자유와 즉흥: 홍상수 감독의 작가주의 미학 연구 = Freedom and Improvisation: A Study on the Auteurist Aesthetics of Director Hong Sang-soo|RISS 상세보기

다국어 초록 (Multilingual Abstract)

In the realm of contemporary film aesthetics, auteurism is increasingly becoming a focus of attention in both academic and creative circles. The author argues that this model, which centers on the director as the creative core and emphasizes the expression of individual subjective spirit and artistic philosophy, can trace its developmental lineage back to the aesthetic philosophies of Kant and Schiller. Within the theoretical framework of their time, artistic creation was defined as the external manifestation of individual subjective spirit, liberated from traditional aesthetics' excessive fixation on form and technique. In the early 20th century, the French avant-garde film movement, with its stylized visual language and structural experiments, propelled auteurism from philosophical concept to visual expression. Meanwhile, the Soviet Montage school, starting from the structural function of film language, explored how techniques such as editing and shot sequencing could achieve the visualization of directorial subjectivity, thereby laying a solid foundation for auteurism at the level of film ontology. In the 1950s, French journal Cahiers du Cinéma formally systematized auteurism. François Truffaut, in his work A Certain Tendency of the French Cinema, explicitly proposed that directors should control the language of film as novelists control written language, making cinema an extension of their own personality, emotions, and thoughts. This theory not only provided a practical pathway for the French New Wave directors but also profoundly reshaped global filmmaking paradigms. It extended auteurism from the philosophical and aesthetic realms into an actionable creative methodology, while continuously deepening its intellectual depth through integration with modern thoughts such as phenomenology and psychoanalysis.
The author contends that South Korean director Hong Sang-soo is a quintessential and irreplaceable figure in the East Asian context, representing the profound implementation and localized reinterpretation of the concept of auteurism. Unlike Western "auteur cinema," which often emphasizes formal experimentation and radical expression, Hong's auteurism not only inherits the tradition of personalized narrative perspectives and visual experimentation but also transforms it into an expressive strategy imbued with cultural criticism and existential reflection. His creative distinctiveness manifests across multiple dimensions. First, his personal experiences of growing up under South Korea’s authoritarian political pressures and the loosening of traditional family structures infuse his works with a profound realism characterized by emotional alienation and identity confusion. Furthermore, his international perspective, shaped by his studies in the United States, enables him to integrate Robert Bresson’s minimalism, Éric Rohmer’s exploration of moral dilemmas, and Yasujirō Ozu’s static aesthetics, ultimately forming a creative signature characterized by "expressing philosophical contemplation through everyday life." Therefore, this study systematically analyzes Hong Sang-soo’s auteurist style from three perspectives: the aesthetics of visual composition, narrative aesthetics, and the aesthetics of character portrayal and spatial design.
In the third chapter of the paper, the author focuses on the aesthetic composition of Hong Sang-soo’s films, with particular emphasis on his visual system centered around an "anti-industrial naturalistic expression." Hong intentionally eschews the technical complexity and dramatic visual strategies characteristic of mainstreamindustrial cinema, opting instead for minimalist imagery to convey emotion and philosophical reflection, thereby forging a distinct aesthetic approach. This chapter unfolds in three aspects: First, it analyzes the visual transparency achieved through the "absence of the camera"—that is, the use of "passive cinematography" techniques such as static long takes and natural lighting to reduce the sense of technical mediation, bringing the imagery closer to the authenticity of life. This section also elucidates how such techniques, from technical, temporal, and ethical perspectives, enhance the audience’s perception of characters’ psychology. Second, it examines the emotive treatment of visual language, including how minimalist compositions focus attention on characters’ emotions, pointillist color schemes create psychological suggestions, and medium-close shots foster emotional connections, revealing the deep integration of visual elements with emotional expression. Third, drawing on semiotic theory, it analyzes the poetic function of everyday objects—such as coffee and alcohol as carriers of desire, and natural spaces as psychological metaphors—demonstrating the symbolic significance and narrative role of ordinary items in Hong’s visual repertoire.
Chapter Four delves into the aesthetics of everyday life narrative in Hong Sang-soo’s works, with a focus on analyzing the narrative construction centered around auteurism. Hong intentionally avoids dramatic conflicts, instead extracting stories from daily life, thereby creating a distinct divergence from mainstream cinema. This chapter elaborates on three key aspects: First, it examines the technique of fragmented narration, such as the use of mundane dialogues to dilute plot-driven progression, the adoption of non-linear structures like repetition and flashbacks to reconstruct psychological authenticity, and the portrayal of characters’ multiple identities to reflect dilemmas of self-identity. Second, it categorizes the expression of stereotypical emotional relationships, covering emotional detachment within families, fluctuating trust in friendships, and ambiguous explorations in romantic relationships, thereby presenting the complex typology of interpersonal emotions. Third, it explores the stereotypical portrayal of gender roles, contrasting the restrained and evasive emotional expressions of male characters with the proactive emotional articulation of female characters, while analyzing the moral ambiguity in gender interactions to reveal the realistic dilemmas inherent in contemporary gender dynamics.
Chapter Five focuses on Hong Sang-soo's "aesthetics of improvisational character portrayal," aiming to elucidate his creative logic that breaks away from predetermined scripts and rigid performance models. The analysis in this chapter unfolds along three dimensions:On the discursive level, it explores how monologues and dialogues externalize characters' psychology, while employing repetition and variation to advance the narrative and facilitate philosophical reflection. On the level of creative mode, it examines the performance freedom afforded by the absence of fixed scripts, the dissolution of causal logic through loose narrative structures, and the mechanism by which improvisation integrates with the director's authorial style.On the level of performance, it analyzes the use of de-dramatization techniques, such as the inclusion of performance "flaws" and behavioral "pauses," to foster a sense of authenticity, as well as the subtle mapping of natural environments onto psychological states, ultimately constructing a performance aesthetics that closely mirrors everyday life.
Chapter Six examines Hong Sang-soo’sspatial aesthetics based on
lived experience, focusing on the narrative function of space as an emotional carrier and psychological extension. The analysis unfolds according to spatial typologies: private spaces are interpreted as sites of emotional absence, with residential and social spaces respectively symbolizing the alienation of intimate relationships and the dilemmas of social performance; public spaces highlight the obstruction of emotional expression, such as the experience of solitude during walks or communicative barriers in cafe; natural spaces are endowed with therapeutic and transitional significance, categorized into aquatic and mountainous environments that respectively facilitate emotional release and psychological transformation. Through this aesthetic transformation of space, Hong Sang-soo demonstrates a profound insight into the existential condition of modern individuals

번역하기

국문 초록 (Abstract)

현대 영화 미학 분야에서 작가주의는 날로 학계와 창작계의 관심의 초점이 되고 있다. 필자는 감독을 창작의 핵심으로 하고 개체 주관 정신과 예술 이념 표현을 강조하는 이 모델의 발전 맥락은 칸트, 실러의 미학 철학으로 거슬러 올라간다. 당시의 이론적 틀에서 예술 창작은 개체 주관 정신의 외적 표현으로 정의되고 전통 미학이 형식과 기예에 대한 과도한 집착에서 벗어났다. 20세기 초에 프랑스 선봉파 영화는 풍격화된 시각 언어와 구조 실험으로 작가주의가 철학 이념에서 시각 표현으로 나아가도록 추진했다. 소련 몽타주 학파는 영화 언어의 구조적 기능에서 출발하여 어떻게 편집, 렌즈 조립 등 수법을 통해 감독의 주관성을 형상화하는 표현을 실현할 것인가를 탐색하여 작가주의가 영화 본체론 차원에서 튼튼한 기초를 다졌다. 20세기 50년대에 프랑스의 영화 수첩은 작가주의를 정식으로 체계화하였다. 트뤼퍼는 작가의 정책에서 감독은 소설가가 문자언어를 장악하는 것처럼 영화 언어를 장악하여 영화를 자신의 인격, 감정과 사상의 연장으로 만들어야 한다고 명확히 제기하였다. 이 이 론은 프랑스의 새로운 물결 감독에게 실천 경로를 제공했을 뿐만 아니라 전 세계 영화 창작 패러다임을 더욱 깊이 재창조하여 작가주의를 철학, 미학 차원에서 조작 가능한 창작 방법론으로 진일보 확장시켰으며 현상학, 정신분석 등 현대 사상과의 융합 속에서 그 사상의 깊이를 끊임없이 심화시켰다.
필자는 한국 감독 홍상수는 동아시아 언어 환경에서 작가주의 이념의 깊은 실행과 현지화 재구성의 전형적인 대표이며, 그 지위는 독특하고 대체할 수 없다고 생각한다. 서양의 작가영화가 형식 실험과 급진적 표현을 많이 강조하는 것과 달리 홍상수의 작가주의는 개인화된 서사적 시각과 영상 형식 실험의 전통을 계승했을 뿐만 아니라 이를 문화 비평과 존재 철학을 담은 표현 전략으로 전환시켰다. 그의 창작 독특성은 여러 차원에서 구현되었다. 먼저 그 개인이 성장하는 과정에서 겪은 한국 사회의 권위주의적 정치적 억압과 가정 구조의 느슨함은 그의 작품에 감정적 소외, 신분적 곤혹 등 심각한 현실적 기반을 주입했다. 게다가 그의 미국류학경력이 부여한 글로벌시야는 브레송의 미니멀리즘, 후맥의 도덕곤 경에 대한 탐구, 오쓰안지로의 정지미학 등을 융합시켜 최종적으로 일상 생활로 철학사고를 표현하는 창작 특색을 형성 할 수 있도록 하였다. 그러므로 필자는 영상 구성 미학, 서사 미학, 캐릭터 메이킹 미학, 공간 미학의 세 가지 측면에서 착안하여 홍상수의 작가주의 스타일에 대해 체계적인 분석을 전개한다.
논문 제3장에서 필자는 홍상수 영화의 영상 구성 미학에 초점을 맞추고 반공업화된 자연식 표현을 핵심으로 하는 시각 체계를 중점적으로 연구한다. 홍상수는 주류 산업 영화가 의존하는 기술적 복잡성과 극적인 시각 전략을 버리고 미니멀한 영상을 통해 감정과 철학을 전달하여 독특한 미학적 경로를 형성하고자 한다. 이 장은 세 가지 측면에서 전개된다. 첫째, 카메라의 부재가 달성한 시각적 투명성을 분석한다. 즉 고정된 긴 렌즈, 자연광 효과 등 소극적인 촬영 수법을 이용하여 기술 중개감을 약화시키고 영상을 생활의 본질에 가깝게 하며 기술, 시간과 관람의 윤리적 차원에서 관중들이 인물에 대한 심리적 감지를 강화하는 메커니즘을 설명 한다. 둘째, 인물 정서에 대한 미니멀한 구도의 초점, 점채화식 색채 운용이 구축한 심리적 암시 및 근중경별이 가져온 감정 연결을 포함한 시각적 요소와 정서 표현의 깊은 융합을 제시한다. 셋째, 기호학 이론을 바탕으로 일상물의 시학적 기능을 분석한다. 예를 들어 커피, 술 등은 욕망의 매개체이고 자연 공간은 심리적 은유로서 일상 물품이 홍상수의 영상에서 상징적 의미와 서사적 역할을 나타낸다.
제4장은 홍상수의 일상생활 서사 미학을 중심으로 전개되는데, 필자는 작가주의를 핵심으로 하는 서사 구조를 중점적으로 분석한다. 홍상수는 의도적으로 극적인 충돌을 회피하고 일상생활에서 이야기를 추출하여 주류 영화와의 현저한 차이를 형성한다. 이 장은 세 가지 측면에서 논술한다. 첫째, 파편화된 서사 기법을 분석한다. 예를 들어 일상적인 대화로 줄거리를 약화시키고 반복과 회상 등 비선형 구조를 이용하여 심리적 진실을 복원하며 인물의 다중 신분이 반영하는 자기 정체성의 곤경을 분석한다. 둘째, 유형화된 감정 관계 표현을 정리하고 가정 중의 감정 소외, 우정 중의 신뢰 흔들림과 사랑 중의 모호한 탐색을 포함하며 인간 감정의 복잡한 유형을 나타낸다; 셋째, 성 역할의 유형화 형성을 연구하고 남성 감정의 내적 회피와 여성 감정의 주동적인 표현을 비교하며 양성 상호작용에서의 도덕적 모호성을 분석함으로써 현대 성 관계의 현실적 곤경을 제시한다.
제5장은 홍상수의 즉흥적인 캐릭터 메이킹 미학에 초점을 맞추어 사전 설정된 극본을 돌파하고 공연 모델을 고착화하는 창작 논리를 설명하기 위한 것이다. 이 장은 세 가지 차원에서 분석을 전개한다. 즉, 언어 차원에서 독백과 대화가 어떻게 캐릭터 심리를 외화시키는지 연구하고 반복과 차이를 통해 서사 추진과 철학 사변을 실현한다. 창작 모델 차원에서 고정된 극본이 가져오지 않는 공연의 자유도, 느슨한 구조가 인과 논리에 대한 해소, 그리고 즉흥 창작과 작가 스타일의 융합 메커니즘을 분석한다. 공연 차원에서 탈극화 기법을 분석한다. 예를 들어 공연의 하자와 행위의 공백이 진실감에 대한 조성, 그리고 자연환경이 심리 상태에 대한 보이지 않는 매핑을 분석하여 최종적으로 생활에 가까운 공연 미학을 구축한다.
제6장 홍상수의 생활 경험에 기초한 공간 미학을 연구하고 필자는 공간이 감정적 매개체와 심리적 연장으로서의 서사적 기능을 중점적으로 논술한다. 이 장은 공간 유형에 따라 전개된다. 개인 공간은 감정이 부족한 장소로 해석되고 거소와 면회 공간은 친밀한 관계의 소외와 사교 공연의 곤경을 상징한다. 공공 공간은 보행 중의 고독한 체험과 카페 내의 교류 장애와 같은 감정 표현의 정체를 부각시킨다. 자연공간은 치유와 전환의 의의를 부여받아 수역과 산림 두 종류로 나뉘는데 각각 정서방출과 심리 전환의 기능을 담당한다. 공간의 미학적 전환을 통해 홍상수는 현대인의 생존 상태에 대한 깊은 통찰을 보여준다.

번역하기

현대 영화 미학 분야에서 작가주의는 날로 학계와 창작계의 관심의 초점이 되고 있다. 필자는 감독을 창작의 핵심으로 하고 개체 주관 정신과 예술 이념 표현을 강조하는 이 모델의 발전 맥...

목차 (Table of Contents)