펑크 리듬의 발생과 발전 그리고 응용 방법 연구 - 펑크 리듬과 아프로 큐반 리듬의 구조적 연관성 분석을 중심으로 -

이창구 대중음악콘텐츠학회 2022 대중음악콘텐츠 Vol.6 No.1

Funk rhythm was created and developed by James Brown and his bands in 1965, and applied and fused Latin music rhythms influenced by African Americans to American popular music. This thesis studied the relationship between funk rhythm and African rhythm, which had a great influence on the rhythm of popular music, from a structural point of view. The purpose of this study is to systematically analyze the generation and development of funk rhythm, which has a great influence on the rhythm of popular music, and to present the principles of rhythm application and fusion method. The research method was analyzed by comparing the rhythm structure of Latin music with the funk rhythm established after the release of James Brown's album in 1965, which is called the revolution of popular music rhythm, and the method of creating and applying the rhythm of popular music was studied. As a result of the study, a correlation could be found between the clave, the central rhythm of Latin, and the drum rhythm used in popular music. Finally, if this method is used, the possibility of creating a new popular music rhythm by applying many traditional rhythms is suggested. 이 논문은 대중음악의 리듬에 큰 영향을 끼친 펑크 리듬과 아프로 큐반 리듬을 구조적 관점으로 분석하여 그 연관성과 응용과정을 연구하였다. 펑크 리듬은 1965년 제임스 브라운과 그의 밴드들에 의해 발생 및 발전되었으며, 아프리카에서 온 흑인들에게 영향을 받은 라틴 음악의 리듬을 미국 대중음악에 적용하고 융합하여 만들어 낸 리듬이다. 대중음악 리듬에 큰 영향을 끼치고 있는 펑크 리듬의 발생과 발전에 대해 체계적으로 분석하여, 리듬의 응용과 융합 방법의 원리를 제시하는 것이 이 연구의 목적이다. 연구 방법은 대중음악 리듬의 혁명으로 불리는 1960년대 중반 이후의 제임스 브라운의 앨범에 정착된 펑크 리듬과 아프로 큐반 음악의 리듬 구조를 비교하여 연관성을 분석하였고, 대중음악 리듬으로 응용 및 적용하는 과정에 대해 추론하였다. 연구 결과 아프로 큐반의 대표적인 리듬들과 대중음악에서 사용되는 펑크의 중심 리듬에서 그 연관성을 찾을 수 있었으며, 특히 드럼의 킥 패턴과 킥과 스네어 드럼 조합의 패턴을 응용하여 대중음악 리듬으로 만들었다는 것을 도출해 내었다. 마지막으로 이 방법을 활용하여 좀 더 많은 전통 리듬들을 응용하여 새로운 대중음악의 리듬을 응용하고 만들어내는 가능성을 제시하였다.

국내 CCM 영상 콘텐츠의 특성 분석 - 2010년대 이후 유튜브 콘텐츠를 중심으로 -

임성규,홍성규 대중음악콘텐츠학회 2022 대중음악콘텐츠 Vol.6 No.2

The production of various CCM video contents are increasing since Youtube officially launched in South Korea. Currently, the video production of CCM-related contents has become an essential element for the growth of the domestic CCM culture. However, there are no studies related to this. It was thought that discussions on related research should be actively conducted to support such sustainable development. Thus, this study is intended to help understand production of CCM video contents through YouTube and its impact on domestic CCM culture. The study primarily analyzed channels that were established starting from 2010 thus selecting 「J-US Ministry」, 「WELOVE CREATIVE TEAM」, and 「Isaiah 6tyOn e」. From each channel, the characteristics of domestic CCM-related video contents were understood and analyzed. First, the characteristics of the online content were primarily used. Content was produced using themes and shooting techniques beyond the constraints of time and space. Contrasted to previous familiar settings, it was found that the content used more diverse settings. There were also new attempts in stage directing and performance methods. Second, lyrics were expressed differently. The lyrics honed in on concepts that introduced commonly used words such as, ‘empathy’, and more abstract words and combination of words such as, ‘time’ and ‘breakthrough’. Third, there was a musical attempt that went beyond the existing norm. It was analyzed that a leap of fifth or wider interval was used to go beyond the general characteristics of worship music, and the mood (atmosphere) of the music was expressed by utilizing a rather high note of treble G#. This study has limitations in that it only dealt with a narrow pool of domestic CCM-related contents from YouTube. Thus, further related studies are expected. 국내에서 유튜브가 정식으로 서비스를 시작한 이후로 다양한 CCM 영상 콘텐츠의 제작이 늘고있다. 이제 CCM 영상 콘텐츠의 제작은 다양한 활동을 위한 필수적인 요소로 자리 잡고 있으며 이는 국내 CCM 문화의 성장에 좋은 양분이 되고 있다. 하지만 이와 관련된 연구가 전무한 실정이다. 지속적인 발전을 위해 관련 연구에 관한 논의가 활발히 이루어져야 함을 생각하였다. 그리고 본연구를 통해 유튜브를 통한 CCM 영상 콘텐츠의 제작과 국내 CCM 문화에 도움이 되고자 하였다. 본 연구는 2010년대 이후 CCM 영상 콘텐츠를 분석하여 특성을 도출하였다. 국내 CCM 관련 콘텐츠채널 중 2010년대 이후의 결성된 팀의 채널을 분류하여 다양한 기준을 통해 「J-US Ministry」와「WELOVE CREATIVE TEAM」 그리고 「아이자야씩스티원(Isaiah6tyOne)」을 선정하였다. 그리고각 채널의 콘텐츠와 음악을 중심으로 분석하여 도출해낸 특성은 이러하다. 첫째, 온라인 콘텐츠의특성이 활용되었다. 시공간의 제약을 벗어나는 주제와 새로운 촬영기법을 활용한 콘텐츠가 제작되었고, 무대 연출과 연행방식에서도 새로운 시도가 있었다. 둘째, 새로운 노랫말의 표현을 사용하였다. ‘공감’이라는 일상적 단어와 ‘시간’과 ‘뚫다’라는 다른 개념의 단어가 혼합된 노랫말을 사용하였다. 셋째, 기존의 형태를 벗어나는 음악적 시도가 있었다. 예배음악의 일반적인음악적 특징에서 벗어나 5도 이상의 도약을 사용하였고, 2옥타브 솔#(G#)의 다소 높은 음의 사용이 있었다. 본 연구는 유튜브를 통한 국내 CCM 관련 콘텐츠 중 일부만을 다루었다는 점에서 아쉬움을 남긴다. 그리고 이와 관련된 연구가 계속해서 진행되기를 기대한다.

한국 창작 뮤지컬 음악의 융합적 요인 연구 - 뮤지컬 『서편제』의 구조와 넘버를 중심으로 -

이희숙,정지영 대중음악콘텐츠학회 2022 대중음악콘텐츠 Vol.6 No.2

The musical 『Seopyeonje』 used as a main material of Korean antique melodies with the convergence and the main characters of this musical are Songha, Yoobong and Dongho who had been tried to find their own music through popular music and the traditional songs, Pansori. This paper investigated and analyzed the many types of convergence in style, structure and melody with the elements of music based on Changkuk and music theory of Korean traditional melodies through the main numbers of the musical 『Seopyeonje』. As a result, there are some high artistic values of structure, style and melody in the musical 『Seopyeonje』 by considering effectively the convergence of musical genres and ensembles of instruments and vocals. Firstly, from a structural point of view, the main three characters played two different music roles in Pansori’s melodies and the popular music performance as a production number, respectively. This structural convergence makes the audience to immerse themselves in the musical dramatically. Secondly, the most distinctive factors are the performance of Pansori enclosed in harmonic progressions of popular music and the pentatonic melody changed into tonal melody. Lastly, the remarkable numbers of musical 『Seopyeonje』 have included the same interval structure of Bonchung and Hachung which are the Korean traditional theory even though the melodies of numbers in the musical are not based on the pentatonic scale. There are some limitations in implementing several convergence methods by analyzing the musical 『Seopyeonje』. We suggest a better future research on many musicals by applying several convergence methods. 이 논문은 창작 뮤지컬 『서편제』의 주요 넘버 중 한국 음악적 요소와 서양의 음악적 요소가융합된 형태를 분석하였다. 한국의 전통적인 음악으로만 이루어진 작품들은 대중적인 흥행을 이끌어 내는데 한계가 있으며 결국 서양 대중음악과의 융합된 콘텐츠가 필요하다. 이 연구의 목적은한국의 음악적 요소와 서양의 음악적 요소가 융합된 뮤지컬 작품 중 성공한 『서편제』의 음악을분석하여 융합 방법에 대해 제시하는 것이었다. 연구방법은 첫째 대중음악의 요소가 자연스럽게융화될 수 있도록 줄거리의 각색 방법, 둘째 한국 전통음악과 서양 대중음악이 융합된 뮤지컬 넘버를 수직적 관점과 수평적 관점의 화성과 선율로 분석하였다. 연구결과 『서편제』는 주요 등장인물들의 갈등 관계를 한국 판소리와 서양 대중음악의 갈등 구조로 배치하여 작품의 극적 몰입도를 부각시키는 이야기의 각색을 사용하였다. 또한, 한국 음계의 선율 진행에 서양의 단조 조성을가진 선율로 전환 시켜 수평적 융합을 하였고, 한국의 판소리에 서양 대중음악의 화성을 악기로연주하여 수직적 융합을 하였다. 결국, 뮤지컬 서편제는 한국의 전통음악 요소와 서양 대중음악의요소들이 잘 융합되어 창작되었음을 알 수 있었다. 이 논문은『서편제』한 편으로 분석을 하여다양한 융합 방법을 도출해 내기에는 분석 대상의 한계를 가지고 있었다. 따라서 앞으로 많은 작품에 대한 연구가 이루어진다면 다양한 융합 방법에 대해 정립하고 제시할 수 있을 것으로 제언하였다.

합창작품에 나타난 대중적 켈틱 요소의 특징 연구 - 마이클 맥글린의 《켈틱 미사》를 중심으로 -

진형곤,류현수 대중음악콘텐츠학회 2022 대중음악콘텐츠 Vol.6 No.2

Celtic music is folk music of the Celtic as ancestor in Ireland with characteristics and exotic sound has adopted popular materials of culture including lyric and romantic melodie s. This paper analyzed the first movement, <Kyrie> and the last movement, <the Lord’s Praye r> in 《Celtic Mass》 by Michael McGlynn who employed principally celtic materials as popul ar music in the choir. Generally the celtic music was for solo for voice and chamber music before, according to this study the celtic choral music this study have an object in view to show popular value of Celtic Mass with convergence in choral music. There are church mode s with contemporary techniques in Michael McGlynn’s choral music from point of view of conv ergence and compromise with celtic music. As a result of it, McGlynn’s choral music has become creative and popular. In conclusion, his choral music has been femilar and modern in contemporary choral music in western music including America. In addition his choral mus ic. This Celtic Mass has raised newly interest of audience in the popular choral music with new and exotic sound. 켈틱 음악은 아일랜드의 선조인 켈트족의 민속음악으로써, 서정적이고 낭만적인 선율과 이국적이면서도 독특한 음향 때문에 다양한 대중문화에서 그 요소가 채택되어 사용되고 있다. 본 논문은합창 음악 분야에서 켈틱 음악을 주로 사용하는 작곡가 마이클 맥글린과 그의 작품 《켈틱 미사》 중 1악장 <자비송>과 9악장 <주기도문>을 분석하였다. 이 연구를 통해 기악음악과 독창음악으로만 존재했던 켈틱 음악이 그 소재적 활용을 통해 합창작품에서 새롭게 융합되는 과정을 고찰함으로써 켈틱 음악의 대중적 가치를 알리는 데 목적이 있다. 마이클 맥글린은 중세 시대의 선법적음악 요소들, 그리고 다양한 현대적 작곡기법과 함께 켈틱 음악의 요소들을 절충·융합하였으며, 아일랜드만의 독창적이고 대중적인 현대 합창 음악을 만들었다. 이러한 작품은 서유럽 또는 미국합창 음악에 친숙한 관객들에게 이국적인 신선함과 함께 켈틱 음악에 대한 새로운 관심을 일으킬수 있다.

영화『백야행』영화음악 분석 연구 - 작곡가 석승희의 인터뷰를 통한 요한의 라이트모티프(Leitmotiv) <카페로로>와 <요한>을 중심으로 -

문봉준 대중음악콘텐츠학회 2022 대중음악콘텐츠 Vol.6 No.1

This study analyses <Cafe Roro> and <Johann>, two Leitmotiv music pieces that was composed by Seok Seonghui which are included in the original soundtracks of movie 『Journey Under Midnight Sun(2009)』, by interviewing the composer himself and exploring the way he utilizes the music in the film. Both songs are composed in a form of solo piano music. The composer explained that he has chosen this form, because the unique tone of the instrument is suitable for displaying the emotions of the characters, and it is the best way to deliver the thematic melody with his full intention. Based on the score provided by the composer, analyzing the key, beats, rhythm, harmonies and the compositional patterns of <Cafe Roro> and <Johann> was used as a research method. the purpose of this research is to recognize the composer’s intention of what he wanted to express through music in the movie by observing the source based on the interview with him. As a result, I learned that the main characteristics of the light motif of 'Johann' are the repeated thematic melody and sound pattern. Also, I found out the music has been transformed and developed depending on the use of script or not, or it remained in its original form. This was effective on making the actor’s lines to be standing out without disturbing the flow of the film. In addition, I discovered that this effect can be utilized to support expressing the emotions of the characters in the movie and help the audience to immerse themselves in and to understand the movie. This study had a limitation on the researching process because of the absence of sheet music which led to explore only fractional music from the film and not as a whole. In order to help investigating the compositional technique of Korean film music and applying it in its field, it was suggested that all music in this movie were made into sheet music and a follow-up study was made. 본 연구는 2009년작 영화 백야행 에 삽입된 오리지널 사운드 트랙 중 작곡가 석승희가 작곡한 라이트모티프(Leitmotiv) 두 곡 <카페로로>와 <요한>을 작곡가의 인터뷰를 통해 분석하고 영화에서 음악의 활용을 조사하였다. 이 두 곡은 피아노 독주곡의 형태로 작곡되었으며, 작곡가는 악기가 가진 고유의 음색이 등장인물의 감정 표현에 적합하고 작곡가가 의도한 주제 선율을 가장 잘 전달할 수 있다고 설명하였다. 영화음악 제작 시 일반적으로 작곡가는 음악의 강렬한 인상을 남기기 위해서 다채로운 사운드를 만들기에 용이한 대규모의 악기 편성이나 음량이 다소 큰 악기 사용을 선호한다. 하지만 <카페로로>와 <요한>은 다양한 악기 편성을 배제하고 피아노 독주곡으로 만들어졌으며, 이렇게 흔하지 않은 악기 편성과 작곡 기법은 개별 연구가 필요하였다. 연구방법으로 작곡가가 제공한 악보를 토대로 <카페로로>와 <요한>의 조성, 박자, 리듬, 화성, 패턴을 분석하였으며, 작곡가를 인터뷰한 내용을 토대로 이 영화에서 그의 음악이 영화 속에서 표현하는 바를 연구하였다. 이를 통해 영화음악 제작에 다양한 기법이 활용될 수 있음을 제시하고, 이러한 예시가 앞으로의 한국 영화음악 작곡 양식의 발전에 도움이 되는 데에 목적이 있었다. 그 결과로‘요한’의 라이트모티프의 주요 특징은 반복되는 주제선율과 음형이며, 이는 대사의 유무에 따라 변형되어 발전되거나 원래의 형태로 머물러 있었다는 것을 알게 되었다. 이는 음악이 배우의 대사가 있는 장면에서 영화의 흐름을 방해하지 않고 대사를 돋보이게 하는 효과를 주었고 영화 속에서 인물의 감정을 보조해주고 관객들이 영화에 몰입하고 이해하도록 도와주는 의미가 있다는 것을 알 수 있었다. 본 연구는 영화의 오리지널 사운드 트랙의 악보 부재로 영화 전체의 음악을 연구하지 못하는 한계점을 가지고 있었으나 이 영화의 모든 곡이 악보화 되어 후속 연구가 이루어진다면 한국 영화음악 작곡 양식의 파악과 작곡의 실제에 보탬이 된다는 제언을 하였다.

뮤지컬 전공생의 음악 커리큘럼 연구

이주연 대중음악콘텐츠학회 2022 대중음악콘텐츠 Vol.6 No.1

The purpose of this study is to establish a systematic music education curriculum that can cultivate professional musical actors through research on essential subjects necessary for effective music education for musical students. Therefore, in this thesis, research was conducted focusing on music, acting, dance, and music-related subjects, which are the most basic in fostering musical majors. For the study, the entire department of musical majors in domestic universities was investigated, and among them, six domestic universities that include four essential music subjects (music theory, vocals, repertoire analysis, audition), which are the minimum curriculum for musical music education, were selected and curricula for each department were compared and analyzed. In order to find a more desirable direction for the development of Korean musical major music curriculum, the AMDA Performing Arts College's musical major curriculum was investigated to see if the current subjects were progressing correctly and what subjects should be improved in the future. As a result, five differences were found that were different from the musical major curriculum of Korean universities. Based on this,15 music curriculums were proposed for Korean musical major students. Based on this study, if each university's musical major and music curriculum consists of a systematic and diverse curriculum, it is expected that the university's major education will be of great help in achieving the desired educational purpose to cultivate professional musical actors. 본 논문은 뮤지컬 전공생의 효과적인 음악교육에 필요한 필수 교과목 연구를 통해 전문 뮤지컬 배우를 양성할 수 있는 체계적인 음악교육 커리큘럼을 정립하는 데 그 목적을 가지고 연구하였다. 이에 뮤지컬 전공생의 양성에 있어 가장 기본이 되는 음악, 연기, 무용 중, 음악 관련 커리큘럼을 중심으로 연구를 진행하였다. 연구를 위해 국내 대학 뮤지컬 전공학과 전체를 조사하였고, 이 중에서 뮤지컬 음악교육을 위한 최소한의 교과과정인 4가지 필수음악교과(음악이론, 보컬, 레퍼토리 분석, 오디션)를 포함하고 있는 국내 6개 대학을 선정하여 학과별 커리큘럼을 비교 분석하였다. 더욱 바람직한 국내 뮤지컬 전공 음악 커리큘럼의 발전 방향을 찾아보기 위해 미국의 AMDA 공연예술대학 뮤지컬 전공 커리큘럼을 조사하여 현재 한국 대학의 교과목들이 올바르게 진행되고 있는지, 앞으로 개선되어야 하는 교과목들은 무엇인지 고찰하였다. 그 결과, 국내 대학의 뮤지컬 전공학과 커리큘럼과는 다른 5가지의 차이점을 발견할 수 있었다. 이를 바탕으로 국내 뮤지컬 전공생을 위한 15개의 음악 커리큘럼을 제안하였다. 마지막으로 이 연구를 토대로 각 대학의 뮤지컬 전공학과 음악 커리큘럼이 체계적이면서도 다양한 커리큘럼으로 구성된다면, 대학의 전공 교육으로 전문 뮤지컬 배우를 양성할 수 있는 소기의 교육 목적을 달성하는 데 큰 도움이 될 수 있을 것으로 예측하였다.

이소라 가사의 주제와 감정에 대한 연구

함은진 대중음악콘텐츠학회 2017 대중음악콘텐츠 Vol.1 No.2

가수가 직접 작사와 작곡에 참여하여 자신이 표현하고자 하는 바를 표현하는 것은 가수 본 인의 서사라는 측면에서 표현력을 높이고 대중과 공감할 수 있다는 점에서 중요한 부분이다. 대중음악 가수로서 이소라는 자신의 앨범에 들어간 노래의 가사를 대부분 직접 작사하여, 대 중에게 개성 있는 자신의 스타일을 보여 주었다. 이 연구는 이소라의 축적된 음악 콘텐츠를 분석하고 분류함으로서 이소라 음악의 대표적인 주제와 감정을 파악하고 그것이 어떻게 변화 하였는지 보고자 하였다. 이를 통해 이소라의 작품들이 다른 대중음악의 주제와는 어떤 차별 성이 있는지를 살펴볼 수 있었다. 이소라는 대중음악에서 주로 다루는 주제 외에 다양한 주제 를 노래 가사로 많이 표현하였다. 대중음악에서 가장 많이 다루는 주제는 사랑이지만 이소라 의 경우는 이별이다. 그리고 대중음악 안에서 일반적인 자기표현 측면보다 더 다양한 생각과 감정을 담으려 하였다. 각 노래의 주제와 감정은 앨범전체의 주제와 깊은 연관성을 가지며, 전반적으로 편안하고 밝은 감정을 담기보다, 어두운 감정을 담고 있는 가사가 많았다는 결과 가 도출되었다. Expressing what sings want to deliver by directly participating in song writing and composition is a crucial part in terms of boosting expression style and sympathizing with the audience. As a popular musician, Lee Sora composed most lyrics in her albums and exhibited her unique music style. This study aimed to analyze and classify her accumulated music contents, examine her representative themes and emotions found in her music, and see how they have been shifted. In this way, it was found how her music differed from other themes of pop music. She have expressed a diverse range of themes in her music in addition to other common themes delivered in popular music. Love is the most common theme in popular music, yet breakup is the most frequent one for Lee Sora. Moreover, she attempted to reflect various thoughts and emotions in terms of general self-expression in popular music. Each song theme and emotion is closely associated with the entire theme of her album. Overall most lyrics expressed depressing mood than optimism.

여성 음악가와 문학가의 작품으로 본 여성의 삶과 정체성 - 클라라 슈만과 버지니아 울프를 중심으로 -

황진희 대중음악콘텐츠학회 2022 대중음악콘텐츠 Vol.6 No.1

The artist's work is a tool for direct or indirect message transmission. If you look closely at the works, you can find out the times, lives, and messages they lived in. In particular, re-illuminating the works of the past that we did not live in allows us to know the message of the times and lives in which they lived. Therefore, it is necessary to study the works of the past. The purpose of this study is to analyze and study the inner meaning of each film by selecting related films to analyze women's message expression methods. The scope of the study was to study the lives and works of female musician Clara Josephine Schumann (1819–1896) and novelist Adeline Virginia Woolf(1882–1941), re-examined in modern times. To this end, we analyzed the visual and auditory elements of the female protagonist, focusing on the films 『Geliebte Clara, 2008』 and 『The Hours, 2002』, in which their lives and works were made into films. The visual point of view analyzed the characters' psychology and the auditory point of view analyzed the movie music. Through the analysis, it was possible to know the psychological state of the person projected in the music and the psychological state of the person projected in the literature. As a result of the analysis, in the case of film music, emotions were expressed by playing melodies using the intrinsic music played by the characters themselves. In particular, music was used instead of dialogue to express the psychology. The music and novel used in the film conveyed emotions to others, and the conveyed emotions developed the film's narrative. 작가의 작품은 직접적인 메시지 전달이나 간접적인 메시지 전달의 도구이다. 작품을 깊이 살펴본다면 이들이 살았던 시대와 삶과 메시지를 알 수 있다. 특히 우리가 살지 않았던 과거의 작품을 다시 조명하는 것은 이들이 살았던 시대와 삶이 투영된 메시지를 알 수 있게 한다. 그렇기때문에 과거의 작품을 연구할 필요가 있다. 본 연구의 목적은 여성의 메시지 표현 방식을 분석하기 위해 관련 영화를 선정하여 각 작품에 담긴 내적 의미를 분석하는 것이다. 연구 범위는 현대에 와서 재조명된 여성 음악가 클라라 슈만(Clara Josephine Schumann, 1819~1896)과 소설가 버지니아 울프(Adeline Virginia Woolf, 1882~1941)의 삶과 작품을 중심으로 하였다. 이를 위해 이들의 삶과 작품이 영화화된 영화 『클라라 (Geliebte Clara, 2008)』, 『디 아워스 (The Hours, 2002)』를 중심으로 여성 주인공의 시각적 요소와 청각적 요소를 분석했다. 시각적 관점은 등장인물의 심리를 청각적 관점은 영화음악을 분석했다. 분석을 통해 음악에 투영된 인물의 심리 상태와 문학에 투영된 인물의 심리 상태를 알 수 있었다. 분석한 결과 영화음악의 경우 등장인물이 직접 연주하는 내재 음악으로 하여 멜로디를 연주함으로써 감정 표현을 하고 있으며, 내러티브의 경우 시대가 다른 인물을 배치한 후 공통되는 소설을 통해 감정을 표현했다. 특히 음악은 심리를 표현하기 위해 대사를 대신하여 음악이 사용되었다. 영화에 사용된 음악과 소설은 타인에게 감정이 전달되고 그 전달된 감정이 영화의 내러티브를 전개했다.

매장에서 사용되는 배경음악의 트렌드 변화 연구 - 스타벅스 배경음악을 중심으로 -

김보연,김정우 대중음악콘텐츠학회 2022 대중음악콘텐츠 Vol.6 No.2

The purpose of this study is to analyze the musical characteristics of Starbucks' background music, which is considered one of the most successful examples of emotional marketing, to reveal musical factors that have a positive effect on customers and to find out the trend change of background music used in a shop through differences from existing studies. For the analysis, the researcher visited the Starbucks store and collected 91 songs to be used as samples, and based on previous studies, musical elements such as tonality, tempo, genre, instrumentation, lyrics, and release year were set up as analysis items. Based on analysis of each item, playlist created by Starbucks had a high proportion of the latest pop song which is in tonal ambiguity and faster than medium tempo and a music with and lyrics. These results are contrary to the existing background music theory, which is known to have a positive effect on customers, such as major, slow tempo, and lyricsless music. They are also different from previous studies on Starbucks background music, which mainly consists of old pop song and jazz music. Therefore, it was seen that there had been a change in background music of Starbucks' store, which is believed to reflect the purpose of customers' store visits, age groups, and musical tastes due to a shift in generations. This study is meaningful because it is the first attempt to specifically analyze the characteristics of Starbucks' background music through various musical elements and examine changes in the trend of background music based on this. The musical elements used in the analysis will also present a new theoretical standard for background music research. 이 연구의 목적은 감성 마케팅의 대표적 성공사례로 손꼽히는 스타벅스 배경음악의 음악적 특징을 분석하여 고객에게 긍정적 영향을 주는 음악적 요소들을 밝혀내고, 기존 연구와의 차이점을통해 배경음악의 트렌드 변화를 알아보는 것에 있다. 분석을 위해 연구자는 스타벅스 매장을 방문하여 표본으로 사용할 91곡의 음악을 수집하였고, 선행연구를 기반으로 배경음악 분석에 필요하다고 여겨지는 조성, 템포, 장르, 악기 구성, 가사 유무, 발매연도 등의 음악적 요소를 분석항목으로 설정하였다. 각 항목의 분석 결과 스타벅스의 플레이리스트는 모호한 조성과 중간 템포 이상의 빠르기를 가진 최신 팝 음악 그리고 가사가 있는 음악들의 비율이 높았다. 이러한 결과는 장조, 느린 템포, 가사가 없는 음악과 같이 고객에게 긍정적 영향을 미친다고 알려져 있는 기존 배경음악의 이론과 배치된다. 또한 올드 팝, 오래된 재즈 음악을 주로 사용한다는 과거의 스타벅스 배경음악에 관한 선행연구와도 차이가 있다. 따라서 스타벅스 매장 음악에 변화가 있었음을 알 수 있었으며, 이는 세대교체에 따른 고객의 매장 방문목적, 연령대, 음악적 취향 등을 반영한 것으로판단된다. 본 연구는 다양한 음악적 요소들을 통해 스타벅스 배경음악의 특징을 구체적으로 분석하고, 이를 토대로 배경음악의 트렌드 변화를 살펴본 첫 시도임에 그 의미가 있다. 또한 분석에사용된 음악적 요소들은 배경음악 연구의 새로운 이론적 기준을 제시할 것이다.

기악 수업 분야의 유튜브 콘텐츠 분석 - 심동적 학습 단계를 중심으로 -

탁경주,최연지,탁경주 대중음악콘텐츠학회 2022 대중음악콘텐츠 Vol.6 No.1

This paper tries to categorize YouTube content in the field of instrumental music classes for distance learning and then examine content and goals with a focus on the psychomotor learning stage. This study presented directions for instructors who produce online lecture videos for instrumental music classes and YouTube content for non-face-to-face classes. As for the research method, this study conducted analysis by learning stage after assorting YouTube content with high views that meets the analysis criteria for instrumental music education. Consequently, this study confirmed the following three characteristics. First, YouTube instrumental music class content in all stages satisfied elements, such as video length, appearance of a teacher, use of subtitles, visual elements, provision of supplementary material, and interaction, thus offering standards for content for effective distance learning. Second, lecture videos produced by focusing on creative expression and content that emphasizes the functional mastery of instrument playing required a unique video production strategy for effective non-face-to-face teaching in terms of content, composition, and editing. Third, YouTube channels in the field of instrumental music classes involved a variety of efforts, including on- and offline interaction between teacher and learner, with the purpose of supplementing the limitations of distance learning. This discussion has meaning as a basic work that suggests a practical solution for producing videos for remote lessons in the emerging field of instrumental music according to the psychomotor learning stages using the YouTube platform. 이 논문은 원격수업을 위한 기악 수업 분야의 유튜브 콘텐츠를 분류하여 심동적 학습 단계를 중심으로 그 내용과 추구하는 목적을 가지고 연구하였으며, 기악 수업을 위한 온라인 강의 영상 제작 및 비대면 수업을 위한 유튜브 콘텐츠를 제작하는 교수자를 위한 방향성을 제시했다. 연구 방법은 유튜브 강의 콘텐츠의 분석 기준에 부합하는 국내의 기악 교육 유튜브 콘텐츠를 선별하여 심동적 학습 단계에 따라 분류, 단계별 높은 조회 수의 영상을 선정하여 분석하였다. 그 결과 세 가지 특징을 확인할 수 있었다. 첫째, 분석한 모든 단계의 유튜브 기악 수업 콘텐츠는 영상의 길이, 교수자의 출연, 자막 활용, 시각 요소, 보충 자료 제공, 상호작용 등의 요소를 충족하며 효과적인 원격수업을 위한 콘텐츠의 기준을 제시하였다. 둘째, 악기 연주의 기능적 숙달을 강조하는 콘텐츠와 창의적인 표현방식에 집중하여 제작하는 강의 영상은 내용과 구성 및 편집에 있어서 효과적인 비대면 교습을 위한 차별화된 영상 제작 전략이 필요하였다. 셋째, 기악 수업 분야의 유튜브 채널은 원격수업의 한계를 보완하기 위해서 교수자와 학습자 간의 온라인 및 오프라인 상호작용을 포함한 다양한 노력을 하였다. 이러한 논의는 현재 부상하고 있는 기악 분야의 원격수업을 위한 영상을 유튜브 플랫폼을 활용하여 학습 단계에 따라서 제작하는데 실질적인 해결책을 제시해주는 기초 작업으로 의미를 가진다. 더불어 본 연구 결과를 바탕으로 심동적 학습 단계를 중심으로 한 기악 수업 분야의 유튜브 콘텐츠에 대한 시사점을 제시하였다.