베이지안 방법론 기반의 유도무기 시험평가 신뢰도 분석

김문기,강석중,Kim, MoonKi,Kang, SeokJoong 한국정보통신학회 2015 한국정보통신학회논문지 Vol.19 No.7

본 논문은 일회성 시스템인 유도무기의 신뢰성을 평가하기 위해 베이지안 방법론을 활용하는 내용이며, 유도무기 서브시스템 및 부품의 평가결과를 그 다음 단계의 사전분포로 활용하였다. 각 서브시스템 및 부품의 시험평가 결과를 활용하여 전체 유도무기체계의 신뢰성을 분석하는 베이지안 방법론을 제시하였고, 이를 활용하면 유도무기쳬계의 신뢰성을 확보하기 위한 샘플수를 적절히 선정할 수 있다. This paper provides Bayesian methodology to estimate the reliability for guided weapons which are not continuously operating. The posterior distribution of subsystems and components becomes the next prior distribution. By analyzing the results of the sub-systems and components presented a method for estimating the reliability of the entire guided weapons. Bayesian methodology using existing test data of subsystems may be used to reduce the sample sizes.

King Lear in Our Postmodern Time : Affectlessness and International Cultural Capital

Kim Moonki(김문기) 한국셰익스피어학회 2001 셰익스피어 비평 Vol.37 No.3

『리어왕』은 포스트모더니즘의 시대라고 일컬어진 지난 삼십년 동안 무대공연 역사상 유래를 찾아볼수 없을 정도로 활발하게 무대에 올려졌다. 로얄 셰익스피어극단을 비롯한 영국을 대표하는 극단들, 세계적인 연출가들 뿐만 아니라, 여성ㆍ노동과 계급 제 3세계 문제 등과 같은 사회전반의 문제에 대해 비판적 대안을 추구하는 진보적인 극단들도 앞을 다투어 『리어왕』을 무대에 올렸다. 본 논문은 바로 이러한 현상, 즉 포스트모던 시대의 빈번한 『리어왕』 공연 현상과 포스트모던 미학과의 상관관계를 짚어보고, 이러한 공연에 나타나는 포스트모던 시대 『리어왕』 연출의 특정적 형식을 드러내어 보고자한다. 셰익스피어극의 무대 역사를 살펴보면 극명하게 드러나듯이, 셰익스피어극의 무대 공연은 언제나 그 시대의 미적ㆍ문화적 관심사들을 반영해왔다. 그것은 셰익스피어의 극이 언제, 어디서, 누구에게라도 다 통할 수 있는 보편적인 가치와 진실 을 담고 있어서라기보다는, 셰익스피어극이 오늘날 누리는 고전의 위상은 끊임없이 그 시대의 시각으로 재해석되고, 또 그 시대의 감수성을 담아 내는 과정을 거쳐서 이루어졌다는 사실을 드러내는 것이다. 『리어왕』이 포스트모던 시대의 무대 에서 가장 인기있는 셰익스피어의 작품이 된 이유는 바로 포스트모던 시대에 가장 첨예한 정치적ㆍ문화적 관심사가 된 이슈들, 즉 언어와 주체성의 위기, 가부장제와 가부장제를 바탕으로 한 휴머니즘의 위기, 그리고 이러한 위기들이 필연적으로 불러일으킨 재현성의 위기들이 바로 『리어왕』과 리어의 비극의 중심에 놓여 있기 때문이라 하겠다. 조나단 돌리모어가 지적한 바대로 『리어왕』은 더 이상 근본적 휴 머니즘을 설파하는 선언문이 아니라, 무의식적으로 통용되고있는 사회현상과 잘못 된 이데올로기를 드러내게 하는 작품이다. 페미니즘ㆍ문화유물론ㆍ해체주의 비평가들에 의해 적극적으로 이루어진 리어왕에 대한 이러한 인식은 무대 연출자들에게 이 작품을 연출하는 새로운 전략을 요구하였다. 언어의 기능에 대한 회의는 연출자들로 하여금 보다 더 시각적 표현에 의존하게 하여 유례를 찾아볼 수 없을 정도 로 웅장하고 아름다운 『리어왕』들이 등장하게 하였고,『리어왕』의 근간에 깔려있 는 가부장제에 대한 비판은 리어왕 대신 리어 여왕, 여장 남자 광대(transvestite Fool), 혹은 등장인물의 젠더를 맞바꾼 캐스팅, 남자 또는 여자 배우만으로 이루어 진 리어왕 공연들이 나타나게 하였다. 이러한 연출방법들은 무엇보다도 관객이 더 이상 순수하게 리어가 처한 상황을 비극적으로 받아들이고 그를 동정하는 것이 불가능하게 하였으며, 작품 감상에 몰입하여 정서적 동화를 느끼기보다 연출가의 뛰어난 시각적 스타일을 감상하거나, 비판적 거리를 두고 『리어왕』의 젠더 문제를 바라보게함으로써, 프레드릭 제임슨이 포스트모던 시대의 특징으로 지적한 “정서의 퇴조” 현상이 무대 공연과 관객 사이에 뚜렷하게 나타나게 하였다. 한편 『리어왕』이 포스트모더니즘의 핵심 이슈들을 잘 드러내는 작품이라는 이 유만으로 『리어왕』을 무대에 올린 모든 연출가들의 동기를 설명할 수는 없을 것이 다. 그와 더불어 전지구적, 후기자본주의적 경제체제의 영향으로 점점 더 국제화 되어가고 문화상호주의적으로 진행되어가는 연극 시장에서 셰익스피어가 차지하는 문화적ㆍ사회적 가치-가장 확실하고 수지타산이 맞으며 다국적 대중 엔터테인먼트 와 겨눌 수 있는 문화자본에서 그 원인을 찾을 수 있을 것이다 수잔 베넷의 80 년대에 이루어진 17개 리어왕 공연에 대한 연구에서도 잘 드러나듯이, 이 시대의 풍성한 리어왕 공연의 원인이 단순히 작품이 유발하는 예술적 자극에 의해서 보다는, ‘셰익스피어’라는 이름에 내포된 권위와 그것으로 대표되는 가치에 대한 향수, 그리고 셰익스피어라는 이름에 축적된 문화자본에서 비롯된다고 할 수 있을 것이 다. 요컨대, 지난 삼십년간 「리어왕』이 국제적으로 빈번하게 공연되었다는 현상은 셰익스피어가 누리는 문화자본으로서의 특권에서 비롯되었기도 하겠지만, 포스트모던니즘이 조명한 『리어왕』에 나타나는 언어와 가부장제의 위기 현상에 대해서 연출가들이 적극적으로 호응했기 때문이다. 그 결과 『리어왕』 공연에서 독특한 탈정서 경향이 나타났다고 하겠다.

통신 프레임워크의 네트워크 속도 측정 서비스를 위한 효율적인 파일 크기 분석

김문기(Moonki Kim),임민규(Mingyu Lim) 한국정보과학회 2017 한국정보과학회 학술발표논문집 Vol.2017 No.06

고정식 태양 집광판의 설치각도 최적화에 관한 연구

김문기 ( Moonki Kim ),김대영 ( Daeyeong Kim ),윤홍선 ( Hongsun Yun ) 한국농업기계학회 2017 한국농업기계학회 학술발표논문집 Vol.22 No.1

태양광 발전으로 생산된 전력으로 냉방기나 난방기를 직접 구동하는 경우에 냉방을 위해서는 7,8,9월 집광량이 많아야 하고, 난방을 위해서는 12,1,2월에 집광량이 많아야 한다. 하지만 일반적으로 사용되는 집광판은 평판형의 고정식이 대부분으로 필요에 따라서 집광량을 변동시키는 것이 불가능하다. 따라서 전력부하가 가장 큰 시기에 집량광이 가장 많아지도록 설치되어야 한다. 본 연구에서는 최적의 집광판 설치조건을 구명하기 위하여 집광판의 설치 각도에 따른 년중 일사량을 예측하기 위한 모델을 개발하고 계산된 일사량과 기상청에서 실측한 일사량을 비교하였다. 분석 대상은 대전(북위 36도 22분)으로 하였다. 년간 최대 일사량을 확보할 수 있는 집광판 설치각은 36°로 분석되었다. 반면에 월별로 최대 일사량을 확보하기 위한 집광판 설치각도는 1월에 57°, 2월에 48°, 3월에 36°, 4월에 24°, 5월에 15°, 6월에 12°, 7월에 15°, 8월에 24°, 9월에 36°, 10월에 45°, 11월에 57°, 12월에 60°로 예측되었다. 한편 냉방부하가 많은 6.7.8.9월에 최대 일사량을 확보하기 위한 집광판 설치각도는 21°로 예측되었다. 이상의 결과로 볼 때 태양광 발전을 위한 집광판은 전력부하와 용처에 따라 적정한 설치각도를 결정하는 것이 중요한 것으로 판단되었고, 본 연구에서 개발된 예측모델이 이러한 작업에 유효하게 사용될 수 있을 것으로 판단되었다.

폴라 보겔의 『데스데모나: 손수건에 관한 극』에 나타난 셰익스피어 비극의 페미니스트 각색연구

김문기(Moonki Kim) 한국영미어문학회 2007 영미어문학 Vol.- No.84

  As Ania Loomba argues, Othello is a play that powerfully illuminates the interconnections in the formation of race and gender identities of the early modern era. Feminist scholars are now required to pay a very critical attention to the patriarchal maneuvering of gender and race in the destruction of both Othello and his Venetian wife, Desdemona. This explains the difficulty feminist writers would face in adapting Shakespeare"s Othello, particularly reinventing positive Desdemona, which would inescapably pose them a dilemma of putting gender against race.<BR>  Paula Vogel"s Desdemona: A Play about Handkerchief, is an interesting response to such a dilemma, allowing us to witness feminist writers" alternative choices. This paper examines Vogel"s adaptation strategies in deconstructing patriarchal ideology in Shakespeare"s text, while dealing with such a dilemma.<BR>  Vogel"s Desdemona resets Shakespeare"s play in the parlors of Desdemona"s house, focusing on the relationship among three female characters with different class backgrounds, Desdemona, an upper class housewife, Emilia, her washer maid, and Bianca, a prostitute, by eliminating all the male characters. Vogel transforms Desdemona into a women of desire who frequents Bianca"s brothel to escape from the boredom of her life as an upper class wife in order to challenge patriarchal tradition in Othello of idealizing female fidelity. In this funny, obscene, postmodern adaptation, Desdemona takes a subject position that frankly enjoys the pleasure of sex and female companionship including lesbian eroticism. This transformation effectively deconstructs the persistent power of Desdemona as an icon of purity and innocent victim and thus foregrounds women"s story silenced in Shakespeare"s text.<BR>  Vogel"s adaptation also depicts both the unwitting destructiveness of female relationship in the misogynist world and possibility of female bonding. By treating Desdemona"s handkerchief, a symbol of Desdemona"s chastity, as a sneezer, Vogel"s Desdemona mocks the patriarchal obsession with female chastity and the tradition of justifying husband"s killing of his unchaste wife. By turning Desdemona into the woman of the world who is nonetheless destined to death, Vogel also raises a question on whether women can be in charge of their own lives in the patriarchal society. Vogel"s Desdemona testifies to the absurdity of female existence in the patriarchal world.

『태풍』의 탈식민주의적 각색 연구

김문기(Moonki Kim) 한국셰익스피어학회 2004 셰익스피어 비평 Vol.40 No.3

Shakespeare's The Tempest has been one of the most instrumental texts in constructing and representing the colonial body. It has also served to reproduce imperial ideology. Most of all it was the first dramatization of the colonial master-servant relationship, by constructing Prospero and Caliban as extreme opposites such as culture and nature, noble and savage. Therefore it is only natural that a wide variety of intertextual adaptations of The Tempest has been attempted in order to criticize and overcome the colonial ideology in this postcolonial era. Among them, this study analyzes a Martinique political leader and writer Aime Cesaire's A Tempest and an English gay director and playwright, Philip Osment's This Island's Mine. This study focuses on their characteristic dramaturgical strategies in adapting Shakespeare's text and the way Shakespeare participated in the postcolonial discourse, thus enhancing understanding of the central issues in the postcolonial debates. Cesaire transformed Shakespeare's text into a study on the colonial master-slave relationship, dismantling the stereotypical conception based on the western humanism that categorizes Caliban as "savage". He also dramatizes the effects that colonialism had on the construction of the colonial subject and on the psychology of both the colonizer and the colonized. Most of all Cesaire dramatizes the tragic effect of colonialism on the colonizer themselves by showing Prospero's mental collapse at the end of his adaptation. By reinventing Caliban and Miranda as contemporary British gay and lesbian and thus foregrounding their queer bodies, Osment's This Island's Mine performs a kind of critical comment on the persistence of colonial practice on the dissident bodies in the postcolonial era. It also reveals hybridity and fragmentation of postcolonial subject by dramatizing postcolonial bodies irreconcilable with their own language.

Politics of Representation

Kim Moonki(김문기) 한국셰익스피어학회 2007 셰익스피어 비평 Vol.43 No.3

사회ㆍ문화적 기관으로서의 극장은 지배이데올로기를 반영하는 문화적 코드를 전파하는 장소 역할을 수행해 왔다. 사회의 소수자들은 그 무대 위에서 피상적이고도 스테레오타입화되어 재현된 자신들의 모습을 보고 고통을 받아왔다. 다른 한편 소수자들도 끊임없이 재생산되는 자신들의 부정적 이미지의 확산을 막고 긍정적인 이미지를 창출하기 위해 극장을 이용하려 하였다. 이 논문은 미국 최초의 흑인 여성 셰익스피어 배우이자 인권운동가인 헨리에타 빈튼 데이비스의 무대 경력과 ‘진정한 여성’의 표본으로 여겨졌던 그녀의 무대 이미지 형성에 관련된 정치학을 분석하였다. 연극무대와 영화에서 ‘비극적 뮬라토(Mulatto)’, ‘앤트 제미미’, ‘브라운 슈거즈’ 등의 스테레오타입을 연기해야 했던 다른 흑인 여배우들과는 달리, 헨리에타 빈튼 데이비스는 무대에서 빅토리아시대 가부장적 이데올로기의 산물인 ‘진정한 여성’을 대변하는 인물이 되었다. 당시 흑인 여성들은 성적으로 문란한 모습이거나 아니면 흑인 남성들의 남성성을 질식시키는 강한 어머니로만 그려졌다. 그것은 흑인 여성에 대한 인종주의적 재현의 결과라 할 수 있다. 흑인 남성 지도자들은 흑인 여성에게 결여되었던 여성성을 회복하는 것이야말로 흑인의 인권을 회복하는 데 가장 시급한 과제라 인식하였다. 백인 여성과 견주어도 손색이 없는 데이비스의 중산층 가정환경과 교육배경, 그리고 밝은 피부색의 외모는 흑인 지도자들에게 이상적인 모델로 인식되었다. 무엇보다 백인 문학의 정전으로 그때까지 흑인 배우의 참여가 허용되지 않았던 셰익스피어 작품의 공연에 배우로 등장한 데이비스의 존재는 흑인 여성들의 회복된 여성성과 인종적 자부심의 상징으로 여겨지기에 충분하였다. 이 논문은 19세기말 “재건기” 시대의 인종과 젠더 정치학의 복잡한 관계에 대한 세밀한 분석을 통하여, 흑인 언론과 흑인 남성 지도자들이 노예시절에서부터 내려오던 흑인 여성의 부정적 이미지를 지우기 위해 데이비스의 무대 이미지 구축에 적극적으로 개입한 과정을 역사적으로 추적하였다. 그리고 이렇게 형성된 가부장적 이데올로기에 근거한 이미지가 데이비스의 배우로서의 커리어와 흑인 여성 전체의 재현에 끼친 영향도 함께 분석하였다. 이를 통하여 연극역사와 셰익스피어 연극사에서 헨리에타 빈튼 데이비스의 가치를 재평가하고, 재평가에 따른 정당한 자리매김을 시도하였다.

어머니, 딸들, 그리고 ‘허스토리’

김문기(Moonki Kim) 한국셰익스피어학회 2005 셰익스피어 비평 Vol.41 No.4

Feminist writers and companies have long adapted Shakespeare's texts in the ways that challenge the authority of Shakespeare's texts and expose patriarchal assumptions in his plays. In 1987 Women's Theatre Group undertook the revision of a major Shakespearean tragedy, King Lear, from the perspective of a feminist collective collaboration. This paper explores feminist strategies in adapting Shakespeare's tragedy as incorporated in WTG's Lear's Daughters, which is regarded as "a landmark in feminist reinventing of Shakespeare." Feminist scholars have criticized King Lear as one of the most explicitly misogynist and patriarchal texts which depicts the world of chaos and anarchy resulting from the breakdown of patriarchal order. In order to escape from the patriarchal narrative structure of Shakespeare's play, WTG's Lear's Daughter takes a form of prequel to King Lear that places experiences of Lear's daughters and their mothers at the center of the play. In this collaboratively created prequel, 'herstory' suppressed in Shakespeare's text takes center stage by the androgynous Fool's guidance and the Nanny's reconstruction of the daughters' childhood memories, which provides a context for the daughters' 'ingratitude' actions toward their father in King Lear. Lear's daughters are given detailed characterizations and their relationship with other female characters and their experiences are foregrounded. Lear's daughters also creates two mothers, which reminds the spectators of absence of the mother in Shakespeare's text, while eliminating Lear from the stage. In this Learless world, the Nanny, hired as a substitute mother to the daughters and having given up her own child in order to raise Lear's daughters, takes center stage by leading the daughters to making a stand against Lear. Lear's Daughters ends with three daughters holding Lear's crown tossed in the air, symbolizing possible collaboration among the daughters. WTG's collaborative writing strategy is a significant challenge to the modem concept of 'authorship' based on the individual writer's originality, and thus indirectly to the authority of Shakespeare whose unparalleled originality helped create the modem concept of authorship. It also foregrounds the fact that theatrical work requires collaboration among various artists and that emphasizing only Shakespeare and his text is a result from hierarchical system of patriarchal literary and theatre worlds. It also challenges the ways in which Shakespearean plays have been staged in the mainstream theatrical productions by exploring alternative theatre space and such performing methods as improvisations and workshops. Lear's Daughters proves that it is possible to create a feminist adaptation of Shakespeare's tragedy in the alternative theatre space for the spectators who are not required to be overwhelmed by the authority of "Shakespeare" and who want to avoid the cumulative power of mainstream productions.

"I am Hamlet" : Issues of Shakespearean Performativity in Robert Wilson's Hamlet : a monologue

Moonki Kim(김문기) 한국셰익스피어학회 2005 셰익스피어 비평 Vol.41 No.3

드라마의 무대 공연은 텍스트에 내재된 의미에 의하여 결정되는 것이 아니다. 무대공연은 대본과 극장의 고유한 기제들 사이의 보다 더 긴밀한 상호작용과 수행적 관계를 통하여 이루어진다. 그곳은 텍스트가 무대에 올려져서, 다양한 참가자들의 노동과 텍스트를 공연의 재료로 사용하기 위하여 그들이 사용한 공연의 관습들을 통하여 새롭게 의미가 형성되는 곳이다. 텍스트가 공연의 내용을 지배하지 못한다면, 텍스트는 어떤 방식으로 공연에 기여하게 될까? 셰익스피어 극의 공연은 어떤 식으로 셰익스피어와 소통하게 될까? 셰익스피어가 연극계와 문학계에서 차지하고 있는 정전으로서의 위치로 인하여 셰익스피어의 작품, 특히 〈햄릿〉의 무대공연은 직접적이고 충실하게 텍스트의 의미를 재생산 하는 행위라는 오해를 받았다. 더불어 셰익스피어극의 공연은 셰익스피어극의 원래 의미를 회복시키기 위하여 텍스트에 내포 된 근대초기의 가치와 행위, 주제들을 현재적 무대 행위로 재현해 보여주어야 한다는 끊임없는 압력을 받고 있다. 20세기 셰익스피어극 공연의 역사는 바로 이러한 텍스트에 주어진 권위를 잘 보여준다. 본 논문은 20세기를 대표하는 아방가르드 무대 연출자인 로버트 윌슨의 1995년 〈햄릿: 어떤 독백〉에 나타나는 독특한 연출 방식, 즉 추상적이고 형식주의적인 연출을 분석하여, 셰익스피어극 뿐 만 아니라 모든 드라마의 공연에서 텍스트와 텍스트의 무대구현 사이의 ‘수행적’ 관계를 새롭게 정립하고자 하였다.

공연 중심의 셰익스피어 극 교육론 - 쟁점과 대안

김문기(Moonki Kim) 한국영미문학교육학회 2006 영미문학교육 Vol.10 No.1

  Performance-centered Shakespeare education has recently emerged as a significant alternative to text-based Shakespeare education in an effort to overcome the crisis of Shakespeare education. This paper examines the theoretical background of Shakespeare performance pedagogy and issues related to its application to the classroom, while searching for the possible alternatives that can be corrective to some of the problems current Shakespeare performance pedagogy exposes. This paper would also like to suggest that the potential of performance pedagogy could be fully realized only when the performance itself is not the sole purpose of Shakespeare performance pedagogy.<BR>  During the 1970s, Shakespeare performance criticism emerged as a "revolutionary" research field by a group of Anglo-American scholars who insisted that Shakespeare wrote playscripts whose potential meanings could be best realized in theatrical performance. This new trend in Shakespeare studies soon influenced Shakespeare pedagogy enormously. By 1984 performance pedagogy became not only universally accepted but also regarded as a ‘correct’ way to teach Shakespearean drama. Proliferation of the publication of performance-oriented textbooks and audio-visual materials helped teachers incorporate performative aspects into their classroom.<BR>  However, Shakespeare performance criticism and thus Shakespeare performance pedagogy based their theory on the seriously misconceived conception on the relationship between text and performance. Despite its interest in stage performance of the text and its theatrical conventions and history, the real motivation of performance pedagogy was to recover the primacy of Shakespearean language in performance. This logocentric attitude toward the relationship between text and performance falsely assumes that the function of theatrical performance is realization of the text"s authentic commands and recovery of meaning intrinsic to the text. Theatrical performance is more than a visual interpretation of a written text. It is a special place where stage and text encounter in their specific materiality and historicity. Logocentric assumption of performance pedagogy tends to read Shakespeare"s texts as apolitical texts, foregrounding their universal values and poetic language while ignoring historical, material, and cultural conditions surrounding their original and subsequent productions.<BR>  An alternative to this logocentric and apolitical performance pedagogy has to reconsider the relationship between teacher and students and the nature of Shakespearean text, along with more detailed discussions on developing specific pedagogical methods reflecting these reconsiderations. In order to teach Shakespeare in a way that introduces historical contingency, textual instability, and plurality of meaning, a reconfiguration of the role of teachers and students is fundamental. Teachers should function as a kind of provocateurs and mediators, working with their students, in their collaborative efforts to construct meanings of Shakespeare. Understanding that the text we now study is an imperfect, variant text, subject to history and existing in many forms and media, and that Shakespeare plays have an intrinsically open structure that can generate multiple, even contradictory, meanings and forms empowers students and thus encourages them to be active participants rather than passive consumers in creating Shakespearean meanings.<BR>  This new understanding of the nature of Shakespearean text and relationship between teachers and students eventually put the emphasis on the rehearsal process rather than on the end product itself. Through the emphasis on the rehearsal in which trials and errors are allowed and even encouraged and various, even conflicting interpretations could be made, students will deeply understand the relationship between text and performance and be con