푸른 선으로 그린 무심(無心)의 자연 풍경 연구 : 나의 작품을 중심으로 = A Study on Natural Landscapes of 'No-Mind' Expressed in Blue Lines

국문 초록 (Abstract)

본 논문은 2021년부터 2025년까지 제작한 나의 작품을 기반으로 작품의 창작 동기와 작업 세계의 형성 과정을 체계적으로 분석하는 것을 목적으로 한다. 특히 작품에 반영된 삶의 태도와 표현 방식의 조형적 특성을 고찰함으로써, 나의 작업이 지닌 개념적 기반과 창작의 방향성을 정리하고자 한다.
나의 회화는 ‘자연 풍경’이라는 시각적 주제와 ‘비워내기’라는 개념적 주제를 중심으로 전개된다. 나는 그동안 거대한 자연이 펼쳐져 있는 곳을 여행하면서 나는 스스로 작은 인간임을 자각하곤 했고, 소박하고 잔잔하게 살아가는 삶을 꿈꿨다. 이렇게 힘을 빼고 세상의 흐름에 유유히 몸을 맡기고 살아가는 삶의 태도는 작품 창작의 방향성에도 큰 영향을 미쳤다. 이는 나의 작업을 관통하는 개념인 무심(無心)과 비움으로 이어졌으며, 복잡한 기법이나 서술적인 묘사 대신에 본질적인 형태와 색, 그리고 선으로 단순화하는 회화 언어로 구체화되었다. 특히 푸른 선은 나의 작업을 관통하는 요소로, 내면의 울림을 상징적으로 표현하는 중요한 조형 언어이다. 재료적 측면에서는 교(膠)를 중심으로 한 동양화 채색 기법을 기반으로 하되, 색연필이나 디지털 드로잉과 같은 다양한 매체와 기법을 병용하여 표현의 폭을 넓히고자 한다.
Ⅰ장에서는 연구의 배경과 목적을 밝히며, 논문의 개괄적인 전개 방향을 설명한다.
Ⅱ장에서는 창작의 선행 조건인 ‘비움’의 태도를 도가의 허정(虛靜)과 불교의 무심을 통해 고찰하고, 이것이 작업의 근본적인 토대가 됨을 밝힌다. 이어서 ‘무심의 시선’으로서, 대상을 있는 그대로 비추는 관조(觀照)의 태도와 물리적 제약을 넘어 정신적 자유를 누리는 와유(臥遊)의 태도를 논의할 것이다. 나아가 이러한 미적 태도가 ‘무심의 풍경’으로 구체화됨을 밝힌다.
Ⅲ장에서는 ‘무심의 풍경’을 시각화하기 위한 구체적인 조형 언어로서, 백묘법을 재해석한 푸른 선과 단순화된 형태에 대하여 분석한다. 또한 ‘칸’과 분할 화면 구성을 통해 시간의 흐름과 시선의 이동을 평면 위에 연속적으로 배치함으로써, 풍경을 다층적인 시공간의 경험으로 재구성하는 방식을 서술한다.
Ⅳ장에서는 디지털 매체와 전통 재료의 결합 과정을 통해 ‘무심의 풍경’ 표현이 확장되는 양상을 탐구한다. 태블릿 기반의 디지털 드로잉에서 종이의 질감과 물감의 번짐 등 동양화적 물성을 재해석하여 구현하는 실험 과정을 서술하고, 반대로 회화 작업에서는 색연필과 물감을 혼합하여 디지털 특유의 평면적 감각을 재현하는 방식을 분석한다. 나아가 색연필과 물감의 물성이 혼합된 나의 채색 기법이 지닌 조형적 의의를 밝힌다.
마지막으로 Ⅴ장에서는 전체적인 내용을 요약하고 정리하며 본 연구가 앞으로 나아갈 작업 방향을 제시한다. 나의 작품이 어떠한 의의를 가지는지에 대해 점검하며 글을 마무리한다.

다국어 초록 (Multilingual Abstract)

This thesis provides a systematic analysis of my creative motivations and the evolution of my artistic practice, focusing on works produced between 2021 and 2025. By examining the attitudes toward life reflected in these works and the formal characteristics of my expressive methods, I aim to clarify the conceptual foundation and the overarching direction of my creative journey.
My paintings revolve around the visual theme of "natural landscapes" and the conceptual pillar of "emptying." While traveling through vast, expansive nature, I became deeply aware of the smallness of human existence and began to yearn for a modest, tranquil life. This attitude—relinquishing artificial effort and flowing gently with the world—has profoundly influenced my artistic direction. It led to the core concepts of "No-Mind" (Musim) and "emptying," which manifest in a visual vocabulary that distills subjects into essential forms, colors, and lines rather than relying on complex techniques or descriptive details. In particular, the "blue lines" serve as a recurring element and a vital formal language that symbolically expresses my inner resonance. Materially, I build upon traditional Korean painting techniques centered on animal glue, while expanding my expressive range by integrating diverse media such as colored pencils and digital drawing.
Chapter I outlines the background and purpose of this study and provides an overview of the thesis's progression.
Chapter II examines the attitude of "emptying"—a prerequisite for my creative process—through the Taoist concept of Heo-jeong (void and stillness) and the Buddhist concept of No-Mind, establishing these as the fundamental basis of my work. It then explores the "gaze of No-Mind" through the lens of Gwan-jo (contemplation), reflecting on the subject as it is, and Wayu (spiritual travel while lying down), which pursues spiritual freedom beyond physical constraints. Ultimately, this chapter illustrates how these aesthetic attitudes are embodied as "Natural Landscapes of No-Mind."
Chapter III analyzes the specific formal language used to visualize these landscapes, focusing on the blue lines—a reinterpretation of Baeng-myo-beop (the traditional outline method)—and simplified forms. It also describes the method of reconstructing landscapes into multi-layered experiences of space and time by utilizing "paneling" (Kan) and split-screen compositions to arrange the flow of time and the movement of the gaze on a flat surface.
Chapter IV explores the expansion of expression through the convergence of digital media and traditional materials. I detail the experimental process of reinterpreting the material properties of Oriental painting—such as paper texture and ink diffusion—within tablet-based digital drawing. Conversely, I analyze how I replicate the flat, digital aesthetic in my physical paintings by blending colored pencils with traditional pigments. This chapter clarifies the formal significance of this hybrid technique.
Finally, Chapter V summarizes the study and suggests the future direction of my practice. I conclude by reflecting on the significance and value of my work within the contemporary art landscape.

목차 (Table of Contents)

• 국문초록 ⅰ
• 목차 ⅲ
• 참고도판목록 ⅴ
• 작품도판목록 ⅶ
• Ⅰ. 머리말 1
• Ⅱ. 비움과 무심(無心)의 시선 4
• 1. 창조적 바탕으로서 비움 4
• 1) 도가의 허정(虛靜) 4
• 2) 불교의 무심(無心) 10
• 2. 무심의 시선 16
• 1) 관조(觀照)의 태도 16
• 2) 와유(臥遊)의 태도 19
• Ⅲ. 푸른 선으로 그린 무심의 장면 24
• 1. 무심의 풍경과 선의 운용 24
• 1) 자연의 관조와 기억의 재구성 24
• 2) 백묘(白描)의 변용과 푸른 선 27
• 2. 형태의 단순화와 정제된 표현 33
• 3. 칸을 통한 장면의 포착과 연속된 시간 표현 41
• Ⅳ. 자연 풍경의 매체적 확장과 표현 기법 48
• 1. 동양화의 디지털적 변용 48
• 1) 종이 질감의 구현 51
• 2) 색채 질감의 구현 57
• 2. 재료의 혼합과 채색 기법 64
• 1) 색연필과 물감 66
• 2) 가벼운 붓질을 통한 중첩된 흔적 70
• Ⅴ. 맺음말 75
• 참고문헌 77
• Abstract 80