포스터 전시 : 류마티스 ; 파종혈관내응고와 다발성 장기부전을 동반한 성인형 스틸씨병 2예

심은진,이유현,이지수 대한내과학회 2005 대한내과학회 추계학술대회 Vol.69 No.10

영화, 예술의 교차점 - 페르낭 레제의 <기계적 발레>를 중심으로

심은진 프랑스문화예술학회 2020 프랑스문화예술연구 Vol.71 No.-

뤼미에르에게 영화는 미래가 없는 발명품이었지만, 리치오토 카누도 는 영화에서 미래의 예술을 발견했다. 카누도가 예언한 ‘제 7의 예술’, 영화는 시간의 예술과 공간의 예술이 교차하며 종합적으로 구현된 총 체예술이다. 레제의 <기계적 발레>에는 카누도가 설명한 종합예술로서 영화의 특징이 잘 나타나 있다. <기계적 발레>는 클로즈업을 통해 모더 니즘 회화가 추구한 역동성을 표현한다. 대상을 단편화하는 클로즈업 은 공간예술에 시간적 리듬을 부여한다. 대상의 움직임과 빠른 편집은 음악과 시가 보여준 시간적 리듬을 영화로 표현한다. 레제는 <기계적 발레>를 통해 영화가 시간을 공간화 하고 공간을 시간화 할 수 있는 예 술임을 알려줬다. <기계적 발레>는 기술에서 예술로 도약한 영화, 제 7의 예술이 된 영화를 보여주는 좋은 예이다.

작은 화면, 더 많은 사운드: 넷플릭스는 어떻게 사운드 디자인을 강조하는가?

심은진 동국대학교 영상미디어센터 2019 씨네포럼 Vol.0 No.34

In today's day and age, Netflix is a flagship of modern media which is accessible to many through various forms of technology. With Netflix, users and viewers are “accompanied” by video in their daily lives. People are able to stream films at their leisure on various devices. The novelty of Netflix's platform is expressed through the presentation of different forms of media. When people watch Netflix through mobile phones and other electronic devices, the small screen size is compensated by an effective emphasis on sound, in many of its productions. The Netflix original, Roma, by Alfonso Cuaron, is an exceptional feature due to its sound production. The beauty of Roma - and in truth, its success - lies in a somewhat harmonious contrast between simple images and complex sound. This combination is a perfect example of how Netflix highlights its production by experimenting with sound. As an “accompanying” platform, Netflix and its creation of “listening films” may be in the lead for the development of sound in filmography. 온라인과 모바일 환경에 특화되어 동영상 이미지를 제공하는 넷플릭스Netflix는 스트리밍 미디어, 디지털 전송, 순간 접속을 통해 이용자(관객 혹은 시청자)와 ‘동행하는’ 영상 미디어의 대표적인 플랫폼이다. 넷플릭스는 이용자가 있는 곳이 바로 영상을 관람하는 장소이다. 넷플릭스 관람의 특징은 이동하며 영상을 본다는 점이다. 작은 화면으로 이동하며 영상을 보는 것, 소음과 번잡함 속에서 영상에 집중하는것, 이것이 새로운 방식의 영상 관람법이다. 넷플릭스 오리지널 콘텐츠에서 사운드 활용은 이동하며 영상을 즐기는 사람들에게 개인적인관람 조건을 만들어 줄 수 있다. 사운드는 모바일이나 태블릿과 같은작은 화면의 영상 공간을 상상적으로 확장시켜 줄 수 있다. 넷플릭스오리지널 영화인 알폰소 쿠아론의 <로마>는 사운드 연출을 통해 청각매체이기도 한 영화의 특징을 잘 표현한다. <로마>가 훌륭한 것은 소리의 효과를 최대화 시킬 수 있는 이미지를 연출한 점이다. 넷플릭스 영화, <로마>의 성공은 단순한 이미지와 소리의 과잉이 만들어 낸 훌륭한 결합이다. 이 결합은 넷플릭스 관람 방식에 맞는 가장 훌륭한 연출의 예가 될 수 있다. 넷플릭스는 사운드를 통해 자신만의 관람 방식을 실험 중인지도 모른다. 넷플릭스, ‘동행하는 영상’은 사운드의 발전을 이끌고 ‘듣는 영화’를 만들어낼지도 모른다.

<그래비티Gravity>: 공간의 체험과 영화적 사유

심은진 글로벌 문화콘텐츠학회 2018 글로벌문화콘텐츠 Vol.0 No.32

<그래비티>, 공간적 체험, 영화적 사<Gravity> is the movie about the spatial concept. The realistic nature of the physical universe, as shown in the movie, emerged from experience instead of visual representation. As the camera, character and the object circle all together, the movie absorbs the audience into its space scenery. The rotational movement and circular composition of the movie brings an IMAX-like visual experience. From this optical experience, the audience could be deluded into thinking as if they were in the non-gravitational status while watching the movie. Cluster spaces like the space station and the escape capsule deliver a sensation of the digital game simulation to the viewers. The audience could feel exactly how Ryan felt in the movie. These cluster spaces put the audience into Ryan’s shoes and enables them to experience what Ryan must face. Ryan’s physical journey in space becomes her mental journey. The spatial concept gives Ryan fear, anxiety, loneliness, and loss. The fight against space teaches Ryan the fear of death as well as the meaning of life. The three close-up scenes on Ryan’s face imply her mental change. As the viewers watch Ryan’s experience, they are left with a thought. <Gravity> has given the traditional features of a visually pleasing movie, cinema of attractions. On the other hand, the cinematography of this movie allows the audience to explore their notions. A stunning movie with a cinematic reason: this is why you watch. <그래비티>는 공간에 대한 영화이다. <그래비티>가 표현하는 우주 공간의 사실성은 이미지의 재현이 아니라 체험에서 나온다. 카메라·인물·사물이 모두 둥글게 움직이면서, 관객을 영화 속 우주 공간 안으로 이동시킨다. 회전의 움직임과 원형의 구도를 통해 <그래비티>의 우주 공간은 아이맥스 영화관 같은 시각적 효과를 연출한다. 관객은 마치 가상 이미지의 공간처럼 <그래비티>의 우주 속에 들어가 무중력 상태의 우주 공간을 체험한다. 우주 정거장과 탈출 캡슐이라는 좁은 공간은 디지털 게임이나 시뮬레이션 라이드(Simulation ride)가 만들어 내는 감각과 움직임을 관객에게 전달한다. 관객은 주인공인 라이언의 움직임과 동일하게 느끼고, 라이언의 감각을 지각하게 된다. 좁은 공간은 라이언과 관객을 하나로 만들어 운동감각과 촉각을 느끼게 한다. 관객은 라이언이 되어 공간을 지각하고 그녀의 감각을 느낀다. 공간의 이동은 라이언에게 정신적인 여정이 된다. 공간은 라이언에게 불안과 공포, 상실과 고독을 알려준다. 또한 공간과의 투쟁은 라이언에게 죽음에 대한 두려움과 삶의 의지를 가르쳐준다. 라이언의 정신적 변화를 알려주는 세 개의 얼굴 클로즈 업 쇼트는 관객을 영화적 사유로 이끈다. <그래비티>는 눈의 즐거움과 감각을 전달하는 ‘볼거리 영화cinema of attractions’의 전통을 이어받았지만 또한 영화적 성찰과 사유를 담고 있다. 공간의 체험과 영화적 사유의 만남. <그래비티>의 탁월함은 여기에 있다.

영화와 정신분석

심은진,김시무 한국영화학회 2007 한국영화학회 학술발표대회 논문집 Vol.- No.-

모더니즘 회화와 영화

심은진 글로벌 문화콘텐츠학회 2016 글로벌문화콘텐츠 Vol.0 No.22

Simultaneity is the symbolic term of Modernity. The film’s capability of expressing various time through editing made it become a model of contemporary. Bergson explains contemporary in philosophical way. Cubism and Futurism adopt the concept of time to two dimensional flat space to express contemporary. Cubism and Futurism artists acquire the ways to express time from films. Picasso divided arts into fragments and reconstituted them like film editing. Expressing ‘simultaneity’ by unfolding different perspectives and times in a single screen. Delaunay showed movements like motions in movie camera in his series of painting <Eiffel Tower> to express simultaneity. Duchamp focused on expressing movement in a single perspective rather than multiple perspectives. Futurist, Balla, who was influenced by Duchamp, showed object movement in a stationary point. Time expressed by Duchamp and Balla is a lot similar to simultaneity of cinema. Cinema moves away from a mere entertainment by influenced by and to arts and thus became the 7thart. 동시성(simultaneity)은 모더니티를 상징하는 단어이다. 베르그송(Bergson) 은 철학적인 개념으로 ‘동시성’을 설명한다. 편집을 통해 다양한 시간을 표현할수 있는 영화는 동시성을 표현할 수 있는 모델이 되었다. 멜리에스(Meliès)로부터 시작된 영화의 마술적 시간은 과거, 현재, 미래라는 차원이 인간의 정신속에서 일어나는 현상과 마찬가지로 상호 침투하며 구별이 없어지는 시간이다. 영화가 만드는 이 시간은 베르그송적인 지속의 시간, 동시성의 시간이다. 동시성은 영화의 시간성을 상징하는 단어가 된다. 입체주의(Cubisme), 미래주의(Futurisme) 회화는 2차원의 평면의 회화적 공간에 시간의 개념을 도입하면서 동시성을 표현한다. 입체주의와 미래주의 화가들은 영화로부터 시간을 표현할 수 있는 방법을 알게 된다. 피카소(Picasso)는 영화의 편집 방식으로 형태를 분할하여 재구성한다. 단일 화면에 여러 시점과 시간을 펼쳐 보이면서 ‘동시성’을 표현한다. 들로네(Delauney)는 <에펠탑> 연작을 그리며 영화 카메라의 이동과 같은 움직이는 시점을 표현하며 동시성을 전달했다. 뒤샹(Duchamp)은 복수 시점이 아닌 단일 시점으로 움직임 그자체를 표현하는데 집중했다. 뒤샹의 영향을 받은 미래주의자 발라(Balla)는정지된 시점으로 대상의 움직임을 표현한다. 뒤샹과 발라가 표현한 시간은 영화적인 연속성과 유사하다. 대중의 오락거리에 불과했던 회화라는 고급 예술에 영향을 주고 또 영향을 받으며 제 7의 예술이 되었다.

밤과 안개>에 나타난 기억과 재현의 문제

심은진 문학과영상학회 2009 문학과영상 Vol.10 No.3

Alain Resnais made the documentary film Night and Fog (Nuit et Brouillard) that dealt with the Holocaust and Nazis concentration camp in 1955. Ann Hui, the representative director of Hong Kong, entitled her movie about a true story of a woman who was battered by domestic violence Night and Fog. This research intends to analyze Night and Fog of Resnais and that of Ann Hui from a viewpoint of intertextuality. The purpose of our research is to examine what exchange does exist between the two films. The two films are closely related to each other in the dimension of the structure of description, image and sound, movement of cameras, and so on. In addition, the two films both carry the question of how to represent the incomprehensible violence and cruelty of mankind in an image. Resnais’ Night and Fog investigates tragedies of individuals or groups and the place of memory with traces of those tragedies and deals with the issues of history and story and fiction, fact, image, and memory. This movie expresses that the insanity and tragedy of Auschwitz are neither a dead history nor the past that is gone but the traces and evidences of the memory that still remains. Ann Hui’s Night and Fog also moves between subjectivity and objectivity and between the present and the past and makes memory, oblivion, vagueness, and uncertainty. In addition, through these film devices, both movies talk about the limit of the representation by a movie. Night and Fog has a serious consideration about the relationship between reality and image. Alain Resnais made the documentary film Night and Fog (Nuit et Brouillard) that dealt with the Holocaust and Nazis concentration camp in 1955. Ann Hui, the representative director of Hong Kong, entitled her movie about a true story of a woman who was battered by domestic violence Night and Fog. This research intends to analyze Night and Fog of Resnais and that of Ann Hui from a viewpoint of intertextuality. The purpose of our research is to examine what exchange does exist between the two films. The two films are closely related to each other in the dimension of the structure of description, image and sound, movement of cameras, and so on. In addition, the two films both carry the question of how to represent the incomprehensible violence and cruelty of mankind in an image. Resnais’ Night and Fog investigates tragedies of individuals or groups and the place of memory with traces of those tragedies and deals with the issues of history and story and fiction, fact, image, and memory. This movie expresses that the insanity and tragedy of Auschwitz are neither a dead history nor the past that is gone but the traces and evidences of the memory that still remains. Ann Hui’s Night and Fog also moves between subjectivity and objectivity and between the present and the past and makes memory, oblivion, vagueness, and uncertainty. In addition, through these film devices, both movies talk about the limit of the representation by a movie. Night and Fog has a serious consideration about the relationship between reality and image.

영화 이미지와 디지털 이미지에서의 밤

심은진 한국프랑스학회 2005 한국프랑스학논집 Vol.51 No.-

영화와 디지털 이미지 : 데이비드 크로넨버그David Croneneberg의 <엑시스텐즈eXistenZ>에 대하여

심은진 청주대학교 학술연구소 2008 淸大學術論集 Vol.10 No.-

En reprenant un certain nombre de signes esthétiques et thématiques du jeu vidéo, eXistenZ met en scène une nouvelle topologie de l’image numérique et la problématise dans une fiction de cinéma. Allegra Geller dans eXistenZ a dans le corps un «pod» qui permet de brancher directement le «game-pod». Elle est un corps-machine. Dans ce film le corps-machine est un thème dominant. Chez David Cronenberg, le concept d’hybridation définit la nouvelle image. La multiplication des cuts produit des images passagères qui annulent la frontière entre le réel et le virtuel. Tout au long du film, l’absence de différence entre mondes différents laisse jusqu’à la fin le spectateur dans une incertitude. eXistenZ reste dans le territoire plus libre du cinéma. Dans ce terrain de l’imagination, sans dieu ni maître, la liberté du spectateur déborde. Notre savoir et notre imagination sont sollicités de façon ludique pour démêler l’entrelacement d’une constante mise en abyme. Key Word : 디지털 이미지, 데이비드 크로넨버그, 엑시스텐즈, 가상 세계

3D 영화에서 프레임과 외화면의 개념

심은진 문학과영상학회 2011 문학과영상 Vol.12 No.4

Frame and Off Screen of 3D Film The success of the digital 3D film <Avatar> brought a lot of changes to the perception of the film imagery. Since the birth of film, people dreamed of a “total film myth” in which frames don’t exist and the image being shown is seen as reality. This was achieved through the help of a digital 3D technique. Beyond the perspective of 3D film, the concept about frame disappears. Also, the concept of frame is being eliminated in digital image made from the combination of numbers, which is a completely different system from the analog. The omission of frames takes away the internal and external boundary of the film. It leads to the elimination of the film’s outside-the-screen concept brought by our imagination. Though digital 3D films bring us realistic images and visual amusement, it might also take away the satisfaction of intellectual will to conceptualize what we are seeing while watching movies.