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        연극 안의 배우, 배우의 몸 - 이경성과 크리에이티브 바키(Creative VaQi)의 연극 미학

        이경미 ( Lee Kyung Mi ) 한국연극학회 2017 한국연극학 Vol.1 No.61

        이경성과 크리에이티브 바키(Creative VaQi)의 연극은 희곡의 재현이 아니라 `공간`에 대한 질문에서 출발한다. 광화문이나 문화역 서울과 같은 일상적 공간 속에서 행해졌던 그의 작업은 이들 공간으로부터 고유의 장소성, 즉 그 공간에 축적된 역사적, 사회적 맥락을 드러냈다. 이후 그들은 일상적 공간으로부터 극장이라는 제도적 공간으로 중심을 옮겨 극장의 장소성에 대해 근본적인 질문을 던지는데, 이것은 연극이 무엇인가에 대한 자기질문이기도 하다. 이로써 이경성과 바키의 연극은 예의 그 `장소특정적 공연`의 카테고리를 벗어나 보다 더 미학적 지평을 확장해가고 있다. 그 과정에서 우리는 그들의 작업을 공간과 함께, 좀더 시각을 달리하여 공간을 점유한 몸의 문제를 근거로 새롭게 논의할 수 있는 단초를 얻게 된다. 사실 공간에 대한 질문에서 출발한 바키의 작업은 애초부터 그 공간을 점유하고 있는 배우의 몸을 배제하고는 논의할 수가 없는 것이었다. 본 논문은 크리에이티브 바키의 연극을 배우, 배우의 몸으로부터 새롭게 논의하고자 한다. 통상적 연극과 다르게 그들은 연출과 배우 모두가 직접 공연 전 과정을 이끌면서 관련 자료를 조사하고 인터뷰하며, 여러 번의 발제와 토론 등의 과정을 거쳐 공연의 틀을 잡아간다. 이런 작업과정에서 배우는 어떻게 대상을 체험하는지, 그리고 체화된 감각을 바탕으로 무대를 그들 연극의 주요 화두인 공간과 시간, 더 나아가 타자에 대한 감각의 장소로 발생시키는지를 살펴보고자 한다. 무대 위의 배우의 몸은 공간을 점유한 몸으로서 `여기`에 대해 질문하기도 하고, 시간을 점유하고 `지금`에 대해 묻는다. 그런가하면 보이지 않는 타자의 고통을 감각하는 몸으로서, 기억에 대해 묻기도 한다. 배우의 몸에 기반한 이경성의 연출미학을 풀어내는 이론적 근거는 몸과 지각의 문제를 중심에 둔 현상학에서 가져왔으며, 구체적인 사례들은 최근 2년 동안 발표된 이들의 작품들에서 찾아보았다. Lee Kyung-Sung and the theatergroup `Creative VaQi) have made their theaters focusing on space discourses. But for about last two years, most of their works have been performed not only in everyday spaces but also in various instituional theaterspaces. This is why the research about their theater aesthetics should be conducted from different perspectives. This study examines several recent works that Lee Kyung Sung and his VaQi have performed in institutional theatrical spaces. Actor`s bodies that occupy the space have been their theatrical interest that they have focused on from the beginning. What they emphasize is not how they make actors represent their drama roles. They see actors not as tools of theater but as productive subjects. Actors in their theaters stand on stage as themselves with their own identities. In other words, they reveal themselves on stages as persons who have their own thoughts about the world. This is due to their unique working style that are completed through thorough collaborative work, from data research to interviews, presentations and discussions. Of course, actors are the center of all these processes. They constantly interact with objects and build their own viewpoint on them. The body itself is a performing body that creates events and forms the framework of perception and experience. This way of working is closely linked to the phenomenological point of view. Based on this phenomenological point of view, this paper examines how actor`s body is posing new questions about space and time. It tries also to look at how actor`s body occurs as a place of sensation for the other.

      • KCI우수등재

        ‘문명화’와 ‘동화’ 사이에서 주체되기: 근대 동아시아에서 르봉 수용과 이광수의 민족개조론

        이경미(LEE Kyung Mi) 한국국제정치학회 2021 國際政治論叢 Vol.61 No.1

        이 글의 목적은 이광수의 ‘민족개조론’이 귀스타브 르봉(Gustave Le Bon)의 ‘민족심리학’을 어떻게 수용했는지 살펴봄으로써 그의 논리체계가 갖는 독창적인 함의를 밝히는 데 있다. 식민지 조선의 사상을 알기 위해서는 그를 둘러싼 ‘복합적인 연쇄구도’를 알아야 한다. 이를 위해 2장에서는 우선 르봉의 이론이 근대 동아시아에 전파된 과정을 살펴봤다. 특히 일본을 중심으로 번역이 이루어졌지만 그 양상은 복합적이었다는 점, 그리고 근대 동아시아에 있어 르봉의 수용은 ‘내셔널리즘’과 결부된 특징을 가지고 있었다는 점을 지적했다. 다음으로 3장에서는 민족개조론의 르봉 수용이 갖는 독창성을 일본에서 수용된 상황과 비교를 통해 밝혀냈다. 이광수는 민족성을 ‘근본적인 것’과 ‘부속적인 것’으로 나눈 르봉의 구분을 전유함으로써, 비서구사회의 ‘문명화’를 부정하는 르봉의 이론을 반박하는 동시에 이민족의 ‘동화’를 비판하는 르봉의 주장을 그대로 살려냈다. 즉 민족성의 변화를 ‘긍정’하는 동시에 ‘부정’하는 ‘모순적인 과제’를 하나의 텍스트 안에서 수행했던 것이다. 이는 ‘문명화’와 ‘동화’라는 상반된 과제를 ‘공존’시키는 언설행위였지만, 양자 사이에서 민족의 ‘주체화’라는 공통된 과제를 수행한 것이기도 했다. 그런 의미에서 본고는 이광수의 르봉 수용이라는 문제를 ‘내셔널리즘’이라는 프리즘으로 재조명했다. This paper examines the process how Lee Kwangsu accepted Gustave Le Bon’s theory in colonial Korea. He translated part of Le Bon’s book, The Psychology of People and appropriate his theory to apply for his colonial situation. In order to understand intellectuals in colonial Korea, we must know the “complex chain of thoughts” surrounding them. Therefore, I first examined how Le Bon’s theory was spread to modern East Asia, especially Japan, China and Korea. Through this process, I tried to reveal not only the complex structure but also the linkage between Le Bon’s theory and nationalism in modern East Asia. Second, I described how Lee Kwangsu’s On the National Reconstruction (Minjok Gaejoron) accepted Le Bon’s theory. Comparing with the situation in Japan, he made a different conclusion from Le Bon, using the distinction of nationality as “fundamental” and “adjunctive”. In other words, unlike Le Bon’s interpretation to emphasize the invariability of the fundamental nationality, he argued that the adjunctive nationality is easy to change. His appropriation of Le Bon’s logic was to transform his conclusion to deny the “civilization” of the non-European nation. At the same time, however, Lee inherited Le Bon’ criticism against the “assimilation” of nation. In this respect, Lee’s article had a “originality”, that was not seen in Japan, as a nationalistic discourse in colonial situations. He aimed to establish Korean nation as a “subject or Juche” in it’s contradictory task between “civilization” and “assimilation”.

      • KCI등재

        혈액투석 환자의 도관 기능부전 관리 프로토콜 적용이 도관개존 성공률 및 출혈 합병증에 미치는 영향

        이경미(Lee, Kyung Mi),김미연(Kim, Mi Yeon) 병원간호사회 2018 임상간호연구 Vol.24 No.3

        Purpose: This study was a retrospective cohort study to evaluate the effect of evidence-based guidelines for catheter dysfunction among hemodialysis patients, Success rate and bleeding complications in catheterization were examined. Methods: We performed a retrospective cohort study, including 94 patients with catheter dysfunction who were receiving hemodialysis at a university hospital; 55 in the control group and 39 in the protocol group. This protocol was composed of the catheter dysfunction assessment, conservative management of catheter dysfunction, drug management of catheter dysfunction, catheter function test and maintenance management. Data were analyzed with a Chi-square test and t-test using SPSS/WIN 23.0 program. Results: The patency rate of the protocol group was significantly higher than that of the control group. The rate of bleeding complications was not statistically significant for either the control group or the protocol group before or after application. Conclusion: The application of the guidelines effectively increased the patency rate of the catheter without bleeding complications. It is hoped that this guideline can be disseminated to nurses nationwide to improve the efficiency of catheter function for hemodialysis patients.

      • KCI등재후보

        AHP를 이용한 지속가능한 도시개발지표의 중요도 평가

        이경미(Lee, Kyung-Mi),정재호(Chung, Jae-ho) 한국부동산정책학회 2013 不動産政策硏究 Vol.14 No.2

        '스콜라' 이용 시 소속기관이 구독 중이 아닌 경우, 오후 4시부터 익일 오전 7시까지 원문보기가 가능합니다.

        The purpose of this study is to evaluate the weight of sustainable urban planning indicators for social-cultural, economical and environmental sustainability with the Analytic Hierarchy Process (AHP) analysis method. In addition, it is also to propose improvement plan and long-term development direction of domestic new cities by the weight evaluation of sustainable urban planning indicators. The main analysis result of this study is as follows; First, in the top factors analysed by AHP method, weight of the social-cultural and economical sustainability were higher than environmental sustainability. Weight of the medium factors of the social-cultural and environmental sustainability showed that all weight values are high and minor differences. However, weight of the economic sustainability relatively showed large differences. Weight of bottom factors showed higher values in the items of the preservation of historical and cultural heritage, age-income social mix and generation-size mix in social-cultural sustainability, in the items of facilities for self-sufficiency, subway transportation network and establishment of regional industry foundation in economical sustainability, and in the items of development of proper density, use of solar energy, expansion of park and green spaces in environmental sustainability. Second, through the analysed results of the compound weights and its priorities, almost of bottom factors were ranked higher in economic and social-cultural sustainability and almost of the bottom factors of environmental sustainability were ranked lower.

      • KCI등재후보

        동시대 연극에 부응하는 새로운 희곡 : 글쓰기의 수행적 가능성

        이경미 ( Kyung Mi Lee ) 한국드라마학회 2009 드라마연구 Vol.- No.30

        In diesem Aufsatz handelt sich es um, die neue Dramatik nach der 60er Jahren, besonders nach der 90er Jahren an den asthetischen Eigenarten des postdramatischen Theaters anzuschließen und deren performativen Textualitat zu erklaren. Der Poststruktualismus und dessen Ereignisasthetik, die andererseits unter ``Performativitat`` verstanden werden kann, sind naturlich entscheidende Basen fur diese Arbeit. Der Poststruktualismus stellen die Frage sowohl auf den Struktualismus als auch auf dem uberkommenden Metaphisik, weil diesem philosophischen Denken ein Zentrum wie Schonheit, Wahrheit oder ein Struktur selbst immer A und O sind. Ihre harnackige Beharrlichkeit zu nur einem Zentrum hat die verschiedene Dogmen und Vorurteile, die auf der bisherigen menschlichen Geschichte negativ gewirkt haben, zur Folge. Der Struktualismus sieht ein Werk als ein Zeichensystem, die einen einheitlichen und stabilen Sinn produziert. Der Author steht dort immer im Hintergrund des Werks und fungiert als ein transzendentale Signikfat. Aber Roland Barthe hat den ``Sterben des Authors`` aus dem poststuktualischen Standpunkt erklart. Er sieht also ein Werk als ``ein mult-dimensionalen Raum``, in dem verschiedene Diskurse einander sich durschkreuzen und zusammenstoßen. Nicht der Author sondern der Leser konstituiert selbst "die Sinne" des Textes in seinem aktiven Lesenprozess. Roland Barthe fordert deswegen einen neuen Schreibverfahren. Die Intertextualitat von Julia Kristeva gibt auch einen hilfreichen Ansatz zu den heutigen Schreibverfahren. Ihre "geno-text" ist das Text, das sich aus eine entrum(Autor) befreit und Text als ein Prozess von Sinnkonsturieren bestimmt. Wenn wir die Performativitat mit der Dramatik anschließen, konnen wir die neue Moglichkeit in der Intertextualitat finden. Das performative Experiment das von einigen Dramatikern in ihren dramatischen Schreiben eingfuhren, sind ein Versuch, Drama naher zu der heutigen Buhne kommen. In dieser Arbeit werden die Texte von Elfriede Jelinek als Beispiele gegegen, weil sie uns sagen, daß ``Drama`` oder die Dramatik kein statischen Begriffe mehr, sondern ein historische Begriffe sind. 연극성과 마찬가지로 희곡성 역시 역사적으로 변화하는 개념이다. 동시대희곡들을 통해 우리는 이미 희곡이라는 기존의 관습화되고 축약된 명칭이 더 이상 의미가 없다는 사실을 확인하고 있다. 이성적 언어 및 문학적으로 관습화 된 형식에 의거한 재현의 가능성에 대한 회의가 제기된 시점에서, 현대 사회 및 그 속에서의 개인의 삶은 분명 다른 글쓰기를 우리에게 요구하고 있다. 본 논문은 후기구조주의의 철학적 지평에서 오늘날 새로운 문학적 텍스트의 가능성을 되짚어 본다. 이 과정에서 줄리아 크리스테바 및 롤랑 바르트 등의 상호텍스트 이론은 오늘날 포스트드라마 연극과 맞물린 새로운 희곡의 형태를 설명할 수 있는 훌륭한 근거가 된다. 탈기호화, 탈구조주의적 관점에서 텍스트는 하나의 절대적 의미가 아닌 유동하는 의미들이 유동하는 공간이며, 이 공간 속에서 저자가 아닌 독자가 해석의 주체가 된다. 오늘날 현대 사회의 문화현상의 핵심 키워드로 부상한 "수행성(Performativitat)"은, 이처럼 궁극적 의미 내지 구조를 거부하고 끊임없이 변화하는 능동적 변용의 과정을 설명하는 개념이다. 수행성이 문학과 만날 때, 그것은 독자 스스로에 의해 진행되는 능동적 읽기와 사유의 과정에서 진행되는 새로운 지각방식을 의미한다. 후기구조주의의 텍스트 이론 및 수행적 관점에서 주목할 수 있는 희곡들은 더 이상 작품(work)가 아닌 텍스트(Text)이다. 혹자는 이러한 희곡을 기존의 ``드라마(drama)``라는 용어와 별개로 ``연극텍스트(Theatertext)``라 부를 것을 제안한다. 이러한 연극텍스트(Theatertext)는 하이너 뮐러 및 욘 포세 등 작가 스스로가 동시대 연극의 화두를 자신의 글쓰기 속에 적극 반영한 희곡들을 지칭한다. 이들의 희곡의 공통점은 텍스트 속에서 작가의 목소리를 찾을 수 없다는 점이다. 본 논문은 무엇보다 엘프리데 엘리네크를 예로 들어 그녀가 자신의 텍스트를 통해 독자 및 무대에게 던지는 동시대적 화두 및 그 서술적 특징을 살펴보고자 한다.

      • 포스터 : 웹기반 마인드맵을 활용한 문제중심학습 구현

        이경미 ( Kyung Mi Lee ),이명숙 ( Myung Suk Lee ) 한국컴퓨터교육학회 2011 한국컴퓨터교육학회 학술발표대회논문집 Vol.15 No.2

        제시한 모형에서 문제중심학습의 핵심인 비구조화 무제를 학습자 스스로 해결하는 도구로 웹 마인드 맵을 활용하였다. 웹의 특성상 시·공간적인 제약을 받지 않고 학습자 스스로 문제를 해결하고 그룹별 과제를 통하여 상호 봉완적으로 개인의 역량을 증대시키며 그룹원들 간의 소통 기술도 익일 수 있다.

      • KCI등재

        매체성의 관점에서 바라본 연극, 연극성 -디지털 미디어 시대와 "inter-"의 미학-

        이경미 ( Kyung Mi Lee ) 한국연극학회 2011 한국연극학 Vol.1 No.43

        Immer mehr wird in der Fachrichtung Kunstwissenschaft und Medientheorie darauf hingewiesen, Kunst und Medien nicht mehr als einzelne Disziplinen mit ihren eigenen historischen Entwicklungen und mit ihren eigenen Gesetzmaßigkeiten, sondern gerade unter deren Wechselwirkungen zu studieren. Unter diesem Aspekt konnen wir sagen, dass sich Theatralitat auch entsprechend der Medienwechsel in der Kultur verandert hat. Dieser Aufsatz beginnt sich deshalb mit der Ausgangsfrage, wie die Medien wie Bilder(in der vorgeschichtliche Zeitalter), Schrift(in der Moderne) und technologische Bilder(in der heutigen digitalen Zeitalter) auf die jeweilige Theatralitat eingewirkt haben. Medienphilosophie definiert Medien als keine Informationsbehalter mehr. Fur sie sind Medien Spuren, die sich immer unter Erscheinen und Verschwinden stellen und daraus die Mogligkeiten eroffnen, die verschiedenen Sinnen erscheinen zu lassen. Es handelt deshalb weniger von Einzelmedien, sondern ausschließlich davon, wie in einem Medium die eigentlichen Konventionen und Seh- und Horgewonheiten eines anderen Mediums zu realisieren. Uber die Medien zu untersuchen setzt eine Zwischenraum(ein Inter) voraus. Die Intermedialitat als Wechselwirkung zwischen unterschiedlichen Medien ist ein wichtiges Schlusselwort in heutigen Kunst. Alle kunstlerischen Experimente seit den fruhen 20. Jahrhundert betrachteten sie als ihre asthetische Moglichkeit, die Wiklichkeit zu darstellen. Solche Tendenz in der Inszenierungen verstarkt sich noch in heutigem digtalen Zeitalter. Die Asthetik von theatralischen Inszenierungen besteht also heute auch in der Intermedialitat. Meiste Inszenierungen nehmen ihre Medien wie Wort, Korper, Licht, Musik und aber auch Zeit und Raum nicht mehr als Werkzeuge fur einen Sinn auf, sondern als materielle Apparate, in deren negativen Spuren immer mehr die neuen Sinnen erscheinen lassen. Dieser Aufsatz hat durch die Fallstudie von einigen Inszenierungen versucht, alle Medien auf der Buhne, sogar Film, TV und Video, keine eigenen asthetischen Konturen zu haben. Sie alle sind materielle Medien, die nur als "negativen Spuren" da sind. Die Inszenierungen von heute sind also die unbegrenzte Buhne fur Intermedialitat.

      • KCI등재후보

        디지털 미디어 시대, 공연의 커뮤니케이션 -participation 또는 interaction

        이경미 ( Kyung Mi Lee ) 한국드라마학회 2014 드라마연구 Vol.0 No.44

        Seitdem die asthetische Forderung nach der Reprasentation von der Wirklichkeit ihre einstige Uberzeugungskraft verloren hat, verschiebt sich das Zentrum der Kunste von Kunstler zu Publikum, beziehungsweise von Produzent zu Wahrnehmende. Partizipation und Interaktion in den heutigen Performance werden entsprechend die wichtigste Probleme, mit denen sich alle Regisseure beschaftigen. Die kunstlerischen Verlangen nach Partizipation und Interaktion stehen im Verhaltnis mit der Erkenntnis, daß man durch der Entwicklung der Technik seit dem Anfang des 20. Jahrhundert nicht mehr uber einer Wirklichkeit oder einer Wahrheit sagen kann. Wir sind in der sogennante Postspektakulare Zeit, wann die Unterschied zwischen Real und Simulacre verschwindet ist und die kritische Unruhe daruber selbst bedeutungslos ist. Statt geschlossenen Werke zu schaffen, beschaftigen sich die Kunstler deswegen zunehmend mit der asthetischen Ereignis. Sie meinen, dass diese Ereignis den Zuschauer Anlaß finden laßt, an dem Werk aktiv teilzunehmen und aus dessen Botschaft seine eigene Denkweise selbst zu konstruktieren. Dieser Aufsatz entwickelt die aktuellen Tendenzen der Partizipation und der Interaktion auf deren Bezuge zu den technologischen und kulturellen Ebene seit der Verbreitung des Internet, also der digitalen Technologie. Es handelt sich deswegen darum, die verschiedenen Weise des Partizipation und des Interaktion in der heutigen Performance zu untersuchen. Erstens wird die Partizpation und Interaktion in den verschiedenen Inszenierungen untersucht, die es sich mit dem performativen Blick des Zuschauers handelt. Hier sind Zusehen des Zuschauers nicht die passive Aufnahme der Buhnewelten, sondern die aktive konstruktive Handlung. Zweitens wird die Interaktion im Verhaltnis zu den Technolgien, beziehungsweis digitalen Medien untersucht. In diesen Inszenierungen funktioniert der Korper des Zuschauers nicht mehr als Wahrnehmungsort sondern als eine Schaltung, die die Rahmen des Werkes verandert. Dieser Aufsatz will daraus folgen, dass die Veranderungen der Form und Weise der Partizipation und Interaktion in der Relation zu der Veranderung der Medien und auch zu der Angste uber der Verfall der Subjekt stehen. Um ihre Identitat als kritische Andere gegen die Gesellschaft wieder aufrechtzuhalten, versuchen die heutigen Inszenierungen die verschieden Formen der Interaktion zu entwickeln. 모든 예술이 그렇듯, 현대 공연예술에서도 현실에 대한 모방과 재현의 담론이 설득력을 상실하면서, 이제 예술의 중심은 점차 작가 내지 작품이 아닌 관객으로 옮아가고 있다. 그 과정에서 관객의 지각과 관련된 참여 또는 인터랙션의 문제가 보다 중요한 미학적 화두로 자리잡았다. 참여, 특히 인터랙션에 대한 요구 및 그 내용은 테크놀로지의 발달로 인해 현실에 대한 상 또는 범주가 흔들리기 시작했고, 급기야 디지털 미디어의 등장으로 실재 자체가 무한대로확장, 변용되는 정도가 심화되는 것과 비례한다. 본 논문은 관객의 ‘본다’라는 행위 및 직접적인 신체적 개입과 연관지어, 디지털 인스톨레이션까지 포함한 동시대 공연예술에서 참여와 인터랙션의 내적 지형을 살펴보는 것이 목적이다. 현실에 대해 통합된 담론이 가능했던 시대의 경우, 공연예술에서 눈의 역할은 단지 작가가 제시한 현실의 상(像)을 보고 수용하는 일종의 창문과 같은 것이었다. 하지만 20세기 이후, 특히 중반 이후 관객의 시각은 수용적 매체라기보다는 타자, 즉 보여지는 대상과의 역동적이고도 대등한 상호작용 속에서 본것에 대한 자신의 입장을 구성하고 정립하는 반성적 매개체이자 하나의 사회적 행위로 인식되고 있다. 오늘날 무대가 일체의 의미화의 맥락을 거부하고 탈기호적인 이미지들로 공간을 채우는 것은, 이를 통해 관객의 시각을 교란시키고 당혹하게 함으로써 결과적으로 관객의 시각에 역동적이고도 능동적인 동기를 부여하려는 일종의 연출적 전략이다. 공연에서 몸을 통한 참여의 방식 역시 시대적 환경의 변화와 맥을 같이 하며 달라져왔다. 근대연극의 공간이 철저하게 관객을 객석의 어둠 속에 묻어두었던터라, 신체적 참여자체가 불가능했다면, 20세기 이후 무대와 객석의 이분법적인 마주보기 구도를 해체하려는 실험적 시도가 증가하면서 공연의 과정에 관객이 직접적으로 개입, 참여하는 경우도 증가했다. 미래주의와 다다로부터 시작된 이러한 시도는 50,60년대 플럭서스나 헤프닝 등을 통해 발전되었고 오늘날에는 소위 ‘장소특정적 공연’을 비롯해 극장이라는 관습적 공간을 벗어나 진행되는 다양한 실험들로 이어지고 있다. 이러한 참여의 방식은 시각에 기반한 참여의 방식보다 훨씬 구체적이고 직접적이다. 그러나 다른 한편에서 80년대 이후 디지털 미디어의 등장은 예술의 지평 자체에 커다란 변화를 가져왔다. 디지털 퍼포먼스가 지향하는 사이버스페이스라는 확장된 비물질의 공간 속에서 관객(사용자)은 한때 전통적 예술에서 작가가 지녔던 절대적 권한을 완벽하게 넘겨받았다. 그는 기존 공연에서 무대 또는 극장에 해당되는 사이버스페이스 앞에 마주한 사람이 아니라, 그 공간 안으로 들어가는 사람이고, 단지 사변적으로 생각하고 지각하거나 반동적으로 반응하는 사람이 아니라, 작품의 틀자체를 바꾸고 변경하는 사람이다. 시각의 차원이건, 몸의 차원이건 이처럼 오늘날 공연의 중심이 관객으로 넘어갈 뿐 아니라, 그와 소통하는 방식 역시 보다 역동적이고 다층적으로 변화하는 것은, 예술이 현실에 대한 윤곽이 불투명하다고 느끼는 것과 비례한다. 어느 시대에나 공연이 사회에 대한 타자로서 그 정체성을 유지했다는 것을 상기해보면, 오늘날 공연미학에서 관객의 지각 문제, 즉 참여와 인터랙션의 방식이 중요 화두가 되고 있는 것은 당연한 이치일 것이다.

      • KCI등재후보

        2010년 이후 한국희곡에 나타난 위험사회의 징후 : 기억되지 못한 역사, 트라우마 그리고 무기력\

        이경미 ( Kyung Mi Lee ) 한국드라마학회 2013 드라마연구 Vol.- No.41

        This study examines the causes of conflicts that have been widespreaded into our society with the help of the memory discussed in the Cultural Studies. And it analyses how these conflicts are reflected on characters of dramas produced after 2010. The Cultural Studies distinguishes the memory from history, stressing the positive and energetic sides of the memory that make groups adjust their identities with their presence and future in mind. If a group or a society is not able to reconstruct their momories such way, it’s thought and behaviour have no choice but to become stiff and so there are no positive communications within groups any more. The characters discussed in this study are people who are suffered from the the traumas caused from the unsolved ideological problems in the past. Fathers who appear unceasingly in their son’s dreams or unconsciousness after dying mean the cause of their traumas. But sons are in total lethargy and depression or avoid facing to their unsolved problems in the past. Their ways of thinking are all unrealistic and grotesk. If dramas reflect the sociey that their writers belongs to, they are all the self-portraits of us who can not memory our past and pains in it. And it is very meaningful that these dramas are produced last and this year when conflicts between social groups became more and more increased. With this writing realated to the memory, especially to the incapacity of memory, writers try to give warnig us about the dangers caused from it. In this context, these dramas are the places of cultural memory that give us the chance of retrospective contemplativeness. 현재 한국사회는 정치경제적으로 해결해야 할 문제들이 하나 둘이 아니다. 그럼에도 불구하고 정치권을 비롯해 사회 각층에서 표출되고 있는 집단 간, 이념 간 갈등은 국가의 기능을 마비시킬 정도로 극단의 상황으로 치닫고 있다. 이 문제적 상황의 원인이 무엇인지에 대해서는 정확하게 규정할 수는 없다. 그러나 일제강점기 이후 지금까지 계속되어 온 이념적 대립, 그리고 그로 인해 현대사의 문제적 시기들을 제대로 청산, 극복하지 못한 것이 오늘날까지 결정적 원인으로 작용하고 있음은 분명하다. 정당 간, 계층 간, 지역 간의 생산적인 대화와 논쟁이 부재한 가운데 거듭 되풀이된 반목은 결국 청산되지 못한 과거에 대한 지독한 후유증을 현재에 남기고 있다. 그 과정에서 오류가 수정되지않은 역사는 현재에 하나의 외상적 기억으로 작동하고 있다. 제대로 기억되지도, 애도되지도 못한 역사의 흔적은 이제 한국사회가 그 어떤 미래적 대안을 마련함에 있어서도 커다란 걸림돌이 되고 있다. 본 논문은 오늘날 한국사회가 겪고 있는 총체적 무력감과 상실감을 문화학의 기억의 문제와 연결지어 살펴보고, 특히 2010년 이후 발표된 몇몇 희곡을 분석하고자 한다. 문화학에서 기억은 역사와 분명하게 구분된다. 역사가 이미지나가버린 과거에 대한 단순한 수집 내지 재현에 불과한 것으로서 현재와는 아무런 연관이 없는 중립적이고 객관적이며 사료적인 의미를 지닌다면, 기억은 현재 속에서 끊임없이 활성화되며 움직이고 있는 과거의 현상이다. 즉 기억은 현재와의 밀접한 관계 속에서, 현재적 시점을 중심으로 과거를 재구성하는 행위로서 과거를 적극적으로 인식하고자 하는 현재의 에너지다. 그러나 이 기억의 생산적 행위가 이루어지지 못할 때, 그것은 왜곡되고 고착된 기억으로서 더 커다란 억압과 불안의 원인이 된다. 한국사회의 과거 기억의 문제와 관련하여 분석대상으로 삼은 희곡은 박근형의 < 너무 놀라지마라 >, 기국서의 < 햄릿6-삼양동 국화옆에서 >, 박상현의 < 싸이코패스 >, 고연옥의 < 칼집 속에 아버지 >, 백하룡의 < 전명출 평전 >이다. 2011년 대선을 전후로 거의 일년 사이에 발표된 이들 희곡의 인물들은 각기 다른 모습으로 자기화되지 못한 과거라는 트라우마를 안고 있다. 이들 희곡에서 그 트라우마의 대부분은 아버지로 구현되고 있다. 아버지라는 과거는 그들의 아들들인 주인공들에게 때로는 자신들의 한(恨)을 풀어줄 것을 호소하거나, 자신들의 가치를 강제적으로 이행해줄 것을 요구하기도 한다. 강제가 되었건 호소가 되었건, 현재로 대변되는 그들의 아들들에게는 그 모든것이 지극히 곤혹스러운 억압으로 작용한다. 그로 인한 아들들의 대응은 제각각이지만, 무관심과 회피로 일관하거나 자기 오인이나무기력, 우울의 증세를 보인다. 자기의 정체성을 찾으려는 시도를 하기도 하지만, 그가 속한 집단기억의 고착된 논리는 그러한 애도의 시도조차 불가능하게 만들어버린다. 2010년 이후, 특히 2011년 대선을 전후로 짧은 시기에 발표된 희곡들에서 아버지에 대한 억압된 기억에 시달리는 아들들의 모습을 발견하는 것은 우연의일치라 하기에는 시사하는 바가 많다. 수많은 기억의 행위 가운데에서도 문화적 매체들에 의해 추동되는 문화적 기억은 텍스트나 제의, 기념비와 같은 문화적인 형상화를 통해 집단 및 개인에게 그들의 과거의 운명적 사건에 대한 성찰의 공간을 만든다. 그렇게 볼 때 이들 희곡은 정권이 바뀌고 그에 따라 새로운 미래를 약속하는 공약들이 쏟아지지만, 갈수록 심각해지는 집단 간의 이념갈등, 특히 그 기저에 놓인 해묵은 반목과 상처들이 청산되지 않는 한, 새로운 시대는 요원할 것이라는 작가들의 인식의 결과라고 볼 수 있다.

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