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민주식 ( Joo Sik Min ) 한국미학예술학회 2012 美學·藝術學硏究 Vol.35 No.-
조요한은 서양철학과 서양미학에 주력했던 보편성을 지향하는 리버럴리스트였다. 그런데 우리는 그에게서 한국인의 정감과 체취를 느끼고 동양적 사유를 만나게 된다. 그는 동양의 고전과 한국의 예술에 대한 남다른 애정을 갖고 있었다. 그의 예술철학에서 동양예술사상이 갖는 의미는 ‘한국미의 체계화’를 위해 필요한 밑거름이었다. 동양예술사상은 결국 한국미의 해명을 위한 기반이었고, 한국예술의 자기 위상을 파악하는 잣대였다. 그가 추구한 동양예술정신은 청년시절 그에게 많은 감화를 가져다준 김환기 화백의 예술세계와 상통하는 것이었고, 곧 한국의 자연과 한국인의 심성에서 우러나오는 멋의 세계였다. 한국미에 관해 언급한 이전의 논자들은 거의 모두가 한국미의 원리를 일원적인 관점에서 조명했다. 이를테면 한국미를 비애의 미, 멋, 자연주의, 등과 같은 어느 하나의 개념으로 설명했다. 이에 반해, 조요한은 한국예술의 성격을 기본적으로 ‘비균제성’과 ‘자연순응성’이라는 두 개의 축으로 규정하고, 양자의 원리가 역사적으로 공존하면서 서로 보완해 간다고 보았다. 그의 설명에 따르면 비균제성은 북방 유목민의 삶 속에서 형성된 무교적 영향에서 유래하는 것인데, 신나면 규칙을 무시하면서 도취하는 기질과 연관돼 있다. 그리고 자연순응성은 남방의 농경문화에서 유래하는 것으로, 지모신(地母神)을 섬기면서 형성된 자연신의 숭배에 따라 항상 자연을 주격으로 생각하는 가치관의 발로다. 이러한 토대에서 ‘신바람’과 ‘질박미’라고 하는 한국예술의 양대 특성이 형성된다는 것이다. 이처럼 한국미를 이원적 구조로 파악한 점은 의미 있는 지적이라고 생각된다. 조요한은 ‘비교연구’라는 관점을 줄곧 의식하면서 한국미의 보편성과 특수성을 논하고 있다. 즉 거시적인 관점에서 동서 예술의 대비를 논하고, 세부적으로는 한국·중국·일본 각 나라 예술의 특성을 논하는 가운데 한국미의 성격을 부각시키고 있다. 또한 한국미를 언급했던 일본 학자들과 서양의 연구자들의 견해를 항상 함께 고려하면서 자신의 입장을 서술하고 있다. 이것은 다양한 사고의 지평을 수렴하고 있는 그의 열린 학문의 자세를 보여준다. 그는 동양의 직관적 철학과 서양의 과학적 철학이 상보적인 관계에 있음을 전제하면서, 동서 예술의 비교고찰을 시도했다. 이를테면 재현과 표현이라는 예술이념의 상위, 서양화의 원근법과 동양화의 삼원법, 동적인 활력성을 갖는 서양음악과 정적인 명상성을 갖는 동양음악 등을 논하면서 비교라는 관점의 중요성을 설명했다. 그리고 동양의 아름다움을 이해하기 위해서는 고졸, 소박, 기운생동과 같은 동양미학의 이해가 뒤따라야 함을 강조했다. 그는 지구촌의 한 복판에서 살아가야하는 지금 문화한국의 자기소개가 시급하며, 따라서 이 과업의 중요함과 치밀함이 더욱 요청된다고 지적하였다. 이러한 과제에 부응하기 위해 그가 행한 작업이 『한국미의 조명』이었다. 책이름이 말해 주듯이, 그간 충분한 빛을 받지 못한 채 어둠 속에 묻혀 있었거나 또는 희미하게 그 일면만을 드러내고 있었던 한국미에 대한 학술적 조명이다. Professor Yohan Zoh was a liberalist who aspired universalism, mainly studying and teaching western philosophy and aesthetics. And yet, we can find and feel something characteristic of Korean emotion and Eastern thinking from him. He had a peculiar affection on Chinese classical writings and Korean classical arts. For him, Eastern thoughts of art or Chinese theory of art was needed for him in the process of academic research on Korean aesthetics. It was not only a fundamental basis for illuminating Korean beauty, but also a measuring stick for surmising the phase of Korean art. His admiration for the spirit of Eastern art was greatly influenced from Hwanki Kim, a Korean modernist painter, corresponding to the world of Korean elegant beauty ‘meot’ which was sprung from natural environment and mental disposition. Most of precursors explained the principles of Korean beauty from a single viewpoint, for example, from the concept of ‘beauty of sorrow’, ‘naturalism’, or ‘unskilled skill’. On the contrary, Zoh stipulated two axis of ‘asymmetry’ and ‘adaptation to nature’, which have coexisted historically, supplementing each other. According to him, ‘asymmetry’ was originated from northern Shaman tradition built up by nomadic life and was connected with the temper of outbreaking and intoxication in excited situation. And ‘adaptation to nature’ was originated from southern agricultural tradition which worship the spirits of the terrain and has showed the sense of value estimating the nature as the nominative. The two representative characteristics of ‘shinbaram’ or exulted spirits and ‘simple-hearted beauty’ could be molded by these bases. His grasp of Korean beauty in dual structure is significant for our understanding the diversity of Korean artistic culture. Zoh has taken into consideration on the universality and peculiarity of Korean beauty, maintaining the comparative angle of vision. He argued some characteristics of Korean beauty, contrasting between Eastern and Western arts comprehensively and among Korean, Chinese and Japanese arts in detail. He showed an open-minded attitude to reflect on broad horizon of thinking. He premised the inter-complement relation between Eastern intuition and Western science, and examined some comparative studies between Eastern and Western arts. He emphasized the importance of comparative viewpoint, explaining the differences of concept of art, perspectives of painting, and the discrepancy of musical traits of meditation of the East and vitality of the West.
이주영 ( Joo Young Lee ) 한국미학예술학회 2014 美學·藝術學硏究 Vol.41 No.-
이 연구는 그간 한국미 연구를 통해 가장 중요하게 거론된 미적 관점들을 서양미학의 중심내용과 비교해 보면서 한국미의 고유성을 도출하였다. 이러한 연구를 통하여 한국인들이 지향했던 자연관, 세계관과 이를 기반으로 한 고유한 미의식을 더 분명하게 부각시키고자 했다. 이를 위해 한국미의 범주체계를 새롭게 구성해 보고자 했다. 서양미학에서 거론되는 대표적인 미적 범주는 ‘미’, ‘비장’, ‘골계’, ‘숭고’, ‘우아’, ‘추’, 그 밖에 ‘특성미’ 등이다. 한국미의 중심 개념 중에서 ‘한(恨)’과 ‘해학’은 ‘비장’과 ‘골계’에 유사하게 대응하나 그 밖의 개념들은 서양미학의 범주로는 포괄이 안되는 독특한 미적 가치를 지닌다. 그것이 ‘멋’, ‘무심’, ‘일탈’, ‘신명’, ‘풍류’, ‘고졸’, ‘씻김’ 등이다. 이러한 한국미의 범주들은 중심에 자연을 두고 수직적인 방향과 수평적인 방향으로 순환하며 전체는 ‘구(球)’형과 같은 3차원의 체계를 이루고 있다. 이에 비해 서양미학의 범주구조에서 가장 많이 거론되는 데스와의 원환적 범주체계는 서로 성격이 다른 범주들이 마주보고 있는 평면적인 도식을 이루고 있다. 또 그의 범주체계에서 서로 마주보고 있는 범주들의 중심지대는 자연보다는 인간에 중점이 놓이는데 비해 한국미의 모든 범주들을 포괄하는 바탕은 자연이다. 한국미의 중심 범주들은 인간이 갖고 있는 모든 정서적 세계의 소우주속에서 위치하고 유동한다. 이 소우주는 수직계로 순환하는 원환과 수평계로 순환하는 원환으로 나뉜다. 또 각각의 원환은 정서의 밝은 쪽과 어두운 쪽으로 나뉘는데, 중심에 생명력으로서의 자연을 품고 있기 때문에 그 생명력의 힘으로 어두운 쪽에서 밝은 쪽으로 이행하고자 하는 운동성을 가진다. 수직계 순환범주로는 ‘한’, ‘해학’, ‘흥’, ‘신명’, ‘씻김’ 등이 있고 수평계 순환범주는 ‘풍류’, ‘멋’, ‘일탈’, ‘고졸’, ‘무심’ 등이 있다. 수직계 순환범주는 음악이나 연극, 문학 등 시간예술에서 주로 많이 나타나는데, 시간의 순차적 배열에 따라 정서가 운동하며 인간의 성정을 강하게 자극한다. 수평계 순환범주는 조형예술에서 주로 나타나며, 평온한 정서로 표현되면서도 유동적인 자연의 생명력을 담는다. 조형예술은 공간과 정지된 시간성 속에 모든 것을 담아야 하므로 극단적인 정서가 중화되고 대립과 모순이 화해된 자연 그대로의 상태를 표현하게 된다. 그러므로 조형예술은 자연성을 바탕으로한 관조적 미감이 지배적이다. 수직계 순환범주는 인간과 사회의 관계 속에서 발현되는 정서의 성격이 강하며 수평계 순환범주는 그 미적 특성이 자연 쪽에 더 가깝다. 이 전체 범주는 하나의 총체성의 체계 속에서 유동하기 때문에 다른 범주들과의 영역이 명확히 분리되는 것은 아니나 각각의 중심위치의 성격은 뚜렷이 지닌다. 이를 통해 도출된 한국미의 고유성은 범주들이 상호통섭하면서 복합적인 미의식으로 나타난다는 것이다. 그럼으로써 미의식은 삶의 총체성을 더 깊이 있게 보여줄 수 있게 된다. 이렇게 미적 범주는 순환하며 모든 정서를 총체성 속에 녹여내며, 슬픈 것과 기쁜 것, 속된 것과 성스러운 것, 일상적인 것과 초월적인 것, 아름다움과 추함, 늙음과 젊음 등은 함께 교호하거나 결합하여 전체의 미를 볼 수 있는 심미적 차원을 깊게 한다. 이러한 통일된 미의식은 정합적인 차원에서 닫혀있는 것이 아니라 순환적으로 움직이는 미의식이다. This research derived the peculiarities of Korean beauty by comparing the significant components of Korean aesthetics with those of Western aesthetics. In doing so, I tried to emphasize the standpoint to the nature, to the world and aesthetic consciousness of Korea. This aim required the establishment of a new set of Korean aesthetic categories. The representative aesthetic categories of Western aesthetics are Beauty, Tragic, Comic, Sublimity, Grace, Ugliness, and Characteristics. The Korean aesthetic categories Han and Humor are similar to Tragic and Comic, but the following Korean categories have no Western counterpart: Mut, Indifference, Deviation, Shinmung, Pungryu, and Shikim. The categories of Korean aesthetics circulate in both the vertical direction and the horizontal direction. Together they form a three-dimensional spherical system. In contrast, the circular categorical system of Dessoir forms a two-dimensional plane in which certain categories oppose each other. In his categorical system, the central point between opposing characteristics accentuates humanity, whereas the basis of the Korean aesthetic categories is nature. The central categories of Korean beauty exist and move in the microcosmos of the human emotional world. The microcosmos is divided into vertical and horizontal circular categories. Each of these circles is then divided into bright and dark aspects of emotion. The latter moves toward the bright aspect from the dark aspect, embracing nature as a vital power. Han, Humor, Heung, Shinmung, and Shikim are the vertical categories. Pungryu, Mut, Deviation, Archaic, and Indifference are horizontal circular categories. The vertical categories appear often in art that is based on tempo, stimulating human nature by moving emotion by the passage of time. The horizontal circular categories mainly in the formative arts, holding the floating life force of nature, are expressed by tranquil emotion. The formative arts have to embody every motive in space and the stopping moment, so they express the state of nature itself, in which extreme emotions are neutralized, and conflict and contradiction are reconciled. So in the formative arts, the contemplative sense of beauty is dominant, based on naturalness. The vertical circular categories are characterized by the emotion that arises in the relationship between individuals and society. The aesthetic characteristics of the horizontal circular categories are nearer to nature. No individual category can be divided clearly into a specific categorical domain, by reason of floating in a system of totality, but they distinctly reflect the character of their main position. To conclude, the peculiarity of Korean beauty appears as a complex aesthetic consciousness through the mutual interchange of categories. Therefore, the aesthetic consciousness deeply reflects the totality of life. In this way, the aesthetic categories circulate and melt the individual emotions into totality. Sadness and pleasure, worldliness and the divine, daily life and transcendence, beauty and ugliness; they all alternate each other together, and deepen the aesthetic dimension to reveal beauty as a whole. This unified aesthetic consciousness is circular and moving, not enclosed in a fixed system.
I. 칸트의 사유를 통한 한국 전통 조형미의 특성 재고
권정임 ( Jeong-im Kwon ) 한국미학예술학회 2017 美學·藝術學硏究 Vol.52 No.-
본 연구는 선행 연구들에서 규정된 전통 조형미의 특성들을 칸트의 미와 예술에 관한 개념들을 통해 보다 다각적으로 분석하여 재 고찰함으로써 그 의미를 확장하는 것을 목표로 한다. 이를 통해 한국 전통미를 서구의 논의 틀로 이해될 수 있는 가능성이 탐색되며, 동시에 서구의 미학 개념의 재해석도 시도된다. 본 연구에서는 한국 전통 조형미의 특성을 우현(又玄) 고유섭이 제시한 ‘무관심성’과 ‘무기교의 기교’의 개념으로 포괄하여 논하며, 선행 연구들에 의거하여 한국 전통 조형미를 ‘자연미’의 일환으로 이해한다. 방법론적으로는 이러한 ‘자연미’와 그 특성들의 근간을 한편으로 노장사상(도가사상)에서 찾으며, 다른 한편으로 그 특성들을 칸트의 사유와 비교 분석한다. 노장사상과 칸트의 철학적 구조 자체는 매우 상이하지만, 양 자가 논한 미(자연미)의 심미적 상태나 태도, 의식에서 유사성을 발견하고자 한다. 이에 따라 본 연구는 먼저 칸트의 자연미와 예술미에 관한 사유를 살펴보고, 이를 한국 전통 조형미의 특성의 근거가 되는 개념들로 ‘천락(天樂)’과 ‘허정(虛靜)’을 살펴본다. 이 개념들은 고유섭의 한국미 개념과 칸트의 ‘미감적 쾌’ 및 ‘무관심성’ 개념의 비교 근거가 된다. 또한 고유섭의 ‘무작위적 예술미’의 개념적 뿌리를 노장사상에서 찾는 동시에 그 의미를 칸트의 예술미(천재 개념) 규정과 비교 분석하며, 마지막으로 한국 전통 조형미의 기초인 자연미가 추구하는 진선미 사상을 칸트의 ‘도덕성의 상징으로서 미’ 규정들과 비교 분석하여 그 의미를 재조명한다. 이러한 시도는 한국 전통 조형미의 고유한 특성을 서구의 대표적 미학이론 가운데 하나인 칸트의 미 개념과 사유를 통해 미학 일반의 지평에서 규명할 수 논거를 제시하여 향후 한국 전통적 조형미의 특성을 보다 다각적으로 논할 수 있는 디딤돌이 될 것이다. Die vorliegende Ariebit zielt darauf ab, die Charaktere der Schonheit der koreanischen traditionellen bildenden Kunste durch I. Kants Gedanken uber Schoheit zu rehabiliteiren. Dabei wird versucht, die koreanische traditionelle Schoheit im Rahmen der westlichen Diskussion zu erortern und zugleich die Begriffe der westlichen Asthetik zu reinterpretieren. Die Gegenstande der Analyse sind hauptsachlich die Begriffe ‘Interesselosigkeit’ und ‘Technik ohne Technik’, die Yoo-Seop Ko als die Hauptcharaktere der Schonheit der koreanischen traditionellen bildenden Kunste gilt und die zu dem Charakter der koreanischen Naturschonheit gehoheren. Methologisch wird der Wurzel der koeranischen Naturschonheit aus dem Taoismus herausgefunden einerseits, und andererseits werden die Charaktere dieser Schonheit vergleichend mit I. Kants Gedanken analysiert. Es wrid dabei angenommen, dass es die Verwandtschaft zwischen Taoismus und Kant, besonders im Bezug auf den Gedanke uber den freien asthetischen Zustand und die reine asthetische Lust der Naturschonheit gibt, obwohl beide Gedanken struktuell verschieden sind. Damit werden in der vorliegenden Arbeit zunachst Kants Bestimmung der Natur- und Kunstschonheit erlautert. Und dann werden die Begriffe ‘die hochste Lust (天樂)’ und ‘das Leere und Ruhe (虛靜)’ im Taoismus, ‘Interesselosigkeit’, ‘Technik ohne Technik’ und ‘die Wahrheit-Gutes-Schonheit’ vergleichend mit Kants Bedtimmungen der Natur- und Kunstschonheit unter dem neuen Licht betrachtet.
이주영 한국미학예술학회 2011 美學·藝術學硏究 Vol.34 No.-
지금까지 한국미에 대한 연구는 각 예술장르에서 뿐만 아니라 정신사적인 조명, 문헌학적 탐구, 종교 문화의 영향 등 여러 면에서 진행되어 왔으며 이를 통해 다양한 미의식이 도출되었다. 본 논문에서는 이 연구 성과를 수렴하고 연구자들이 공통적으로 강조했던 미의식을 유형별로 분류하여 그 특성을 살펴보고자 했다. 그럼으로써 한국적 미의식의 고유성을 보다 큰 시각에서 총체적으로 파악하고자 했다. 첫째, 정신사적 측면에서 한국적 미의식의 토대를 고찰해 보았다. 대립된 것의 통합을 지향하는 한국인들의 미적 지향성은, 모순되는 특성이 결합되어 있는 미의식으로 종종 표출된다. 가장 원숙한 기교와 소박하고 치졸한 상태가 상통하는 고졸미, 한의 내부에서 움직이며 한의 표피를 뚫고 나오는 신명 등은 대립된 것이 통일되어 더 높은 미적 차원을 이루는 좋은 예이다. 둘째, 미적 이념에 따른 유형으로써, 자연주의, 인간의 심성미, 민중의 삶에 뿌리 내린 예술의 중요성을 고찰했다. "자연주의"는 예술 속에 인간적인 것을 넘어서서 더 큰 것을 끌어들이려는 미적 이념으로 해석된다. 한국적 미의식에는 대상적 측면에서 보이는 감각적인 형식미보다는 대상을 파악하는 주체의 정신적인 미를 중요시하는 경향이 강하다. 한국인들은 인간미의 이상에서 무엇보다도 내면적인 심성의 미를 중요시했으며 특히 민중의 삶에 뿌리내리고 있는 소박하고 솔직한 인간미에 높은 가치를 두었다. 셋째, 한국적 미의식을 표현하는 고유한 범주로는 "멋", "일탈", "신명", "풍류", "해학", "한", "흥", "무심", "고졸" 등의 개념들이 있다. 한국 예술은 삶의 희로애락을 승화시켜 표현하면서 다양한 미의식의 유형을 나타냈다. 밝고 즐거운 정서는 "흥"과 "신명"으로, 슬픈 정서는 "한"으로 표현했다. 한국적 미의식에는 즐거움이나 희열, 슬픔과 한, 노여움 등, 이 모든 것을 세상사의 일부이자 자연과 우주의 이치로서 포용하고자 하는 관조적 정신이 깃들어 있다. 밝은 정서를 바탕으로 한 삶에 대한 관조적 태도는 희극미에 속한 "해학"에서 나타난다. 삶의 현상 속에서 본질을 예리하게 간파하면서도 웃음을 통해 타자적인 것에 대한 공감과 이해를 잃지 않는 해학에서 공동체의 정신을 볼 수 있다. 더 나아가서 모든 정서를 발로시키며 또 더 높은 차원으로 아울러서 승화시키는 미의식으로써 풍류가 제시된다. 풍류심이 한과 해학을 포괄한다는 견해 역시 비극미와 희극미라는 대립되는 미의식을 더 큰 우주적 미의식으로 통일시키고자 하는 관점으로 파악된다. 모든 극한되는 정서가 상호이행하며 승화될 때에는 얽매여 있던 것으로부터 벗어나는 감정의 순화가 일어난다. 그러므로 풍류는 "탈속"이나 "무심"의 상태까지도 포괄한다. 한국인들은 주어진 삶의 조건을 받아들이면서도 슬픔이나 한을 삭여서 즐거움으로 전환시키려는 강한 생명력을 예술을 통해 표현해왔다. 서로 대립되는 미의식의 상호교호 속에서, 희로애락을 삶이라는 총체성 속에서 해소·승화시키고 대립된 것을 공동체 속에서 통합시키려는 정신은 한국적 미의식의 고유성을 이룬다. Recent Studies on Korean beauty were carried not only in every genres of art, but also in many spiritual aspects of problem like philological inquires, and influence of religious culture, resulting in various aesthetic consciousness. This paper aims at collecting these research findings, categorizing the aesthetic consciousness commonly emphasized by researchers, and finally examining their characteristics. Thereby we tried to grasp the uniqueness of Korean aesthetic consciousness from a broad viewpoint. Firstly, we try to look into the basis of Korean aesthetic consciousness from the point of spiritual view. The aesthetic directionality toward the intergration between oppositions in Korean people is often expressed as an aesthetic consciousness being combined with contradictory attributes. Taking examples for it, they could be expressed as the aesthetic consciousness in which the most masterful skill and rustic and artless state coexist, and deep sorrow and cheerful enthusiastic mind alternate with, enhancing aesthetic level higher than ever. Secondly, we looked into the important meanings of art rooted in the people's everyday life, what we call types of aesthetic ideas, Naturalism, beauty of human mind. "Naturalism" is interpreted as an aesthetic idea to drag much greater thing into the art beyond the humane. The Korean aesthetic consciousness is strongly tend to take into more considerations the spiritual beauty of subject than the sensuous formal beauty of object. Particularly the Korean people place high values in simple and honest human beauty rooted deeply in the peoples life. Thirdly, there are specific categories that represent Korean aesthetic consciousness, that are "Meot"(taste), "deviation", "Shinmung", "Poong Ryoo", "Humor", "Han", "Heung", "absence of the wordly desires", "archaic artlessness". These categories show that cheerful and pleasant emotions are expressed as "Heung"(excitement) and Shinmyung, sad emotion is expressed "Han"(sorrow) in Korean art. Korean aesthetic consciousness exposes a certain contemplative spirit embracing all emotions as a part of ways of the world and reason of nature and universe. The contemplative attitude to life based on cheerful emotion is revealed in Humor. Humor is marked by seeing through essence of life, not losing sympathy and understanding of the others, and is sublimated in the community spirit. Further more Humor tend to raise an aesthetic consciousness called Poong Ryoo that sublimates all the emotions into the higher dimension. Poong Ryoo is supposedly included in "Han" and "Humor" in connection that the aesthetic consciousness is universal unifying contrasting emotions, like the tragic and the comic. Katharsis arises emotionally out of repressed feelings, when the conflicting emotions are interchanged and sublimated. Therefore Poong Ryoo is to include even unworldlineness, absence of the wordly desires. Accepting conditions of their life, Koreans had strongly expressed driving force in life that is capable of turning "Han"(sorrow) into Shinmyung (excitement) in art. This force represents Korean people's aspiration which integrates the conflicts in the community, interchanging contrasting emotions each other and sublimating all sort of human emotions in totality of life.
한국 근현대미술에 나타난 시각기호와 미적 가치에 대한 연구 : 자연모티브를 중심으로
이주영 ( Joo-young Lee ) 한국미학예술학회 2016 美學·藝術學硏究 Vol.49 No.-
본 연구는 한국 근현대미술에 대한 기호학적 연구의 필요성을 제안하고 한국미의 고유성을 이루는 시각기호의 상징을 탐구하였다. 이를 위하여 연구자는 첫째, 기호학적 미학의 연구 성과를 수렴하고 유형별로 그 특성을 논하면서 미적 가치가 기호학적인 관점에서 어떻게 논의되는가를 탐구하였다. 둘째, 그 결과를 한국 근현대미술의 미적 가치를 분석하기 위한 시각기호에 적용하였다. 자연은 한국 근현대미술을 관류하는 가장 중요한 미적 가치이다. 자연을 표현한 기호들은 그 자체가 미적인 것이 아니라 근원적 자연을 상징하는 기호의 의미작용 때문에 미적인 것이 된다. 한국 근현대작가들은 우리를 둘러싸고 있는 자연의 형상을 아름답게 형상화해내는 것 보다는 이러한 자연의 소재에 대한 철학적 성찰을 보여준다. 이들은 작품을 통해 자연을 암시하는 시각기호를 통해 자연의 근원적 의미를 묻는 미적 가치를 표현한다. 작품에 나타난 시각기호는 도상성의 정도 차이에 따라 자연을 구체적으로 드러낼 수도 있고, 상징적으로 지시할 수도 있고 자연과의 어떠한 외적 유사성도 갖지 않을 수 있다. 이러한 기호의 의미가 수용의 맥락에서 자연으로 이해되고 가치를 갖는 것은 기호해석의 규약성과 사회적 맥락에서 발생한다. 한국 근현대미술에서 자연을 암시하는 주된 기호적 특성은 점과 선, 원이다. 점과 선은 한국화가들에게 있어서 표현의 기본 단위로서, 특히 추상회화는 이 두 단위에 주로 기초하고 있다. 점은 무한한 것을 암시하는 최소한의 수단이다. 선을 반복적으로 활용하는 작가들은 이를 통해 삶의 리듬, 반복성, 우주의 무한성 등을 표현하고자 한다. 원은 점에서 출발한 것이고 점이 확장된 것이며 모든 것을 포괄한다. 우연성은 인간의 의도가 전적으로 개입되지 않는 자연적인 것을 표현하고자 하는 예술적 제스츄어이다. 여백은 자연의 발언이며 표현할 수 없는 것을 담고 있는 정보이다. 작가들은 흙, 모래, 돌, 나무, 한지 등의 자연적 재료를 선호하며, 이를 활용하여 자연의 가장 내재적 속성이 드러나게 만들고자 한다. 작가들은 작품에서 완벽한 것을 만들어낸다는 의도에서 거리를 두고 언제나 자연이 침투하게 만드는데, 이는 인간이 자연의 일부라는 기호적 표현이다. 한국 근현대 작가들은 시각기호를 통해 보이는 자연에서 보이지 않는 자연을 표현하고자 하는데, 이는 자연의 본질로서의 생성과 변화이다. 자연은 궁극적으로 표현할 수 없는 것에 대한 메타포로 나타난다. This study suggests the need for a semiotic study of modern and contemporary art in Korea and explores the symbol as a visual sign that forms the uniqueness of Korean beauty. To do this, the researcher first explored, through types of research into semiotics aesthetics, how the aesthetic values are discussed from the semiotic point of view. Those results were then applied to the field of visual signs for an analysis of the aesthetic values of Korean modern and contemporary art. Nature is the most important aesthetic value flowing through Korean modern and contemporary art. Signs, which express nature, are not themselves aesthetic but become so for the signification of signs that symbolize fundamental nature. Korean artists show a philosophical reflection on nature`s motives more than they form a nature beautifully surrounding us. They express the aesthetic value of nature, asking about its fundamental meaning through visual signs that suggest it. When this meaning of sign is understood and its value viewed in the context of acceptance, it can occur in the context of conventions for sign interpretation and of society. The main semiotic characteristics suggestive of nature in Korean modern and contemporary art are point, line and circle. Point and line are basic units of expression for Korean painters; their abstract paintings are mainly based on these two units. Point is a minimum means to imply the infinite. Artists make use of the line repeatedly, seeking to express the rhythm and repetition of life and the infinity of the universe. Circles, begun and expanded from the point, embrace everything. Contingency is an artistic gesture to express that human purpose is not entirely involved. Blank space is nature`s speech as well as information, both including what cannot be expressed. Artists prefer natural materials such as clay, sand, stone, wood, and hanji, and use them to reveal the most intrinsic properties of nature. They keep their distance from the intention to create the perfect work and let nature penetrate at any time. This attitude is a symbolic representation that humanity is a part of nature. Korean modern and contemporary artists want to express through visual signs creation and change, the invisible essence of nature. Nature appears as a metaphor for what ultimately cannot be expressed.
윤소림 ( So-rim Yoon ) 한국미학예술학회 2017 美學·藝術學硏究 Vol.50 No.-
본 연구는 현대의 공방공예(Stiudio Craft)의 근간을 마련한 버나드 리치(Bernard Leach, 1887-1979) 자신의 공예관에서 지향하고 계승하려 했던 한국 문화와 도자예술의 미적 관점을 연구함으로써 현대공예의 주체의식을 확보하는데 중요한 단서로 적용될 수 있다는 결과를 얻기 위함이다. 윌리엄 모리스가 19세기 자본주의 체재 내에서 발생한 경제적 여건과 노동의 가치변화를 경계하여 새로운 공예인식을 제시한 인물이라면 리치는 20세기 사물이 지닌 역사적이면서도 인간 삶 속의 가치에 집중한 공방공예의 길을 확보하였다. 하지만 공예의 범위를 재료적 물질의 순수성에 제한한 이후 미국과 유럽 등지에서 전개된 현대 공방공예와는 차이점을 보이고 있는데 이는 현대 공방공예가 현대의 순수예술(Fine Art)의 영역과 비교된 공예의 영역을 확보하기 위해서 기인되었다고 할 수 있다. 리치의 공방공예는 근대사회의 병폐를 극복하는 데 있어 올바른 삶을 영위할 수 있게 하는 수단이 될 것이라 확신하였고, 그가 경험해오고 추구했던 동서양의 비교문화적 사상들의 결합이 중요한 역할을 한다고 생각하였다. 중국의 당·송 도자, 한국의 청자와 백자, 일본 다도용 찻잔 등은 그가 생각한 성공적인 공예 결과물이었다. 야나기 무네요시와 함께 한국을 두 차례 방문한 버나드 리치에게 한국 미의분석은 그의 작업에 많은 영향을 끼쳤다. 첫 번째 여행에서 경험한 한국의 풍경이 기존에 자신이 가져 왔던 `선의 미`의식을 새롭게 일깨워주었고 그 중 고려상감청자는 인간의 정신적 가치가 발현된 영속적 사물이라는 점을 확인하였다는데 의의를 둘 수 있다. 그의 두 번째 방문은 이전까지 지녀 왔던 리치의 한국 공예관을 조선 백자미의 발견과 함께 더욱 구체적으로 만들었다. 야나기의 민예사상을 직접적으로 체험하고 이후 그가 영국의 리치 포터리에서 구현한 공방공예에서 한국도자의 개념적·기술적인 면을 계승하였다. 그의 저서 『도공의 지침서 A Potter`s Book』에서는 리치가 계승하고 응용했던 한국 도자의 양식과 기술을 면면히 살펴볼 수 있다. 첫째로 유럽에서는 최초로 환원소성이 가능한 한국 터널식에 기초한 `오름가마`를 변형하여 설치하였다. 둘째로, 그가 공수할 수 있는 원료로 만든 태토 위에 고려청자의 청자색과 `선의미`를 구현하려 한 점이다. 셋째로, 리치가 보여 준 도자기 위의 드로잉들은 조선의 청화백자, 철화백자 위의 그림과 분청사기의 화장토 사용에 많은 연관이 있음을 찾을 수 있다. 현재다각화된 시각예술의 범위에서 리치의 공방공예를 적용하기에는 많은 문제점이 드러나고 있다. 하지만 2차 세계대전 이후 산업사회와 순수예술 사이에서 정체성을 잃어가는 공예와 사물관을 바로 잡으려는 노력은 현재에도 마찬가지로 절실하게 요구되고 있으며 리치의 확장된 사물관을 계승하여 행복한 인간 생활을 영위하기 위한 인공물의 제작의 노력이 필요하다. 더불어 그가 지향했던 공방공예에서 수용된 고려청자, 조선백자와 조선 미의식에 대한 연구는 전지구적관점에서 한국 미의 해석을 입체적으로 구성할 수 있도록 하는 데에 의의가 있다. This study is for identifying the relation between Korean ceramic culture and Bernard Leach(1887-1979)`s craft value. Leach is one of the remarkable artist who established the system of Contemporary Studio Craft. Carrying out his point of view of Korean culture could raise a sense of sovereignty to crafts in Korea. Although William Morris presented a new art and craft configuration against capitalism which downsized the value of human labour in 19th century, Leach widened the concept of Studio Craft focused on historical objects which contributed for humanity. Also, Leach`s Studio Craft and Contemporary Studio Crafts deployed at US and Europe had differences. Contemporary Studio Craft tended to be in compared with Fine Art which dealt with expression of materiality rather than Leach`s idea which had strong will to overcome the devastated modernism. To approach Leach`s ideal craft objects, he thought that uniting philosophies and experiences between East and West would be the core key of solution. He visited Korea in 1920 and 1935 with Soetsu(Muneyoshi) Yanagi and wrote about the trips in his books. On his first visiting. he exploited `the beauty of line` through Korean landscape and objects in their lives. Especially he found Goryeo celadon that showed ever-changing consensus which contains human`s spirituality. On his second visiting, his interest for Goryeo celadon moved to Joseon white porcelain which gave him experience of what is Yanagi`s Minye(Mingei; folk craft). Leach modified and applied the technique and idea of Korean pottery which connected Minye-nameless living objects for his Studio Craft called Leach Pottery at St. Ives in Britain. They are climbing Korean kiln, glaze color of Krai celadon expressed as `the colour of the sky after rain`, and drawings on Joseon white porcelain and Buncheong stoneware. There are some problems to apply Leach`s Studio Craft in this diversified contemporary visual art. However, the needs to set right objectivity among the industrial society and Fine Arts since the Second World War is urgent. Leach`s effort to widen craft both conceptually and plasticly is just one trying to recover humanity and lead a life without pretense. Also the fact that Korean artefacts played importantly for Studio Craft has significant point which open the possibility to re-construct the aesthetic of Korean culture globally.
이우환의 <관계항>에서 최정화의 <인류세>까지: 비인간 행위자로서의 플라스틱과 한국적 모더니즘의 물성(物性)
우정아 ( Jung-ah Woo ) 한국미학예술학회 2021 美學·藝術學硏究 Vol.63 No.-
본 논문은 플라스틱을 주재료로 사용해 온 미술가 최정화의 작업을 통해 플라스틱의 사회·문화적 의미를 고찰하고, 이를 바탕으로 한국적 모더니즘의 역사적 맥락에서 사물이자 물질로서 플라스틱의 위상을 재고한 시론이다. 본 문에서 주목한 것은 1960년대 후반, 한국 미술에 영향을 미치기 시작한 이우환의 미술론과 1970년대 전반까지 활발했던 한국의 실험미술에서 일상적인 사물과 물성에 천착했던 경향이다. 이우환은 근대성과 인간중심주의, 이원론적 가치관에 대한 대안적 태도로서 ‘있는 그대로의 세계’를 마주할 것을 주장했고, 이는 1970년대 초, 한국의 설치 및 오브제 미술에 많은 영향을 미쳤다. 본문에서는 이를 최근의 사회과학계에서 주목받는 신유물론과 특히 브뤼노 라투르의 행위자-연결망 이론의 관점에서, ‘물질적 전회’의 형태로 새롭게 보고자 했다. 인간중심적인 서구 근대의 사고방식에 도전한 라투르의 기획과 2000년대에 사회과학 전반에 걸쳐 일어난 ‘물질적 전회’가 1960년대 후반부터 서구 근대주의의 폐단에 대한 대안이자 저항으로서 일원론적 주객일치에 천착해온 한국 현대미술의 큰 흐름과 많은 부분을 공유한다고 보기 때문이다. 이처럼 행위자-연결망 이론에 근거하여 플라스틱을 재고하면 이는 단순히 인공의 제품이 아니라 본연의 성질에 충실한 물질이자 질료로서 최정화의 작업에 지금까지 대단히 적극적이고 다양한 방식으로 개입해왔다는 사실을 인식하게 된다. 나아가 한국미술의 물성(物性)의 계보를 단지 한국성의 추구나 정신성의 발현으로 보지 않고, ‘비인간 행위자’로서 물질 혹은 질료의 관점에 주목하여 21세기 신유물론의 기획으로 읽는다면, 1960년대 후반의 실험미술과 한국의 동시대 미술을 새로운 틀에서 바라볼 수 있는 단초가 된다. This study explores the sociocultural meaning of plastic based on the works of Choi Jeonghwa, and reconsiders the status of plastic both as object and material in the historical context of Korean modernism. It specifically focuses on Lee Ufan’s artistic practices and critical discourses, which became highly influential in the development of experimental art of Korea in the late 1960s that was inclined to emphasize materiality and sheer objects. Lee argued for encountering the “world as it is,” as an alternative to European modernism’s anthropocentrism and the bipolar value system. This paper analyzes the discourse of materiality of Korean modern art in terms of new materialism and the Actor-network theory (ANT) of Bruno Latour, as a way to avoid the essentialist perspective of Dansaekhwa that emphasized spirituality and “Korean-ness” in its promotion. If we reconsider materiality not only as an artistic medium, but also as a “non-human actor,” as suggested by Latour, it will shed new light on the progress of Korean art from the experimentation of the 1960s to Choi Jeonghwa’s active involvement with plastic as a primary material.
지순임 교수 정년퇴임기념 강연 : 요산요수(樂山樂水)의 산수화미학(山水畵美學)
지순임 한국미학예술학회 2011 美學·藝術學硏究 Vol.34 No.-
山水畵란 山水自然 그 자체의 표현인 동시에 인간 스스로가 자연에 대하여 보고 느낀 감상을 예술적으로 표현한 것이기에, 화가에게는 산수에 대한 관조정신과 더불어 표현을 통해 자신의 인격을 수양하게 하고, 감상자에게는 산수자연의 그림형상을 통해 정신적인 위안과 활력을 돋우는 작용을 하여 우리 인간에게는 좋은 정서를 함양하게 하는 회화장르이다. 이러한 산수화가 산수자연의 어떠한 미적 관조정신이 작용하여 우리만의 독자적 특수성이 드러난 한국산수화를 그리게 되었는지 미학적 시각에서 밝힌 내용이다. 산수는 누구나 좋아하는 美的觀照의 대상이다. 특히 君子의 소양을 지닌 德行을 갖춘 사람일수록 산수자연을 좋아하고 즐긴다. 왜냐하면 산수자연에 내재한 이치가 인간이 인간답게 살아가는 이치와 일맥상통하기 때문이다. 이렇게 군자적 소양을 지닌 사람들이 자연의 道를 따르기 위해 관조한 내용이 養性之資(善), 窮理盡性(眞), 幽情美趣(美)의 정신이다. 養性之資(善)는 자기의 天性을 길러 잘 자라게 돕는다는 뜻으로 산수자연에 내재된 이치를 통해 자신의 인격을 수양하는 자연관조적 태도를 말한다. 산수자연을 표현하는 산수화가 동양회화의 핵심적 장르가 된 것도 사실은 정신세계의 수양을 강조하고 있기 때문이다. 그런데 고상한 예술품을 제작하는 화가는 정신 수양이 선행되어 정중한 표현, 물질의 타당한 운용이 성취될 때에 비로소 좋은 작품을 제작할 수 있다. 이 때 화가의 내적 정신수양은 산수자연의 관조를 통해 그 섭리를 깨달음으로써 이루어질 수 있고, 외적 표현의 수양은 많은 필묵연습을 통하여 기법을 이해함으로써 이루어질 수 있다. 이러한 수양이 善한 인간의 자연관조적 실천이고 또한 자신의 天性을 길러 잘 자라게 돕는 養性之資인 것이다. 窮理盡性(眞)은 사물의 이치를 궁구하고 타고난 본성을 다해 天理에 이른다는 뜻이다. 조선 후기의 眞景山水畵는 朝鮮性理學的 자연관이 작용하여 단순한 산수자연의 形似的 묘사뿐만 아니라 산수자연에 내재된 본질적 이치를 중요시하는 窮理盡性의 미적 내용이 傳神 가치를 지키면서 사실성을 구현한 산수화이다. 그리하여 진경산수화는 우리나라 산수자연을 직접 체험하고 느낀 산천 형상을 사실성에 근거하면서 산수자연의 이치를 궁구하고 자연의 본질적 眞面目을 신운神韻이 느껴지게 그려낸 窮理盡性의 眞理가 표현된 회화이다. 幽情美趣(美)는 그윽한 정서를 느끼는 조용한 기분과 뛰어난 맛이다. 幽情은 깊은 생각, 조용한 마음의 적막한 감정을 의미하며, 美趣는 좋은 뜻과 아름다운 형세를 의미한다. 이 산수화는 實景을 대상으로 그리기는 하였지만, 새로운 문인화풍의 부드러운 정서로 詩的인 정취와 맑고 깨끗한 분위기를 특색으로 하는 남종산수화풍의 그림이 되었다. 이 남종산수화풍은 대부분 주관적인 寫意를 드러내었기 때문에, 자기 양식의 형성보다 작가의 내적 인품이나 탈속적 경지를 주로 강조했다. 바로 「幽情美趣」의 정서가 느껴지는 작품이다. 산수화의 미학적 의미는 자연을 예술 창조하는 데에 없어서는 안 될 기초와 원천으로 하여 화가의 주관적 창조성과 필묵의 정묘함을 통해 새로운 자연의 세계를 가시적으로 보여주는데 있다. 그런데 이 화가가 보여주는 세계는 곧 자신의 인격수양을 통한 인문적 교양세계로 養性之資(善) 窮理盡性(眞) 幽情美趣(美)의 관조정신을 드러낸 한국적 산수화이기에 그 의미가 크다. 결국 산수화는 화가가 산수자연의 정신을 도덕적이고 자율적으로 펼칠 때, 인격 수양된 잠재력까지 동원하여 暢神하는 자유의지로 표출한 작품이기에, 인간에게 그 형상을 통해 정신을 유쾌하게 해주는 작용을 한다. 그러므로 인간은 자신을 다스리는 데 있어 자연이치와 美德을 반영한 산수화작품이 자신의 철학과 예술 사이에서 사유하게 하는 작용을 한다. 이것이 바로 미학적 작용이다. 현대는 자연도 많이 개발되어 변화되었고 인간의 가치관도 많이 달라졌지만 그래도 오늘날의 자연을 樂山樂水하는 마음으로 보아 현실적 자연에 내재 되어있는 이치를 현대적 시각으로 파악하고 善이 바탕이 되는 미덕을 실천하면서 국제적으로 보편적이고 한국적 독자성이 잘 드러나는 이 시대가 요구하는 작품을 창조해야만 진정한 한국적 예술문화를 구축하리라 생각한다. 這本是在北宋繪畵,關於文人畵論的作用和其意味硏究考察了.從而意在多經過反省所過去文人畵論硏究的認識不足,試圖把樣方面的接.所謂山水畵旣是山水自然本身的表現,同時也是人面對自然時的感覺之藝術性表現。因此,山水畵使畵家涵養對山水的觀照精神,幷通過其表現修養人格,而山水畵讓鑒賞者通過自然山水的繪畵形象感受精神的慰藉與活力。由此可知,山水畵是一種可以涵養良好情緖的繪畵題材。本文旨在從美學角度闡明是山水自然的何種美的觀照精神作用到上述的山水畵中致使我們創作出了獨具特色的韓國山水畵的。山水是人皆愛之的美的觀照對象.。尤其具備君子素養德行兼備的人更對山水自然喜愛有加。因爲山水自然的內在之理與爲人之道是相通的。有君子素養的人爲了遵循自然之道所觀照的正是養性之資(善)、窮理盡性(眞)、幽情美趣(美)的精神。養性之資(善)是指養人之天性而助其長之意,?通過山水自然的內在之理來修養自身人格的自然觀照的態度。表現山水自然的山水畵之所以成爲東洋繪畵的核心體裁,也是因爲强調精神世界的修養所致。而創作高雅的藝術品的畵家只有在成就了精神修養的前提下,再完成表現的鄭重其事及物質的妥當運用,才可以製作出好的作品。此時,畵家的內在精神素養可通過山水自然的觀照悟得其理而實現;外在表現的修養則可通過筆墨練習的錘煉,理解其技法而實現。這樣的修養就是善人的自然關照之實現,也是養己天性而助其長的養性之資。窮理盡性(眞)是指徹底推究事物的道理,盡人之天性而至天理。朝鮮後期的眞景山水畵受到了朝鮮性理學自然觀的影響,是旣强調山水自然的形似的描寫、也注重山水自然內在的本質之理的窮理盡性的美的內容的,旣守了傳神的價値,也體現了寫實性的山水畵。因此,眞景山水畵是將親身體會到的我國山水自然的形象遵循寫實性原則幷探究山水自然之理,同時將自然的本質性眞面目畵得可以感覺出神韻,表現出窮理盡性之眞理的繪畵。幽情美趣(美)是指感受幽靜情趣的寧靜感與超然之味。幽情意指深遠的情思,靜謐心境的寂靜感,美趣指美好之意與秀麗之形勢。此山水畵雖以實景爲對象作畵,但新文人風格的委婉使之成爲了以詩般情趣及淸淨之분圍爲特色的南宗山水畵。因此類南宗山水畵風大多體現主觀的寫意性,所以比起個人樣式的形成,則更注重强調作者的內在品性或脫俗的境界。就是讓人感到"幽情美趣"的作品。山水畵的美學意義在於將自然視爲藝術創作不可或缺的基礎與源泉,通過畵家的主管創造性與筆墨的精妙把新的自然世界可視性地展現出來。而其意義之大在於此時畵家展現的世界是通過自身的人格修養的敎養世界來體現養性之資(善)、窮理盡性(眞)、幽情美趣(美)的觀照精神的韓國式山水畵。歸根結底因山水畵是在畵家道德地,自覺地展現山水自然的精神之時,將自己人格修養成就的潛力發揮得淋리盡致而表露出暢神的自由意志的作品,所以山水畵通過其形象給人以精神愉悅的感受。因此,反映了自然之道及美德的山水畵在人調節自我的方面,起到了使人思索自身的哲學與藝術的作用。這就是美學作用。筆者認爲:而今,自然被開發變了흔多,人的價値觀也改變了不少,但今天的自然也需要我們以樂山樂水的心態去觀察,讓我們用現代的視角去掌握現實的自然中包含的道理,幷實踐以善爲基礎的美德的同時,創造出符合時代要求的、國際上普遍且韓國獨有特點突出的作品才能構建眞正富有韓國特色的藝術文化。
정체성 규명과 해석가능성 모색의 사이 : 한국예술'의 재담론회를 위한 소고 A Critical Review for the Discourses on the Korean Art
이인범 한국미학예술학회 2001 美學·藝術學硏究 Vol.13 No.-
It was after Korea was colonized by the imperial Japan, that Korean traditional Art became to be studied by Korean. From the beginning, Korean science of art was to establish its own project to verify the originality of Korean traditional Art. Korean scholars were impelled to identify Korean traditional Art against several Japanese scholars, who had reported already that Korean traditional Art is not characteristic and heteronomous, to colonize Korea. Most probably, Korean scholars has studied Korean traditional art to define the national character of it, comparing with other country's art. Even though Korean is independent politically, nowadays. Korean scholars are still interested at defining the identity of Korean art and culture in clear and closed statement. However, the clear definitions of art depend on the nationality, makes the real interpretation of art itself too narrow and disturbs the interpretation itself. Sometimes the understanding of art is to be standardized, sometimes it is to be metaphysicalized. Furthermore, the other various factors of art such as genres, classes, genders, materials, techniques, metaphysic진prepositions, etc., might be excluded except the just nationality. Therefore, It is demanded to open the discourse, beyond defining the identity of Korean art.