映畵演技의 發展過程과 特性에 관한 考察

국문 초록 (Abstract)

연기는 인류와 더불어 시작된 원초적이고 본능적인 행위에서 기인한다. 즉 그리스의 희극과 비극, 중세 유럽의 수난극을 거쳐 셰익스피어, 몰리에르, 라신느의 희곡들은 연기자들에게 다양한 연기(Acting)를 경험할 수 있는 오랜 역사를 지니고 있지만, 영화 연기(Film Acting)는 1895년 뤼미에르 형제(Louis and Auguste Lumiere)에 의해 최초의 영화 상영회에서 상영된 <물 뿌리는 사람 L’Arroseur Arrose>에서 처음 시도 되었다.
이후 그리피스(D.W. Griffith)의 <국가의 탄생 Birth of nation>에 이르러 영화 연기다운 연기가 탄생하게 된 것이다. 그 때까지만 해도 겨우 1개의 릴(reel)만을 사용하여 고정된 카메라에 의한 연극 형식의 중계정도일 수밖에 없었던 영화가 그리피스에 의해 편집(editing)기술이 개발되어 여러 개의 릴(reel)을 연결하여 story를 다양화 할 수 있게 되었으며, 또한 클로즈 업(close-up)의 활용도 가능하게 됨으로써 영화 연기다운 영화 연기가 탄생하게 된 것이다. 그렇지만 이때의 연기에도 제약이 있었으니 그것은 영화 내용을 대사 없이 몸짓(Gesture)으로만 표현해야 했기 때문에 과장되고 양식화 될 수밖에 없었다.
그러던 것이 1927년 유성 영화가 탄생하면서 영화 연기는 한층 더 사실적인 연기로 발전하게 되어 영국의 연극계에서 활동하던 로랜스 올리비에(Laurence Olivier), 비비안 리(Vivien Leigh), 데보라 카(Deborah Kerr), 피터 오툴(Peter O’Toole), 오드리 헵번(Audrey hepburn), 알렉 귀네스(Alec Guinness) 등과 같은 배우들이 세계적인 스타로 자리매김 할 수 있는 기회가 제공 되었던 것이다.
이렇듯 짧은 시기 동안에 지속적인 발전을 거듭하던 영화 연기는 1940년대에 이르러 중요한 전환점을 맞이하게 된다. 리 스트라스버그(Lee Strasberg)와 헤롤드 클러먼(Harold Clurman)이 이끌었던 ‘그룹 씨어터(Group Theater)’에 의해 콘스탄틴 스타니슬라프스키(Constantin Stanislavsky)의 ‘메소드(method)연기법’이 미국에 도입되고, 이 것이 다시 엘리아 카잔(Elia Kazan)과 리 스트라스버그의 ‘액터스 스튜디오(Actors Studio)’를 통해 말론 브란도(Marlon Brando), 제임스 딘(James Dean), 폴 뉴먼(Paul Newman), 캐서린 헵번(Catharine Hepburn), 로버트 레드포드(Robert Redford), 페이 더나웨이(Faye Dunaway), 더스틴 호프만(Dustin Hoffman), 로버트 드 니로(Robert De Niro) 등과 같은 배우를 배출해 내어 영화 연기의 완성도를 높혔다. 메소드 연기법은 ‘정서회상(emotional recall)’을 통해 작중인물(role)과의 유사한 감정을 배우 자신의 과거 경험 속에서 찾아내어 연기함으로써 매순간마다 극중인물로서의 생을 살아야 한다고 강조한다. 이처럼 사실적인 내면 연기로의 발전을 거듭한 영화 연기이지만 영화의 기술적인 특성을 이해하지 못하고서는 결코 좋은 연기를 할 수 없다.
훌륭한 영화 연기자가 되기 위해서는 쇼트(shot)의 개념을 파악할 수 있어야 하고, 카메라의 움직임에 맞는 연기를 하여야 하며, 조명에 대해서도 어느 정도 알고 있어야 한다. 또한 연기가 처음부터 연결해서 진행되지 않고 끝 장면부터 할 때도 있고, 같은 장면에서도 순서 없이 조명 설치 등 제작여건에 맞춰 마지막부터 연기하는 경우도 생기기 때문에 영화배우는 어떤 상황에서라도 그 쇼트가 요구하는 정확한 연기를 순간적으로 해낼 수 있어야 하는 것이다. 이렇듯 영화배우는 자신이 맡은 극중 인물의 내면적인 감정뿐만 아니라 영화의 기술적인 측면까지도 고려하여 연기를 해야 하기 때문에 능숙하고 전문적이어야 한다.
그래서 어떤 이들은 영화를 감독의 예술이라고도 한다. 영화감독은 연기가 전개되는 것과 제작에 있어서 정서적, 미학적 책임을 진다. 또한 배우에게 등장인물의 성격에 대해 지시를 내리거나 제안을 하고, 다른 배우들과의 작품상의 관계나 연기하게 될 각각의 장면에 대해 설명을 해준다. 그리고 연기를 제약할 수 있는 쇼트를 결정하고 심지어는 촬영된 장면을 편집과정에서 삭제해 버리기도 한다. 이쯤되면 영화가 감독의 예술이라는 말이 틀렸다고 할 수도 없다. 과거의 몇몇 감독들은, 특히 소련의 쿨레쇼프(Kuleshov)와 에이젠슈테인(Eisenstein) 등의 ‘몽타주(montage)’론자들과 독일의 표현주의 영화감독들, 그리고 미국의 알프레드 히치콕(Alfred Hitchcock)감독 등은 배우를 소품이나, 배경의 일부정도로 밖에 생각하지 않았다.
그렇지만 대부분의 관객들은 스타를 보기 위해 극장에 간다는 사실을 간과해서는 안 된다. 그것은 곧 배우가 영화에서 차지하는 비중을 단적으로 표현하는 말이기도 하다. 관객은 영화가 갖고 있는 형식보다는 배우를 통해 드러나는 영화의 스토리와 정서에 더 많은 관심을 갖게 되며, 배우는 관객의 그러한 기대에 만족을 줄 수 있는 연기를 해야 하는 책임이 있다. 그리고 앞의 감독들과는 달리 배우들이 역할의 해석과 설정에서 창조적인 결정을 하도록 적극적으로 허용하는 감독들도 있다. 가령 대본의 내용이 어색하거나 비현실적일 경우 배우는 내용의 수정을 요구하고 감독은 그런 배우의 요구를 토대로 수정하기도 하는 것이다. 심지어 르느와르(Renoir)감독은 배우가 자신의 연기를 창조해 내기 전에는 영화에 대한 자신의 시각적 비전이나 미학을 내세우지 않았다. 그는 “나는 카메라의 움직임에 의해 배우의 움직임이 결정되는 것을 원하지 않는다. 배우에 의해 카메라의 움직임이 결정되기를 원한다.”고 했다. 엘리아 카잔 감독 역시 배우들이 함께 작업하기를 좋아했던 감독이었는데, 그는 배우들이 성격의 디테일을 개발하여 감독에게 보여줄 수 있도록 하기 위해 리허설 시간을 주고, 토론을 통해서 감독의 비전과 배우의 구상을 동시에 충족시킬 수 있는 최대 공약수를 선택함으로써 배우들이 최상의 연기를 할 수 있도록 했다.
이처럼 영화연기는 대본이 그리고 있는 역할의 캐릭터뿐만이 아니라 감독을 포함한 영화 매카니즘의 여러 요소들과 상호 융합하여 이루어지기 때문에 필자는 본 논문을 통해 영화연기의 역사와 특성, 그리고 방법에 대해 탐구해 보고자 하는 것이다.

목차 (Table of Contents)

• 1. 서 론 6
• 2. 영화연기의 역사 12
• 가. 초창기 무성영화시대 12
• 나. 미국의 스타 시스템과 유성영화의 탄생 25
• 다. 소비에트 몽타주와 연기 29
• 1) 쿨레쇼프 30
• 2) 푸도프킨 34
• 3) 에이젠슈테인 39
• 라. 독일 표현주의 영화와 연기 46
• 마. 메소드연기 51
• 3. 영화연기의 특성 55
• 가. 단위별 연기 56
• 나. 시간과 공간의 순서를 벗어난 연기 56
• 다. 관객의 부재 59
• 라. 촬영현장의 여건 59
• 마. 감독의 통제 60
• 바. 편집의 영향 61
• 사. 카메라의 움직임 62
• 아. 현장녹음과 더빙 64
• 자. 영화감독과 배우 65
• 차. 영화연기와 감독의 스타일 67
• 1) 행동파 감독 68
• 2) 배우의 감독 69
• 4. 결 론 72
• 참고문헌 75
• 국문초록 77
• ABSTRACT 81