창작인가, 편곡인가: 첸더(Hans Zender)의 작곡된 해석(Komponierte Interpretation) 음악 연구 = Composition or Arrangement?: A Study of Hans Zender’s Composed Interpretation|RISS 상세보기

다국어 초록 (Multilingual Abstract)

In the late 20th century, the zeitgeist of postmodernism shifted the focus of musical creation from the modernist pursuit of novelty toward the active integration of ‘tradition’ as an essential compositional resource. In this context, recomposing music, which involves rewriting an entire existing work or freely using parts of it as creative material, began to flourish and continues into the twenty first century.
Among many composers, the German composer Hans Zender(1936–2019) pursued this kind of musical practice consistently throughout his life and defined recomposing music through the concept of ‘composed interpretation(komponierte Interpretation)’. Starting from the recognition that an interpretation of a musical score is inevitable, Zender emphasized that composers should create diverse and creative interpretations instead of merely attempting to follow the original work faithfully. Accordingly, he reworked the compositions of masters such as Schumann and Schubert or utilized them as creative material. His concrete works of ‘composed interpretation’ include six pieces: Dialog mit Haydn(1983), Schubert-Chöre(1986), Claude Debussy: Fünf Préludes(1991/1997), Schuberts Winterreise(1993), Schumann-Phantasie(1997), and 33 Veränderungen über 33 Veränderungen(2011).
Zender argued that his works are not mere reproductions of existing pieces but creative transformations that emerge as new creations with distinct qualitative differences. Based on this perspective, this study explores three primary questions: First, how do the creative transformations described by Zender manifest themselves? Second, can the resulting works be classified as original compositions rather than arrangements? Third, why did Zender present this type of work under the title of composed interpretation? Focusing on these questions, this study aims to examine Zender’s six works in close detail.
Through a detailed analysis of the six aforementioned works, this study identifies distinct patterns in the scope and methods of Zender’s creative intervention, reflecting his continuous experimentation with various possibilities. Based on this analysis, this study drives three core types that characterize Zender’s concept of composed interpretation.
First is ‘recomposition through deconstruction(De , Re Komposition)’. This method involves fragmenting core elements of the original work, such as its melody and rhythm, and then reorganizing or utilizing these materials. More specifically, four distinct techniques were identified within this category: the transformation and recombination of fragments, expansion through fragments, creation using fragments, and the imitation of musical progression. The second type is ‘Musical Addition(musikalischer Anbau)’, which involves overlaying new creative layers while preserving the original work. Zender’s approach to addition expands the existing piece both vertically and horizontally by adding elements that were not present in the original score. Through this process, acoustic tension is generated, the external and internal facets of characters are expressed, and the symbolic elements or initial creative intentions of the original work are re-actualized. The third is the ‘Maximization of Musician Intuition(Maximierung der Musiker intuition). Zender sought to compositionally utilize the intuitive scope of the performer, whom he defined as a co-creator of the work. Reflecting Zender’s aesthetic stance on the performer, this intuition is seen to expand to a degree that directly influences the musical structure. This particular compositional strategy is employed to reveal the internal psychological states of characters or to manifest allusions to death.
These characteristics indicate that Zender’s ‘composed interpretation’ constitutes a creative work in which creativity directed toward previously composed works is fully realized, grounded in the premise that existing compositions must be interpreted in diverse ways. For Zender, the interpretation of an existing work was equivalent to the act of composition. He utilized historical texts as productive sources to stimulate his own musical creativity. Just as a composer manifests inspiration within a score, Zender practiced compositional thinking through a deliberate process of selection deciding which elements of the original work to emphasize, transform, or omit based on his own inspiration. Consequently, Zender’s composed interpretation, born from this rigorous process, should be recognized as an original creative work.

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국문 초록 (Abstract)

20세기 후반을 지배한 포스트포더니즘(postmodernism)의 시대 정신 속에서 음악 창작은 모더니즘이 강조해온 새로움의 추구와 달리, ‘전통’을 창작의 핵심 요소로 적극 활용하는 행보를 보였다. 이에 따라 인용 음악이나 콜라주(collage)와 같이 기존 음악의 단편을 활용하는 기법들이 음악 창작의 중요한 특징으로 등장하였다. 이러한 흐름 속에서 기존 작품의 전체를 다시 작곡하거나 일부를 자유롭게 활용하여 창작 재료로 사용하는 리컴포징(recomposing) 음악이 활발하게 시작되었으며, 지금 21세기에도 지속되고 있다.
여러 작곡가 가운데 독일 작곡가 한스 첸더(Hans Zender, 1936-2019)는 이러한 음악 작업을 일생 전반에 걸쳐 꾸준히 이어왔으며, 리컴포징 음악을 ‘작곡된 해석(komponierte Interpretation)’이라는 개념으로 명명하였다. 첸더는 악보에 대한 ‘해석’이 필연적이라는 인식에서 출발하여, 기존의 작품을 충실히 따르려는 시도 대신 창의적으로 다양한 해석을 만들어내야 한다는 것을 강조하였다. 이에 그는 슈만, 슈베르트 등의 작품을 재작업하거나 작곡 재료로 활용하였으며, 구체적인 ‘작곡된 해석’ 작품으로《하이든과의 대화》(Dialog mit Haydn, 1983),《슈베르트 합창곡》(Schubert-Chore, 1986),《클로드 드뷔시: 5개의 프렐류드》(Claude Debussy: Funf Preludes, (1991/1997),《슈베르트 겨울나그네》(Schuberts Winterreise, 1993),《슈만 환상곡》(Schumann-Pantasie, 1997),《33개의 변주에 대한 33개의 변주》(33 Vernderungen ber 33 Veränderungen, 2011)의 여섯 작품이 있다.
첸더는 자신의 작품이 기존 작품에 대한 단순한 재현이 아닌 창조적인 변화이며, 고유한 질적 차이를 갖는 새로운 결과물로써 탄생한다고 주장한다. 이 점에서 본 연구는 다음과 같은 세 가지의 주요한 질문에서 시작하였다. 첫째, 첸더가 말하는 창조적인 변화란 어떻게 나타나는가? 둘째, 기존의 작품을 변형하여 내놓은 결과물을 편곡이 아닌, 창작이라 볼 수 있는가? 셋째, 첸더는 이러한 작업을 왜 ‘작곡된 해석’이라는 이름으로 제시하였는가? 본 연구자는 이 질문을 중심으로 첸더의 여섯 작품을 면밀히 고찰해보고자 하였다.
여섯 모두 기존 작품에 대한 창작적 개입의 범위와 변형 방식에서 서로 다른 양상을 보인다는 사실을 발견할 수 있었고, 이러한 차이는 첸더가 다양한 가능성을 지속적으로 시도해왔음을 보여준다. 작품 분석을 토대로 첸더의 ‘작곡된 해석’을 관통하는 특징으로써 세 가지의 핵심적인 유형을 도출하였다. 먼저 ‘해체를 통한 재작곡(De-, Re-komposition)’이다. 원곡의 선율, 리듬 등 핵심 요소들을 파편화하고, 이 재료를 다시 조직하거나 활용하는 방식이다. 더 세부적으로는 파편의 변형 및 재조합, 파편을 활용한 확장, 파편을 활용한 창작, 진행 모방의 네 가지 방법을 발견할 수 있었다. 두 번째는 기존의 작품을 유지한 채 자신의 새로운 층위를 덧입히는 ‘음악적 증축(musikalischer Anbau)’이다. 첸더의 증축은 원곡에 존재하지 않는 부분을 추가함으로써 기존의 작품을 ‘수직적 · 수평적’으로 확장하는 방식이다. 이러한 증축을 통해 음향적 긴장감이 형성되고, 인물의 외적·내적 차원이 표현되며, 원곡이 암시하는 상징적 요소나 창작 초기의 의도가 구체화된다. 세 번째는 ‘연주자 직관의 극대화(Maximierung der Musiker intuition)’이다. 첸더는 연주자의 직관적 범위를 작곡적으로 활용하고자 하였으며, 그는 연주자를 공동 창작자로서 정의하였다. 첸더의 연주자에 대한 미학적 입장을 비춰보면, 그 직관은 음악적 구조에 영향을 미치는 범위까지 확대된다고 본다. 특히 이러한 작곡 전략은 인물의 내적 심리 상태를 드러내거나 죽음에 대한 암시를 드러내는 데에 활용된다.
이러한 특징을 보면 첸더의 ‘작곡된 해석’은 기존 작품을 다양하게 해석해내야 한다는 전제 위에서 과거에 작곡된 작품에 대한 창의성이 충분하게 발현된 창작적인 작품임을 알 수 있다. 첸더에게 기존 작품에 대한 해석은 작곡과도 같았다. 그는 과거의 텍스트를 자신의 새로운 음악적 창작을 자극하는 생산적인 원천으로 활용하였으며, 작곡가가 영감을 악보에 구현하듯 첸더 역시 원곡에서 받은 영감에서 비롯되어 어떤 부분을 강조하고, 변형하고, 삭제할지 판단하고 선택하는 과정을 통해 작곡적 사고를 실천한다고 보았다. 이러한 과정을 통해 탄생한 첸더의 ‘작곡된 해석’은 하나의 창작 작품이라 할 수 있다.

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20세기 후반을 지배한 포스트포더니즘(postmodernism)의 시대 정신 속에서 음악 창작은 모더니즘이 강조해온 새로움의 추구와 달리, ‘전통’을 창작의 핵심 요소로 적극 활용하는 행보를 보였...

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