브람스의 음악은 어떻게 백인성(Whiteness)을 상징하게 되었는가 : 19세기 음악에 대한 인종주의적(Racism) 해석 시도 = How Brahms’s Music Came to Represent Whiteness: Racialized Interpretations of 19th-Century Music

국문 초록 (Abstract)

본 연구는 브람스의 음악을 주요 대상으로 하여, 19세기 음악 문화의 백인성을 검토한다. 논의는 크게 작곡가 브람스에 대한 문화적 상이 어떻게 구축되었는가에 대한 역사적 논의와 연주계에서 그 브람스 상이 실제 어떻게 작용하는가에 대한 실천적 논의로 구성된다. 따라서, 브람스 음악이 ‘어떻게’ 백인성을 상징하게 되었는가에 대한 역사적인 추론과 함께 그 백인성이 흑인 고전음악 연주자에게 어떻게 적용되고 있는가에 대한 연주 실제적인 환경에 대한 논의라는 두 가지의 성격을 갖는다.​
첫째, 본 연구는 브람스의 음악이 어떤 역사적 과정을 거쳐 백인성을 상징하게 되었는지 추적한다. 19세기 중후반 빈에서 브람스의 음악은 자유주의 및 부르주아적 ‘교양(Bildung)’의 이상과 동일시되었다. 이 이상은 표면적으로 보편성을 띠었으나, 실상은 ‘교양 있는’ 독일 엘리트와 ‘교양 없는’ 타자를 구분 짓는 배제적 기제로 작동했다. 빈 자유주의의 몰락 이후 바이마르 공화국 시기에 이르러 브람스의 음악은 모더니즘에 대항하는 ‘건강한 독일 민족성’의 상징으로 재평가되었다. 나아가 귀도 아들러와 같은 학자들이 정립한 음악학의 과학적 방법론을 통해 브람스의 음악은 특정민족성을 초월한 보편적 미적 표준으로서 ‘비표지성(unmarkedness)’을 획득하게 된다.
둘째, 이렇게 구축된 백인성이 인종적 타자에게 어떻게 작동했는지를 흑인 여성 성악가인 마리안 앤더슨의 사례를 통해 고찰한다. ‘음향적 인종 경계선(Sonic Color Line)’의 개념을 통해 그의 수용사를 분석한 결과, 브람스 리트 연주는 흑인 음악가가 문화적 백인성을 획득하기 위한 관문으로 작용했음을 확인했다. 그러나 이 과정에는 그들이 ‘독일 정신’을 구현할 수 있는가에 대한 끊임없는 인종적 의구심과 장벽이 존재했다. 1936년 앤더슨과 유대인 지휘자 브루노 발터가 협연한 브람스의 《알토 랩소디》 공연은 인종적으로 배타적인 위계 속에서 독일 남성 주체의 구원을 상징하는 작품을 타자화된 주체들이 수행하는 아이러니를 극명하게 드러낸다.
결론적으로 브람스 음악의 ‘문화적 백인성’이 소리 자체에 내재한 본질이 아니라, 문화 역사적으로 구성된 지위임을 주장한다. 이러한 역학을 조명함으로써 본 연구는 서양음악 정전에 대한 비판적 시각을 확장한다.

다국어 초록 (Multilingual Abstract)

This study explores the construction of ‘whiteness’ within 19th-century musical culture, with a specific focus on the music and reception of Johannes Brahms. The investigation is structured into two primary dimensions: a historical examination of the ideological formation of Brahms’s cultural persona, and a practical analysis of how this established image functions within the contemporary performance sphere. Consequently, this research elucidates the historical process through which Brahms’s music came to embody universal whiteness, while simultaneously scrutinizing the impact of this racialized framework on Black classical musicians. Through this dual approach, the study reveals the mechanism of ‘unmarkedness’ in Western classical music and its exclusionary effects in practice.
First, the historical trajectory through which Brahms’s oeuvre became an emblem of cultural whiteness is investigated. During the mid-to-late nineteenth century in Vienna, his music was deeply intertwined with the liberal-bourgeois ethos of Bildung. Although ostensibly universal, this ideal operated as a subtle tool of exclusion, effectively distancing the 'civilized' German elite from those cast as 'uncultured' Others. With the waning of Viennese liberalism, the cultural authority Brahms’s music once held risked being perceived as a relic of a bygone era. However, during the Weimar Republic, his legacy was strategically reclaimed and reframed as a manifestation of 'healthy German national character' in opposition to the perceived decadence of modernism. Furthermore, the institutionalization of musicology, pioneered by figures such as Guido Adler, bestowed upon Brahms’s music a status of ‘unmarkedness’—an aesthetic neutrality that allowed it to be perceived as a transhistorical, universal standard transcending specific ethnic or national markers.
Second, the practical implications of this constructed whiteness are scrutinized through the reception of the African American contralto Marian Anderson. Utilizing the theoretical framework of the ‘Sonic Color Line,’ the analysis confirms that the performance of Brahmsian Lieder served as a strategic site for Black musicians to negotiate and acquire cultural whiteness. Nevertheless, such efforts encountered persistent racial skepticism concerning the ability of Black musicians to genuinely embody the ‘German spirit’. A critical illustration of this tension is found in the 1936 performance of the Alto Rhapsody, featuring Anderson and the Jewish conductor Bruno Walter. This event exemplifies a profound historical irony: 'Othered' subjects performing a work fundamentally centered on the spiritual salvation of the German male subject within a socio-cultural hierarchy that systematically excluded them.
In conclusion, this paper argues that the ‘whiteness’ of Brahms' music is not an inherent essence of the sound itself, but a status culturally and historically constructed through 19th-century German ideology and the canonization process. By illuminating these dynamics, this study expands critical perspectives on the Western music canon.

목차 (Table of Contents)

• I. 서론 1
• II. 인종주의 연구에서 백인성 연구(Whiteness Studies)의 전개 6
• 제1절 담론으로서 인종, 차이의 재현으로서 인종: 스튜어트 홀 7
• 제2절 백인성의 개념과 백인성 재현 연구 14
• 1. 백인성 연구의 도입: 토니 모리슨 15
• 2. 백인성 재현의 문제: 리처드 다이어 19
• III. 음악사 연구에서 백인성의 개념과 방법론 30
• 제1절 음악학의 ‘투명한’ 담론: 필립 유웰과 논쟁의 시사점 31
• 1. 필립 유웰의 백인종 프레임(White Frame) 32
• 2. 니콜라스 쿡의 반박 39
• 제2절 19세기 음악사에서 백인성 논의하기 43
• 1. 백인성의 타자에 대한 범주 43
• 2. 음악 연구에서 인종 담론 연구 방법론 48
• IV. 보편적 백인성의 상징으로서 브람스 51
• 제1절 1860년대 전후 빈 문화예술계의 정치적 배경 53
• 1. 독일어권 국가의 자유주의 운동의 특수한 길 54
• 2. 19세기 중반 빈 자유주의와 민족주의의 공존에 대한 이해 56
• 3. 1860년대 빈 문화예술계의 자유주의적 부르주아 문화 58
• 제2절 브람스음악의‘내재된보편성’ 형성: 빈자유주의적민족주의 62
• 1. 빈 자유주의 음악가로서 브람스 62
• 2. 빈 자유주의적 가치의 몰락과 브람스 비판 73
• 제3절 브람스 음악의 비표지성 획득 과정: 브람스 사후 수용 80
• 1. ‘건강한 독일 민족성’으로서 브람스 음악: 브람스 사후 수용 81
• 2. 브람스 음악의 비표지성 형성 86
• V. 흑인 음악계 속 백인성의 상징으로서 브람스 95
• 제1절. 흑인 음악가들은 왜 브람스를 연주했는가: 1920-30년대 흑인의 고전음악계 진입 배경 97
• 1. 흑인 음악 교육의 형성에서 독일 음악 장려 97
• 2. 두 세계대전 사이 독일 속 흑인 고전 음악가의 불안정한 위치 100
• 제2절 브람스 음악의 백인성 작동 : 마리안 앤더슨의 사례를 중심으로 105
• 1. 마리안 앤더슨의 브람스 가곡 연주: 문화적 백인성의 획득 106
• 2. 앤더슨의 《알토 랩소디》 연주 : 흑인 성악가가 획득한 문화적 백인성의 의미 119
• VI. 결론 127
• 참고문헌 134