투자자형 컬렉터 연구 = Investor-Type Collectors and the Reorganization of Power in the Contemporary Art Market

다국어 초록 (Multilingual Abstract)

This dissertation structurally analyzes how “investor-type collectors” have emerged as central power actors reshaping the value systems and discursive structures of twenty-first-century contemporary art. Whereas conventional studies have tended to conceptualize collectors as high-end consumers, accumulators of artworks, or holders of aesthetic taste, this study redefines the investor-type collector as an institutional designer and cultural power agent who organizes the entire chain of artistic production, distribution, and interpretation. Such a reorientation is grounded in the recognition that the contemporary art market now operates within financialized capital environments, privatized institutional systems, and globally expanded distribution networks. Investor-type collectors convert economic capital into cultural and symbolic capital and intervene directly in the processes through which artistic meaning is produced and canons are formed.
The theoretical framework draws upon Thorstein Veblen’s theory of conspicuous consumption, Pierre Bourdieu’s concept of distinction, Jim McGuigan’s theory of cultural power, and Hito Steyerl’s Duty Free Art: Art in the Age of Planetary Civil War, analyzing how taste functions as a central axis of social hierarchy and symbolic capital. Veblen demonstrated how scarce and opaque goods enable the conspicuous consumption of the leisure class; Bourdieu argued that taste operates as a symbolic instrument structuring class positions; and McGuigan emphasized the ways cultural production and distribution are reorganized within economic and political logics, producing new forms of “cultural power” as culture becomes increasingly corporatized and capitalized. Steyerl critiques how contemporary art circulates in “duty-free zones” exempt from taxes and legal norms, transforming into private assets managed through taste and capital strategies. Integrating these theories, this study conceptualizes the process by which investor-type collectors traverse the art market and institutional field to transform taste into a social norm as the “institutionalization of taste power.”
Historically, the study traces the emergence of modern collectors in the nineteenth-century art market, the rise of private museums in twentieth-century America, and the financialization and globalization of the art market after the 1980s. Through the cases of the Medici family, Francis I, the Havemeyer couple, and Gertrude Stein, the analysis demonstrates that collectors have long shaped not only artistic production but the institutional structures of art itself. However, the late twentieth century marked a shift: a new generation of ultra–high-net-worth collectors began to treat art not as a political symbol or public good but as a financial asset and strategic form of cultural capital, intervening in ways that reorganize institutional norms and market structures.
The qualitative analysis unfolded on two levels. First, based on ARTnews’s “Top 200 Collectors,” the study examined collectors’ nationalities, gender and family structures, occupational capital, and genre preferences. This analysis revealed shared structural attributes—high income, high education, metropolitan residence—as well as occupational capital concentrated in finance, investment, technology, real estate, and distribution industries. The growing prominence of family-based and couple-based collections further illustrated the power configuration of contemporary collector elites and provided foundational insight into the capital conditions that enable investor-type collectors to function as architects of market norms.
Second, interpretive thematic analysis was applied to interviews and verbal statements, identifying 180 meaning units categorized into self-oriented, social, economic, and hybrid motivations. The prominence of self-oriented motivations highlighted art collecting as a mechanism of identity extension and emotional identification. Social motivations related to patronage, network building, symbolic capital accumulation, and public-oriented practices. Although economic motivations appeared less explicitly in speech, contextual analysis revealed the consistent operation of investor logics such as early acquisition, market-cycle assessment, and risk diversification. Hybrid motivations demonstrated the convergence of affective, social, and financial rationalities. Together, these analyses showed that investor-type collectors act within an intersecting structure of aesthetic judgment, social power, and asset management, illuminating how such collectors emerge as agents capable of reorganizing value and institutional structures in the art world.
The case studies of Charles Saatchi, Steven A. Cohen, François Pinault, and Bernard Arnault further clarified the structural patterns of investor-type collector behavior. Saatchi—who identified emerging artists early and built a value chain of “discovery–exhibition–discursivization–marketization”—is characterized as a venture-investor-type collector who produced the generational discourse of the YBAs. Cohen, by contrast, operates as a portfolio manager who rotates high-value blue-chip assets to maximize financial efficiency and minimize risk. While Saatchi transforms market uncertainty into opportunity by generating discourse and trend cycles, Cohen stabilizes risk through investment in already canonized assets; thus the two exemplify divergent strategic orientations within the same investor-type category.
Pinault operates as a gatekeeping power by using large-scale group exhibitions, the Lens Residency, and the Prize Pierre Daix to restructure artistic reputations and art-historical legitimacy. Whereas Saatchi intervenes visibly and disruptively by rapidly elevating emerging artists and reconfiguring the value chain, Pinault functions as a largely invisible orchestrator who integrates institutional space, legal frameworks, and exhibition structures to reorganize legitimacy over the long term. Arnault, through the Fondation Louis Vuitton (FLV) and Espaces Louis Vuitton, integrates brand, architecture, and retail infrastructures, transforming art into an internalized component of a mega-platform of cultural consumption.
Although both Pinault and Arnault intervene through private spaces, their strategies differ fundamentally. Pinault exercises “discursive adjustment power” through curatorial control over exhibition composition and artist sequencing, directly shaping the content of artistic discourse. Arnault exercises “infrastructural design power,” reorganizing the conditions under which art is experienced, circulated, and consumed by combining architecture, brand systems, and global distribution networks. The four collectors thus deploy different modes of intervention, yet all shift the criteria of art’s legitimacy and value from the public sphere to private authority, collectively reshaping the normative structure of the contemporary art world.
The cases of Pinault and Arnault particularly reveal the intersection of publicness and private power. Pinault’s large-scale exhibitions, catalog publications, and mechanisms of repeated exposure allow him to reorganize artistic status and art-historical legitimacy over time. Arnault, through architectural narrative, brand networks, and collaboration with public institutions, repositions the conditions of cultural meaning-making inside the framework of private capital. While both privatize the criteria of evaluation, Pinault focuses on editing the “content” of discourse and exhibition, whereas Arnault reorganizes the structural “conditions” under which art is consumed and interpreted.
This structure of private intervention raises the broader question of how the public sphere of art is transformed and privatized. Drawing on concepts of the privatization of publicness and sabotage, the analysis shows how investor-type collectors reshape the public infrastructures of art. Publicness—understood as accessibility and a non-coercive space of discourse following Jürgen Habermas and John Dewey—is circumscribed when compared with the work of Nicolas Bourriaud and Jenny Holzer, revealing how private exhibition systems restrict civic relational networks and interpretive autonomy. Although Pinault, Saatchi, and Arnault publicly claim to promote cultural accessibility, their spaces often function as structures in which private taste and asset strategy supplant institutional standards. Applying Malik and Phillips’s concept of sabotage, practices such as non-disclosure of works, control of circulation, and selective exhibition become strategic acts that constrain the cognitive and value structures of art. Saatchi’s mass deaccessioning destabilized artists’ markets, while Pinault’s repeated exhibition strategies function as a long-term mechanism of structural fixation.
In conclusion, this research confirms that investor-type collectors have become central power agents who construct values, hierarchies, and canons in the contemporary art world. They no longer remain market consumers but act as infrastructural builders who design exhibitions, foundations, museums, publications, and residencies, thereby shaping the interpretive conditions and meaning-making structures of art. Through these processes, economic capital is transformed into cultural and symbolic capital, producing new fractures in publicness, institutional neutrality, and critical autonomy. By critically analyzing these structural transformations, this dissertation offers a new framework for understanding power in the contemporary art market and lays the groundwork for future inquiries into how private authority restructures cultural norms.

국문 초록 (Abstract)

본 논문은 21세기 현대 미술시장에서 ‘투자자형 컬렉터’가 미술의 가치 체계와 담론 구조를 재편하는 핵심 권력 주체로 작동하고 있음을 구조적으로 분석하였다. 기존의 컬렉터 연구가 주로 고액 소비자, 작품 축적자 및 미학적 취향의 소유자라는 관점에 머문 데 반해, 본 연구는 투자자형 컬렉터를 미술의 생산·유통·해석 전 과정을 조직하는 제도 설계자이자 문화 권력자로 규정한다. 이러한 관점 전환은 오늘날 미술시장이 금융화된 자본 환경, 제도의 민영화와 글로벌 유통 네트워크의 확장이라는 구조적 조건 속에서 운영되고 있다는 문제의식에 기반한다. 투자자형 컬렉터는 경제자본을 문화·상징자본으로 전환하여 미술의 의미가 부여되고 정전이 형성되는 과정에 직접적으로 개입하는 새로운 행위자로 부상하였다.
연구의 이론적 배경에서는 소스타인 베블런(Thorstein Veblen)의 ‘과시적 소비’와 피에르 부르디외(Pierre Bourdieu)의 취향 형성 및 문화적 장(field) 이론을 통해 취향이 사회적 위계와 상징자본을 구조화하는 방식을 검토하고, 여기에 짐 맥기건(Jim McGuigan)의 문화 권력론과 히토 슈타이얼(Hito Steyerl)의 ‘면세 미술’ 개념을 결합하여 취향이 제도와 시장의 조건 속에서 권력으로 작동하는 구조를 분석하였다. 베블런은 희소성과 불투명성을 지닌 재화가 유한계급의 과시적 소비를 가능하게 한다고 보았고, 부르디외는 취향이 계급적 위치를 구조화하는 상징적 도구임을 설명하였다. 맥기건은 문화 생산과 유통의 장이 경제적·정치적 권력의 논리 속에서 재구성되고 있음을 지적하며, 문화 영역이 점차 기업화·자본화되는 과정에서 ‘문화 권력’이 새롭게 형성되는 현상을 비판적으로 설명한다. 슈타이얼은 현대미술이 조세와 법적 규범에서 면제된 면세 구역에서 유통되면서, 공공적 검증의 대상이 아니라 사적 자산 관리의 대상으로 재위치되는 과정을 비판적으로 분석한다. 이 과정에서 미술의 제도적 조건과 규범은 공공성의 논리에서 자산 관리와 금융 전략의 논리로 이동하게 되며, 전시와 작가의 선택 역시 사적 취향과 자본 전략에 의해 구조화된다고 지적한다. 본 연구는 이러한 이론을 통합하여 투자자형 컬렉터가 미술시장과 제도장(場)을 횡단하며 예술을 사유화하는 동시에 취향을 사회적 규범으로 전환시키는 과정을 ‘취향 권력의 제도화’라는 분석 범주로 정식화하였다.
역사적 분석에서는 근대적 컬렉터가 등장한 19세기 미술시장, 제도화 과정을 거친 20세기 미국 사립 미술관의 성장과 1980년대 이후 시장의 금융화·세계화 등을 검토하였다. 메디치 가문(The Medici Family), 프랑수아 1세(Francis I), 하베마이어 부부(The Havemeyer Couple), 거트루드 스타인(Gertrude Stein) 등의 주요 역사적 컬렉터 사례를 통해, 컬렉터의 개입이 단순한 후원을 넘어 미술 제도의 형성과 구조 변동에 지속적으로 관여해 왔음을 살펴보았다. 이어 20세기 후반 이후 등장한 새로운 세대의 초고액 자산가 컬렉터들은 기존의 후원자·수집가와 달리, 미술을 정치적 상징이나 시민적 공공선의 범주가 아니라 금융적 자산이자 전략적 문화자본으로 인식하며, 미술 제도와 시장 규범의 재구성에 적극적으로 개입하는 경향을 보이는 것으로 나타났다.
정성적 분석은 두 개의 분석 축을 중심으로 수행되었다. 첫째, 『아트뉴스(ARTnews)』의 “탑 컬렉터 200인(Top 200 Collectors)” 자료를 기초로 컬렉터의 국적, 젠더 및 가족 형태, 직업적 자본의 성격, 선호 장르 등을 교차 분석함으로써 현대 상위 컬렉터 집단이 공유하는 구조적 특성과 자본 구성의 반복적 패턴을 도출하였다. 이 과정에서 금융·투자·테크·부동산·유통 부문을 기반으로 한 직업 자본의 집중, 가문형·부부형 컬렉션의 확대, 그리고 자본 유형에 따라 분화되는 미술 장르 선호가 확인되었으며, 이는 동시대 컬렉터 집단 내부의 권력적 지형과 취향 구조가 일정한 사회경제적 조건 속에서 형성되고 있음을 보여준다.
둘째, 해석적 주제 분석을 적용하여 컬렉터의 공적 발화 자료에서 나타난 수집 동기와 심리적 구조를 코딩하였다. 총 180개의 의미 단위는 자아적·사회적·경제적·복합형 동기로 분류되었으며, 자아적 동기의 높은 비중은 미술 수집이 자기 정체성의 확장과 감정적 동일시의 영역임을 보여준다. 사회적 동기는 후원, 관계망 구축, 상징자본 축적과 공공적 실천으로 구성되었으며, 경제적 동기는 발화 상 미약하게 나타나지만 실제 맥락에서는 선제 매입, 시장 주기 판단, 위험 분산 등 투자자적 사고가 분명히 작동하고 있음을 확인하였다. 복합형 동기는 감정·사회·재정적 판단이 하나의 통합된 실천으로 결합된 구조를 보여주었고, 이를 통해 투자자형 컬렉터의 행위가 미적 판단·사회적 권력·자산 운용이 교차하는 복합적 구조 속에서 작동함을 실증적으로 밝힐 수 있었다. 이와 같은 구조적 특성 분석과 동기 분석을 결합한 다층적 질적 접근은, 투자자형 컬렉터가 특정한 자본 조건과 동기 구조 속에서 미술의 가치 체계와 제도 구조에 개입하는 행위자로 부상하는 과정을 입체적으로 조명한다.
주요 사례 분석에서는 찰스 사치(Charles Saatchi), 스티븐 A. 코언(Steven A. Cohen), 프랑수아 피노(François Pinault)와 베르나르 아르노(Bernard Arnault)를 중심으로 투자자형 컬렉터의 구조적 행위 패턴을 정리하였다. 사치는 신진 작가를 조기 포착하여 ‘발견–전시–담론화–시장화’로 이어지는 가치 사슬을 구축하고, YBA라는 세대적 담론을 기획한 ‘벤처 투자자형 컬렉터’로 규정되었다. 반면 코언은 블루칩 작품을 중심으로 고가 자산을 회전시키며 금융적 효율성과 리스크 관리 전략을 결합하는 ‘포트폴리오 운용자’로 분석되었다. 사치가 시장의 불확실성을 기회비용으로 전환하며 담론과 트렌드를 창출하는 ‘적극적 개입자’라면, 코언은 이미 정전화된 자산을 기반으로 위험을 최소화하는 ‘안정적 관리자’로 기능한다는 점에서 두 컬렉터는 동일한 투자자형 범주 안에서도 상반된 전략적 지향을 보여준다.
피노는 반복적인 대규모 그룹전, 랑스 아티스트 레지던시(Artists residency of Lens), 피에르 다익스 미술사 상(Prix Pierre Daix) 등을 통해 작가 위상과 미술사적 정당성을 재편하는 ‘게이트키퍼형’ 권력으로 작동하였다. 사치가 시장의 변동성과 담론의 공백을 활용해 신진 작가를 급격히 부상시키고 가치 사슬을 단기적으로 재배열하는 ‘가시적 개입자’로 작동한다면, 피노는 전시 공간·제도적 인센티브·전시 구조를 장기적으로 통합하여 작가의 위상과 미술사적 정당성을 지속적으로 재구성하는 ‘비가시적 조율자’로 기능한다는 점에서 두 컬렉터는 동일한 시장 설계자이면서도 개입의 수준과 시간성에서 뚜렷하게 구별된다.
아르노는 루이비통 재단(Fondation Louis Vuitton)과 에스파스 루이비통(Espaces Louis Vuitton)을 통해 브랜드·건축·유통 인프라를 통합하여 미술을 소비 구조 전체에 내재화하는 ‘메가 플랫폼형’ 컬렉터로 분석되었다. 피노와 아르노는 모두 사적 공간을 통해 제도에 개입하지만, 피노가 전시 구성과 작가 배열에 대한 정교한 큐레이토리얼 통제를 통해 담론의 흐름을 직접 조정하는 ‘담론 조정형 권력’이라면, 아르노는 건축적 서사, 브랜드 네트워크와 공공기관 협력을 결합하여 미술이 경험되고 이해되는 구조적 환경을 재편하는 ‘인프라 설계형 권력’으로 작동한다는 점에서 전략적 차이를 보인다. 결과적으로 이들 네 사례는 각기 상이한 방식으로 미술시장에 개입하지만, 모두 시장과 제도의 기준을 사적 영역으로 이동시키며 미술의 가치 체계와 규범을 재편한다는 공통된 구조적 효과를 공유한다. 다만 피노가 전시와 담론의 내용 편집을 통해 미술사적 정당성을 조율하는 게이트키퍼형 권력으로 기능한다면, 아르노는 건축·브랜드·유통 인프라를 통해 미술이 소비되고 이해되는 구조적 조건 자체를 재편하는 인프라형 권력을 행사한다는 점에서 권력의 작동 층위가 구별된다.
이와 같은 사적 권력의 개입 구조는 미술의 공공적 장이 어떻게 변형되고 사유화되는가라는 보다 근본적인 문제와 연결된다. 본 연구는 ‘공공성의 사유화’와 ‘사보타주(sabotage)’ 개념을 적용하여 투자자형 컬렉터의 개입이 미술의 공공적 구조와 인식 조건을 재편하는 양상을 분석하였다. 공공성은 접근 가능성과 비강제적 담론의 장이라는 점에서 위르겐 하버마스(Jürgen Habermas)와 존 듀이(John Dewey)의 논의와 연결되며, 이를 니콜라 부리오(Nicolas Bourriaud)와 제니 홀저(Jenny Holzer)의 작업과 대비할 때 사적 컬렉터 중심의 전시 구조가 시민적 관계망과 자율적 해석의 장을 어떻게 제한하는지가 드러난다. 피노·사치·아르노의 전시 공간은 공공성을 표방하지만, 실제로는 사적 취향과 자산 전략이 제도적 기준을 대체하는 방식으로 작동한다. 수할리 말릭(Suhail Malik)과 안드레아 필립스(Andrea Phillips)가 제시한 ‘사보타주(sabotage)’ 개념에 비추어 볼 때, 작품의 비공개 보유, 유통 통제와 전시의 선택적 편입은 단순한 소유 행위를 넘어 미술의 가치 형성과 인식 구조를 제한하는 전략적 개입으로 해석될 수 있다. 특히 사치의 대량 매각과 피노의 반복적 전시는 각각 시장 안정성과 미술사적 위상을 구조적으로 재편하는 상이한 형태의 사보타주로 기능한다.
결론적으로 본 연구는 투자자형 컬렉터가 현대 미술시장에서 가치·위계·정전을 구성하는 핵심적 권력 주체로 자리매김하고 있음을 확인하였다. 이들은 시장의 수요자에 머무르지 않고 장치를 만드는 행위자로서 전시·재단·미술관·출판·레지던시 등 제도적 기반을 구축하고, 미술의 해석 조건과 의미 생산 구조를 설계한다. 이 과정에서 경제자본은 문화·상징자본으로 전환되며, 이는 미술의 공공성·제도적 중립성·비평적 자율성에 새로운 균열을 가져온다. 본 논문은 이러한 구조적 전환을 비판적으로 분석함으로써 현대 미술시장의 권력 구조를 이해하는 새로운 시각을 제시하고, 사적 권력이 문화적 기준을 어떻게 재편하는가에 대한 후속 연구의 토대를 마련하고자 하였다.

목차 (Table of Contents)

• 제 1 장 서론 1
• 제 1 절 연구의 배경과 목적 1
• 제 2 절 논문의 구성 4
• 제 3 절 선행 연구 6
• 제 2 장 이론적 배경 13
• 제 1 절 투자자형 컬렉터의 정의와 등장 배경 13
• 1. 투자자형 컬렉터의 정의 13
• 2. 투자자형 컬렉터의 등장 배경 21
• 1) 미술과 권력의 제도화 21
• 2) 미술의 세속화와 자산화 25
• 3) 제도 개입과 시장 규범의 형성 41
• 4) 미술의 금융화 52
• 제 2 절 투자자형 컬렉터의 취향 권력 구조 61
• 1. 과시적 소비와 취향 권력의 제도화 62
• 2. 문화 권력 69
• 3. 미술의 사유화 75
• 제 3 장 투자자형 컬렉터의 구조적 특성과 수집 동기 81
• 제 1 절 구조적 특성 81
• 1. 분석 기준 및 절차 83
• 2. 주제별 분석 결과 86
• 1) 국적 변수 86
• 2) 젠더 및 가족 형태 변수 91
• 3) 직업 변수 98
• 4) 직업 자본과 미술 장르 선호의 상관 구조 103
• 제 2 절 미술품 수집의 동기 유형 107
• 1. 분석 기준 및 절차 107
• 2. 주제별 분석 결과 110
• 제 4 장 투자자형 컬렉터와 시장 개입 117
• 제 1 절 위험 감수와 자산 다변화 117
• 1. '벤처 단계 투자자' 119
• 1) 리스크: 불확실성의 미학과 조기 진입 123
• 2) 인큐베이팅과 담론적 자본의 형성 136
• 3) 포트폴리오의 회전과 수익 실현 147
• 2. 포트폴리오 다각화자 153
• 제 2 절 취향 권력의 제도화 164
• 1. 컬렉터-게이트키퍼 166
• 1) 피노 컬렉션과 사적 제도의 구축 167
• 2) 전시 구조화와 작가 위상 상승 175
• 3) 창작 기회와 담론 구조의 제도화 195
• ① 랑스 아티스트 레지던스 195
• ② 다익스 미술사상 200
• 2. 컬렉터- 인프라 권력 206
• 1) 베르나르 아르노와 미술의 상징적 자본화 207
• ① 루이비통 재단과 건축을 통한 상징권력 구축 207
• ② 컬렉션과 전시 214
• 2) 미술과 브랜드의 결합 231
• ① 에스파스 루이비통 231
• ② 아트 콜라보레이션 235
• 제 3 절 전유로서의 사유 245
• 1. 공공성의 사유화 246
• 2. 사적 소유의 ‘사보타주’ 253
• 제 5 장 결론 260
• 참고문헌 266
• 부록 294
• ABstract 305