중국 지방 합창단 교육활동에 관한 문화기술지 사례연구

국문 초록 (Abstract)

현대 중국에서 예술 교육 체계 구축과 전민 예술 보급 정책이 강력히 추진되는 가운데，합창 교육은 음악 교육 영역에서 가장 높은 사회성과 집단성을 지닌 예술 형태로서 음악적 소양 함양，사회적 상호작용 촉진， 문화적 정체성 형성 등 다층적 가치를 발현하고 있다. 합창단은 전문 음악 교육의 핵심 구성 요소일 뿐만 아니라 지역사회 문화 건설과 대중 예술 교육의 주요 매개체 로 기능한다. 조직 구조，구성원 특성, 교육 목표의 차이에 따라 다양한 유형의 합 창단이 다층적으로 공존하는 교육 생태계가 형성되어 있으며，대학 음악 전공 합창 단과 지역 민간 합창단의 교육 활동을 비교 분석하는 것은 현대 중국 음악 교육의 계층적 구조와 실천 논리，사회적 가치를 심층적으로 이해하는 동시에 전민 예술 교육 체계 구축을 위한 중요한 시사점을 제공한다. 본 연구는 장쑤성 난징시에 소재한 대학 음악 전공 합창단과 지역 민간 합창단을 연구 대상으로 설정하고，민족지적 사례 연구 방법론을 적 용하여 현장 관찰과 장기 참여를 통해 두 유형 합창단의 교육 활동에 나타나는 조직 방식，교수법적 특징，실천 논리를 탐구하였다. 나아가 이들이 음악 교육 체계 내에서 구현하는 기능적 상호보완성과 가치 생성 메커니즘을 분석함으로써, ’전문화’와 ’보급화’라는 두 교육 지향 간의 관계를 규명하고 정예 예술 인재 양성과 사회 예술 교육 사이에 형성되는 상호보완적 연계 구조를 밝히는 것을 목적으로 한다. 대학 음악 전공 합창단은 고등교육 기관의 전문 학과 체계를 기반으로 체계적인 교수 시스템과 엄격한 훈련 프로그램을 갖추고 있다. 이들의 교육 활동은 성악 기술의 정확성, 음악 해석의 심층성，예술적 표현의 완성도를 강조하며 '기술 훈련一무대 실천一예술적 성찰’의 체계화된 학습 경로를 구축한다. 표준화된 교육과정，조직적인 리허설，경연 중심의 학습 구조를 통해 학생들은 합창 실천 과정에서 음악적 능력뿐 아니라 예술적 판단력과 학문적 사고력을 단계적으로 향상시킨다. 또한 작품 분석， 작곡 실험, 장르 융합 창작 등 연구 지향적 학습을 적극 도입함으로써 전문 음악 인재 양성과 예술 혁신의 중요한 거점으로 기능하고 있다. 이에 비해 지역 민간 합창단은 지역사회 조직, 문화 단체，취미 공동체를 기반으로 구성되며，구성원 구성이 다양하고 뚜렷한 개방성과 사회성 을 띤다. 이들의 교육 활동은 전문적 평가나 예술 경연을 목표로 하지 않고 참여자의 심미적 체험，정서적 표현，사회적 상호작용을 중심으로 전개된다. 상호 학습과 경험 공유를 통해 생활 밀착형 ’자기 교육 메커니즘'을 형성 하였으며, 레퍼토리 선정은 주로 방언 민요，지역 민요 편곡등 지역 문화와 밀접하 게 연계되어 합창 활동을 문화 전승과 집단 정체성 형성의 중요한 통로로 기능하게 한다. 교육 활동은 ’기술 습득一문화 적 인식一정서적 공명’의 다차원적 경로를 보여주며，구성원의 음악적 소양을 향상시킬 뿐만 아니라 지역사회 결속력과 문화적 정체성을 강화하는 효과를 발휘한다. 비교 분석 결과，두 유형의 합창단은 교육 논리에서 뚜렷한 대비를 이룬다. 대학 합창단은 ’전문화’ 지향의 예술 교육을 대표하며 표준성, 체계성, 혁신 역량을 강조하는 반면，지역 합창단은 ’보급화’ 지향의 사회 예술 교육을 구현하며 참여성 ，정서성, 문화성을 부각한다. 그러나 두 합창 단은 상이한 지향점에도 불구하고 분리된 것이 아니라，실천 과정에서 합동 공연, 협력 창작，문화 교류 등을 통해 상호작용하고 상호보완하는 관계를 형성한다. 이러한 이원적 구조는 도시 문화 생태계를 풍부하게 할 뿐만 아니라 음악 교육이 다층적으로 유기적 연계를 이루는 새로운 가능성을 제시하였다. 본 연구는 대학 음악 전공 합창단과 지역 민간 합창단이 중국 음악 교육 체계의 '이중 지지대’를 구성한다고 판단한다. 전자는 학과 건설과 전문 인재 양성을 통해 예술 혁신을 주도하며，후자는 예술 교육의 외연을 확장하여 문화 참여와 사회적 연대를 촉진한다. 두 유형의 합창단은 다층적이고 다원적인 경로를 통해 현대 사회의 복합적인 예술 교육 수요에 공동 대응하며，음악 교육이 단일한 전문적 평가 기준에서 다원적 가치 지향으로 전환되는 추세를 실질적으로 구현하고 있다. 민족지적 방법론을 통한 심층 관찰을 바탕으로 본 연구는 향후 음악 교육의 발전 방향으로 ’전문성一사회성一문화성' 간의 균형을 추구해야 함을 제안한다. 한편으로는 대학 예술 교육의 전문성을 지속적으로 강화 하고，다른 한편으로는 사회 차원의 예술 교육 보급을 체계적으로 촉진 하여 음악 교육이 개인 성장，문화 전승，사회 발전을 연결하는 실질적 매개 역할을 수행하도록 해야 한다. 궁극적으로 계층화，체계화’사회화된 전민 예술 교육 체계를 구죽하는 것이 신시대 예술 교육 개혁을 주진하는 핵심 과제임을 제언한다.

다국어 초록 (Multilingual Abstract)

In the context of contemporary China’s active promotion of aesthetic education and universal art popularization, choral education, as the most socially inclusive and collective art form in the music education system, demonstrates unique value in enhancing musical literacy, fostering social interaction, and building cultural identity. Choirs are not only an integral component of professional music education but also a key vehicle for community cultural development and public aesthetic education. Due to divergences in organizational structure, member composition, and educational objectives, various types of choirs form a multi-layered, coexisting, and mutually complementary educational ecosystem. Comparing the educational activities of university music major choirs and local folk choirs helps deepen the understanding of the hierarchical structure, practical logic, and social value of contemporary Chinese music education, offering a reference for the construction of a universal aesthetic education system. This study examines professional university music choirs and local folk choirs in Nanjing, Jiangsu Province, employing ethnographic case study methods. Through on-site observation and sustained engagement, it explores the organizational structures, pedagogical characteristics, and practical logic of these two types of choirs in their educational practices. The research further analyzes their complementary functions and value-creation mechanisms within the music education system. The study aims to reveal the relationship between the two educational orientations —professionalization and popularization and how they complement — and connect elite art cultivation with social aesthetic education. University choral ensembles, grounded in higher education’s academic framework, operate through well-established pedagogical systems and rigorous training programs. Their educational approach emphasizes standardized vocal techniques, profound musical interpretation, and holistic artistic expression, forming a structured developmental pathway from technical training to stage performance and artistic reflection. Through structured curricula, systematic rehearsals, and competition-oriented learning, students progressively enhance their musical proficiency, artistic discernment, and critical thinking. Furthermore, these ensembles actively integrate research-based learning—such as musical analysis, compositional experimentation, and interdisciplinary collaboration—evolving into key platforms for nurturing professional musicians and fostering artistic innovation. In contrast, local folk choirs are rooted in community groups, cultural organizations, or interest-based groups, featuring diverse membership compositions and high openness and social engagement. Their educational activities prioritize aesthetic experiences, emotional expression, and social interaction over professional exams or art competitions. Through mutual learning and shared experiences, these choirs have developed a self-education mechanism rooted in daily life. Their repertoire often reflects regional culture, including folk songs in local dialects and adapted local ballads, making choral performances a vital channel for cultural preservation and identity formation. The educational process follows a multidimensional path of skill acquisition, cultural perception, and emotional resonance, which not only enhances members’ musical literacy but also strengthens community cohesion and cultural identity. Comparative analysis reveals a notable contrast in their educational logics between the two types of choirs: university choirs embody “professionalized” art education, emphasizing standardization, systematicity, and innovation capacity; local choirs represent “popularized” social aesthetic education, highlighting participation, emotional resonance, and cultural significance. Though positioned differently, they are not mutually exclusive but rather interact and complement each other in practice—through joint performances, collaborative compositions, and cultural exchanges. This dual framework not only enriches the urban cultural ecosystem but also opens new possibilities for the integration of music education at different levels. The study suggests that professional university music choirs and local folk choirs jointly form the “dual pillars” of China’s music education system. The former strengthens discipline construction and professional talent cultivation, promoting artistic innovation; the latter extends the reach of aesthetic education, promoting cultural participation and social connections. These two types of choirs collectively respond to the demands of contemporary society for aesthetic education through multi-level and diversified approaches, reflecting the shift in music education from a single professional evaluation to a pluralistic value orientation. Through ethnographic research, this study demonstrates that future music education development should strike a balance between professionalism, social engagement, and cultural significance. While maintaining the professional standards of university art education, it should simultaneously advance aesthetic education at the societal level, transforming music education into a bridge that connects personal growth, cultural heritage, and social progress. Establishing a multi-tiered, systematic, and socially inclusive aesthetic education system for all citizens represents a crucial direction for advancing aesthetic education reform in the new era of China.