로베르트 슈만의 ‘바흐에 대한 경의’ (Hommage à Bach)

나주리(Julie Ra) 낭만음악사 2008 낭만음악 Vol.20 No.3

요한 세바스티안 바흐의 작품에 대한 슈만의 각별한 관심과 연구는 그의 전 생애에 걸쳐 지속되었다. 그 가운데에서도 슈만이 직접 언급한 “푸가에 대한 열정”은 창조자로서의 그의 삶에 결정적인 변화가 초래되는 순간마다 새로운 창작의 길을 모색하는데 있어 중요한 자극제가 되었다. 본 논문은 슈만의 음악관과 창작경향의 변화에 따라 역시 변화를 거듭한 그의 바흐와 푸가 이해 과정을 집어보고, 슈만의 바흐 푸가 수용을 대표하는 작품인 <BACH에 의한 6개의 푸가>(Sechs Fugen uber den Namen BACH) op. 60의 분석적 고찰을 통해 슈만의 푸가에 내재하는 전통성과 고유성을 규명한다. 성부들의 화음적 진행에도 불구하고 그 본질을 잃지 않는 폴리포니, 견고하고 조직적인 구조와 구성이 전통성을 특징짓는다면, 슈만 푸가의 고유성은 주제와 동기의 자유로운 전개와 ‘발전’, 대위법적 요소들의 대담한 사용, 섬세하고 변화가 풍부한 가창성과 기교성에 의해 형성된다. Robert Schumann took an active interest in Bach's works and continued his research on J. S. Bach throughout his life. Especially, Schumann mentioned "passion for fugue" at first hand, which have been an important drive whenever he encountered decisive changes in his career, and had to find a new creative way as a composer. This paper traces a process of Schumann's interpretation of Bach and Bach's fugues which had been amended along with the changes in Schumann's musical thoughts and creative inclinations. It also defines traditionalism and originality of Schumann's fugue works through an analysis of '6 Fugues on BACH' op. 60 which represents Schumann's reception of Bach's fugues. The fact that the polyphonic texture of fugue never loses its inherent nature despite the chordal structure of each voices, and solid and well-organized construction represent the traditional aspects of Schumann's fugues. On the other hand, free 'developments' of subject and motives, undaunted use of contrapuntal devices, and delicate and capricious tunefulness and craftsmanship contribute to the uniqueness of his fugues.

빈 고전주의 시대의 시민계급 여성 음악가

나주리(Julie Ra) 한국서양음악학회 2023 서양음악학 Vol.26 No.1

본 논문은 18세기 후반기 음악의 역사에 본격적으로 출현한 시민계급 여성 음악가를 빈 고전주의 시대, 고전주의 시대의 도시 빈을 중심으로 살펴보며, 마리아 안나 모차르트와 나네테 슈트라이혀를 탐구 대상으로 삼는다. 마리아 안나는 아버지의 결정에, 시대가 그어놓은 성의 구분선에 순종하고 따르면서도 아버지의 훌륭한 음악교육에 힘입고 음악에 대한 강한 자기 의지를 지켜냄으로써 당시 시민계급 여성이 바랄 수 있는 것보다 더 많은 것을 달성해낸 여성 음악가였다. 근대 초 통례를 거스르며 딸에게 악기 제작의 가업을 가르치고 계승케 한 가장의 결단에 따라 그 가업을 이어받고 마침내 홀로 성공적으로 경영해낸 나네테 슈트라이혀는 전문적 비르투오소나 작곡가의 삶을 살지는 않았지만 남성이 지배하는 사업과 경영의 세계에서 끊임없는 기술 발전 및 혁신을 통해 세계적인 악기 제조사를 이루어낸, 그렇게 최고의 사회적 위치에 오른 첫 시민 여성 음악가였다. This study examined female Bürger musicians who emerged in earnest in the history of music in the second half of the 18th century, focusing on the Viennese classical period. In particular, it chose the cases of Maria Anna Mozart and Nanette Streicher as subjects of research. Maria Anna obeyed her father's decision and followed the gender divisions of her t ime. However, she achieved more than a Bürger woman could ever hope for with the excellent musical education provided by her father and her vigorous pursuit of music. Nanette Streicher took over the family business by following her father's decision to teach and pass on the family business of making instruments to her daughter, contrary to the early modern customs. In addition, she managed it successfully. She did not lead the life of a professional virtuoso or composer. Still, she developed her family business into a world-class musical instrument manufacturer through constant technological advancement and innovation in the male-dominated world of business and management. She became the first female Bürger musician to rise to the highest social position.

막스 레거「바흐의 주제에 의한 변주곡과 푸가」 op. 81의 변주곡 형식과 변주기법

나주리 ( Julie Ra ) 한양대학교 음악연구소 2005 音樂論壇 Vol.19 No.-

Die「Variationen und Fuge liber ein Thema von Joh. Seb. Bachj op. 81, die die Reihe der groBen Klavierwerke Max Regers eroffnet, fanden sowohl Zustiinmung als auch heftige Ablehnung. In der Tat sind die Ver- standnisschwierigkeiten, die das Werk, insbesondere die Variationen bieten, sehr groB. In den Variationen erscheinen das Bach-Thema und die Bachschen Themenmotive einerseits "zitatartig". Andererseits dienen sie als musikalisches Material flir thematisch-motivische Ableitungen. Dieses freie, neue kompositorische Variationsverfahren verbindet sich mit einer Fulle an modemer Harmonik und erzeugt eine Kette vielfaltigster musikalischer Erscheinungen und Ausdrucksformen. Die frei und konstruktionslos erscheinenden Variationen sind jedoch in ihrem Gesamtaufbau streng gestaltet. Der Gesamtaufbau der Variationen wird von einem Konzept bestimmt, das auf Steigerung des formalen Geschehens und des Ausdrucks hin angelegt ist. Formal sind die einzelnen Variationen so disponiert, daB das Thema sich zunehmend auflost. Und die formale Steigerung durch wachsende Auflosung des Themas vollzieht sich unter genauer kompositorischer Kontrolle sowie nach einem okonomischen Prinzip. Die Steigerung des formalen Geschehens entspricht der des Ausdrucks, die durch Harmonik, Tempo, Dynamik, Rhythmik und Metrik bestimmt wird: Die Variationen mit den thematisch-motivischen Ableitungen sind generell harmonisch, agogisch, dynamisch und rhythmisch mobil. Die Behandlung des thematischen Materials korrespondiert mit dem Ausdruckscharakter. Beide, thematische Arbeit und Ausdruckscharakter, bilden die konstituierenden Elemente eines nach dem Steigerungsprinzip konzipierten Gesamtplans der Variationen. Die Bach-Variationen von Reger sind also eine streng gebaute Komposition, deren Konstruktionslogik nicht den traditionellen Normen entspricht.

베토벤의 피아노소나타 op. 110의 푸가: 그 예스러운 ‘시적 아이디어’에 대하여

나주리 ( Ra Julie ) 한양대학교 음악연구소 2021 音樂論壇 Vol.45 No.-

본 논문은 베토벤의 후기 피아노소나타 op. 110 마지막 악장의 ‘비탄의 노래’와 푸가를 시적 아이디어의 관점으로 바라본다. 그리고 그 악장에 스며있는 시적 아이디어에서 과거의 자취가 묻어남을 감지한다. 하지만 그 자취는 과거로의 회귀가 아니라 과거, 특히 바흐와의 동행이다. 푸가를 쓰기 때문이 아니라 ‘비탄과 (승화적) 위로’의 담론을 되짚기 때문에 그 동행이 성립한다. 그리하여 베토벤의 푸가 피날레는 이제 더 이상 소나타의 영웅적 승리가 아니라 더 높은 뜻의 명시, 그것에의 순응을 의미한다. 그곳으로의 길은 투쟁이 아니라 고통의 길이다. 이렇듯 op. 110에서 결실을 맺은 푸가에 대한 베토벤의 거듭된 고민은 그가 이전에 이루어놓은 새로운 푸가 전통에서 더 나아간 전진이었다. 푸가 본질의 포기와도 맞닿아 있는 전진이다. 베토벤은 그러나 대위법적 성부 조직, 푸가의 규칙 및 구성 등에 있어 바흐의 틀을 와해하지 않는다. 옛 유산에 스며있는 시적 아이디어의 기반 위에 세워진 베토벤의 푸가가 특별한 이유다. This paper aims to examine ‘Klagender Gesang’ and fugue contained in the last movement of Beethoven’s piano sonata, Op. 110, from the perspective of poetic ideas. A deep trace of the past can be detected from the poetic ideas that are pervasive in the finale movement. However, the trace is not a return to the ancestors, but accompanying the ancestors, especially Johann Sebastian Bach. Such an accompaniment becomes possible. It is not because the movement uses fugue, but because it dwells on the proposition of grief and (transcendent) comfort. In this context, Beethoven’s fugue is no longer a heroic victory of the sonata, but a higher meaning and adaptability to it. The way to it is not a journey of struggle, but a painful road. Accordingly, Beethoven’s repeated researches on the fugue that had borne fruit at Op. 110 were a step forward from the new fugue tradition he had previously made. It meant abandoning the essence of fugue. However, Beethoven did not break Bach’s frameworks in terms of the contrapuntal textures and fugue’s rules and organization, etc. This is why Beethoven’s fugue, built on the basis of poetic ideas ingrained into old heritage, is special.

빈 고전주의 시대의 시민계급 여성 음악가

나주리(Julie Ra) 한국서양음악학회 2023 서양음악학 Vol.26 No.2

본 논문은 18세기 후반기 음악의 역사에 본격적으로 출현한 시민계급 여성 음악가를 빈 고전주의 시대, 고전주의 시대의 도시 빈을 중심으로 살펴보며, 요세파 바바라 아우언함머를 탐구대상으로 삼는다. 아우언함머는 ‘시대 정신’을 거스르며 자신이 계획했던 삶을 ‘자신의 이름’으로 살아낸 근대 초 여성 직업음악가, 여성 직업작곡가, 음악회 기획가, 교육자였다. 음악의 역사에 아우언함머가 유의미하게 새긴 족적은 무엇보다 다작한 여성 작곡가, ‘남성적 음악’을 쓴 여성 작곡가, 작품을 출판한 여성 작곡가로서의 족적이다. 화려한 테크닉과 기교, 상상력 풍부한 비르투오소인 자신을 과시하고자 하는 의도가 짙게 묻어나고 창작 그 자체보다는 연주의 목적점을 향하고 있다는 인상을 풍기는 작품들을 생산했지만, 여성의 창작력에 의심을 품고 질적, 양적 한계를 설정한 시대의 질서에 맞선 여성 작곡가로서 그의 역사적 가치는 주목할만하다. This study examines female Bürger musicians who emerged in earnest in the history of music in the second half of the 18th century, focusing on the Viennese classical period. In particular, it choose the case of Josepha Barbara Auernhammer as a subject of research. She was a female professional musician, concert organizer, and educator who defied the Zeitgeist. Auernhammer’s important contribution to the history of music is as a prolific female composer, a female composer who wrote ‘masculine music’, and a female composer who published her works. Her compositions are heavily influenced by her desire to show herself as a flamboyant, and imaginative virtuoso, and give the impression that they are aimed more at performance than at creation itself. Nevertheless, her historical value as a female composer who defied the social order of the times, which was suspicious of women’s creative abilities and set qualitative and quantitative limits on them, is noteworthy.

음악의 ‘메신저’로서의 여성: 근대 신성로마제국 귀족 가문 여성의 음악후원과 음악문화 전파

나주리 ( Julie Ra ) 한국서양음악이론학회(연세대학교 음악연구소) 2020 음악이론포럼 Vol.27 No.2

이 논문은 근대 신성로마제국, 특히 그 독일어권 지역 귀족 궁정들의 여성 음악후원, 그 후원을 통한 음악 및 음악문화 전파를 탐구한다. 탐구대상은 엘리자베트 폰 헤센-카셀, 소피 엘리자베트 폰 브라운슈바이크-뤼네부르크, 소피 샬로테 폰 하노버의 경우이다. 이들은 당대에 통상적으로 여성에게 허용된 범위를 넘어선 인문주의적, 음악적 교육 및 체험을 누렸으며, 이미 본가의 궁정에서 자신의 연주력, 연주 기획력을 펼쳤다. 훗날에는 시가 궁정의 음악을 (재)구성하고 재건하며 관리해냈다. 본가의 음악가들과 긴밀한 관계를 이어가며 그 과업들을 수행해냈다. 그리하여 근대 이탈리아, 프랑스의 음악 양식과 극적 음악장르들, 실내악이 이동하며 정착했다. 독일 바로크 음악의 전파, 근대 독일 오페라의 발전도 구현되었다. 영국 음악이 독일 지역들로 스며들기도 했다. 무엇보다 17, 18세기 독일의 음악 중심지들에 음악적, 음악문화적 정체성의 토대가 놓여졌다. 음악교육, 음악애호의 대물림을 통해 실현된 모녀 2대에 의한 2중 전파 역시 흥미롭다. 당대 궁정음악후원의 주목적이었던 군주의 권세 과시를 벗어난, 음악에 대한 순수한 애정에서 비롯된 후원 행위도 특징적이다. This paper studies the musical patronage and transfer of the music by the women from noble families of the Holy Roman Empire, German-speaking region in particular. The objects of research are Elisabeth von Hessen-Kassel, Sophie Elisabeth von Braunschweig-Lüneburg, and Sophie Charlotte von Hannover. They enjoyed liberal art and musical education and experience, which was beyond the boundary generally allowed for women at the time, and they already showed their own musical performance and planning ability for the performance at the court of their home. Later, they restructured and managed the music at the court of their husband. They carried out the performance by maintaining the relationship with musicians of their home “countries”. This shows how modern Italian and French music styles, dramatic music genres, and chamber music were spread over and took root. It also led to the spread of German Baroque music and the development of modern German operas. In addition, English music permeated German regions. Above all, the foundation for musical and cultural identity was established in the central areas of German music in the 17 - 18th century. Another interesting fact is that music education and love for music was handed down to their daughters and spread over two generations.

바흐의 세속칸타타와 정치성: ≪그대의 행운을 찬미하라, 축복받은 작센이여≫ BWV 215의 경우

김지영 ( Jiyoung Kim ),나주리 ( Julie Ra ) 한국서양음악이론학회 2021 음악이론포럼 Vol.28 No.2

본 논문은 정치성이 짙은 세속칸타타 ≪그대의 행운을 찬미하라, 축복받은 작센이여≫(Preise dein Glücke, gesegnetes Sachsen) BWV 215를 당시의 정치적 맥락 안에서 읽는다. BWV 215는 전쟁을 치르며 힘겹게 얻은, 그러나 여전히 불안정한 왕좌에 앉아 있는 아우구스트 3세의 폴란드왕 즉위 기념행사를 위해 생산된 것이다. 이 칸타타에는 왕을 향한 칭송들 외에도 정치적, 전시적 상황 묘사를 비롯해 종용, 설득, 경고, 약속 등의 다양한 정치적 수사들이 담겨 있다. 바흐는 그러한 칸타타를 화려한 정치행사용 음악으로 만들어냈다. 칸타타의 곳곳이 패러디이지만 옛 것과 새것을 ‘하나’의 몸체로 녹아내고, 거대한 이중합창과 악기편성, 레치타티보 세코와 레치타티보 아콤파냐토, 아리오소의 중창, 기교적 아리아 등을 골고루 동원했다. 그 내부에서는 악기들의 독특하며 상징적인 사용, 폴리포니와 호모포니의 혼합, 섬세한 조성과 화성의 운용, 바로크 음악의 필수적인 콘티누오를 대체하는 바셋헨(Bassetchen) 등 다채롭고 획기적인 수단들을 꾀하고 썼다. 그렇게 산출된 칸타타 ≪그대의 행운을 찬미하라, 축복받은 작센이여≫에서 바흐의 오페라가 느껴지는 듯하다. This study researches on Preise dein Glücke, gesegnetes Sachsen BWV 215 which has strong political tinge, in the frame of political context. BWV 215 is written for a commemoration event of Poland enthronement of August III, struggled to take the throne through the wars, yet still holding precarious position. Other than praises toward the king, this cantata contains various political words such as inducement, persuasion, caution, agreement. Bach devised such cantata as magnificent political ceremonial music. Although parody is all over cantata, the old and new things united as ‘one’ body, using massive double choir and instrumentation, recitative secco and recitative accompagnato, technical aria evenly throughout the cantata. Diverse and innovative methods such as unique and symbolic usage of instruments, mixture of polyphony and homophony, managed delicate tonality and harmony, and bassetchen replaced by continuo which is essential of Baroque music, are used and attempted inside the music. Thus Preise dein Glücke, gesegnetes Sachsen was produced and it seems that opera of Bach lingers in it.

문예사의 맥락으로 읽는 힌데미트의 그로테스크: ≪한 밤 중에 ... 꿈과 체험≫과 ≪우스꽝스러운 신포니에타≫를 중심으로

전하림 ( Harim Jeon ),나주리 ( Julie Ra ) 연세대학교 음악연구소 2023 음악이론포럼 Vol.30 No.1

본 논문은 힌데미트의 그로테스크가 도드라지는 초기 기악곡 ≪우스꽝스러운 신포니에타≫ op. 4와 ≪한 밤 중에 ... 꿈과 체험≫ op. 15에 주목하면서 유럽 문예사에서 구축되어온 그로테스크의 개념, 내용, 미학의 맥락 안에 힌데미트의 그로테스크를 놓아본다. 힌데미트는 그가 당면한 낭만주의 음악의 전통, 질서, 윤리, 표현 방식을 풍자하면서 그것들의 무의미와 무가치를 드러내는 작업에서 그로테스크를 요긴한 도구로 쓴다. 거센 반음계와 불협화음, 혼란의 박절과 리듬, 피아노의 타악기화 등을 통해 낭만주의 음악을 과장, 왜곡하며 일그러뜨린다. 이것은 기존 질서에 대한 부정 및 거부라는 그로테스크의 본질적인 의도를 담아내면서 강렬한 긴장, 당혹, 생경, 섬뜩의 인상을 불러일으킨다. 힌데미트는 반낭만주의적 그로테스크의 악곡들 사이에 재즈 춤곡을 위치시켜 본질과 태생이 다른 형상들의 혼합이라는 그로테스크의 고전적 어법을 다루기도 한다. 표현주의 시와 엮어 교향곡 중심부의 구조 체계를 허물어버리기도 한다. 이때 고대부터 르네상스, 바로크를 거쳐 19-20세기까지 주요하게 쓰인 그로테스크의 수법과 어법들이 곳곳에서 읽힌다. 힌데미트의 창작을 넘어 음악예술이 더 큰 문예사적 맥락 안에 놓이게 되는 지점이 형성되는 순간들이다. This thesis puts Hindemith’s Grotesque in the context of aesthetics and contents of the Grotesque, paying attention to the early instrumental Lustige Sinfonietta für kleines Orchester op. 4 and In einer Nacht ... Träume und Erlebnisse op. 15, in which Hindemith’s Grotesque stands out. Satirizing the traditions, order, ethics, and expression of romantic music he faces, Hindemith uses the Grotesque as an indispensable tool and reveals the meaningless and worthless features of those kinds of music. He magnifies, twists, and contorts the pieces and genres of romanticism with strong chromatic scales, dissonances, confused beats and rhythms, and the use of the piano as a percussion. It excites strongly strained, confusing, strange, and uncanny features, capturing Grotesque’s essential intention of denying and rejecting the existing order. Hindemith places jazz dance music among anti-romantic Grotesque pieces and handles its classical grammar of mixing shapes of different natures and origins. Also, he interweaves it with expressionist poetry and breaks down the structural system of the center of the symphony. At this time, the techniques and grammar of the Grotesque, which were mainly used from ancient times to the 19-20th centuries through the Renaissance and Baroque, are placed everywhere. These are the moments when the points where music art are placed within a greater artistic and literary context beyond Hindemith’s creation are formed.

레거의 피아노푸가와 바하의 푸가양식

나주리 민족음악학회 2003 음악과 민족 Vol.25 No.-

In der ersten Ha¨lfte des 20. Jahrhunderts kommt es zu einem neuen Aufschwung der Fugenproduktion durch Komponisten, die nach absoluter, polyphoner Musik und nach Handwerklichkeit des Komponierens streben. Sie sehen in Bachs Musik ihr musikalisches Idealbild verwirklicht. Eine bedeutende Belebung erfa¨hre besonders die Fuge fu¨r Klavier. Die groβe Zahl von Klavierfugen aus diesem Zeitraum erkla¨rt sich aus den spieltechnischen und klanglichen Eigenschaften des Instruments. Das Klavier ist besonders geeignet, die strenge, polyphone Satzweise der Fuge sowie die neue, dynamisch hochdifferenzierte Tonsprache der Moderne wiederzugeben. Hauptpunkt der vorliegenden Arbeit bildet die Auseinandersetzung mit der Frage, wie die musikalische und kompositorische Sprache der Fuge Bachs von Max Reger aufgenommen wird. Fu¨r Reger ist Bachs Musik Ausweis handwerklicher Solidita¨t und Garant des Absoluten in der Musik. Daru¨ber hinaus entha¨lt sein Werk die meisten Fugen seit der Barockzeit. Die "befruchtende" Wirkung der Fugen Bachs auf Regers Klavierfuge wird durch eingehende Werkanalysen erfragt und konkretisiert. Die Untersuchung konzentriert sich auf das Werk, das exemplarisch ist fu¨r Regers Bach-Rezeption, auf die Fuge aus dem Werk 「Variationen und Fuge u¨ber ein Thema von Joh. Seb. Bach」 op. 81. Diese Fuge wird dann mit einer ihr nahe stehenden Bachschen Fuge aus 「Toccata und Fuge」 in F-Dur BWV 540 verglichen. Die Essenz der Untersuchungen besteht in folgender Erkenntnis : Bachs Fuge stellt ein in sich ruhendes, klar gegliedertes architektonisches Gebilde mit innerer Dynamik dar. Regers Fuge ist hingegen das Produkt einer groβen organischen Entwicklung, die ihr Ziel und ihren Ho¨hepunkt in einen unu¨berbietbaren Schluβ findet, in dem sich alle Partien der Fuge Summieren. Reger denkt in den barocken Formen der Bachschen Fuge, Fu¨hrt aber in diese die kompositorischen und satztechnischen Errungenschaften seiner Gegenwart und seines Stils ein.

20세기 바흐수용관의 변천

나주리 세계음악학회 2003 음악과 문화 Vol.9 No.-

Die Bedeutung von Hachs Musik steigt in der veranderten musikalischen Situation seit der Jahrhundertwende fur das Musiklehen und Musikschaffen von Jahrzehnt zu Jahrzehnt. Hierbei werden Bach und seine Musik in unterschiedliche Weise rezipiert. Die hereits am An fang des 20. Jahrhunderts hervortretende historisch-objektive Auffu¨hrungs- und Interpretationsart Bachscher Musik spiegelt das new musikalische Ideal eines nu¨chternen Musikausdrucks, einer ohjektiven, von der romantischen "Aktualisierung" hefreiten Musik dieser Zeit wider. Sie weist damit zugleich auf eine veranderte Geschichtsauffassung hin: In ihr erscheint die Musik Bachs nicht mehr als Vorstufe der ihr folgenden Musikentwicklung, sondern als eine eigene Kunsterscheinung. Die Studien der Musikforscher und --theoretiker in der ersten Jahrhunderthalfte fuhren zu der Auffassung, daß erstens Bachs Musik die schopferische Zusammenfassung des musikalisch Uberlieferten ist und in dieser Form in der Tonkunst weiterwirkt. In diesem Sinne ist die Musik Bachs als der neue Ausgangspunkt der weiteren Entwicklung zu verstehen. Zweitens gilt Bach als der ideale Kirchenmusiker. Diese Bachauffassung entspricht derjenigen des 19. Jahrhunderts, insbesondere der Bachauffassung Spittas, der Bach zu "Deutschlands großten rchenkomponisten" erklart. Im Zuge der musikalischen Entwicklung der Moderne und des Neoklassizismus werden Bachs Musik von den Komponisten verschiedenartig rezipiert. Fur die deutsche Moderne gilt Bachs Musik als Anfang einer noch bestehenden Tradition. Sie sieht außerdern ihr neues Idealbild in Bachs Schaffen verwirklicht. Die neoklassizistischen Komponisten fassen die Musik Bachs nicht mehr als Grundlage des nachfolgenden Zeitalters auf. Sie sehen sie als das Vorbild fur ihr antiromantisches Musikideal. Den Komponisten der Schonberg-Schule geht es vor allem um eine kompositorische Denkform: Die Schonberg-Schule sieht den Hauptgedanken ihrer neuen Tonsprache in Bachs Polyphonie vorgepragt. Nach der Epochenzasur, die nach dem Zweiten Weltkrieg anzusetzen ist und eine, gegenuber der bisherigen, ganzlich veranderte Rezeptionssituation mit sich bringt, handelt es sich bei den mit Bachs Musik verbundenen Kompositionen nicht um Restaurationsmodelle, sondern um die Aneignung der Bachschen Musiksprache durch die gegenwartige Musikkultur. Dariiber hinaus mußte das Bachbild, das Spitta gezeichnet hatte und bis um die Mitte des 20. Jahrhunderts in Geltung war, im Zuge der philologisch orientierten Bachforschung rediviert werden: Bach erwies sich als ein zeitgebundener, zukunftweisender autonomer Musiker. Das Bachbild in der zweiten Jahrhunderthalfte ist pluralistisch. In neuer Zeit erkennt man, daß man nur unter Berucksichtigung auch des sozialen, kulturellen und religiosen Umfeld ein richtiges Bachbild zeichnen kann.