 문맥과 연결되면서 보다 복합적인 의미를 지닌다. 이러한 관점에서 논자는 크리스토의 공공프로젝트에서 나타난 특징들과 개념들이 최근 논의되고 있는 새로운 공공미술에 대한 대안을 제시하고 있다고 보고, 공공미술에서의 집단적 참여와 소통의 의미를 크리스토의 공공프로젝트의 실현방식을 통해 궁구하고자 하였다. 본문을 통해 지금까지의 이론적 배경과 문맥을 토대로 각 프로젝트의 사례들을 분석하였고, 그의 작업이 하나의 작품이라기보다는 제한된 미술관의 공간으로부터 나와 공공장소, 자연환경 그 자체에 작업이 이루어짐으로써 계획부터 완성까지가 예술의 ‘과정’이라 할 수 있는 프로젝트의 성격을 지니고 있음을 살폈다. 또한 ‘포장’이라는 독특한 작업 구현 방식을 통해 작품이 설치되는 장소의 공공성 문제뿐 아니라 미술가와 관람자/작품 참여자 간의 소통의 문제를 재고하게 하였으며, 일반대중의 집단적인 프로젝트 참여와 협업이라는 새로운 방식의 미술을 제시하였음을 고찰하였다. 결과적으로 크리스토의 공공미술 프로젝트는 공적 장소의 주변 환경을 변화 시키는 ‘과정’을 통해 미술가 개인의 영역을 넘어 사회적이고 공적 개념으로서, 미술작품의 의미와 미술관제도의 문제, 제도적 생산 기구 속에 존재하고 있는 권력관계에 대한 사유를 확장시킨 사회적, 문화적 실천으로 평가할 수 있을 것이다. 특히 프로젝트 작업 전 과정에 걸쳐 대중의 다각적인 참여와 협력 작업의 방식은 그간 전통적인 미술 생산의 범주에서 소외 또는 배제될 수밖에 없었던 광범위한 대중/공중과 소통하는 방식으로서 작가와 관람자가 함께 미술을 경험하고 공유하는 공적 미술의 개념과 함께 앞으로 공공미술이 전개되어야할 바람직한 방향성과 가능성을 열어주었다는 점에서 의의를 찾아볼 수 있을 것이다. 최근 공공 미술의 새로운 기능에 관한 논의에서 강조되어온 문제는 공공미술이 공적인 외부공간에 놓인 장소적 특징만으로 규정될 수 없고 가장 중요한 관객 또는 대중이 함께 만들어가고 상호작용할 수 있는 것이어야 한다는 점일 것이다. 앞서 리처드 세라의 <기울어진 호>와 우리나라 포스코 건물 앞의 <아마벨>의 예에서처럼, 작품이 놓인 장소와 그것을 향유하고 상호작용해야할 대중/공중과의 소통부재에 관한 예들은 빈번하게 볼 수 있으며 향후 공공미술이 해결해야할 필수적인 문제로 지적되고 있다. 크리스토의 공공프로젝트의 경우 시작 단계부터 대중의 적극적인 참여와 행위가 수반되어왔음을 살펴보았다. 프로젝트 실행의 첫 단계부터 그는 일반대중과 언론, 행정 공무원, 학생들과 만나 작품에 대해 설명하고 강연을 열고 교육하였는데, 공공미술을 향유할 대중이 공감하고 수용할 수 있도록 이에 대한 이해를 넓힐 수 있는 교육은 어떠한 방식으로든 매우 중요한 문제이다. 열린 공간에서 급속하게 늘어나고 있는 공공미술의 홍수 속에서, 이제 대중이 문화생산자로서 작품에 직접적으로 그리고 적극적으로 함께 참여할 수 있도록 하는 체계적인 교육은 진정한...

한국근대화단에 나타난 '한국적 인상주의'의 구현 : 1930년대 오지호의 회화론을 중심으로

기영미 성신여자대학교 2000 조형지 Vol.1 No.-

1920년대 초현실주의 미술 운동의 전개에서 사진수용의 의미

기영미(Kee, Young Mee) 한국디자인문화학회 2016 한국디자인문화학회지 Vol.22 No.2

포스트모더니즘 미술에서 사진이 갖는 위상이 계속해서 확대되면서 초현실주의 사진은 새로운 관심의 대상으로 부상했다. 그간 초현실주의 연구에서 사진은 회화에 비해 연구가 활발하지 못했지만, 사진이 현대미술의 중요한 표현매체가 되면서 초현실주의 사진도 주목을 받게 되었다. 본 연구는 초현실주의 예술작업에서의 상상력과 무의식에 근원을 둔 새로운 이미지를 위해 기존의 회화장르들 보다 더 주목받았던 사진의 수용과 그 수용과정의 작품들을 고찰해봄으로서 이후 초현실주의에서 왜 사진의 중요성이 확대될 수밖에 없었는지를 규명해 보는데 목적을 두고자 한다. 1920년대 초현실주의 운동에서 사진 수용의 새로운 방법론을 제시하였음에도 불구하고, 회화에 비해 상대적으로 사진의 중요성이 간과되어 왔고 그에 관한 연구 또한 미진한 실정이었다. 본 연구에서는 작가들의 주관성이 개입되어 전혀 다른 초현실주의적 이미지를 만들어냈는지의 과정 및 사례들을 중심으로 1920년대 초현실주의 미술운동에서의 사진의 적극적인 수용이 이루어지게 된 원인과 배경을 살피고자 한다. 연구방법으로는 초현실주의 미술운동의 태동배경 및 사진과 예술과의 관계를 연구한 단행본, 연구논문 등 문헌 연구와 초현실주의 서적, 잡지, 기관지 등에 소개된 사진 작품 등의 분석을 통해 고찰하였으며, 연구범위로는 1920년대의 초현실주의 사진 수용의 사례들로 한정하여 사진매체가 중요한 표현수단으로 등장하게 된 배경, 자동기술법과 사진과의 관계 그리고 전통적인 회화의 개념을 전복시키고 새로운 방법론을 모색하기 위해 사진 속에 오브제를 활용한 사례들, 사진이미지의 병치효과를 극대화한 데페이즈망의 개념과 사례들 그리고 포토그램, 솔라리제이션, 레이요그램 등을 활용한 실험적 사진작품들의 사례분석들을 살펴본다. 이러한 고찰을 통해 도출해낸 1920년대 초현실주의 미술운동에서의 사진의 의미를 종합하면 다음과 같다. 우선, 극단적인 시점을 사용해 대상을 바라보는 카메라의 시각체계는 초현실주의 작가들에게 다양한 실험적 작품으로 연결시키는 중요한 매체가 되었으며 사진은 실체의 이면에 은폐된 측면을 드러내는 효율적인 방법으로 이용되었다는 점이다. 다음으로는, 이전까지의 재현 회화 대신 사진을 이용함으로써, 현실을 복제하지만 인간의 눈이 미쳐 보지 못한 세부와 우연을 재현함으로써 또 하나의 현실(초현실)을 인식하고자 한 효과적인 도구로 활용되어 이후 미술에서 사진이 갖는 중요한 위상의 토대를 마련하였다는 점이다. 또한, 본 연구에서 1920년대 초현실주의 사진의 중요한 개념으로 상정한 자동기술법, 발견된 오브제, ‘병치-데페이즈망’ 개념은 포스트모더니즘 이후 미술과 디자인, 광고, 미디어, 대중매체 등 테크놀로지와 이미지의 관계에서 새로운 예술표현 방식을 전개시키는데 괄목할만한 영향을 끼쳤다. 결과적으로 본 논문은 현대미술에서의 다양한 매체를 이용한 확장된 영역의 작업들을 이해하기 위한 과정이라는 측면에서, 향후 미술과 사진의 융합관련 연구의 지평을 넓히는 이론적 자료를 제공하기 위한 방법론으로 의미가 있을 것으로 기대한다. 다만, 포스트모더니즘 이후 현대미술과 디자인, 대중매체 등에서 빈번하게 활용되고 있는 초현실주의 사진과의 직접적 연관관계의 사례분석 연구를 다루지 못한 것은 본 연구의 한계로 남겨둔다. As the position of photography in postmodernism art has continued to expand, surrealistic photography has emerged as a new object of interest. In researches on surrealism, researches on photography have not been active compared with painting, but as photography has become important expression media, surrealism photography has also come to the fore. The purpose of this research is to establish why the importance of photography was bound to expand in surrealism by examining the acceptance of photography which received more attention than the existing painting genre did for new images based on imagination and unconsciousness in the artwork of surrealism. In 1920s, the surrealism movements suggested a new methodology of acceptance of photography. But, the importance of photographs have been relatively more neglected compared to paintings. and, the studies on this issue have also been scarce in numbers. Therefore, with a focus on the processes and cases of the subjectivity of the surrealistic artists intervening to create a new surrealistic image, the researchers of this study indent to examine the causes and backgrounds of the active acceptance of photography in the surrealistic art movement in 1920s. The study method includes analysis of the background of the birth of the surrealistic art movement, boods, articles, and other literary sources on the studies regarding the relationships between photography and art, as well as the books on surrealism, magazines, and journals. The scope of this study was limited to the cases of acceptance of photographs in surrealistic art works of 1920s and included the background of the photographic media becoming a key means of expression, the relationship between automatisme and photography, and the cases of using objects in photos in search of new methods to usurp the traditional concepts of painting, the concepts and cases of dépaysement, in which the effect of juxtaposition of the photographic images is maximized, and the case analysis on the experimental photographs using solarization, rayogram, and photogram. Based on the review, the meanings of photography in the surrealism movement of 1920s are as follows; First, the cisual system of cameras, which uses the extreme view points to view the objects became an important media for the surrealistic artists in their experimental works. Here, photography was used as an efficient method to revealed the concealed aspects behind the truth. Also, instead of reproductory painting, the use of photographs coped the reality while reproducing the details and chances that human eyes could not detected, making it another useful tool to recognize another reality (surreality,) thus forming the basis of the important position of photography in art later on. Also in this study, the automatisme, discovered objects, and juxtaposition-dépaysement, which are assumed as important concepts of surrealistic photography in 1920s, had a significant influence on the unfolding a new expression mode for the art after post-modernism, design, advertisement, media, and popular media, that is, in the relationships between the technology. In conclusion, it is hoped that this study would have its implication as the methodology for providing theoretical data to widen the horizon of the studies on the conversion between art and photography in the future, in the perspective that this study was a process of understanding works of various segments using various media on modern art. However, the limitation of this study is that the case analysis on the direct association with surrealistic photography, which is frequently used in modern art, design, and popular media, etc., after post-modernism.

기업의 문화예술후원을 통한 뮤지엄 아트마케팅 사례 연구

기영미(Ki, Young Mi) 한국디자인문화학회 2017 한국디자인문화학회지 Vol.23 No.4

이 논문은 기업의 아트마케팅으로서 세계적인 성공을 이끈 유니레버 시리즈(Unilever Series)사례를 중심으로, 기업의 문화예술후원과 아트마케팅을 고찰하는 연구이다. 이 연구의 목적은 기업의 문화예술 사회공헌의 의의와 향후 기업과 문화예술의 접목을 통한 아트마케팅의 방향과 기대효과를 조명하고 유니레버 시리즈에 참여 작가의 작품을 통해 관람객들에게 어떻게 소통하고 있는지 그리고 기업과의 파트너십을 통해 뮤지엄 마케팅의 새로운 전략과 미술관의 역할 확대를 제시하는 데 있다. 연구방법으로는 기존 연구와 문헌들을 중심으로 하되, 경영학, 마케팅 분야뿐 아니라 예술, 문화와 미술관전시 및 아티스트에 대한 고찰이 토대가 되었다. 연구의 범위와 내용은 우선, 예술을 활용한 기업의 아트마케팅에 대한 이론적인 개념과 역할 및 유형에 대해 고찰한다. 다음으로는 2000년부터 2012년까지 테이트 모던 미술관(Tate Modern Museum)의 터빈 홀(Turbine Hall)에 전시된 유니레버 시리즈에 대한 작가와 작품의 미술사적 의의를 살펴본다. 이 전시는 기업과의 협력으로 재원을 조달하여 세계적인 명성의 작가들의 전시를 성공적으로 개최하여 테이트모던미술관을 세계적인 미술관으로 알리는데 일조하였고, 관람객의 새로운 욕구를 확장시키는 역할과 기능을 확대시켜 뮤지엄 마케팅의 새로운 전략으로 성공적인 선례를 남겼다. 결과적으로, 이러한 기업의 메세나 활동이나 스폰서십 활동 등을 통한 예술후원활동은 기업의 측면에서 기업이미지와 브랜드 이미지 제고에 긍정적인 영향을 끼쳤을 뿐 아니라, 보다 열린 복합문화공간으로서 관람객들의 새로운 참여와 소통을 체험하게 했다는 점에서 의미가 있다. This thesis examines enterprises’ support for culture and arts and art marketing, focusing on the Unilever Series that has achieved world-wide success as enterprises’ art marketing. The purpose of this study is to examine the significance of enterprises’ social contribution to culture and arts and the direction and the expectancy effects of art marketing through grafting enterprises onto culture and arts, and to present how the artists participating in the Unilever Series are communicating with the audience through their works and the new strategies of museum marketing and the expansion of the art museums’ roles through partnership with enterprises. The research method is based on the existing researches and literature and on the researches not only on business administration and marketing but also on arts, culture and art museum exhibition and artists. The scope and content of this research first examine the theoretical concept, roles, and types of art marketing of enterprises utilizing art. And art-historical significance of artists and artworks of the Unilever Series exhibited in Turbine Hall at Tate Modern from 2000 to 2012 is examined. This exhibition secured finances by the cooperation with the enterprises to hold the exhibition of the world-famous artists’ works successfully, and it helped make Tate Modern a world-class art museum and established a good precedent of a new strategy of museum marketing by playing the role of expanding new demand of the audience and by expanding its functions. In conclusion, enterprises’ art support activites through corporate Mecenat activities or sponsorship acivities have significance in that they not only had positive effects on raising corporate image and brands in the aspect of enterprises but also enabled the audience to experience new participation and communication in the more open complex cultural space by raising the roles and functions of the art museum which is simply a space that preserves and exhibits artworks.

제니 홀저 텍스트 작품의 공간적용 확장성 연구

기영미(Ki, Young Mi) 한국디자인문화학회 2020 한국디자인문화학회지 Vol.26 No.4

제니 홀저(Jenny Holzer)는 초기 작품에서부터 현재에 이르기까지 개념미술의 영향을 받은 언어, 텍스트 위주의 작업을 해오고 있는 작가이며 이를 대중들에게 효과적으로 전달하기 위해 다양한 매체들을 사용하였다. 초기작들은 텍스트뿐 아니라 비디오, 드로잉, 사진작업을 통해 미술관과 같은 실내 공간에서 전시하였고, 후기로 가면서 그녀의 작품들은 보다 전달 파급력 있는 대중매체와 디지털 매체들을 이용하여 거리나 도시의 건물, 미술관, 역사적 건축물 등 공공장소에 전시함으로써 공적 대중과 소통하는 한편 텍스트를 통한 공간적용의 확장성을 보여주고 있다. 본 연구의 목적은 제니 홀저가 평면 텍스트 작업에서 디지털 텍스트로의 전환을 거치면서 전광판, LED, 라이트 프로젝션(Light Projection), 제논 프로젝션(Xenon Projection) 등의 매체를 이용하여 도시 안에 건축물이나 특정 장소에 텍스트를 투사하여 공간영역을 확장하여 특별한 경험적 공간을 창출하는지를 고찰하는 데 목적이 있다. 특히 그녀의 작품들 가운데 제논 프로젝션을 통한 텍스트 작품들은 건축물과 자연의 공간적 맥락과 조우한다. 제논을 이용하여 ‘빛으로 투사된 텍스트’는 단순히 문자, 언어로서의 텍스트 작품이 아니라, 건축적 공간에서 전혀 새로운 공간을 만들어내며, 공적공간으로 작품의 영역을 넓히는 등 공간 확장성에 대한 광범위한 가능성을 보여준다. 본 연구의 내용으로는 우선, 이론적 배경으로서 개념미술에서의 텍스트를 도입과정과 제니 홀저의 초기텍스트 평면인쇄 작업들과 전광판과 LED를 이용한 작업을 고찰한다. 이후 제논 프로젝션 작업 사례들을 통해 디지털 텍스트가 공간영역으로 확장되는 과정을 미술사적 관점으로 조명하였다. 제니 홀저의 제논 프로젝션 텍스트 작업들은 디자인 영역에서의 디지털 타이포그래피를 활용한 것으로서, ‘비-고정성’과 ‘시간성’의 속성을 지니고 있다. 또한 제니 홀저의 제논 프로젝션 작업들은 텍스트라는 매체를 통해 ‘움직이는’ 디지털 타이포그래피 디자인, 건축에서의 미디어 파사드 그리고 프로젝트 맵핑 등과 유사한 공간적용의 효과를 나타내고 있다. 따라서, 제니 홀저 작품에서 텍스트는 단일한 미술작품을 넘어서 ‘공간 영역으로의 확장성’과 공공미술, 공공디자인, 무빙타이포그래피 디자인, 공공 건축 디자인, 미디어 파사드 등과의 접점을 만들어낸다. Jenny Holzer is an artist who has focused on language and text influenced by conceptual art from her early works to the present, and she used various media to effectively convey this to the public. Early works were exhibited in indoor spaces such as art museums through video, drawing, and photography as well as text, and as she went to the later stage, her works were used in more pervasive mass media and digital media to create street, urban building, art galleries, and historical buildings. It communicates with the public by exhibiting in public places such as, and show the expandability of spatial application through text. The purpose of this study is that Jenny Holzer uses media such as LED, Xenon, Light Projection, and Xenon Projection to create texts in buildings or specific places in the city while transitioning from flat text to digital text. It is to examine whether a special experiential space is created by expanding the spatial domain by projecting. In particular, text works through Xenon projection among her works meet the spatial context of architecture and nature. Using Xenon, ‘text projected with light’ is not simply a text work as a text or language, but it creates a completely new space in an architectural space and shows a wide range of possibilities for spatial expansion, such as expanding the scope of the work into a public space. For the contents of this study, first, the process of introducing text in conceptual art as a theoretical background, and Jenny Holzer’s early text flat printing works and LED works, the process of digital text expansion into the spatial domain was illuminated from the perspective of art history. Jenny Holzer’s Xenon Projection test works utilize digital typography in the design area, and can be said to be the same as the properties of ‘non-solidarity’ and ‘temporality’ of digital typography, which is text in digital media. In addition, Jenny Holzer’s Xenon projection works show similar spatial application effects such as ‘moving’ digital typography design and project mapping in architecture through the medium of text. Therefore, in Jenny Holzer’s works, text is more than a single work of art and opens up the possibility of contacting ‘extensibility into the spatial domain’ and public art, public design, public architecture design, and media façades.

서명이 소비되는 미술상품: 가제트, 키치를 넘어서

기영미(Young Mi Ki) 한국디자인문화학회 2014 한국디자인문화학회지 Vol.20 No.4

소비가 일상의 다양한 측면을 지배하고 있는 현실에서, 미술과 상품의 융합은 물질문화, 소비사회, 대중문화, 일상의 삶의 영역에 이르기까지 광범위한 범주들을 관통하며 논의되어오고 있다. 본 연구는 미술과 상품의 융합에 대한 다양한 논의들 가운데 소비와 사물은 어떻게 관계를 맺는가에 대한 보드리야르(Jean Boudrillard)의 논점들로부터 촉발되었다. 즉 미술상품이 상품 물신주의에 대한 명백한 소비대상일 뿐인가 아니면 상표가 부착된 ‘서명’이 소비되는 사물로서 또다른 의미를 지니게 되는가에 대한 논의로부터 출발하여, 미술상품 안에 내재된 예술의 사회적 역할과 대안적 예술로서의 의미를 고찰하는 것이 이 연구의 목적이다. 연구방법으로는 순수미술에서의 예술가의 창작물과 디자인, 상품과의 교류와 융합 현상이 사회적 문맥 안에서 어떤 의미를 가지는가를 논의의 틀로 상정하여,문헌 연구를 통해 고찰하였다. 일별하면, 예술가의 창작과 대량생산된 상품 사이의 간극을 좁히고 경계를 넘나들기 시작한 19세기 말부터의 시도들과 뒤샹 이후 순수미술 작품에서의 원본성 논의, 벤야민의 아우라 개념, 대량생산 체제로 인한 미술과 디자인의 교류, 그리고 소비사회가 본격화된 1960년대 팝아트에서의 상업주의와 대중소비문화와의 융합 사례들을 통해 미술과 상품이 결합하여 문화적 의미의 중심으로서 역할을 하게 되는 과정을 고찰한다. 다음으로는 자신의 작품을 상업과 결부시켜 상업적 광고와 제품디자인을 했으며 ‘팝샵’이라는 가게를 열어 자신의 미술상품을 판매했던 키스 해링의 사례를 살펴본다. 결과적으로 본 논문은 ‘팝샵’을 열어 자신의 예술을 대중에게 개방하여 쉽게 접근할 수 있는 것으로 만들고 모든 수익을 키스 해링 재단을 통해 사회적 약자와 소수층에 기부한 그의 실천을 통해, 그의‘서명’이 소비되는 미술상품이 보드리야르가 말한 가제트나 키치를 넘어서, 예술작품의 감상과 소유의 측면에서 대중과의 소통을 위한 사회참여적 실천의 한방법으로서 그리고 공유적인 대안미술로서 기능하는 새로운 가능성과 의미를 조명해 보고자 한다. In reality where consumption governs various aspects of everyday life, the fusion of art and product has long been discussed in a wide range of categories from material culture, consumer society, pop culture, and everyday life. Among these categories, this study started form the questions by Jean Boudrillard centered on what is the relation between consumption and object. In other words, the aim of this study is to start from questioning whether art products are merely objects of consumption based on materialism or they bear other significance as objects where a ‘signature’ with a brand name attached is consumed, and to observe art’s social roles inherent to art products and the significance of By proposing as its thematic framework the significance that the exchange and fusion between artists’ creative work in fine art, design and products connote, this study observed such phenomena through literature research. The study examined how art and products meet, fuse and reproduce meanings in the history of art and design, particularly, from the end of 19th century when the gap between artists’ creative practice and mass manufactured products became narrower and both started to cross over each other’s practice to the discussion of originality in fine art since after Duchamp, Benjamin’s aura, and the cases of fusion between commercialism and pop consumerism culture in pop art in the 1960s when the exchange between art, design, and consumer society has been fully in effect thanks to the mass production system. In this way, the alternative art.

혼종예술로서 브리콜라주 개념의 조형적 의미에 관한 연구 -영국 yBa 작가들을 중심으로-

기영미(Ki, Youngmi) 한국디자인문화학회 2021 한국디자인문화학회지 Vol.27 No.4