현대미술과 광고 디자인의 퓨전화 경향

윤민희(Yun Min-Hie) 한국디자인학회 2005 한국디자인학회 학술발표대회 논문집 Vol.2005 No.10

디자인영역 학술논문작성법에 대한 사례연구 및 제안

윤민희(Yun Min-Hie) 한국디자인학회 2005 한국디자인학회 학술발표대회 논문집 Vol.2005 No.5

필립포 마리네티의 자유시의 공감각적 표현에 관한 연구

윤민희(Yun, Min Hie) 한국디자인문화학회 2018 한국디자인문화학회지 Vol.24 No.2

알파벳 문명권에서 전통적으로 글과 그림은 서로 다른 매체로 간주되어왔다. 20세기 초반에 필립포 마리네티는 전통적인 문자 중심의 형식을 뛰어넘어 전위적인 공감각적 표현 양식의 자유시를 표현하였다. 이러한 시각에서 이태리의 시인이자 미래주의의 주창자인 필립포 마리네티는 시를 통한 타이포그래적 실험을 추구했다. 마리네티의 자유시에 표현된 타이포그래피는 문학 및 그래픽디자인에서 중요한 의미를 가진다. 그의 자유시는 문자, 이미지, 소리의 다양한 측면을 표현한 공감각적인 타이포그래피로 문자의 청각화, 청각의 시각화의 융합적 측면에서 의미를 전달하는 역할을 담당하고 있다. 마리네티는 미래주의 타이포그래피에서 말의 소리와 문자의 가독성의 차이점의 한계를 극복하려는 시도를 하고 있다. 마리네티를 중심으로 미래주의 타이포그래피에서는 전위적인 글자의 크기, 배열 등을 통해 타이포의 단순한 메시지 전달을 뛰어넘어 독특한 공감각적 의미를 부여하고 있다. 마리네티의 자유시의 공감적 표현에 관한 연구는 문학, 타이포그래피, 기호학 등의 다양한 학문에 근거한 다각적인 연구를 필요로 한다. 그러나 국내연구에서는 상대적으로 이 부분에 관한 심도 깊은 연구가 진행되고 있지 않은 실정이다. 마리네티의 자유시의 공감적 표현에 관한 연구는 자유시의 개념과 유형, 마리네티의 자유시의 공감각적 표현 사례, 마리네티 자유시의 공감각적 기호와 의미 체계 등을 연구 · 분석한다. 특히 자유시의 공감각적 기호와 의미연구에서는 마리네티의 대표적 자유시인 〈창 툼브 툼브 Zang Tumb Tumb〉(1913), 〈민족통일주의 Irredentismo〉(1914), 〈산+골짜기+거리+조프르Montagne+Vallate+Strade+ Joffre〉(1915), 〈미래주의 자유시 Les Mots en Liberté Futuristes〉(1919), 〈스크라브르르르라아아앙 SCRABrrRrraaNNG〉(1919)를 중심으로 공감각적 의미작용과 기호체계를 연구 · 분석하였다. 필립포 마리네티의 자유시의 공감적 표현에 관한 본 연구는 자유시의 문자로서의 의미 전달의 측면뿐만 아니라 시각 · 청각 등의 공감각적 표현 사례 및 다양한 의미 체계를 분석함으로 디지털 시대의 그래픽 디자인의 다양한 표현 영역에 활용될 것으로 예상한다. Traditionally, letters and pictures have been regarded as different media in the alphabet civilization. In the early 20th century, Philippo Marinetti transcended the traditional letter-centered form and expressed the avant-garde synaesthetic vers libre. In this perspective, P. Marinetti, an Italian poet and advocate of Futurism, has important implications in terms of pursuing a typo-based experiment through poetry. The typography represented in Marinetti’s vers libre has an important meaning in literature and graphic design. His vers libre is a sympathetic typography expressing various aspects of characters, images, and sounds, and is responsible for conveying meaning in terms of fusion of visual and auditory perception. In Futurism typography, Marinetti attempts to overcome the limitations of differences between the sound of words and the readability of characters. In Marinetti, Futurism typography gives a unique sense of meaning beyond the simple message transmission of typo through avant-garde letter size and arrangement. Marinetti’s work on synaesthetic expression of vers libre requires diverse research based on various disciplines such as literature, typography, and semiotics. However, in Korea, there is no research on this part in depth. This study on the synaesthetic expression of vers libre of F. T. Marinetti is to analyze the concepts and types, examples of synaesthetic expression, synaesthetic sign and semantics of vers libre. Especially, in the study of synaesthetic sign and semantics of vers libre, representative poems of Marinetti: 〈Zang Tumb Tumb〉(1913),〈Irredentismo〉(1914), 〈Montagne+ Vallate+Strade+Joffre〉(1915), 〈Les Mots en Liberté Futuristes〉(1919), 〈SCRABrrRrraaNNG〉(1919) were analyzed. Marinetti’s analysis of emotional expression of vers libre is based on not only the aspect of meaning as a character of free poetry but also the analysis of various sense systems such as visual, that expected to be used in various areas.

총체적 예술에 바탕을 둔 소니아 들로네 작품세계의 재조명

윤민희(Min Hie Yun) 한국디자인문화학회 2009 한국디자인문화학회지 Vol.15 No.3

소니아 들로네는 20세기의 대표적인 여성예술가로 화가이자 동시에 현대적 개념의 디자이너이다. 그녀는 회화의 영역뿐만 아니라, 텍스타일디자인, 의상디자인, 시각디자인 등의 다양한 영역에서 활동한 총체적 예술, 퓨전적 시각의 대표적 예술세계를 지향한 예술가라 할 수 있다. 소니아 들로네는 그녀의 회화세계에 바탕을 두고 다양한 영역과 교류하며 작업을 하였다. 특히 그녀는 그림과 시의 만남에 바탕을 둔 광고와 일러스트레이션, 그림과 텍스타일, 패션디자인 등의 퓨전 연구를 바탕으로 전통적인 개념의 `순수예술`와 `응용미술`의 구별을 뛰어넘고 있다. 특히 소니아 들로네의 다양한 영역의 작품세계는 학제 간 연구에 바탕을 둔 대표적인 사례로 현대디자인 교육모델로 중요한 역할을 담당하고 있다. 다양한 예술 영역의 작업에 바탕을 둔 소니아 들로네의 작품세계의 재조명을 위한 본 연구의 주요내용은 1) 소니아 들로네의 작품세계의 조형적 특징, 2) 다양한 영역의 접목에 바탕을 둔 소니아 들로네의 작품세계 사례 연구, 3) 소니아 들로네의 작품 세계의 현대적 활용 가능성 등을 중심으로 구성한다. 본 연구의 범위 및 방법은 1910-41년의 작품세계를 중심으로 살펴 본 후 1941년 이후의 대표적 작품 세계를 부분적으로 연구, 분석한다. 왜냐하면 이 기간 동안 소니아 들로네는 그녀의 예술세계의 가장 대표적인 동시적 색채대비를 바탕으로 다양한 영역의 작품세계를 표현하고 있다. 소니아 들로네의 퓨전적 작품세계 사례 연구는 회화와 문학의 퓨전(광고, 그림-시), 응용미술(패션디자인)과 문학의 상호 연관성, 회화와 건축의 접목을 중심으로 한다. 소니아 들로네의 작품세계의 조형적 특징은 동시성, 동시성주의를 중심으로 연구하였다. 그녀의 작품세계를 칭하는 동시성, 동시성주의는 동시적 색채대비를 바탕으로 하여 다양한 작품세계의 정체성을 나타내는 상표의 역할을 하기도 한다. 또한 동시성, 동시성주의는 예술과 일상의 결합을 통하여 그녀의 다양한 예술 세계를 상징하는 대표적 용어이다. 소니아 들로네는 의식적으로 동시성, 동시성주의를 이즘(-ism)화 하여 그녀의 예술세계를 상징적으로 표현하고 있다 이와 같이 소니아 들로네는 전통적인 개념의 시공간의 개념을 초월하여 동시성을 그녀의 예술세계에 총체적 예술로 확대시킨다. 다양한 영역의 접목에 바탕을 둔 소니아 들로네의 작품세계 사례 연구에서는 그녀의 회화와 문학의 퓨전, 응용미술(패션디자인)과 문학의 상호 연관성, 회화와 건축의 접목을 중심으로 살펴보았다. 회화와 문학의 퓨전 연구는 그림세계와 문학세계를 상호 통합 시의 일러스트레이션을 사례로 살펴보았다. 퓨전, 응용미술(패션디자인)과 문학의 상호 연관성에서는 소니아 들로네는 텍스타일/패션디자인과 문학의 접목을 살펴보았다. 회화와 건축의 상호연관성에서는 1937년의 건축공간의 벽화제작을 중심으로 살펴보았다. 이러한 퓨전적 연구를 바탕으로 총체적 예술을 지향한 소니아 들로네 작품세계의 현대적 의미와 활용 가능성을 1) 현대 예술디자인교육에 학제 간, 퓨전적 연구를 위한 예술가의 역할 모델, 2) 20세기의 텍스타일과 패션디자인 영역에 절충적인 모던 디자인의 확산, 3) 기하학적인 형태, 강렬한 색채대비에 바탕을 둔 조형언어, 4) 조형예술의 영역에서 총체적 예술의 시각에서 연구하였다. 소니아 들로네를 자칫 20세기의 여성예술가로 생각할 수도 있지만, 본 연구를 바탕으로 21세기의 현대 조형교육에 총체적 예술을 시도한 예술가의 역할 모델로 제시할 수 있을 것이다. 특히 소니아 들로네의 장르를 초월한 다양한 영역에서의 학제 간, 퓨전적 작품세계는 현대디자인의 교육모델로 중요한 역할을 담당할 것이다. Sonia Delaunay is a representative female artist of the 20th century. Her artworks applied not only to paintings, but to textile, clothing and visual design, etc. That makes her an artist who pursued general art, interdisciplinary art in the fusion field. Sonia Delaunay attempted to work in various fields based on her artwork, and tried prosperous exchange amongst them. Especially her artworks such as the advertisement based on painting and poems, illustrations, paintings and fashion design cut across the distinction between fine arts and applied arts. Sonia`s artworks which are applied to various fields have enormous influence on contemporary design as an education model. The main contents of this research on Sonia Delaunay`s artwork based on various art fields are as follows: 1) research on plastic traits of Sonia Delaunay`s artwork, 2) research on certain types of Sonia Delaunay`s artworks which adopt various field, 3 the possibility of contemporary usage of Sonia Delaunay`s artwork. The range and method of this research is mainly focused on Sonia Delaunay`s artworks from 1910 to 1941. Artworks from 1941 will be partly researched and analyzed. Because during this period of time, she created various artworks using simultaneous color contrast which is the most representative method in the art field. The certain types of Sonia Delaunay`s artworks are mainly centered on the adaptation of paintings and literature(advertisement, painting-poem), the interrelations between applied art(fashion design) and literature and the adaptation of paintings and architecture. The formative characteristic of Sonia Delaunay`s artwork is researched focusing on simultaneity and Simultanism. Simultaneity and Simultanism, which indicate Sonia Delaunay`s artwork, are based on simultaneous color contrast to represent identities of varios artwork as their trademarks. Also, simultaneity and Simultanism are representative terms of her artwork by combining art and life. Sonia Delaunay symbolized her artistic character by making simultaneity to Simultanism intentionally. Sonia Delaunay thus expands her artwork to the general art with simultaneity taking no notice of time and space in the traditional concept. For the example research of Sonia Delaunay`s artwork which unites various fields, fusion research of Delaunay`s painting and literature, mutual relation between applied art(fashion design) and literature, and the combination of painting and architecture will be considered. In part of fusion research of painting and literature, the illustrations with the combination of painting and literature will be examined. For mutual relation between fusion, applied art(fashion design) and literature, the union of textile/fashion design and literature will be researched. For interrelation of painting and architecture, mural production in 1937 will be mainly considered. The comtemporary meaning and the possibility of usage of Sonia Delaunay`s artwork which pursued general art based on fusion works are researched under following view points; 1) The role model of artists for interdisciplinary and fusion research 2) the expansion of eclectic modern design through textile and fashion design field of 20C 3) plastic language based on symmetric forms and strong color contrast 4) in the view point of general art in the plastic arts field. Sonia Delaunay is apt to known as a female artist of 20C, however, Delaunay can be a role model for artists who tried to graft general art onto contemporary plastic arts education of 21C. Especially, Sonia Delaunay`s interdisciplinary and fusion artwork over various genres adopted to various fields will play a significant role for educational model of contemporary design.

프랑스 아르데코 양식의 그래픽포스터 표현특성 및 의미분석

윤민희(Yun, Min Hie) 한국디자인문화학회 2021 한국디자인문화학회지 Vol.27 No.2

아르데코 양식은 1925년 개최된 현대장식미술산업 국제박람회(Exposition International des Arts Décoratifs et Industriels Modernes)에서 유래하였다. 아르데코 양식은 직전 시대인 ‘벨 에포크(Belle Epoque: 아름다운 시대)’의 전통을 이어서 경제 · 사회 · 문화전반에 걸쳐서 풍요로운 프랑스 사회를 반영한 20세기 전반의 모던한 조형 표현 양식이다. 아르데코 용어는 국내에서 ‘장식미술’로 번역되어 사용되기 때문에 많은 사람들이 기능과 장식을 이분화하여 장식에 치중된 표현양식으로 간주하는 경향이 많다. 그러나 아르데코 양식은 건축, 실내인테리어, 공예, 패션, 일러스트레이션, 그래픽포스터 등 다양한 시각예술에서 표현되었다. 아르데코 양식은 벨 에포크시대의 화려한 표현 양식에 비하여 보다 단순화 · 기계화 · 현대화 된 표현 경향을 띄었다. 국내의 아르데코 양식에 대한 선행연구는 건축 · 실내인테리어, 패션 · 텍스타일, 가구 · 장신구, 화예 · 헤어디자인 등의 학위 및 학술논문이 있으나 그래픽디자인에 관한 연구는 전무하기 때문에 연구가 필요하다. 본 연구 목적은 20세기 전반 유럽의 기능주의적인 모던그래픽 스타일의 대세 속에서 프랑스의 아르데코 양식의 그래픽포스터의 장식적, 기능적인 특성을 사회문화적 맥락에서 연구 · 분석하였다. 연구의 범위는 아르데코 양식의 의미 및 사회문화현상, 아르데코 양식의 그래픽포스터의 대표작가와 표현양식, 아르데코 양식의 그래픽포스터의 특성 및 의미분석 등을 중심으로 연구 · 분석하였다. 세부적으로 아르데코 양식의 의미 및 사회문화현상에서는 아르데코 양식의 정의 및 의미, 사회현상, 예술의 표현 양식 등을 연구하였다. 특히 예술공예운동, 아르누보, 벨 에포크의 장식적, 화려한 표현 경향과 함께 큐비즘의 영향을 받은 기하학적 표현 양식의 양면적 시각에서 아르데코 양식의 그래픽포스터를 연구하였다. 대표작가와 표현 양식에서는 카상드르(Cassandre), 장 카를뤼(J. Carlu), 폴 콜랭(P. Colin) 등의 아르데코 양식의 그래픽디자인을 중심으로 연구하였다. 아르데코 양식의 그래픽디자인 연구에서는 장식성과 기능성의 다양한 표현 양식을 조형적으로 분석하였다. 그래픽포스터 특징 및 의미분석에서는 프랑스의 문화적 특성의 맥락에서 아르데코 양식의 상징적 측면을 조명하였다. 이러한 기능성과 장식성의 양면적인 아르데코 양식의 그래픽포스터 의미분석은 ‘에키보크(équivoque, 애매한)’의 개념을 중심으로 연구하였다. 본 연구는 문헌 연구를 중심으로 진행하였으며, 특히 아르데코 양식의 의미 및 사회문화현상은 프랑스 국립도서관과 파리장식미술관 웹 사이트의 문헌 및 전시자료, 프랑스학 관련 연구를 기반으로 연구하였다. 아르데코 양식 그래픽포스터의 특성 및 의미분석은 기호학적 연구를 바탕으로 하였다. 본 연구는 큐비즘의 영향이후 모던한 기하학적 표현에 기반 한 이태리의 미래주의, 러시아의 구축주의, 네덜란드의 신조형주의, 독일의 바우하우스의 그래픽 표현과는 다소 다른 프랑스의 그래픽포스터의 독특한 의미와 상징을 조명하였다. 아르데코 양식 그래픽포스터의 의미체계와 문화적 상징성을 연구 · 분석함으로써 프랑스 현대 그래픽디자인의 기능성과 장식성의 양가적 가치와 의미를 현대적으로 재해석하였다는 측면에서 연구의의가 있다. The Art Deco style originated from the Paris International Exhibition of Modern Decorative and Industrial Arts held in 1925. Following the previous Belle Epoque(Beautiful Era) style, Art Deco style is a modern formative style of the first half of 20th century that reflects the flourished French society across the economy, society, and culture. Since the word Art Deco is translated and used in Korea as “decorative art”, many people tended to consider it a style of expression focused on decoration by dividing function and decoration. However, the Art Deco style was expressed in various visual arts such as architecture, interior design, crafts, fashion, illustration, and graphic posters, etc. Art Deco style tended to be more simplified, mechanized, and modernized compared to the splendid expression of the Belle Epoque style. Previous researches on Art Deco style in Korea includes thesis and academic papers such as architecture/interior design, fashion/textile design, furniture/accessories design, flower art/hair design, etc. However, there is no research on graphic design, so research is needed. The purpose of this study was analyzed on the decorative and functional characteristics of French Art Deco style graphic posters in a socio-cultural context amid the popularity of European functionalist modern graphic styles in the first half of the 20th century. The scope of the study was researched on the meaning and social and cultural phenomena of the Art Deco style, the representative artists and expression styles of Art deco style graphic posters, and analysis of the characteristics and semantics of Art Deco style graphic posters. In the meaning of art deco style and social and cultural phenomena, the definition and meaning of art deco style, social phenomena, and art expression styles were studied in detail. In particular, the art deco style graphic posters were studied from the two-sided perspective of the geometric expression style influenced by Cubism, along with the decorative and colorful expression trends of the Arts and Crafts movement, Art Nouveau, and Belle Epoque. Representative artists and styles of expression include Cassandre, J. Carlu, P. Colin, etc. In the study of graphic design in Art Deco style, various expression styles of decoration and functionality were analyzed in a formative analysis. Graphical poster features and semantic analysis were illuminated the symbolic aspects of the Art Deco style in the context of French cultural characteristics. The analysis of the meaning of the graphic poster in the Art Deco style, which is both functional and decorative, was studied focusing on the concept of ‘équivoque’. This study was conducted mainly on literature research, and in particular, the meaning of Art Deco style and sociocultural phenomena were studied based on French literature and literature and exhibits on the websites of the National Library of France and the Paris Art Deco Museum. The analysis of the characteristics and meaning of Art Deco graphic posters was based on semiotic studies. This study highlighted the unique meanings and symbols of French graphic posters, which are somewhat different from Italian Futurism, Russian Constructivism, Dutch Neo-plasticism, and German Bauhaus graphic expressions based on modern geometric representations after the influence of Cubism. The study is meaningful in that it reinterprets the ambivalent value and meaning of the functionality and decorativeness of modern French graphic design in a modern way by researching the meaning system and cultural symbol of the Art Deco graphic poster.

프랙탈 기하학을 활용한 현대조형예술의 표현 가능성에 관한 연구

윤민희(Min Hie Yun) 한국디자인문화학회 2012 한국디자인문화학회지 Vol.18 No.4

본 연구 목적은 자연·예술·디자인 영역에서 활용된 프랙탈 기하학의 사례연구를 바탕으로 현대조형예술에서 프랙탈 기하학의 활용 가능성을 제시하고자 한다. 프랙탈 기하학은 프랙탈의 성질을 연구하는 수학의 한 분야로 오늘날 과학·공학·컴퓨터예술 등에 활발하게 적용되고 있다. 프랙탈(Fractal)이라는 용어는 1975년 수학자 만델브로트(Benoit B. Mandelbrot) 가 처음으로 사용하였다. 구름·산·번개·난류·해안선·나뭇가지 등의 자연계에서 자주 발견되는 프랙탈 기하학은 예술의 영역에서 새로운 조형패턴 표현의 가능성을 제시하고 있다. 조형예술 영역에서 프랙탈 기하학에 근거한 연구는 예술과 수학의 연관성, 학제간 연구에 바탕을 두고 있다. 본 연구는 다음과 같이 구성되어 있다. 첫째, 이론적 배경으로 프랙탈 기하학의 형태 특성 및 원리를 연구하며, 둘째 프랙탈 기하학을 활용한 현대예술과 디자인의 사례연구를 한다. 셋째, 프랙탈 기하학을 활용한 현대예술의 다양한 표현 가능성을 연구한다. 프랙탈의 기하학을 적용한 많은 조형예술 작품들의 사례연구를 바탕으로 다양한 표현 가능성을 기대할수 있다. 특히 21세기의 뉴미디어인 컴퓨터의 표현을 통하여 프랙탈 기하학은 디지털 아트(Digital Art)로서의 ``프랙탈 아트(Fractal Art)``라는 새로운 예술영역을 탄생시켰다. 프랙탈 기하학을 활용한 조형예술 영역의 다양한 표현 가능성에 관한 본 연구는 디지털 시대의 "과학의 예술, 예술의 과학"이란 측면의 예술과 수학의 학제간 연구의 중요성을 강조한다. 왜냐하면 프랙탈 기하학은 수학과 예술에서 가장 대표적인 양식이기 때문이다. 궁극적으로 예술·디자인영역에서 프랙탈 기하학을 활용한 표현은 창의적 사고를 위한 예술가의 능력을 향상시키고 아이디어 발상을 위하여 매우 중요하다. The purpose of this study is to suggest the applicability of fractal geometry in modern formative arts through case studies on fractal geometry practiced in the field of nature, arts, and design. Fractal geometry, a branch of mathematics which studies the nature of fractal, is being actively applied in science, engineering, computer art, and so on. The term fractal was first used in 1975 by a French mathematician Benoit B. Mandelbrot. It further gives representable formative patterns in the realm of art, often found in nature such as clouds, mountains, lightning, turbulence, coastlines, branches, etc. The study of fractal geometry in plastic art is based on the interdisciplinary research between art and mathematics. This study is organized as follows: ① characteristics and principles of fractal geometry within its theoretical background, ② case studies on fractal geometry in art and design, ③ diverse expressional applicability of modern art through fractal geometry. Through case study on formative artworks with its fractal geometry applied, possibility on various ways of expressions can be expected. Particularly, with the advent of computer utilization in the 21st century, fractal geometry has created a new area of fractal art as a form of digital art. This study on various expressional ways of plastic art through fractal geometry puts emphasis on the importance of art-and-math interdisciplinary research in the aspects of art of science and the science of art in the digital age; and fractal geometry continues to be one of the representative patterns in mathematics and art. Ultimately, fractal geometry in art and design has its significance for its potential improvement of creative thinking, as well as development of training system of idea conception of artists.

헨리 스타이너의 크로스 컬츄럴 그래픽 디자인에 관한 연구

윤민희(Min Hie Yun) 한국디자인문화학회 2012 한국디자인문화학회지 Vol.18 No.3

세계화와 정보통신의 급속한 발달로 국제적 교류가 활성화되면서 국가나 민족 사이의 경계 및 차별성은 희미해지고 있는 추세이다. 이러한 사회 현상은 예술과 일상, 고급문화와 대중문화 등의 경계허물기로 나타날 뿐만 아니라 동양과 서양, 전통과 현대, 학문과 학문 간의 벽을 허물고 국경 없는 문화를 형성하고 있다. 오늘날 문화의 이미지도 국경을 초월하여 문화와 문화 간의 융합으로 국경 없는 세계화된 문화(global culture)를 형성하고 있다. 이러한 세계적 추세 속에서 디자인 영역에서도 세계인이 상호 교류할 수 있는 크로스 컬츄럴 디자인(cross-cultural design)에 대한 관심이 증대되고 있다. 본 연구는 헨리 스타이너의 그래픽 디자인에 관한 연구를 바탕으로 그래픽디자인 영역의 보편적인 시각언어로써 크로스 컬츄럴 디자인 표현 특성을 문화적 보편성과 특수성의 시각에서 연구한다. 크로스 컬츄럴 디자인분야의 선두주자인 헨리 스타이너(Henry Steiner)는 자신이 집필한 「Cross-cultural design: communicating in the global marketplace」(1995) 에서 문화적 보편성과 특수성의 양면적인 문제를 해결할 수 있는 방안으로 크로스 컬츄럴 디자인, 즉 다양한 문화적 특성이 공존하는 퓨전적 디자인을 제안하고 있다. 포괄적인 의미에서 그래픽 디자인은 아이디어나 메시지를 시각적으로 묘사한 시각 정보디자인(visual communication design)이다. 이와 같이 그래픽 디자인은 많은 사람들이 문화권이나 국적을 초월하여 상호 소통할 수 있는 시각언어(visual language)이기 때문에 세계인이 공유하는 디자인의 문화적 보편성이 중요하다. 그러나 20세기 중반 이후 전 세계적 디자인의 표현이 미국화·서구화 경향을 띄고 있기 때문에 동양인의 시각에서 바라보면 동양의 문화적 정체성의 상실을 가져올 수 있는 우려를 가지고 있다. 특히 디자인의 표현이나 교육에서 문화의 보편성과 다양성의 양면적 가치 속에서 세계인인 공유하는 아시아, 한국의 문화적 정체성을 교육하는 것이 필요하다. 이러한 측면에서 헨리 스타이너의 크로스 컬츄럴 디자인 철학과 작품은 세계적 보편성의 측면과 함께 문화적 정체성의 중요성을 강조하고 있다. 본 연구의 범위 및 방법은 다음과 같다. 연구의 범위는 현대 그래픽 디자인과 문화적 다양성과 문화적 정체성, 헨리 스타이너의 현대 그래픽디자인 등을 중심으로 구성한다. 세부적으로 현대 디자인의 문화적 정체성과 특수성 표현을 문화의 특성에 관한 이론적 연구와 함께 디자인 영역의 사례를 중심으로 연구한다. 헨리 스타이너의 현대 그래픽디자인에 관한 연구는 그의 약력 및 작품세계, 헨리 스타이너의 크로스 컬츄럴 디자인의 표현 특성을 구체적으로 연구·분석한다. 21세기의 다문화 사회에서 세계인이 소통하는 디자인을 하기 위한 대표적인 디자인 방법론의 하나가 크로스 컬츄럴 접근 방법이라 할 수 있다. 이러한 접근방법은 단순히 디자인 영역뿐만 아니라 사회문화 현상 전반에 걸친 학제 간 연구를 바탕으로 행해져야 할 것이다. 특히 한국과 같이 급격한 서구화에 의하여 문화적 정체성의 표현과 서구화라는 양면적 문제를 해결하기 위한 방안을 모색하기 위하여 많은 어려움을 겪고 있는 상황에서 크로스 컬츄럴 디자인은 한국의 디자인 교육과 디자이너들에게 매우 중요한 시사점을 가져올 것으로 예상한다. Today`s society tends to be against the strict classification and has a mutual exchange relationship. This phenomenon, exposed through destroying the dichotomy division, such as spirit & material, rationality & sensibility, art & life, high & low and Oriental & Western culture. This study aims to present Henry Steiner`s cross-cultural graphic design. This study is based on the research of graphic design as a universal visual language from the perspective of universality and particularity. Henry Steiner, a leader of cross-cultural design field, he wrote “Cross-cultural design: communicating in the global marketplace” (1995) on both sides of the cultural universality and particularity as a plan to solve problems cross-cultural design. Visual language can deliver a message instantly to anyone, however, the meaning can be interpreted differently from each person`s viewpoint. Therefore, Henry Steiner`s visual language gives the strongest message that anyone can imagine. As a universal visual language, it also goes beyond the differentiated language recognition of cultural areas and impresses people as an excellent advertising copy does. However, because of Americanization and Westernization since the mid-20th century, from the Asian perspectives, this tendency can bring a loss of cultural identity. In this respect, Henry Steiner`s cross-cultural design philosophy emphasizes the importance of cultural identity and universality. Scope and methodology of this study are as follows: scope of the study of modern graphic design and cultural diversity and cultural identity, Henry Steiner, the center of the modern graphic design shall be composed. Modern design in the expression of cultural identity and cultural specificity is based on theoretical research with design case studies. And also, we examine Henry Steiner`s biography and his design characteristics of the cross-cultural research and analysis. Henry Steiner`s design philosophy can influence the direction of design education, and design work, the policy in Korea. Using this cross-cultural approach of the 21st century in multicultural societies, global citizens can communicate with a design methodology. This approach must be studied not only in design area, but also interdisciplinary researches based on phenomenon. In a situation, this cross-cultural design research is expected to bring important viewpoints for designers and design education in Korea.

다다와 초현실주의 양식의 그래픽디자인 표현특성 및 의미 분석

윤민희(Yun, Min Hie) 한국디자인문화학회 2022 한국디자인문화학회지 Vol.28 No.2

다문화시대의 국내대학 조형교육에 관한 연구

윤민희(Min Hie Yun) 한국디자인문화학회 2013 한국디자인문화학회지 Vol.19 No.3

정보 통신 기술의 발달과 세계화에 의한 활발한 정보 교류로 인하여 국가ㆍ민족ㆍ문화권에 대한 차별성이 와해되면서 다양한 가치를 존중하는 문화적 다원주의가 등장하게 되었다. 한국사회에서도 해외 노동자의 유입, 이주여성, 다문화가정의 증가 등의 사회적 변화에 따라 1990년대부터 다른 문화를 포용하고 존중하는 다문화 교육이 시작하였다. 다문화 교육은 초ㆍ중등과정의 미술과 교육에서 활발한 연구 및 교육이 진행되고 있는 반면에 대학의 조형교육과정에는 적극적으로 활용되고 있지 않다. 한국의 대학 조형교육과정은 서구화ㆍ미국화 현상이 주류를 형성하고 있기 때문에 세계화시대의 보편적 교육과정과 함께 아시아 국가의 문화적다양성에 바탕을 둔 한국의 문화적 정체성을 교육에 반영하는 것이 중요한 문제로 대두하고 있다. 다문화시대의 조형교육은 타자의 문화예술에 대한 관심과 이해를 가지면서 동시에 한국의 문화적 정체성을 양립하는 것이 필요하기 때문에 문화의 다양성과 세계적 문화 보편성을 절충하는 조형교육이 필요하다. 다문화시대의 국내대학 조형교육에 관한 연구는 세계화 시대의 문화적 보편성과 특수성의 시각에서 조형교육의 교육 현황 및 교육과정을 중심으로 연구ㆍ분석하였다. 세부 연구로 다문화시대의 국내대학 조형교육 현황에서는 문화적 다원주의와 조형교육, 다문화시대의 국내대학 조형교육 현황을 중심으로 연구하였다. 다문화시대의 국내대학 조형교육 제안에서는 다문화주의 조형교육을 통한 문화적 다양성과 정체성, 다문화시대의 융합적 교육 방안을 연구·분석하였다. 연구의 범위 및 방법은 문헌연구 및 교육과정의 사례분석을 중심으로 구성하였으며, 서울·경기권 10개 대학의 교과과정을 중심으로 교과목 현황을 분석한 후다문화시대의 조형교육을 제안하였다. 국내대학 조형교육 제안은 융합적 교육, 문화적 정체성과 보편성을 절충한 교육과정을 중심으로 연구하였다. 국내대학 조형교육에서 융합교육과정은 활발하게 진행되고 되고 있지 않기 때문에 해외 선진 대학의 융합교육과정을 도입하여 적용하는 것이 필요하다. 그러나 조형교육에서 한국의 문화적 정체성과 보편적가치를 상호보완적으로 적용하기 위하여 해외 대학융합교육과정의 적용은 크로스 컬츄럴(Cross cultural)접근 방법에 기반을 두어야 한다. 이러한 연구는 다문화시대의 한국 조형교육의 활성화와 세계적 경쟁력확보를 위한 역할을 담당할 것으로 예상한다. Due to an active exchange of information by the development and globalization of info-communication distinction between technologies, nation, ethnicity, cultural area was disassembled and consequently cultural pluralism that respects a variety of values has appeared. In response to changes in society, such as increased influx of foreign workers, migrant women, multi-cultural families, Korea has started multicultural education that embraces and respects other cultures since the 1990s. While multicultural education and its active research has been carried out in art education of first and secondary schools, the university`s formative education has barely adopted the new subject. For Western-Americanizing phenomenon is to form a mainstream university art education curriculum in Korea, a problem emerges that reflects the educational and cultural identity of the nation based on the cultural diversity of the Asian countries and general education. Formative arts education in multicultural era is required to apply the universality of the world culture and cultural diversity while having the understanding and interest in the culture and art of others as well as those of Korea. Formative arts education in domestic university of the multicultural age was studied and analyzed by focusing on current curriculum and status of art education from the perspective of the cultural particularity and universality in the global era. For a detailed study, formative art education and cultural pluralism was explored around the current state of the domestic university art curriculum of domestic in the multicultural age. On suggestions for formative art education in domestic colleges, cultural diversity and identity through education and interdisciplinary methodology were studied and analyzed in accordance with the time. The scope and method of research are structured around case studies of curricula and documents, specifically curricula of 10 universities from Seoul and Gyeonggi areas, the current state of subjects was analyzed and a education model for the multicultural era was proposed. Proposals for domestic art education in Korean university were made based on the interdisciplinary education and eclectic education which embraces cultural identity and universality. Since interdisciplinary education is not actively implemented among Korean colleges, introducing and adopting the curricula of the advanced overseas universities are required. However, in order to apply the foreign universities` interdisciplinary curricula while keeping both the universal values and Korea`s cultural identity, the process must be based on cross-cultural approach method. This study is expected to take the role of vitalizing Korean formative art education and acquiring international competitiveness in the age of multiculturalism.

세계화시대의 국내 디자인대학 기초교육의 조형 요소와 원리에 관한 연구

윤민희(Yun, Min Hie) 한국디자인문화학회 2015 한국디자인문화학회지 Vol.21 No.3

한국의 현대예술교육이 급격하게 서구화⋅미국화되면서 조형교육의 가장 기본적인 조형의 요소와 원리에 대한 교육도 서구 모더니즘에 바탕을 두고 있다. 20세기 중반 이후 전 세계적 조형교육이 미국의 조형교육을 중심으로 행해져 왔기 때문에 서양의 구성요소 및 원리에 관한 체계적 연구는 활발하게 진행되고 있다. 현대적 시각의 동양예술의 조형관, 조형의 요소와 원리에 대한 구체적 연구는 미흡한 실정이기 때문에 동양인의 시각에서 바라보면 자칫 문화적 정체성의 상실을 가져올 수 있는 측면이 있다. 그러므로 자칫 국수주의나 문화적 답보주의에 빠질 수 있는 위험성을 배제하면서 세계의 보편성에 바탕을 둔 글로벌 스탠다드(global standard)의 측면과 함께 21세기의 예술교육은 각 국가의 문화적 정체성이 내포된 현대의 조형교육이 필요하다. 조형의 구성요소와 원리에 관한 연구는 조형발상을 위한 가장 기초적인 영역임으로 서구 중심의 조형관에서 동⋅서양 미술 현상 및 원리의 연구에 바탕을 둔 기초디자인 교육과정에 대한 연구가 필요하다. 세계화시대의 국내 디자인대학 기초교육의 조형 요소와 원리에 관한 연구는 문화적 정체성과 보편성의 시각에서 조형교육의 교육 현황 및 교육과정을 중심으로 연구⋅분석하였다. 세부적으로 국내대학 기초조형교육 역사 및 현황은 1) 국내대학의 조형교육 역사, 2). 국내대학 기초조형교육 현황을 연구하였다. 국내대학 기초조형교육 제안에서는 1) 기초조형교육과 문화적 양면성, 2) 크로스 컬츄럴한 기초조형교육제안을 중심으로 연구⋅분석하였다. 연구의 범위와 방법은 서울⋅경기권 디자인대학의 시각디자인학과(전공) 교육과정을 중심으로 조형교육 교과목 교육 현황을 분석한 후 디자인 영역 조형교육 교과목인 기초디자인, 평면디자인, 조형론 등의 교육내용, 교재 등에서 교육되는 조형의 요소와 원리를 중심으로 연구하였다. 특히 문헌연구 및 교육과정의 사례 분석을 중심으로 구성된 본 연구는 문화적 다양성과 정체성의 시각에서 기초조형교육의 조형 요소와 원리의 교과내용을 제안하였다. 문화적 보편성과 다양성의 측면에서 동⋅서양 시각 예술의 조형요소와 원리에 대한 연구는 조형예술 교육의 지평 확대와 심화를 위하여 매우 중요하다. 궁극적으로, 본 연구는 글로벌 시대의 동서양 예술의 크로스 컬츄럴한 시각에서 조형의 요소와 원리를 중심으로 세계인인 공유하는 문화의 보편성 위에서 한국의 문화적 정체성에 바탕을 둔 예술교육의 조형원리를 교육하는 것이 목표라 할 수 있다. As modern Korean art and design education has rapidly become Westernized or Americanized, education of visual elements and principles, fundamental aspects of plastic arts education, has been based on Western modernism. Since the mid-20<SUP>th</SUP> century, plastic arts education around the world has had American art education as its center, and systematic studies on Western visual elements and principles have been conducted actively. Because concrete studies about the modern view of Asian art and its visual elements and principles are insufficient, a loss of cultural identity among Asian people caused by the American-Western dominance of art education. Despite the risk of ultra nationalism and cultural stalemate, art education in the 21st century in the East demands education, including each country’s cultural identity based on global universality and standards. As studies into formative elements and principles are fundamental to a conception of modeling, a study of the curriculum for rudimentary art and design education is also required, based on the research of Eastern and Western artistic phenomena and principles. This research on the visual elements and principles of foundation courses in Korean art & design colleges in the age of globalization was studied and analyzed by focusing on current curriculum and status of art education from the view points of cultural identity and universality. For a more detailed study, research on formative arts education based on the history and the current educational status of Korean university was conducted. The suggestions for foundation education in domestic art and design colleges are, 1) foundation courses and cultural duality, 2) cross cultural methodology of foundation courses were studied and analyzed. The scope and methods of research were studied focusing on the curricula and education status of visual communication design department(major) from Seoul and Gyeonggi province, and then analyzed based on the visual elements and principles of education curriculum and contents such as basic design, 2D design, theory of plastic arts, etc. In particular, this research mainly composed of case studies of curricula and documents about the formative elements and principles from the perspective of cultural diversity and identity. In terms of cultural universality and diversity, studies of Eastern and Western visual art modeling elements and principles are significant to expanding and deepening education of formative arts. Ultimately, this study aims to base visual principles in art education on Korea’s cultural identity from a view of cross-cultural exchange of Eastern and Western arts in the era of globalization, highlighting international cultural universality.