프랑스 고전주의 문학의 음악화에 대한 분석적 연구

정하영 ( Jung Hayoung ) 한국프랑스고전문학회 2022 프랑스고전문학연구 Vol.25 No.-

Cette étude examine Le Bourgeois gentilhomme, Ma mère l'oye et Les animaux modèles sous le thème de la musicalisation de la littérature classique française. Nous avons d'abord recherché, sur la prémisse de la musique en tant que science basée sur les mathématiques, la structure des oeuvres musicaux qui suivent le propre point de vue littéraire des compositeurs. Par cette façon, nous pouvons éclaircir le rapport entre la musique et la littérature. Lully, Ravel et Poulenc ont travaillé avec l'idéal commun de la reproduction des textes littéraires sans déformation des textes originels. Lully, un des maître de la musique baroque, a réalisé la diversification des rôles musicaux en plaçant la musique au centre de la comédie. Ravel, qui a révélé que l'art poétique est la source de ses inspirations, était un compositeur de l'impressionnisme qui a apporté des innovations harmoniques. Mais il n'a pas été exempt de mauvaises critiques en raison de ses tendances classiques excessives. Pour la musicalisation du conte de fées de Perrault, il a appliqué sa vie personnelle à son esthétique musicale, en se concentrant sur l'une des intentions de l'auteur pour donner des leçons et du plaisir aux jeunes lecteurs. Poulenc, considéré comme un interprète des surréalistes, a utilisé les fables de La Fontaine comme matière d'un ballet, en montrant l'excentricité de demander le titre du ballet à Éluard, qui critiquait rudement La Fontaine et ses fables. Cela est dû à l'intention de transformer «l'écriture pure» en une universalité à travers les époques. Cette intention de compositeur est renforcée par les six fables choisies, et le problème de la vertu et du vice présenté par La Fontaine est médiatisé par des moyens musicaux de XX^e siècle qui s'opposent clairement au classicisme. Les intentions des compositeurs sont affirmées aussi par l'analyse du texte musical. La musique de Le Bourgeois gentilhomme est le résultat de considérer le goût d' aristocratique et les sens profonds du texte littéraire. Dans le cas de Ravel, qui a choisi une pièce instrumentale sans parole, il a créé un langage muet qui transmet le conte de Perrault en image du son. Par exemple, la coexistence de l'harmonie d'impressionnisme et le mode musical de XVI^e et XVII^e siècles reproduit les motifs de la littérature classique et crée l'atmosphère mystérieuse des contes de Perrault. En plus, Ravel a réduit la vaste signification littéraire des contes de Perrault pour mettre la nostalgie de son enfance provoquée par la mort de son père. Néanmoins il a réussi de remplacer l'intention de l'écrivain par celle du compositeur par la simplicité de la musique. Le moyen pour accepter la littérature classique française de Poulenc a plus évolué que les deux compositeurs précédents. Il a transformé l'engagement des fables de La Fontaine en musique et en ballet et a étendu l'esprit de la littérature classique à notre époque. Par ailleurs, dans la fable du XX^e siècle, les exigences de l'époque du classicisme sont modifié en universalité transcendante et le compositeur a montré l'audace de se déclarer en tant que La Fontaine du XX^e siècle qui dénonce les vices de l'époque. Ainsi, les compositeurs qui ont accepté la littérature classique française combinaient littérature et musique par le moindre déformation des textes en utilisant leurs toutes capacités littéraires. En somme, la clarté et la concision, l'harmonie et l'équilibre de la littérature classique française pourrait être reçu comme une valeur intemporelle dans chaque genre musical.

로랑 드 라 이르의 <안느 도트리슈의 섭정 알레고리> : 알레고리 언어의 회화적 수용방식에 관하여

( Raúl Sampaio Lopes ) 한국프랑스고전문학회 2012 프랑스고전문학연구 Vol.15 No.-

본고는 알레고리를 다룬 회화작품을 분석하기 위해 미술사에서 참고로삼는 자료들을 소개하는 것을 목적으로 삼는다. 그 대상이 되는 작품으로 로랑 드 라 이르의 1648년 회화작품인 <안느 도트리슈의 섭정 알레고리>를 선정하였고, 이 작품의 분석에 필요한 자료로 세자레 리파의 저서, 화가들의 알레고리 사용에 대한 당대의 증언들을 참고자료로 삼았다. 로랑 드 라이르의 이 작품은 1648년에 제작된 것으로 루브르미술관의 소장 작품임에도 현재는 베르사이유궁에 전시되어 있다. 작품의 출처에 대해서는 정확히 밝혀지지 않았으나 아마도 보다 더 규모가 큰 장식의 일부였을 것으로 추정된다. 로랑 드 라 이르(1606-1656)는 일반대중에게는 잘 알려지지 않은 프랑스화가이지만 17세기 회화사에서 차지하는 중요성은 결코 간과할 수 없다. 제2세대 퐁텐블로 학파의 계승자인 라 이르는 자신의 방대한 예술적, 문학적, 학문적 소양에 힘입어 퐁텐블로 학파의 영향을 뛰어넘기에 이른다. 그렇게 해서 환한 색채의 회화, 정연한 회화를 고안해 내면서 인간과 자연에 대한 시(詩)에 자리를 내어준다. 본고에서 필자가 하나의 예시로 삼은 <안느 도트리슈의 섭정 알레고리>에서, 라 이르는 리파에 의해 코드화된 알레고리 규범들을 참고로 하면서 자기 작품 안에 그 요소들을 구성하며, 때로는 여러 가지알레고리의 교차된 의미들을 중복시킴으로써 리파의 코드들을 자신이 얼마나 능숙하게 다루는지 보여준다. 이 작품의 분석을 통해서 알 수 있는 것은 다음 세 가지이다. 첫째, 작품의 주제 면에서, 평화와 풍요의 원천인 왕권이야 말로 프랑스에 영향력을 행사하는 권력이라는 점, 둘째, 라 이르는 자신이 참고한 자료들의 규범에 제약받지 않고 자유롭게 활용할 수 있었다는 점, 셋째, 작품 주문자가 누구였는지 밝힐 수는 없으나 궁정의 인물이었을 것임을 추정할 수 있게 한다는 점이다.

프랑스혁명기 사드의 정치적 입장 : 온건주의와 반자코뱅주의

이충훈 한국프랑스고전문학회 2018 프랑스고전문학연구 Vol.21 No.-

Sade révolutionnaire ou Sade opportuniste ? L’interprétation des œuvres de Sade dépend de sa position politique pendant la Révolution française diversement appréciée par les lecteurs et leurs partis idéologiques. Certes, au début de la Révolution grâce à laquelle Sade s’est délivré 12 ans après sa détention, Sade s’attache au club monarchique fondé par Stanislas de Clermont-Tonnerre et Pierre-Victor Malouet. La position de ceux-ci consiste à soutenir la monarchie constitutionnelle et le bicamérisme à l’anglaise. Et Sade appuie leurs idées modérées et réformées aussi. Après la fuite de Varennes et la Prise des Tuileries, change pourtant l’activité politique sadienne dans la section des Piques. Le citoyen Sade prend de manière audacieuse et militante le ton jacobite auquel il voulait une haine mortelle c’est ce qu’il disait à son avocat Gaufridiy. Le changement de ton et de doctrine chez Louis Sade doit-il être regardé comme une « autodéfense » contre la Terreur ? Nous proposons une autre interprétation : Sade cache son ironie et sa méfiance envers les deux parties majeures composant l’Assemblée constituante sous son éloquence patriotique et électrisée, et non sa propre position clandestine et hostile aux principes partagées pendant la Révolution française. Il se montre toujours prudent face à l’excès des politiques et il s’indigne de façon impartiale contre toutes les violences qui dévastent non seulement son domaine héritier mais encore l’idéal de la Révolution.

라블레와 르네상스 시대

유석호 한국프랑스고전문학회 2020 프랑스고전문학연구 Vol.23 No.-

라블레의 생애(1483∼1553)는 프랑스 르네상스 문화의 개화기와 대략적으로 일치한다. 그의 작품에는 작가가 처해 있던 시대적 상황이 허구적 사건들 속에 직간접적으로 반영되어 있다. 당시의 정치, 종교, 사회 제도와 문화에 관한 날카로운 풍자와 비판이 작품 곳곳에 때로는 암시적이거나 직설적으로, 때로는 알레고리적 인물의 설정을 통해 우화적인 수법으로 표현되기도 한다. 인문주의자답게 라블레는 문예부흥에 큰 기대를 걸었고, 프랑스 르네상스의 이상과 염원, 그리고 작가의 현실 인식을 모두 그의 소설 속에 담았다. 문예부흥과 학문 발전을 통해 인류의 보다 나은 미래에 대한 낙관적 기대가 팽배해 있던, 중세와 크게 달라진 이 시대의 특징적 분위기가 그의 작품 속에 잘 나타나 있는 것이다. L’époque où a vécu François Rabelais(1483-1553) correspond approximativement à l’â̂ge de floraison de la Renaissance française. Humaniste, il a célébré la restauration des lettres, rendue possible par la redécouverte des textes classiques gréco-latins, comme le bien montre la fameuse lettre de Gargantua à son fils Pantagruel qui s’adonnait aux études à Paris. De mê̂me, le mythe du pantagruélion dans le Tiers Livre est un hymne au progrès de la civilisation européenne, qui prouve éloquemment sa confiance infinie à l’avenir prospère de l’humanité. Il a montré aussi ouvertement sa sympathie pour l’évangélisme, lié intimement à l’esprit de l’humanisme par le retour aux textes originaux de la Bible. À l’époque où il n’existait pas de modèles antécédents, adéquats pour son oeuvre, Rabelais a commencé par s’interroger comment écrire le récit de son invention. Les modèles qu’il a adoptés successivement étaient la chronique et le roman de chevalerie pour le Pantagruel et le Gargantua, le dialogue pour le Tiers Livre et le récit de voyage fantastique pour le Quart Livre et le Cinquiesme Livre. À travers le cycle pantagruélique, l’auteur n’a cessé de se demander comment écrire son oeuvre qui n’était déterminée par aucune nécessité historique et ainsi le processus de la création littéraire devient le centre des discussions entre les instances narratives au sein du roman, ce qui montre clairement la conscience aiguë̈ de l’auteur en quê̂te de sa propre écriture romanesque. Nous croyons que le roman rabelaisien est moderne de tout temps en ce sens que la parodie systématique des conventions littéraires éculées pour la création de nouvelles conventions se poursuit dans chaque livre du cycle pantagruélique. Rabelais est indubitablement le précurseur du roman moderne en France.

유토피아와 파국 사이: 쿠쟁 드 그랭빌의 『최후의 인간』에 나타난 종말론적 상상

신정아 ( Junga Shin ) 한국프랑스고전문학회 2021 프랑스고전문학연구 Vol.24 No.-

이 논문은 쿠쟁 드 그랭빌의 작품 『최후의 인간』에 나타난 세계의 끝에 대한 상상을 살펴보고, 그 현재적 의의를 드러냄으로써 현재까지 거의 알려지지 않은 이 작품에 대한 관심을 환기하는 것을 목적으로 한다. 전직 사제이자 프랑스 대혁명에 가담했던 저자 쿠쟁 드 그랭빌의 사후 저작 『최후의 인간』은 서구문학사상 최초의 ‘최후의 인간’ 형상을 그려 보임으로써 메리 셸리의 소설 『최후의 인간』을 비롯한 당대 묵시론적 종말론을 다룬 작품들에 영감을 주었다. 한편으로 이 작품은 예컨대 천문학과의 관계, 미친 과학자의 비유, 미래의 테크놀로지, 그리고 무엇보다 인구가 지구의 자원을 고갈시킨 데서 비롯된 기후와 인구 재앙을 골자로 하는 세속적 아포칼립스 개념처럼 SF에 고유한 요소들을 사용함으로써 SF장르의 선구적 역할을 수행하고 있다. 다른 한편으로 이 작품은 역사에 대한 양립 불가능한 두 가지 비전의 충돌에 기초한다. 전통적인 기독교적 종말론과 과학기술과 진보에 대한 믿음을 토대로 한 인간적인 유토피아의 꿈이 그것이다. 작품의 주인공 최후의 인간이 이 두 비전 사이에서 해야 하는 고통스러운 선택은 생태학적 위기와 함께 다시 한번 세상의 끝이 화두가 되고 있는 21세기 인류세 시대에도 여전히 유효한 물음이다. Cet article a pour but d’examiner avec un regard actuel les imaginaires de la fin du monde dans Le Dernier homme de Jean-Baptiste Cousin de Grainville et de susciter l’intérêt pour l’auteur et son ouvrage posthume quasi inconnus en Corée. Prêtre assermenté, Grainville a inspiré les oeuvres apocalytiques de l’ère romantique dont The Last Man de Mary Shelley notamment par la figure du dernier homme qu’il a inventée dans son épopée en prose, composée en 10 cantos. Cet ouvrage est avant tout considéré comme un ancêtre de la SF par divers éléments appartenant au registre du genre de la science fiction : un engagement avec la science de l’astronomie et la possibilité de la vie sur d’autres planètes, le trope du savant fou et les technologies futures extrapolées, etc. Par ailleurs, la structure du Dernier homme repose sur la confrontation de deux visions effectivement incompatibles de l’histoire. D’un côté, la version de l’Apocalypse chrétienne et la perspective séculière sur l’histoire basée sur l’idée du progrès scientifique sans limites, de l’autre côté. Le choix crucifiant qu’il revient à Omégare de faire entre ces deux visions pour décider de la fin définitive au temps, au monde, voire au genre humain semble rester bien valable à notre ère qualifiée d’anthropocène avec la crise climatique et environnementale sur l’échelle du monde entier.

디드로의 『1765년 살롱』에 나타난 멜랑콜리의 미학

김선형 한국프랑스고전문학회 2020 프랑스고전문학연구 Vol.23 No.-

Au XVIIIe siècle, la «Mélancolie» était le sujet le plus utilisé dans la littérature et l’art français. Cette notion est d’une grande valeur dans la théorie esthétique, et occupe généralement une place très importante dans le domaine artistique. Dans la peinture, les éléments de la mélancolie étaient principalement mis en valeur en termes d’aspect extérieur des personnages, mais au milieu du siècle, les artistes et les écrivains ont commencé à se concentrer sur le monde intérieur le plus profond des humains, en prêtant attention aux émotions des personnages. Ils ont impressionné les lecteurs et les visiteurs des Salons par les larmes sincères, les gestes impulsifs ou dramatiques. Diderot a découvert ces éléments de la mélancolie à travers les peintures de Jean-Baptiste Greuze, et parmi eux, les peintures de “jeunes filles” ont beaucoup ému Diderot. Dans le Salon de 1765, Diderot a examiné 「La Jeune Fille qui pleure son oiseau mort」 de Greuze et a écrit une longue critique sur ce tableau mélancolique. Pourquoi ce tableau est-il important dans son écriture? Premièrement, c’est que devant cette œuvre, le texte et les éléments visuels sont parfaitement combinés. Notre auteur imagine qu’il entre dans le tableau afin de parler avec la jeune fille et de partager la mélancolie avec elle. Deuxièmement, sa critique d’une fille qui pleure a produit une nuance particulière. Visiblement la jeune fille pleure de douleur devant un oiseau mort, mais son charme et sa sensualité sont liés à “l’érotisme”. Une telle tentative de tirer la sensualité d’une fille peut être considérée comme une nouvelle tentative artistique jamais vue par les critiques d’art contemporains. Troisièmement, Diderot donne sa propre vision de l’esthétique de la peinture et de l’écriture. En d’autres termes, sa nouvelle critique d’art fait de Diderot un critique d’art supérieur, élargit la critique d’art jusque dans le domaine de la littérature et met en évidence des éléments de “mélancolie”. Pourtant, au XIXe siècle, l’aspect mélancolique des peintures a complètement changé. Après avoir traversé la Révolution, les émotions de «Mélancolie» deviennent plus profondes et sublimes. “멜랑콜리”(Mélancolie)는 18세기 프랑스 문학과 예술에서 가장 많이 사용되는 주제였다. 이 개념은 미학 이론에서 높은 가치를 지니고 있으며, 일반적으로 예술의 탐닉에 있어서도 매우 중요한 위치를 차지하고 있다. 우리는 18세기의 멜랑콜리의 요소들을 주로 장 바티스트 그뢰즈의 작품에서 발견할 수 있는데, 디드로는 『1765년 살롱』에서 화가의 「죽은 새를 보고 슬퍼하는 어린 소녀Une jeune fille qui pleure son oiseau mort」를 미술비평가의 눈으로 예리하게 관찰하기도 하고, 관람자로서 그림을 통해 감정을 극대화시키기도 하면서 독자들이 자신과 같은 환상을 가질 수 있도록 이끌어준다. 디드로는 이를 위해 자신이 직접 그림 안으로 들어가서 소녀와 직접 대화를 나누고, 그 소녀가 우는 이유에 대해 묻는다. 그 과정에서 디드로는 소녀의 상황을 한 편의 소설처럼 꾸며내고, 그 안에 숨어있는 소녀의 관능성, ‘에로티시즘’으로까지 연결시킨다. 따라서 본 논문은 18세기 프랑스 회화에서만 나타나는 독특한 ‘멜랑콜리’의 양상과 에로티시즘과의 관련성까지 연구하는 것이 목표라고 할 수 있다.

18세기 프랑스 여성교육문제 인식: 『위험한 관계』와 『아델과 테오도르』 작가들의 경우

이윤수 ( Lee Yun-soo ) 한국프랑스고전문학회 2018 프랑스고전문학연구 Vol.21 No.-

페미니즘이라는 말이 19세기 말에 생겨나기 전까지 여성 문제는 프랑스에서 중세시대부터 많은 분야에서 논쟁거리의 대상이었다. 18세기에 들어오면서 여성논쟁은 더욱 활발해진다. 당시 지식인들에게 여성은 의학적, 역사적, 인류학적, 철학적 그리고 문학적 담론에서 소재가 되었고 이와 더불어 여성교육문제에 관한 관심도 점점 높아졌다. 문학적 담론에서 여성은 역시 중심 화제였는데 특히 소설 장르에서 그러했다. 여성은 소설의 주된 독자층을 형성하면서, 한편 작가로도 등장하는데 이러한 경향은 18세기 후반으로 가면서 더욱 두드러진다. 라클로와 장리스 부인은 1782년 같은 해에 각각 소설 『위험한 관계』와 『아델과 테오도르』를 출간한다. 본고는 우선 두 작가의 문인으로서의 면모와 정치적 인연에 대해 간단히 언급하고, 외양상으로 볼 때 온전히 다른 주제를 표출하고 있는 것처럼 보이는 두 소설에서 어떤 접점을 찾을 수 있는지를 살펴보았다. 다음으로 라클로가 가지고 있는 여성교육에 대한 생각과 실천을 그가 가족에게 보낸 몇 통의 서한들과 『여성교육론』으로 통칭되어 일컬어지는 3편의 에세를 통해서 알아보았다. 『위험한 관계』에서 악을 구현하는 발몽과 메르퇴유 리베르탱 커플과 그들의 희생양이 되는 젊은이들을 그렸던 작가는 실제로는 여성교육에 대해 깊은 관심과 나름의 고유한 철학을 가지고 있었으며, 가정에서 자신의 딸이 새로운 시대에 걸맞은 교육을 받을 수 있도록 세심하게 신경 썼다는 것을 알 수 있었다. 마지막으로, 『아델과 테오도르』를 통해서 장리스 부인의 교육론을 살펴보았다. 실제로 왕자의 교육을 담당하기도 했던 장리스 부인은 본인의 경험과 교육에 관한 폭넓은 지식을 이 소설에 담아낸다. 작가의 분신 알만 부인은 남편과 함께 파리 사교계를 떠나 지방 랑그독으로 내려가 자식인 아델과 테오도르의 교육에 전념한다. 작품은 특히 딸인 아델이 올바른 성품과 지식을 갖춘 훌륭한 교양인이 되고, 사랑과 행복에 관해서는 이성적인 가치관을 갖게 하도록 하는 교육에 집중되어 있다. 풍속 소설로 일컬어지는 『위험한 관계』에는 위선과 타락이 지배하는 18세기 귀족 사교계에서 젊은이들 특히 젊은 여성들이 희생양이 되지 않도록 경계심을 주기 위한 교훈이 담겨져 있다. 이는 저자가 서문에서 표명한 바이기도 하다. 한편 교육소설로 일컬어지는 『아델과 테오도르』에는 그들이 변화하는 시대에 맞추어 살아나갈 수 있도록 필요한 지식, 용기와 지성을 갖춘 사교계인, 또한 자신의 행복을 찾을 줄 아는 인간으로 성장할 수 있게 인도하는 교육과정이 담겨 있음을 확인할 수 있었다.

프랑스 중등교육과정의 고전연극 교육 : <프랑스어> 교육안과 교과서를 중심으로

이선희,조재룡 한국프랑스고전문학회 2013 프랑스고전문학연구 Vol.16 No.-

Cette étude s'intéresse à l'enseignement du théâ̂tre classique au collège et au lycée en France, tel qu'il est déterminé par les programmes officiels d'enseignement du français. En tenant compte du fait que le théâ̂tre est à la fois un texte littéraire et un art du spectacle, notre but est de savoir quels sont les objectifs et les contenus d'apprentissage dans les classes du secondaire et quelles sont les activités proposées par les manuels scolaires (Hachette Education et Nathan). Avant d'examiner les programme d'enseignement de Français de la 6e à la 1re, nous nous interrogeons de façon générale sur l'initiation au théâ̂tre pour les écoliers. Dans l'enseignement primaire, le théâ̂tre est surtout appliqué en tant que méthode d'enseignement plut̂ô̂t qu'approche littéraire. Il constitue un riche support d'activités orales et permet de travailler la verbalisation mais aussi l'expression du corps, conduisant les élèves à se familiariser avec l'expression et à s'initier à la communication. Les programmes d'enseignement et Accompagnement que publie le ministère de l'Education nationale sont la première référence officielle consultée par les professeurs. Les programmes précisent, pour chaque niveau, les objectifs et l'organisation des enseignements de Français et proposent des listes d'oeuvres en rapport avec les thèmes donnés mais les professeurs ont toute liberté en ce qui concerne le choix du manuel, des oeuvres précises à étudier et de la méthodologie à appliquer. Les élèves de 6e apprennent simplement à identifier les différents discours car la notion de théâ̂tre en tant que genre n'est introduite qu'en 5e, au cycle central. En abordant les conditions particulières du théâ̂tre et en étudiant des extraits de textes (des farces du Moyen Age aux pièces théâ̂trales du XVIIe et du XVIIIe siècle), les apprenants sont amenés ensuite à distinguer deux univers principaux : la tragédie et la comédie. Tout au long de ce processus, le thé̂̂atre est évidemment un support permettant un approfondissement de la connaissance de la langue dans les domaines de l'orthographe, du vocabulaire, de la ponctuation, de la grammaire, etc. Au lycée, le cours de français non seulement propose une approche historique mais introduit aussi les notions couplées de genre et de registre, de texte et de représentation. Ce dernier thème permet aux élèves de participer à la représentation, en préparant eux-mê̂mes la mise en scène. De son cô̂té, l'analyse du texte prépare au commentaire littéraire et à la dissertation qui doivent être maî̂trisés pour l'épreuve du baccalauréat. Enfin, il faut préciser que l'éducation au théâ̂tre ne se restreint pas aux cours dans les classes. Des ateliers de théâ̂tre sont souvent proposés en dehors des heures de français par l'établissement, par les municipalités ou par des troupes de théâ̂tre.

18세기 프랑스 호메로스 논쟁 연구:|논문| 18세기 프랑스 호메로스 논쟁 연구: 몇 가지 쟁점들 / 신정아 몇 가지 쟁점들

신정아 한국프랑스고전문학회 2009 프랑스고전문학연구 Vol.12 No.-

La Querelle d'Homère est souvent considérée comme la dernière étape de la fameuse Querelle des Anciens et des Modernes dans laquelle se sont trouvés impliqués tous ceux qui comptaient dans la vie intellectuelle en France à la fin du XVIIe siècle. En fait, la Querelle d'Homère dont les deux acteurs principaux étaient Houdar de la Motte et Anne Dacier et qui concernait la traduction de l'Iliade d'Homère, a fait aboutir la tension entre deux forces qui a traversé les â̂ges. Si on examine de près cette querelle, on peut voir apparaître quelques enjeux différents: homérique, traductologique, philosophjque et polémique. Tout d'abord, la Querelle d'Homère est une dispute sur la valeur d'Homère et de son œuvre Iliade. Madame Dacier voit en lui, d'ailleurs comme les autres partisans de l'Antiquité, un modèle sans imperfections à imiter, tandis que Houdar de la Motte, un moderne invétéré, n'hésite pas à le déprécier tout en imputant ses défauts à son époque. La prise de position de chaque partie à l'égard d'Homère se traduit bien par leurs approches respectives différentes de la traduction, ce qui constitue un autre enjeu de la Querelle. Pour Madame Dacier, qui a traduit en 1711 l'Iliade d'Homère en prose, la fidélité au texte source, c'est-à-dire au texte homérique est restée un souci majeur tout au long de sa traduction. Elle a ainsi choisi de le traduire en prose car la prose était à ses yeux le meilleur choix pour rester fidèle à la lettre aussi bien qu'à l'esprit du texte. En plus elle a eu recours sans cesse à ses connaissances philologiques pour expliciter le sens du texte tout en donnant en note des informations nécessaires au lecteur. Par contre, l'intention de La Motte n'était pas de rendre fidèlement le texte homérique en français, mais d'en faire un bon poème français afin de prouver la supériorité des Modernes et de la langue française par rapport à l'antiquité. C'est dans cette optique qu'il s'est permis sans scrupule de corriger et de raccourcir l'original. Or la Querelle d'Homère qui a opposé Houdar de la Motte et Mme Dacier autour de l'épineux problème du texte d'Homère aurait dû s'intégrer naturellement dans un débat plus général, voire philosophique mê̂me si les deux acteurs principaux n'ont fait que reprendre quelques arguments forgés par leurs prédécesseurs sans rien apporter de nouveau. Pourtant, bien plus que le faux problème de la supériorité, cette querelle a posé la question du progrès et de la naissance d'idées nouvelles, ce qui a constitué le fonds de la philosophie des Lumières. Enfin, quand on parle de la Querelle d'Homère, on ne peut pas ne pas évoquer le problème de l'écriture polémique, car dans cette querelle, c'est curieusement non pas le fonds de la pensée mais la manière de la présenter, à savoir le style, l'écriture qui ont décidé de la partie gagnante.

『코르네유 희곡선』 : (프랑스 고전극 시리즈 1) 박무호ㆍ김덕희ㆍ김애련ㆍ송민숙ㆍ조만수 옮김, 이화여자대학교 출판부, 2006년 7월

장혜영 한국프랑스고전문학회 2007 프랑스고전문학연구 Vol.10 No.-