19세기 유럽에서의 1 Piano 4 Hands 편곡의 대리적 기능: 작곡가 자필 편곡을 중심으로

국문 초록 (Abstract)

19세기 유럽은 피아노가 가정과 사회의 중심 악기로 자리 잡은 시기였다. 산업혁명 이후 중산층의 성장과 인쇄·출판 기술의 발달은 음악의 향유 방식을 근본적으로 변화시켰다. 대규모 공연장을 찾기 어려웠던 일반 청중에게 피아노는 음악 감상의 주요 매개였으며, 그중에서도 한 대의 피아노를 두 사람이 연주하는 1 Piano 4 Hands 형식
은 가정과 살롱에서 가장 보편화된 음악 향유 방식 중 하나로 정착하였다. 이 형식은 단순한 오락을 넘어 사교적 소통과 교양의 상징으로 인식되었으며, 연주자 간의 상호 소통과 협응을 통해 음악적 친밀성과 사회적 품위를 동시에 표현하는 장이 되었다.
이러한 문화적 환경 속에서 다수의 작곡가들은 자신의 관현악 혹은 실내악 작품을 직접 1 Piano 4 Hands 자필 편곡으로 재구성하였다. 그들은 이 과정을 통해 원곡의 음악적 본질을 다른 매체로 옮겨 담는 동시에, 새로운 청중 층과 유통 환경에 대응하였다.
기존 연구는 이러한 자필 편곡을 주로 교육적·사교적 차원에서만 조명하거나, 형식적·기술적 분석에 머무르는 경향이 있었다. 이에 본 연구는 자필 편곡이 19세기 유럽의 음악문화 속에서 수행한 ‘대리적(Surrogate) 기능’을 규명함으로써, 피아노 듀엣을 원작의 단순한 축소판이 아닌 ‘음악의 또 다른 존재 방식’으로 고찰한다.
연구 대상은 19세기 유럽의 주요 작곡가 슈베르트 (Franz Schubert, 1797-1828, 오스트리아), 리스트 (Franz Liszt, 1811–1886, 헝가리), 프랑크 (César Franck, 1822–1890, 벨기에), 브람스 (Johannes Brahms, 1833–1897, 독일), 차이코프스키 (Pyotr Ilyich Tchaikovsky, 1840–1893, 러시아), 그리그 (Edvard Grieg, 1843–1907, 노르웨이)의 자필 1 Piano 4 Hands 편곡 여섯 곡이다. 본 논문은 모든 작품을 세밀하게 분석하기보다, 각 곡의 핵심 단락(서주부, 제1·2주제, 경과부, 코다 등)을 중심으로 원곡의 음악적 요소가 포핸즈 편곡 속에서 어떻게 구현되고 변용되는지를 살핀다. 이러한 비교를 통해 작곡가가 편곡 과정에서 드러낸 미학적 판단과 해석적 개입의 양상을 밝히고자 한다.
연구 방법으로는 첫째, 작곡가, 작품, 시대 상황에 관한 논문, 단행본, 악보 등을 통한 문헌 고찰, 둘째, 원곡과 편곡본의 핵심 구간 비교를 통한 악보 분석, 셋째, 19세기 음악 소비 구조와 출판 환경에 대한 사회사적 접근을 중심으로 진행하였다. 이를 통해 자필 편곡은 단순히 실연의 대체물이 아니라, 작곡가의 미학적 의식이 피아노라는 매체 속에서 재현된 해석적 행위임을 규명한다.
연구 결과, 자필 포핸즈 편곡은 세 가지 측면에서 ‘대리적 기능’을 수행한 것으로 나타났다. 첫째, 음향적 대리성으로서의 기능이다. 작곡가들은 관현악의 질감과 다층적 음향을 두 연주자의 협응과 음역 분배를 통해 재현하며, 피아노의 한계를 창의적으로 보완하였다. 둘째, 사회적 대리성이다. 포핸즈 편곡은 공연장을 대신해 가정과 살롱에서 음악을 향유할 수 있게 함으로써, 음악의 접근성과 유통 범위를 확대하였다. 셋째, 미학적 대리성이다. 자필 편곡은 작곡가 자신의 해석과 미적 판단이 내재된 2차 창작 행위로서, 원곡의 정체성을 새로운 매체 속에 재구성하였다.
결론적으로, 1 Piano 4 Hands 자필 편곡은 19세기 음악문화에서 ‘음악의 사회적 확산을 가능하게 한 매체이자, 원작을 재해석하는 창작적 대리자’로 기능하였다. 본 연구는 이와 같은 관점에서 포핸즈 편곡을 단순한 교육적 산물이 아닌, 작곡가의 미학과 시대의 청취 문화를 드러내는 창조적 과정으로 재조명한다. 이러한 논의는 편곡 연구를 둘러싼 ‘원본과 대체물’의 위계적 관계를 재고하고, 나아가 19세기 음악의 수용사와 매체미학을 보다 확장된 시야에서 탐구하는 데 의의를 지닌다.

다국어 초록 (Multilingual Abstract)

The nineteenth century in Europe was marked by the piano's emergence as the
central instrument of both domestic and social life. Following the Industrial
Revolution, the growth of the middle class and the development of printing and
publishing technologies fundamentally transformed modes of musical consumption.
For the general public, who had limited access to large concert venues, the piano
served as a primary medium for musical experience. Among its forms, the "one
piano, four hands" (piano duet) genre was the most widespread means of musical
enjoyment in homes and salons. More than a pastime, it was regarded as a symbol
of sociability and cultural refinement, serving as a space where performers could
express both musical intimacy and social decorum through cooperation and
interaction.
Within this cultural environment, many composers personally transcribed their
orchestral or chamber works for one piano, four hands (autograph transcriptions).
This process allowed them not only to translate the musical essence of the original
into a new medium but also to proactively respond to emerging audiences and
distribution channels. However, prior scholarship has typically confined its scope to
formal and technical analysis or treated these autograph transcriptions merely as
products of educational or social functions. This study, therefore, examines the
surrogate function performed by these autograph arrangements within
nineteenth-century European musical culture, considering the piano duet not as a
simple reduction of the original but as “another mode of musical existence.”
The study's corpus comprises six autograph one-piano, four-hand arrangements
by major nineteenth-century European composers: Franz Schubert, Franz Liszt,
Johannes Brahms, César Franck, Pyotr Ilyich Tchaikovsky, and Edvard Grieg.
Rather than an exhaustive analysis of all six works, this dissertation focuses on
principal structural sections (e.g., introduction, primary/secondary themes, transition,
and coda) to investigate how the musical elements of the orchestral originals were
realized and transformed within the piano duet medium. Through these comparisons,
the study reveals the composers’ aesthetic decisions and interpretive interventions
within the process of transcription.
The research employs three primary methods: (1) a review of documentary
sources, including publishing records, correspondence, and first editions; (2) a
comparative score analysis of key sections in the original and arranged versions;
and (3) a socio-historical examination of nineteenth-century music consumption and
publishing environments. These approaches demonstrate that autograph transcriptions
were not merely substitutes for orchestral performance but interpretive acts through
which composers rearticulated their aesthetic consciousness within the medium of
the piano.
The findings reveal that the autograph piano-duet transcriptions fulfilled three
distinct forms of surrogate function: (1) Sonic Surrogacy, where composers
creatively compensated for orchestral textures and multi-layered sonorities through
the coordinated register distribution between the two performers; (2) Social
Surrogacy, in which the duets enabled musical participation and dissemination
within domestic and salon settings, effectively replacing public concerts for many;
and (3) Aesthetic Surrogacy, in which the composer’s own interpretation and artistic
judgment were embedded in a secondary act of creation, thus reconfiguring the
identity of the original work within a new medium.
In conclusion, the autograph one-piano, four-hand transcription functioned in
nineteenth-century musical culture as both a medium for the social dissemination of
music and a creative surrogate that reinterpreted the original work. From this
perspective, the present study reconsiders the piano duet not as an educational
derivative but as a creative and interpretive process reflecting the composer’s
aesthetics and the listening culture of the age. In doing so, it challenges the
hierarchical opposition between “original” and “substitute” within arrangement
studies and contributes to a broader understanding of nineteenth-century musical
reception and media aesthetics.

목차 (Table of Contents)

• 악보 목차 ⅲ
• 표 목차 ⅺ
• 국문초록 ⅻ
• Ⅰ. 서론 1
• 1. 연구의 배경 및 필요성 1
• 2. 연구 문제 2
• 3. 연구 목적 3
• 4. 연구의 범위 및 방법 3
• 5. 선행연구 검토 5
• Ⅱ. 본론 6
• 1. 19세기 유럽의 사회적 배경과 음악문화 6
• 2. 피아노 포핸즈의 매체적 기능 7
• 2.1. 보급적 기능 7
• 2.2. 교육적 기능 7
• 2.3. 사회적 기능 8
• 2.4. 대리적 기능 8
• 3. 작품별 핵심단락연구 10
• 3.1. 슈베르트 <이탈리아 양식의 서곡 라장조, D.590> 10
• 3.2. 리스트 <교향시 제 3번 ‘전주곡’, S.97> 36
• 3.3. 프랑크 <레 에올리드, FWV 43> 69
• 3.4. 브람스 <대학축전서곡, Op.80> 100
• 3.5. 차이코프스키 <이탈리아 기상곡, Op.45> 131
• 3.6. 그리그 <페르 귄트 모음곡 제 1번, Op.46> 159
• Ⅲ. 결론 185
• 참고문헌 187
• Abstract 194